Piano di tesi: l'originalità nazionale del realismo russo. Caratteristiche del realismo nella letteratura russa

Gli anni '30 e '40 del XIX secolo furono un periodo di crisi dei concetti educativi e soggettivo-romantici. Illuministi e romantici sono accomunati da una visione soggettiva del mondo. Non comprendevano la realtà come un processo oggettivo che si sviluppa secondo le proprie leggi, indipendentemente dal ruolo delle persone. Nella lotta contro il male sociale, i pensatori dell'Illuminismo facevano affidamento sul potere delle parole e dell'esempio morale, mentre i teorici del romanticismo rivoluzionario facevano affidamento sulla personalità eroica. Entrambi hanno sottovalutato il ruolo del fattore oggettivo nello sviluppo della storia.

Rivelando le contraddizioni sociali, i romantici, di regola, non vedevano in esse un'espressione dei reali interessi di alcuni segmenti della popolazione e quindi non collegavano il loro superamento con una specifica lotta sociale e di classe.

Il movimento rivoluzionario di liberazione ha svolto un ruolo importante nella comprensione realistica della realtà sociale. Fino alle prime potenti rivolte della classe operaia, l’essenza della società borghese e la sua struttura di classe rimasero in gran parte misteriose. La lotta rivoluzionaria del proletariato ha permesso di rimuovere il sigillo del mistero dal sistema capitalista e di metterne in luce le contraddizioni. Pertanto, è del tutto naturale che fu negli anni '30 e '40 del XIX secolo che il realismo nella letteratura e nell'arte fu stabilito nell'Europa occidentale. Esponendo i vizi della servitù della gleba e della società borghese, lo scrittore realista trova la bellezza nella stessa realtà oggettiva. Il suo eroe positivo non elevato al di sopra della vita (Bazàrov a Turgenev, Kirsanov, Lopukhov a Chernyshevsky, ecc.). Di norma, riflette le aspirazioni e gli interessi delle persone, le opinioni dei circoli avanzati dell'intellighenzia borghese e nobile. L'arte realistica elimina la disconnessione tra ideale e realtà, caratteristica del romanticismo. Naturalmente, nelle opere di alcuni realisti ci sono vaghe illusioni romantiche in cui si parla dell'incarnazione del futuro (“Il sogno di un uomo divertente” di Dostoevskij, “Cosa fare?” Chernyshevskij...), e in in questo caso si può giustamente parlare della presenza nel loro lavoro di tendenze romantiche. Il realismo critico in Russia fu una conseguenza del riavvicinamento della letteratura e dell'arte alla vita.

I realisti del 20° secolo hanno ampiamente ampliato i confini dell’arte. Cominciarono a rappresentare i fenomeni più ordinari e prosaici. La realtà entrava nelle loro opere con tutti i suoi contrasti sociali e le tragiche dissonanze. Ruppero decisamente con le tendenze idealizzanti dei karamzinisti e dei romantici astratti, nelle cui opere perfino la povertà, come diceva Belinsky, appariva “ordinata e lavata”.

Il realismo critico fece un passo avanti sulla via della democratizzazione della letteratura anche rispetto all'opera degli illuministi del XVIII secolo. Ha avuto una visione molto più ampia della sua realtà contemporanea. La modernità feudale è entrata nelle opere dei realisti critici non solo come l'arbitrarietà dei proprietari servi, ma anche come la tragica situazione delle masse: i contadini servi, le persone urbane diseredate. Nelle opere di Fielding, Schiller, Diderot e altri scrittori dell'Illuminismo, l'uomo della classe media era ritratto principalmente come l'incarnazione della nobiltà, dell'onestà e quindi si opponeva agli aristocratici corrotti e disonesti. Si è rivelato solo nella sfera della sua alta coscienza morale. La sua vita quotidiana, con tutti i suoi dolori, sofferenze e preoccupazioni, è rimasta sostanzialmente fuori dallo scopo della storia. Solo tra i sentimentalisti dalla mentalità rivoluzionaria (Rousseau e soprattutto Radishchev) e tra i singoli romantici (Hu, Hugo, ecc.) questo tema riceve un'elaborazione.

Nel realismo critico si è verificata una tendenza al completo superamento della retorica e del didatticismo, presenti nelle opere di molti educatori. Nelle opere di Diderot, Schiller, Fonvizin, accanto a immagini tipiche che incarnano la psicologia delle classi reali della società, c'erano eroi che incarnavano le caratteristiche ideali della coscienza illuminista. L'apparenza del brutto non è sempre bilanciata nel realismo critico dall'immagine del corretto, obbligatoria per la letteratura educativa del XVIII secolo. L'ideale nell'opera dei realisti critici si afferma spesso attraverso la negazione dei brutti fenomeni della realtà.

L'arte realistica svolge la sua funzione analitica non solo rivelando le contraddizioni tra oppressori e oppressi, ma anche mostrando il condizionamento sociale dell'uomo. Il principio di socialità: l'estetica del realismo critico. I realisti critici nel loro lavoro portano all'idea che il male non è radicato nell'uomo, ma nella società. I realisti non si limitano alla critica della morale e della legislazione contemporanea. Sollevano la questione della natura disumana dei fondamenti stessi della società borghese e servile.

Nello studio della vita, i realisti critici andarono oltre non solo Sue, Hugo, ma anche gli illuministi del XVIII secolo Diderot, Schiller, Fildini, Smolett criticarono aspramente la modernità feudale da una posizione realistica, ma la loro critica andò in una direzione ideologica. Hanno denunciato le manifestazioni della servitù della gleba non nella sfera economica, ma principalmente in quella legale, morale, religiosa e politica.

Nelle opere degli illuministi, un posto importante è occupato dall'immagine di un aristocratico depravato che non riconosce alcuna restrizione alle sue concupiscenze sensuali. La depravazione dei governanti è descritta nella letteratura educativa come un prodotto delle relazioni feudali, in cui la nobiltà aristocratica non conosce divieti sui propri sentimenti. Il lavoro degli illuministi rifletteva la mancanza di diritti delle persone, l'arbitrarietà dei principi che vendevano i loro sudditi ad altri paesi. Gli scrittori del XVIII secolo criticarono aspramente il fanatismo religioso (“La Monaca” di Diderot, “Natana il Saggio” di Lessinia), si opposero alle forme di governo preistoriche e sostenevano la lotta dei popoli per la loro indipendenza nazionale (“Don Carlos” di Schiller, “Egmant” di Goethe).

Pertanto, nella letteratura educativa del XVIII secolo, la critica alla società feudale avviene principalmente in termini ideologici. I realisti critici hanno ampliato la gamma tematica dell'arte delle parole. Una persona, indipendentemente dallo strato sociale a cui appartiene, è caratterizzata da essi non solo nella sfera della coscienza morale, ma è anche raffigurata nell'attività pratica quotidiana.

Il realismo critico caratterizza l'uomo universalmente come un individuo specifico storicamente stabilito. Gli eroi di Balzac, Saltykov-Shchedrin, Cechov e altri sono raffigurati non solo nei momenti sublimi della loro vita, ma anche nelle situazioni più tragiche. Descrivono l'uomo come un essere sociale, formato sotto l'influenza di alcune ragioni storico-sociali. Caratterizzando il metodo di Balzac, G.V. Plekhanov osserva che il creatore della Commedia Umana “ha preso” le passioni nella forma che dava loro la società borghese del suo tempo; Con l'attenzione di uno scienziato naturale, osservò come crescevano e si sviluppavano in un dato ambiente sociale. Grazie a ciò divenne un realista nel vero senso della parola, e i suoi scritti rappresentano una fonte indispensabile per studiare la psicologia della società francese durante la Restaurazione e “Luigi Filippo”. Tuttavia, l'arte realistica è più della riproduzione di una persona nelle relazioni sociali.

Anche i realisti russi del XIX secolo rappresentavano la società in contraddizioni e conflitti, che riflettevano il movimento reale della storia e rivelavano la lotta delle idee. Di conseguenza, la realtà appariva nel loro lavoro come un “flusso ordinario”, come una realtà semovente. Il realismo rivela la sua vera essenza solo se l'arte è considerata dagli scrittori come un riflesso della realtà. In questo caso, i criteri naturali del realismo sono la profondità, la verità, l'obiettività nel rivelare le connessioni interne della vita, i personaggi tipici che agiscono in circostanze tipiche, e i determinanti necessari della creatività realistica sono lo storico, la nazionalità del pensiero dell'artista. Il realismo è caratterizzato dall'immagine di una persona in unità con il suo ambiente, dalla specificità sociale e storica dell'immagine, del conflitto, della trama e dall'uso diffuso di strutture di genere come il romanzo, il dramma, la storia, la storia.

Il realismo critico fu segnato da una diffusione senza precedenti dell'epica e del dramma, che sostituì notevolmente la poesia. Tra i generi epici, il romanzo ha guadagnato la massima popolarità. La ragione del suo successo è principalmente che consente allo scrittore realista di attuare nel modo più completo la funzione analitica dell'arte, di smascherare le cause del male sociale.

Il realismo critico ha dato vita a un nuovo tipo di commedia, basata su un conflitto non tradizionalmente amoroso, ma sociale. La sua immagine è “L’ispettore generale” di Gogol, una satira tagliente sulla realtà russa degli anni ’30 del XIX secolo. Gogol nota l'obsolescenza della commedia con temi d'amore. A suo avviso, nell'“era mercantile”, “il rango, il capitale monetario, il matrimonio redditizio” hanno più “elettricità” che amore. Gogol ha trovato una situazione così comica che ha permesso di penetrare nelle relazioni sociali dell'epoca e di ridicolizzare i ladri cosacchi e i corruttori. “La commedia”, scrive Gogol, “deve intrecciarsi, con tutta la sua massa, in un unico grande nodo. La trama dovrebbe abbracciare tutti i volti, e non solo uno o due, - toccare ciò che preoccupa più o meno i personaggi. Tutti sono eroi qui”.

I realisti critici russi descrivono la realtà dal punto di vista delle persone oppresse e sofferenti, che nelle loro opere fungono da misura di valutazioni morali ed estetiche. L'idea di nazionalità è la principale determinante del metodo artistico dell'arte realistica russa del XIX secolo.

Il realismo critico non si limita a mettere in luce il brutto. Descrive anche gli aspetti positivi della vita: duro lavoro, bellezza morale, poesia dei contadini russi, desiderio dei nobili avanzati e dell'intellighenzia comune per attività socialmente utili e molto altro ancora. Alle origini del realismo russo del XIX secolo c'è A.S. Puškin. Un ruolo importante nell'evoluzione ideologica ed estetica del poeta fu svolto dal suo riavvicinamento ai Decabristi durante il suo esilio meridionale. Ora trova nella realtà il supporto per la sua creatività. L'eroe della poesia realistica di Pushkin non è isolato dalla società, non fugge da essa, è intrecciato con i processi naturali e socio-storici della vita. Il suo lavoro acquisisce specificità storica, intensifica la critica a varie manifestazioni di oppressione sociale, acuisce l'attenzione sulla difficile situazione delle persone ("Quando vago per la città pensieroso ...", "Il mio critico roseo ..." e altri).

Nei testi di Pushkin puoi vedere un contemporaneo vita pubblica con i suoi contrasti sociali, le ricerche ideologiche, la lotta dei progressisti contro la politica e la servitù. L'umanesimo e la nazionalità del poeta, insieme al suo storicismo, sono i determinanti più importanti del suo pensiero realistico.

Il passaggio di Pushkin dal romanticismo al realismo si è manifestato in “Boris Godunov” principalmente in un’interpretazione specifica del conflitto, in riconoscimento del ruolo decisivo del popolo nella storia. La tragedia è intrisa di profondo storicismo.

Pushkin è stato anche il fondatore del romanzo realistico russo. Nel 1836 completa " La figlia del capitano" La sua creazione è stata preceduta dal lavoro sulla "Storia di Pugachev", che rivela l'inevitabilità della rivolta dei cosacchi Yaik: "Tutto prefigurava una nuova ribellione - mancava un leader". “La loro scelta è caduta su Pugachev. Non è stato difficile per loro convincerlo”.

L'ulteriore sviluppo del realismo nella letteratura russa è associato principalmente al nome di N.V. Gogol. L'apice del suo lavoro realistico è "Dead Souls". Lo stesso Gogol considerava la sua poesia qualitativamente nuova fase nel suo biografia creativa. Nelle sue opere degli anni '30 ("L'ispettore generale" e altri), Gogol raffigura esclusivamente fenomeni negativi della società. La realtà russa appare in loro nella sua morte e immobilità. La vita degli abitanti dell'entroterra è descritta come priva di razionalità. Non c'è movimento in esso. I conflitti sono di natura comica, non intaccano le gravi contraddizioni dell'epoca.

Gogol osservò con ansia come, sotto la “crosta della terrena”, tutto ciò che è veramente umano scompariva nella società moderna, come l'uomo diventava più piccolo e volgarizzato. Considerando l'arte come una forza attiva per lo sviluppo sociale, Gogol non può immaginare la creatività che non sia illuminata dalla luce di un alto ideale estetico.

Gogol negli anni '40 era critico nei confronti della letteratura russa del periodo romantico. Vede il suo difetto nel fatto che non ha fornito un quadro corretto della realtà russa. I romantici, a suo avviso, spesso si precipitavano “al di sopra della società”, e se vi scendevano era solo per flagellarla con il flagello della satira, e non per trasmettere la propria vita come modello ai posteri. Gogol si include tra gli scrittori che critica. Non è soddisfatto del carattere prevalentemente accusatorio della sua passata attività letteraria. Gogol si pone ora il compito di una riproduzione completa e storicamente specifica della vita nel suo movimento oggettivo verso l'ideale. Non è affatto contrario alla denuncia, ma solo quando questa appare abbinata ad un'immagine di bellezza.

La continuazione delle tradizioni di Pushkin e Gogol fu opera di I.S. Turgenev. Turgenev ha guadagnato popolarità dopo la pubblicazione di "Note di un cacciatore". I risultati di Turgenev nel genere del romanzo sono enormi (“Rudin”, “ Nobile Nido", "La Eva", "Padri e figli"). In quest'area, il suo realismo ha acquisito nuove caratteristiche. Turgenev, un romanziere, si concentra sul processo storico.

Il realismo di Turgenev è stato espresso più chiaramente nel romanzo Fathers and Sons. Il lavoro è caratterizzato da un conflitto acuto. In esso si intrecciano i destini di persone con punti di vista molto diversi e posizioni diverse nella vita. I circoli nobili sono rappresentati dai fratelli Kirsanov e Odintsova, e i vari intellettuali dai Bazàrov. Nell'immagine di Bazàrov, incarnava le caratteristiche di un rivoluzionario, contrario a tutti i tipi di oratori liberali come Arkady Kirsanov, che si aggrappava al movimento democratico. Bazàrov odia l'ozio, il sibaritismo, le manifestazioni di signoria. Ritiene insufficiente limitarsi a denunciare i vizi sociali.

Il realismo di Turgenev si manifesta non solo nella rappresentazione delle contraddizioni sociali dell'epoca, negli scontri tra “padri” e “figli”. Sta anche nella rivelazione delle leggi morali che governano il mondo, nell'affermazione dell'enorme valore sociale dell'amore, dell'arte...

Il lirismo di Turgenev, la caratteristica più caratteristica del suo stile, è associato alla glorificazione della grandezza morale dell'uomo e della sua bellezza spirituale. Turgenev è uno degli scrittori più lirici del XIX secolo. Tratta i suoi eroi con interesse appassionato. I loro dolori, gioie e sofferenze sono come se fossero suoi. Turgenev collega l'uomo non solo alla società, ma anche alla natura, all'universo nel suo insieme. Di conseguenza, la psicologia degli eroi di Turgenev è l'interazione di molti componenti delle serie sia sociali che naturali.

Il realismo di Turgenev è complesso. Mostra la concretezza storica del conflitto, il riflesso del movimento reale della vita, la veridicità dei dettagli, le “eterne domande” sull'esistenza dell'amore, della vecchiaia, della morte - l'oggettività dell'immagine e della tendenziosità, il lyrium che penetra dentro l'anima.

Gli scrittori democratici (I.A. Nekrasov, N.G. Chernyshevsky, M.E. Saltykov-Shchedrin, ecc.) Hanno portato molte cose nuove nell'arte realistica. Il loro realismo era chiamato sociologico. Ciò che ha in comune è la negazione dell’attuale sistema di servitù della gleba, la dimostrazione della sua rovina storica. Da qui l'acutezza della critica sociale e la profondità dell'esplorazione artistica della realtà.

Un posto speciale nel realismo sociologico è occupato dalla domanda “Che fare?” NG Chernyshevskij. L'originalità dell'opera sta nella promozione dell'ideale socialista, di nuove visioni sull'amore, sul matrimonio e nella promozione del percorso verso la ricostruzione della società. Chernyshevskij non solo rivela la contraddizione della realtà contemporanea, ma propone anche un ampio programma per la trasformazione della vita e della coscienza umana. Lo scrittore attribuisce la massima importanza al lavoro come mezzo per formare una nuova persona e creare nuove relazioni sociali. Realismo “Cosa fare?” ha caratteristiche che lo avvicinano al romanticismo. Cercando di immaginare l'essenza del futuro socialista, Chernyshevsky inizia a pensare in modo tipicamente romantico. Ma allo stesso tempo, Chernyshevskij si sforza di superare i sogni romantici ad occhi aperti. Conduce la lotta per l'incarnazione dell'ideale socialista basato sulla realtà.

Il realismo critico russo rivela nuove sfaccettature nelle opere di F.M. Dostoevskij. Nel primo periodo ("Poveri", "Notti bianche", ecc.), Lo scrittore continua la tradizione di Gogol, descrivendo il tragico destino del "piccolo uomo".

I motivi tragici non solo non scompaiono, ma, al contrario, si intensificano ancora di più nell'opera dello scrittore negli anni '60 e '70. Dostoevskij vede tutti i problemi che il capitalismo ha portato con sé: predazione, truffe finanziarie, aumento della povertà, ubriachezza, prostituzione, criminalità, ecc. Percepiva la vita principalmente nella sua tragica essenza, in uno stato di caos e decadenza. Ciò determina il conflitto acuto e l’intenso dramma dei romanzi di Dostoevskij. Gli sembrava che nessuna situazione fantastica non potesse eclissare la natura fantastica della realtà. Ma Dostoevskij cerca una via d'uscita dalle contraddizioni del nostro tempo. Nella lotta per il futuro fa affidamento su una decisa rieducazione morale della società.

Dostoevskij considera l'individualismo e la preoccupazione per il proprio benessere la caratteristica più caratteristica della coscienza borghese, quindi lo sfatamento della psicologia individualistica è la direzione principale nel lavoro dello scrittore. L'apice della rappresentazione realistica della realtà è stata l'opera di L.M. Tolstoj. L’enorme contributo dello scrittore alla cultura artistica mondiale non è solo il risultato del suo genio, ma è anche una conseguenza della sua profonda nazionalità. Tolstoj nelle sue opere descrive la vita dal punto di vista di “cento milioni di agricoltori”, come amava dire lui stesso. Il realismo di Tolstoj si è manifestato principalmente nel rivelare i processi oggettivi di sviluppo della sua società contemporanea, nella comprensione della psicologia di varie classi, del mondo interiore di persone provenienti da vari circoli sociali. L'arte realistica di Tolstoj è stata chiaramente dimostrata nel suo romanzo epico Guerra e pace. Avendo basato il suo lavoro sul "pensiero popolare", lo scrittore ha criticato coloro che sono indifferenti al destino del popolo, della patria e vivono una vita egoistica. Lo storicismo di Tolstoj, che alimenta il suo realismo, è caratterizzato non solo da una comprensione delle principali tendenze dello sviluppo storico, ma anche da un interesse per la vita quotidiana delle persone più comuni, che tuttavia lasciano un segno evidente nel processo storico.

Quindi, il realismo critico, sia in Occidente che in Russia, è un’arte che critica e afferma allo stesso tempo. Inoltre, trova elevati valori sociali e umanistici nella realtà stessa, principalmente negli ambienti della società democraticamente e con una mentalità rivoluzionaria. Gli eroi positivi nelle opere dei realisti sono cercatori di verità, persone associate al movimento di liberazione nazionale o rivoluzionario (Carbonari in Stendhal, Neuron in Balzac) o che resistono attivamente all'attenzione corruttrice della moralità individualistica (in Dickens). Il realismo critico russo ha creato una galleria di immagini di combattenti per gli interessi popolari (Turgenev, Nekrasov). Questa è la grande originalità dell'arte realistica russa, che ne ha determinato il significato globale.

Una nuova tappa nella storia del realismo è stata l'opera di A.P. Chekhov. L’innovazione dello scrittore non sta solo nel fatto che è un maestro eccezionale della piccola forma etica. L'attrazione di Cechov per il racconto, per il racconto, aveva le sue ragioni. Come artista, era interessato alle “piccole cose della vita”, tutta quella quotidianità che circonda una persona, influenzando la sua coscienza. Ha rappresentato la realtà sociale nel suo flusso ordinario e quotidiano. Da qui l'ampiezza delle sue generalizzazioni nonostante l'apparente ristrettezza della sua gamma creativa.

I conflitti nelle opere di Cechov non sono il risultato del confronto tra eroi che si scontrano tra loro per un motivo o per l'altro, sorgono sotto la pressione della vita stessa, riflettendo le sue contraddizioni oggettive. Le caratteristiche del realismo di Cechov, volte a rappresentare i modelli della realtà che determinano il destino delle persone, erano vividamente incarnate in The Cherry Orchard. Lo spettacolo è molto ambiguo nel suo contenuto. Contiene motivi elegiaci legati alla morte del giardino, la cui bellezza viene sacrificata per interessi materiali. Pertanto, lo scrittore condanna la psicologia del mercantelium, che il sistema borghese ha portato con sé.

Nel senso stretto del termine, il concetto di “realismo” significa un movimento storico specifico nell'arte del XIX secolo, che dichiarava la corrispondenza con la verità della vita come base del suo programma creativo. Il termine fu proposto per la prima volta dal critico letterario francese Chanfleury negli anni '50 del XIX secolo. Questo termine è entrato nel vocabolario di persone di diversi paesi in relazione alle varie arti. Se in senso lato il realismo è una caratteristica comune nel lavoro di artisti appartenenti a diversi movimenti e direzioni artistiche, allora in senso stretto il realismo è una direzione separata, diversa dalle altre. Pertanto, il realismo si oppone al precedente romanticismo, superando il quale, di fatto, si è sviluppato. La base del realismo del 19 ° secolo era un atteggiamento fortemente critico nei confronti della realtà, motivo per cui ricevette il nome di realismo critico. La particolarità di questa direzione è la produzione e la riflessione di acuto problemi sociali, un desiderio cosciente di pronunciarsi sui fenomeni negativi della vita sociale. Il realismo critico si concentrava sulla rappresentazione della vita delle fasce svantaggiate della società. Il lavoro degli artisti di questo movimento è come uno studio sulle contraddizioni sociali. Le idee del realismo critico furono incarnate più chiaramente nell'arte francese della prima metà del XIX secolo, nelle opere di G. Courbet e J.F. Millais ("I raccoglitori di orecchie" 1857).

Naturalismo. Nelle belle arti, il naturalismo non era presentato come un movimento chiaramente definito, ma era presente sotto forma di tendenze naturalistiche: nel rifiuto della valutazione pubblica, nella tipizzazione sociale della vita e nella sostituzione della rivelazione della propria essenza con l'autenticità visiva esterna. Queste tendenze hanno portato a tratti come la superficialità nella rappresentazione degli eventi e la copia passiva di dettagli minori. Queste caratteristiche apparivano già nella prima metà del XIX secolo nelle opere di P. Delaroche e O. Vernet in Francia. La copia naturalistica degli aspetti dolorosi della realtà, la scelta di tutti i tipi di deformità come temi hanno determinato l'originalità di alcune opere di artisti che gravitano verso il naturalismo.

Una svolta consapevole della nuova pittura russa verso il realismo democratico, la nazionalità e la modernità emerse alla fine degli anni '50, insieme alla situazione rivoluzionaria del paese, alla maturazione sociale dell'intellighenzia delle varie classi, all'illuminismo rivoluzionario di Chernyshevskij, Dobrolyubov , Saltykov-Shchedrin, con la poesia amante della gente di Nekrasov. Nei “Saggi sul periodo di Gogol” (nel 1856), Chernyshevskij scrive: “Se la pittura si trova oggi generalmente in una posizione piuttosto pietosa, il motivo principale Inoltre, bisogna considerare l'alienazione di quest'arte dalle aspirazioni moderne." La stessa idea è stata citata in molti articoli sulla rivista Sovremennik.

Ma la pittura stava già cominciando a unirsi alle aspirazioni moderne, prima di tutto a Mosca. La Scuola di Mosca non godeva nemmeno di un decimo dei privilegi dell'Accademia delle arti di San Pietroburgo, ma era meno dipendente dai suoi dogmi radicati e l'atmosfera al suo interno era più vivace. Sebbene gli insegnanti della Scuola siano per lo più accademici, gli accademici sono secondari e vacillanti: non hanno represso con la loro autorità come all'Accademia F. Bruni, il pilastro della vecchia scuola, che un tempo gareggiava con Bryullov con il suo dipinto “Il serpente di rame”.

Perov, ricordando gli anni del suo apprendistato, disse che venivano lì "da tutta la grande e diversificata Russia. E dove avevamo studenti!... Venivano dalla lontana e fredda Siberia, dalla calda Crimea e Astrakhan, dalla Polonia , il Don, anche dalle Isole Soloveckie e dall'Athos, e infine da Costantinopoli... Dio, che folla diversificata si riuniva tra le mura della Scuola!...”

Talenti originali, cristallizzati da questa soluzione, da questa mescolanza eterogenea di “tribù, dialetti e stati”, hanno finalmente cercato di raccontare ciò che vivevano, ciò che era loro vitalmente vicino. A Mosca questo processo ebbe inizio; a San Pietroburgo fu presto segnato da due eventi decisivi che posero fine al monopolio accademico nell’arte. Primo: nel 1863, 14 diplomati dell'Accademia, guidati da I. Kramskoy, rifiutarono di scrivere un quadro di laurea basato sulla trama proposta di "La festa nel Valhalla" e chiesero di poter scegliere i soggetti stessi. Furono rifiutati e lasciarono con aria di sfida l'Accademia, formando un Artel indipendente di artisti simili ai comuni descritti da Chernyshevskij nel romanzo "Cosa si deve fare?" Il secondo evento fu la creazione nel 1870

L'Associazione delle mostre itineranti, la cui anima era lo stesso Kramskoy.

L'Associazione degli Itineranti, a differenza di molte associazioni successive, fece a meno di dichiarazioni e manifesti. Il suo statuto prevedeva soltanto che i membri del partenariato dovessero gestire i propri affari finanziari, senza dipendere da nessuno in questo senso, e anche organizzare mostre stesse e portarle in diverse città ("spostarsi" in Russia) per far conoscere al paese le Arte russa. Entrambi questi punti erano di notevole importanza, affermando l'indipendenza dell'arte dalle autorità e la volontà degli artisti di comunicare ampiamente con le persone non solo nella capitale. Il ruolo principale nella creazione del partenariato e nello sviluppo della sua carta è stato, oltre a Kramskoy, Myasoedov, Ge - di San Pietroburgo e moscoviti - Perov, Pryanishnikov, Savrasov.

Il 9 novembre 1863, un folto gruppo di diplomati dell'Accademia delle arti si rifiutò di scrivere opere di concorso sull'argomento proposto dalla mitologia scandinava e lasciò l'Accademia. I ribelli erano guidati da Ivan Nikolaevich Kramskoy (1837-1887). Si unirono in un artel e iniziarono a vivere come una comune. Sette anni dopo si sciolse, ma ormai nacque l'“Associazione Inserzioni Artistiche Viaggianti”, un'associazione professionale e commerciale di artisti che ricoprivano posizioni ideologiche simili.

I Peredvizhniki erano uniti nel rifiuto dell’“accademismo” con la sua mitologia, i paesaggi decorativi e la pomposa teatralità. Volevano rappresentare la vita viva. Le scene di genere (quotidiane) occupavano un posto di primo piano nel loro lavoro. I contadini godevano di particolare simpatia per gli “Itinerante”. Mostravano la sua posizione bisognosa, sofferente e oppressa. A quel tempo - negli anni '60 e '70. XIX secolo - lato ideologico

l'arte era valutata più dell'estetica. Solo col tempo gli artisti si sono ricordati del valore intrinseco della pittura.

Forse il più grande tributo all'ideologia fu pagato da Vasily Grigorievich Perov (1834-1882). Basti ricordare i suoi dipinti come "L'arrivo del capo delle indagini", "Tea Party a Mytishchi". Alcune delle opere di Perov sono intrise di vera tragedia ("Troika", "Vecchi genitori alla tomba del figlio"). Perov dipinse numerosi ritratti dei suoi famosi contemporanei (Ostrovsky, Turgenev, Dostoevskij).

Alcuni dipinti degli “Itinerante”, dipinti dal vero o ispirati a scene reali, hanno arricchito le nostre idee sulla vita contadina. Il film di S. A. Korovin “On the World” mostra uno scontro in un raduno rurale tra un uomo ricco e un uomo povero. V. M. Maksimov ha catturato la rabbia, le lacrime e il dolore della divisione familiare. La solenne festa del lavoro contadino si riflette nel dipinto “Falciatrici” di G. G. Myasoedov.

La ritrattistica occupava il posto principale nell’opera di Kramskoy. Ha scritto Goncharov, Saltykov-Shchedrin, Nekrasov. Ne possiede uno migliori ritratti Lev Tolstoj. Lo sguardo dello scrittore non lascia lo spettatore, non importa da quale punto guardi la tela. Una delle opere più potenti di Kramskoy è il dipinto “Cristo nel deserto”.

La prima mostra degli “Itinerante”, inaugurata nel 1871, dimostrò in modo convincente l'esistenza di una nuova direzione che prese forma nel corso degli anni '60. C'erano solo 46 mostre (a differenza delle ingombranti mostre dell'Accademia), ma accuratamente selezionate, e sebbene la mostra non fosse deliberatamente programmatica, il programma complessivo non scritto emergeva abbastanza chiaramente. Erano rappresentati tutti i generi - storico, vita quotidiana, ritrattistica paesaggistica - e il pubblico poteva giudicare quali novità portavano loro i "Vagabondi". Solo una scultura fu sfortunata, e quella fu la piccola scultura notevole di F. Kamensky), ma questo tipo di arte fu "sfortunata" per molto tempo, in effetti, per tutta la seconda metà del secolo.

All'inizio degli anni '90, tra i giovani artisti della scuola di Mosca, c'erano però quelli che continuavano degnamente e seriamente la tradizione civile itinerante: S. Ivanov con il suo ciclo di dipinti sugli immigrati, S. Korovin - l'autore di il dipinto “On the World”, dove è interessante e i conflitti drammatici (davvero drammatici!) del villaggio pre-riforma vengono rivelati con cura. Ma non davano il tono: si avvicinava l'ingresso in prima linea nel “Mondo dell'Arte”, altrettanto distante dagli Erranti e dall'Accademia. Com’era l’Accademia in quel periodo? I suoi precedenti atteggiamenti rigoristici artistici erano svaniti; non insisteva più sulle rigide esigenze del neoclassicismo, sulla famigerata gerarchia dei generi; era abbastanza tollerante nei confronti del genere quotidiano, preferiva solo che fosse “bello” piuttosto che “contadino” ( un esempio di "belle" opere non accademiche - scene dell'antica vita dell'allora popolare S. Bakalovich). Per la maggior parte, la produzione non accademica, come in altri paesi, era un salotto borghese, la sua “bellezza” era una volgare bellezza. Ma non si può dire che non abbia presentato talenti: G. Semiradsky, menzionato sopra, e V. Smirnov, morto prematuramente (che riuscì a creare l'imponente grande dipinto “La morte di Nerone”) avevano molto talento; Non si possono negare alcuni meriti artistici dei dipinti di A. Svedomsky e V. Kotarbinsky. Repin parlò con approvazione di questi artisti, considerandoli portatori dello “spirito ellenico” nei suoi ultimi anni, e Vrubel ne rimase colpito, proprio come Aivazovsky, anche lui artista “accademico”. D'altra parte, niente meno che Semiradsky, durante la riorganizzazione dell'Accademia, si espresse decisamente a favore del genere quotidiano, indicando Perov, Repin e V. Mayakovsky come esempi positivi. Quindi c'erano abbastanza punti di convergenza tra gli “Itinerante” e l'Accademia, e l'allora vicepresidente dell'Accademia I.I. lo capì. Tolstoj, su iniziativa della quale furono chiamati a insegnare i principali “Itinerante”.

Ma la cosa principale che non ci consente di ignorare completamente il ruolo dell'Accademia delle arti, principalmente come istituzione educativa, nella seconda metà del secolo è il semplice fatto che molti artisti eccezionali emersero dalle sue mura. Questi sono Repin, Surikov, Polenov e Vasnetsov, e più tardi - Serov e Vrubel. Inoltre, non ripeterono la “rivolta dei quattordici” e, a quanto pare, beneficiarono del loro apprendistato. Più precisamente, tutti hanno beneficiato delle lezioni di P.P. Chistyakov, che per questo fu chiamato il "maestro universale". Chistyakova merita un'attenzione speciale.

C'è persino qualcosa di misterioso nella popolarità universale di Chistyakov tra artisti molto diversi nella loro individualità creativa. Il tranquillo Surikov scrisse lunghe lettere a Chistyakov dall'estero. V. Vasnetsov si rivolse a Chistyakov con le parole: "Vorrei essere chiamato tuo figlio nello spirito". Vrubel si definiva con orgoglio un cistyakovita. E questo, nonostante il fatto che come artista Chistyakov fosse di secondaria importanza, scrisse poco. Ma come insegnante era unico nel suo genere. Già nel 1908 Serov gli scrisse: "Ti ricordo come un insegnante e ti considero l'unico vero insegnante (in Russia) delle leggi eterne e incrollabili della forma - che è l'unica cosa che può essere insegnata". La saggezza di Chistyakov consisteva nel comprendere cosa può e deve essere insegnato come base dell'abilità necessaria, e cosa non può essere insegnato - ciò che deriva dal talento e dalla personalità dell'artista, che deve essere rispettato e trattato con comprensione e cura. Pertanto, il suo sistema di insegnamento del disegno, dell'anatomia e della prospettiva non ha incatenato nessuno, ognuno ne ha estratto ciò di cui aveva bisogno per se stesso, c'era spazio per talenti e ricerche personali e sono state gettate solide basi. Chistyakov non ha lasciato una dichiarazione dettagliata del suo "sistema", ma è ricostruito principalmente dai ricordi dei suoi studenti. Questo era un sistema razionalistico, la sua essenza era un approccio analitico consapevole alla costruzione della forma. Chistyakov ha insegnato a "disegnare con la forma". Non con contorni, non con “disegno” e non con ombreggiature, ma costruire nello spazio una forma tridimensionale, passando dal generale al particolare. Secondo Chistyakov, il disegno è un processo intellettuale, "derivare leggi dalla natura" - questo è ciò che considerava una base necessaria per l'arte, indipendentemente da quale possa essere la "maniera" e la "tonalità naturale" dell'artista. Chistyakov ha insistito sulla priorità del disegno e, con la sua predilezione per gli aforismi umoristici, lo ha espresso così: “Il disegno è la parte maschile, l'uomo; la pittura è una donna”.

Il rispetto per il disegno, per la forma costruttiva costruita, affonda le sue radici nell'arte russa. La ragione è stata Chistyakov con il suo "sistema" o è stato l'orientamento generale della cultura russa al realismo la ragione della popolarità del metodo di Chistyakov? In un modo o nell'altro, i pittori russi fino a Serov, Nesterov e Vrubel hanno onorato il metodo “immutabili eterne leggi della forma” ed erano diffidenti nei confronti della “smaterializzazione” o della sottomissione all’elemento colorato amorfo, non importa quanto si ami il colore.

Tra i Peredvizhniki invitati all'Accademia c'erano due pittori paesaggisti: Shishkin e Kuindzhi. Fu proprio in quel periodo che iniziò l'egemonia del paesaggio nell'arte sia come genere indipendente, dove regnava Levitan, sia come elemento paritario della pittura quotidiana, storica e in parte ritrattistica. Contrariamente alle previsioni di Stasov, che ritiene che il ruolo del paesaggio diminuirà, negli anni '90 è aumentato più che mai. Il “paesaggio dell’umore” lirico ha prevalso, facendo risalire i suoi antenati a Savrasov e Polenov.

Il gruppo Peredvizhniki ha fatto vere e proprie scoperte nella pittura di paesaggio. Alexey Kondratievich Savrasov (1830-1897) riuscì a mostrare la bellezza e il sottile lirismo di un semplice paesaggio russo. Il suo dipinto "The Rooks Have Arrived" (1871) ha costretto molti contemporanei a dare uno sguardo nuovo alla loro natura nativa.

Fyodor Alexandrovich Vasiliev (1850-1873) visse una vita breve. Il suo lavoro, interrotto all'inizio, ha arricchito la pittura russa con una serie di paesaggi dinamici ed emozionanti. L'artista era particolarmente bravo negli stati di transizione della natura: dal sole alla pioggia, dalla calma alla tempesta.

Il cantante della foresta russa, l'ampiezza epica della natura russa, divenne Ivan Ivanovich Shishkin (1832-1898). Arkhip Ivanovich Kuindzhi (1841-1910) fu attratto dal pittoresco gioco di luce e aria. La misteriosa luce della luna tra nuvole rare, riflessi rossi dell'alba sulle pareti bianche delle capanne ucraine, raggi obliqui del mattino che irrompono nella nebbia e giocano nelle pozzanghere su una strada fangosa: queste e molte altre scoperte pittoresche sono catturate sulle sue tele.

La pittura paesaggistica russa del XIX secolo raggiunse il suo apice nell'opera dello studente di Savrasov Isaac Ilyich Levitan (1860-1900). Levitan è un maestro dei paesaggi calmi e silenziosi. Era un uomo molto timido, timido e vulnerabile, sapeva come rilassati solo da solo con la natura, intriso dell'atmosfera del suo paesaggio preferito.

Un giorno venne sul Volga per dipingere il sole, l'aria e le distese fluviali. Ma non c'era il sole, nuvole infinite strisciavano nel cielo e le piogge sorde cessarono. L'artista era nervoso finché non si è lasciato coinvolgere da questo tempo e ha scoperto il fascino speciale dei colori lilla del maltempo russo. Da allora, l'Alto Volga e la città provinciale di Ples si sono saldamente radicate nella sua opera. Da quelle parti ha realizzato le sue opere “piovose”: “After the Rain”, “Gloomy Day”, “Above Eternal Peace”. Lì furono dipinti anche pacifici paesaggi serali: “Serata sul Volga”, “Sera. Porta d'Oro", "Suono della sera", "Dimora tranquilla".

Negli ultimi anni della sua vita, Levitan prestò attenzione al lavoro degli artisti impressionisti francesi (E. Manet, C. Monet, C. Pizarro). Si rese conto che aveva molto in comune con loro, che le loro ricerche creative andavano nella stessa direzione. Come loro, preferiva lavorare non in studio, ma all'aria (all'aria aperta, come dicono gli artisti). Come loro, ha alleggerito la tavolozza, bandendo i colori scuri e terrosi. Come loro, ha cercato di catturare la natura fugace dell'esistenza, di trasmettere i movimenti della luce e dell'aria. In questo andarono oltre lui, ma quasi dissolsero le forme volumetriche (case, alberi) in flussi di aria leggera. Lo ha evitato.

“I dipinti di Levitan richiedono una visione lenta”, ha scritto K. G. Paustovsky, un grande conoscitore del suo lavoro, “Non stordiscono l’occhio. Sono modesti e precisi, come i racconti di Cechov, ma più a lungo li guardi, più dolce diventa il silenzio delle città di provincia, dei fiumi familiari e delle strade di campagna.

Nella seconda metà del XIX secolo. dovere fioritura creativa I. E. Repin, V. I. Surikov e V. A. Serov.

Ilya Efimovich Repin (1844-1930) è nata nella città di Chuguev, nella famiglia di un colono militare. Riuscì ad entrare all'Accademia delle arti, dove il suo insegnante era P. P. Chistyakov, che formò un'intera galassia di artisti famosi (V. I. Surikov, V. M. Vasnetsov, M. A. Vrubel, V. A. Serov). Anche Repin ha imparato molto da Kramskoy. Nel 1870, il giovane artista viaggiò lungo il Volga. Utilizzò numerosi schizzi portati dai suoi viaggi per il dipinto “Barge Haulers on the Volga” (1872). Ha fatto una forte impressione sul pubblico. L'autore salì immediatamente ai ranghi dei maestri più famosi.

Repin era un artista molto versatile. Al suo pennello appartengono numerosi dipinti di genere monumentali. Forse non meno impressionante di “Barge Haulers” è la “processione religiosa nella provincia di Kursk”. Il cielo azzurro brillante, le nuvole di polvere stradale trafitte dal sole, il bagliore dorato di croci e paramenti, la polizia, la gente comune e gli storpi: tutto si adatta a questa tela: la grandezza, la forza, la debolezza e il dolore della Russia.

Molti dei film di Repin trattavano temi rivoluzionari ("Rifiuto della confessione", "Non si aspettavano", "Arresto del propagandista"). I rivoluzionari nei suoi dipinti si comportano in modo semplice e naturale, evitando pose e gesti teatrali. Nel dipinto “Rifiuto di confessare”, il condannato a morte sembrava aver deliberatamente nascosto le mani nelle maniche. L'artista simpatizzava chiaramente con gli eroi dei suoi dipinti.

Numerosi dipinti di Repin sono stati scritti su temi storici ("Ivan il Terribile e suo figlio Ivan", "Cosacchi che compongono una lettera al sultano turco", ecc.) - Repin ha creato un'intera galleria di ritratti. Dipinse ritratti di scienziati (Pirogov e Sechenov), scrittori Tolstoj, Turgenev e Garshin, compositori Glinka e Mussorgsky, artisti Kramskoy e Surikov. All'inizio del 20 ° secolo. ha ricevuto un ordine per il dipinto “La riunione cerimoniale del Consiglio di Stato”. L'artista è riuscito non solo a collocare compositivamente un numero così elevato di presenti sulla tela, ma anche a conferire a molti di loro caratteristiche psicologiche. Tra loro c'erano personaggi famosi come S.Yu. Witte, K.P. Pobedonostsev, P.P. Semenov Tian-Shansky. Nicola II è appena percettibile nella foto, ma è raffigurato in modo molto sottile.

Vasily Ivanovich Surikov (1848-1916) nacque a Krasnoyarsk, in una famiglia cosacca. Il periodo di massimo splendore del suo lavoro fu negli anni '80, quando creò i suoi tre dipinti storici più famosi: "La mattina dell'esecuzione di Streltsy", "Menshikov a Berezovo" e "Boyaryna Morozova".

Surikov conosceva bene la vita e i costumi delle epoche passate ed era in grado di fornire vivide caratteristiche psicologiche. Inoltre, era un eccellente colorista (maestro del colore). Basti ricordare la neve abbagliante, fresca e scintillante nel film "Boyaryna Morozova". Se ti avvicini alla tela, la neve sembra “sgretolarsi” in pennellate blu, azzurre e rosa. Questa tecnica pittorica, quando due o tre tratti diversi si fondono a distanza e si danno colore desiderato, ampiamente utilizzato dagli impressionisti francesi.

Valentin Aleksandrovich Serov (1865-1911), figlio del compositore, dipinse paesaggi, tele su temi storici e lavorò come artista teatrale. Ma furono soprattutto i suoi ritratti a dargli fama.

Nel 1887, il ventiduenne Serov era in vacanza ad Abramtsevo, la dacia del filantropo S.I. Mamontov vicino a Mosca. Tra i suoi tanti figli, il giovane artista era il suo uomo, un partecipante ai loro giochi rumorosi. Un giorno, dopo pranzo, due persone si sono trattenute accidentalmente nella sala da pranzo: Serov e la dodicenne Verusha Mamontova. Si sedettero al tavolo su cui c'erano le pesche e durante la conversazione Verusha non notò come l'artista iniziò a disegnare il suo ritratto. Il lavoro durò un mese e Verusha era arrabbiata perché Anton (come veniva chiamato Serov a casa) la fece sedere per ore nella sala da pranzo.

All'inizio di settembre è stata completata "La ragazza con le pesche". Nonostante le sue piccole dimensioni, il dipinto, dipinto in tonalità oro rosa, sembrava molto “spazioso”. C'era molta luce e aria dentro. La ragazza, che si è seduta al tavolo per quello che è sembrato un minuto e ha fissato lo sguardo sullo spettatore, ha incantato con la sua chiarezza e spiritualità. E l'intera tela era ricoperta da una percezione puramente infantile della vita quotidiana, quando la felicità non riconosce se stessa e tutta la vita è davanti a sé.

Gli abitanti della casa di Abramtsevo, ovviamente, capirono che davanti ai loro occhi era accaduto un miracolo. Ma solo il tempo darà le valutazioni definitive. Ha collocato “La ragazza con le pesche” tra i migliori ritratti della pittura russa e mondiale.

L'anno successivo Serov riuscì quasi a ripetere la sua magia. Ha dipinto il ritratto di sua sorella Maria Simonović (“Ragazza illuminata dal sole”). Il nome è un po' impreciso: la ragazza è seduta all'ombra, e i raggi del sole mattutino illuminano la radura sullo sfondo. Ma nella foto tutto è così unito, così unito - mattina, sole, estate, giovinezza e bellezza - che è difficile trovare un nome migliore.

Serov divenne un ritrattista alla moda. Di fronte a lui posarono famosi scrittori, attori, artisti, imprenditori, aristocratici e persino re. Apparentemente, non tutti quelli che ha scritto ci avevano messo il cuore. Alcuni ritratti dell'alta società, nonostante la tecnica di esecuzione in filigrana, risultavano freddi.

Per diversi anni Serov ha insegnato alla Scuola di pittura, scultura e architettura di Mosca. Era un insegnante esigente. Avversario delle forme congelate della pittura, Serov credeva allo stesso tempo che le ricerche creative dovessero basarsi su una solida padronanza delle tecniche del disegno e della scrittura pittorica. Molti maestri eccezionali si consideravano studenti di Serov. Questa è M.S. Saryan, K.F. Yuon, P.V. Kuznetsov, K. S. Petrov-Vodkin.

Molti dipinti di Repin, Surikov, Levitan, Serov e dei “Vagabondi” finirono nella collezione di Tretyakov. Pavel Mikhailovich Tretyakov (1832-1898), rappresentante di un'antica famiglia di mercanti di Mosca, era una persona insolita. Magro e alto, con una folta barba e una voce tranquilla, sembrava più un santo che un mercante. Iniziò a collezionare dipinti di artisti russi nel 1856. Il suo hobby divenne l'attività principale della sua vita. All'inizio degli anni '90. la collezione raggiunse il livello di un museo, assorbendo quasi l'intero patrimonio del collezionista. Successivamente divenne proprietà di Mosca. Galleria Tretyakovè diventato un museo di pittura, grafica e scultura russa famoso in tutto il mondo.

Nel 1898, il Museo Russo fu aperto a San Pietroburgo, nel Palazzo Mikhailovsky (la creazione di K. Rossi). Ha ricevuto opere di artisti russi dall'Ermitage, dall'Accademia delle Arti e da alcuni palazzi imperiali. L'apertura di questi due musei sembrava coronare le conquiste della pittura russa del XIX secolo.

UDC 82.02 Yu.M. Proskurina

ORIGINALITÀ DEL REALISMO RUSSO NELLA METÀ DEL XIX secolo

Letteratura russa degli anni '50 dell'Ottocento. è considerato come una nuova fase nello sviluppo del realismo. Gli scrittori partono dai principi della scuola naturale, prestano maggiore attenzione alla psicologia e problemi morali. I personaggi forti possono resistere alle circostanze sociali. Un cambiamento nel concetto di personalità dà origine a una trasformazione del sistema di realismo in stile genere.

Parole chiave: sviluppo del realismo, carattere e circostanze, tradizioni, genere, lirismo, carattere nazionale.

Le relazioni dialogiche (successive e polemiche) sono alla base sia dell'emergere dei movimenti letterari sia del cambiamento di fasi nel corso dell'evoluzione di ciascuno di essi. Inoltre, i periodi vicini nello sviluppo di una direzione sono talvolta più diversi tra loro rispetto a quelli distanti.

La scuola naturale si sviluppò in una nuova fase del movimento realistico a cavallo degli anni '40 e '50, quando al suo interno iniziarono a farsi sentire voci contro la decisione unilaterale della “formula” fondamentale del realismo e le conseguenze ad essa associate. Così, P. Annenkov nel 1849, sulle pagine di Sovremennik, esprime insoddisfazione per la predilezione della scuola naturale “per una persona insignificante, uccisa dalle circostanze”, che non trova “alcuna forza in se stessa per uscire da una situazione angusta”. .” La tesi antiromantica sulla dipendenza dei personaggi dalle circostanze cessa di essere rilevante, poiché il romanticismo stesso, grazie alla scuola naturale, diventa, secondo N. Chernyshevsky, non tanto pericoloso quanto divertente. Il tragico pathos di molte opere della scuola naturale come conseguenza del fatale condizionamento dell'uomo da parte dell'ambiente non è approvato da A. Druzhinin, l'autore di "Lettere da un abbonato non residente...". “Noi”, dichiara nel 1850, “non vogliamo la malinconia, non vogliamo opere basate su uno stato d’animo doloroso”. In questo momento, i principali scrittori della scuola naturale dichiarano un cambiamento nelle loro opinioni, l'inizio di un dialogo con se stessi. Nel 1849, Herzen parlò della necessità di “predicare una nuova visione del mondo”, scrisse Dostoevskij a suo fratello in relazione al suo arresto: “Ora, cambiando la mia vita, rinascerò in una nuova forma. Rinascerò in meglio." Nel 1852, Turgenev informò Annenkov della sua intenzione di “separarsi per sempre dalla ‘vecchia maniera’ e intraprendere una strada diversa nell’arte”. Due anni dopo, Dudyshkin conferma il desiderio dell'autore di "Two Friends" di "uscire dal suo modo precedente". App. Grigoriev nota con soddisfazione il crollo della scuola naturale, alla quale rimproverava di “copiare pedissequamente” i fenomeni della realtà, di “un misto di sporcizia e sentimentalismo”.

Tali affermazioni hanno dato origine alle idee di molti ricercatori sugli anni ’50. come un momento in cui “tutti i grandi testamenti di Belinsky furono dimenticati”, quando “la tradizione fu interrotta con la forza”. Solovyov (Andreevich), sebbene non condividesse opinioni estremamente nichiliste sulla letteratura dei cosiddetti sette anni oscuri, negò tuttavia l'originalità di questo periodo nello sviluppo del realismo: “Gli anni '50: di solito sono chiamati un luogo vuoto di Letteratura russa. Naturalmente è un'esagerazione, ma in realtà questi anni hanno creato ben poco di originale. Non hanno una loro fisionomia”. C'è un'opinione nella critica letteraria sovietica secondo cui "proprio all'inizio degli anni Cinquanta, i liberali presero una posizione ostile nei confronti del realismo".

In effetti, il movimento in avanti del realismo non si è fermato. Dopotutto, molti realisti degli anni '50, come A. Herzen, D. Grigorovich, N. Nekrasov, I. Turgenev, iniziarono la loro percorso creativo in una scuola naturale, ne è “uscito”, e quindi ha valorizzato la sua esperienza. Alla scuola naturale hanno studiato anche quegli scrittori che, come L. Tolstoj, hanno debuttato negli anni '50. o in questo momento divennero famosi (A. Ostrovsky, A. Pisemsky). Non è un caso che il giovane Tolstoj dedichi la pubblicazione della rivista “Cutting Wood” (1855) all'autore di “Note di un cacciatore”. Tuttavia, l'atteggiamento nei confronti della scuola naturale è stato complicato dall'opposizione: assimilazione, superamento, ripensamento della sua esperienza, causato non solo dalla mutata situazione sociale (“sette anni oscuri”), ma anche dalle esigenze di autosviluppo di il movimento letterario.

Negli anni '50 sia i liberali che i democratici espressero concezioni diverse del contenuto e dei compiti dell’arte realistica, ma ricordarono la tesi di Belinsky: “La realtà è la parola d’ordine e lo slogan del nostro

secolo." Seguendo Belinsky, Chernyshevskij vede lo scopo dell'arte nella riproduzione della realtà; Druzhinin consiglia agli scrittori: “Siate fedeli alla realtà”; App. Grigoriev esprime soddisfazione per il fatto che “la realtà è in primo piano nella letteratura moderna”. Dudyshkin chiarisce: “La fedeltà alla realtà può essere duplice: creativa, consistente in una vivida riproduzione dei tratti distintivi e caratteristici di ogni persona, e dagherrotipica, consistente in una registrazione attenta e indifferente di tutto ciò che si vede e si sente”.

Figure letterarie di quegli anni, rendendosi conto che “la pacificazione della realtà” non esclude l'appartenenza dello scrittore allo “pseudorealismo”, attribuiscono grande importanza al “modo di pensare” (Chernyshevsky), all'“angolo di visione” (Druzhinin), “ visione delle cose" (Dudyshkin), "visione del mondo" (Grigoriev) - così chiamano la posizione dell'autore, da cui dipendono la scelta e i metodi di rappresentazione dell'argomento. Per questo motivo sono interessati alla domanda: “Che tipo di vita è espressa dall’arte?” (Ap. Grigoriev), “a quale realtà è fedele lo scrittore?” (Druzhinin), “come dovremmo comprendere la realtà?” (Chernyshevskij).

App. Grigoriev, ammirando la “nuova parola” del drammaturgo Ostrovsky, consiglia agli scrittori di non ignorare i “fondamenti religiosi della moralità”, di “giudicare una vita che si è discostata dall'ideale” dal punto di vista della “visione del mondo autoctona russa”. " Druzhinin, tenendo conto dell'esperienza di "autori attenti" come Pisemsky e Kokorev, sostiene la scrittura quotidiana dei "lati confortanti" della vita quotidiana russa. Annenkov nel suo articolo "Per quanto riguarda romanzi e storie della vita comune" (1854) raccomanda di abbozzare vita contadina dalla posizione di disegnatore coscienzioso, e nell'opera “Sul pensiero nelle opere di bella letteratura” (1855), basandosi sulle opere di Tolstoj e Turgenev, ritiene necessario fornire una descrizione psicologica di strati eterogenei della società. Chernyshevskij ritiene che la letteratura sia interessata sia alla “poesia del sentimento” che alla “poesia del pensiero”. Dudyshkin osserva a questo proposito: “Non è più vero. per dire che tutte le idee valide che la vita può dare possono essere anche idee per storie sulla vita”. Quindi, se Belinsky orientava la scuola naturale verso una riproduzione veritiera della realtà, allora i critici degli anni '50. discusso sugli aspetti e sulle tecniche di rappresentazione della vita, rivelando, secondo Annenkov, "la frammentazione dei concetti e la diversità dei punti di vista".

Ma tutti loro, seguendo la scuola naturale, hanno riconosciuto il significato estetico della vita ordinaria della gente comune. Secondo Chernyshevskij, "ovunque l'eroe rimane solo nei romanzi scoppiettanti: Dickens e Thackeray non hanno eroi, ma ci sono persone molto comuni che tutti ... hanno incontrato a dozzine nella loro vita". V. Krestovsky (N. Khvoshchinskaya) conferma in dettaglio nel romanzo “Test” (1854) l'appello degli scrittori di prosa di quegli anni a rappresentare la vita quotidiana della gente comune: “Non è questa gente di massa?.. E quasi il mondo intero è composto da queste persone. Non esiste altro nome per loro se non “ordinario”. Ma tutta la vita sociale è fatta di relazioni e scontri di queste persone”. S. Aksakov in “Family Chronicle” (1856) si rivolge ai suoi personaggi: “Non siete grandi eroi, non personalità rumorose, avete attraversato la vostra carriera terrena nel silenzio e nell'oscurità. ma eravate persone, e anche la vostra vita esterna ed interna era piena di poesia”. Druzhinin consiglia agli scrittori di narrativa di mostrare "la poesia negli oggetti più comuni". Chernyshevskij vede una certa dose di poesia “nella persona più prosaica”. La discussione sulla poesia dell'ordinario non è solo un riconoscimento del suo valore estetico, ma anche del suo significato etico spirituale.

L'attenzione al quotidiano tra i realisti degli anni '50. perseguiva obiettivi leggermente diversi da quelli degli scrittori della scuola naturale: non tanto sociali quanto morali e psicologici. Figure letterarie di quegli anni insistono sulla possibilità di opposizione morale dell'individuo a circostanze sfavorevoli. "L'indipendenza morale dell'uomo", proclama Herzen, "è la stessa verità e realtà immutabile della sua dipendenza dall'ambiente". Chernyshevskij afferma categoricamente: “Dipende dalla persona stessa quanto la sua vita sia piena di bello e di grande”. L. Tolstoj scrive nel suo diario del 1853: "Quanto più difficili e gravi sono le circostanze, tanto più necessarie sono la fermezza, l'attività, la determinazione e tanto più dannosa è l'apatia". Secondo Dudyshkin, la letteratura degli anni '50. tende a rappresentare “una persona dal carattere forte. che è in grado di sopportare sulle sue spalle le circostanze più difficili”. Tra queste persone tenaci e volitive ci sono il cittadino comune Gleb Savinov ("Pescatori" di Grigorovich - 1853), e il cittadino comune Kayutin ("Tre paesi del mondo" di Nekrasov e Panaeva - 1848 - 1849), e

meshchik Bagrov ("Cronaca di famiglia" di S. Aksakov). “In tutte le classi della società”, dice Chernyshevsky per bocca di uno dei suoi eroi nel racconto incompiuto “Teoria e pratica” (1849 - 1850), “anche in tutte le fasi dello sviluppo mentale troverai persone estremamente ricche di sentimenti, cuori, dotati di straordinaria volontà energetica”. Herzen menziona in "Passato e pensieri" (parte 2 - 1854) di un incontro nell '"esilio ammuffito di Vyatka" con giovani cuori ardenti che "non furono portati via dalle ripide montagne". L'eroe del racconto di V. Krestovsky "Temptation" (1852) non ripete il destino dell '"onesto segretario del tribunale distrettuale", di cui Belinsky parlò in una lettera a Kavelin: il figlio di un povero impiegato, l'avvocato Ozerin, rifiuta , anche se non senza dolorose esitazioni, dal “fatto vile”, non vende “la sua anima per un pezzo di pane quotidiano”. “Per fortuna”, riferisce lo scrittore, “ci sono persone testarde che non si rigenerano e non si abituano. per loro riconciliarsi va oltre le loro forze, abituarsi non è nella loro natura”.

Cambiamento di enfasi sulla “formula” base del realismo degli anni '50. porta all'indebolimento delle tradizioni di Gogol e al rafforzamento dell'influenza di Pushkin, la seconda tappa nell'evoluzione del suo metodo realistico, quando il poeta vide nell'indipendenza dell'uomo la garanzia della sua grandezza. Turgenev nel 1855 scrisse a Druzhinin sulla necessità del russo letteratura moderna l'influenza sia di Gogol che di Pushkin, ma a partire dagli anni '40. "Quello di Pushkin si stava ritirando in secondo piano - lasciamo che venga di nuovo avanti - ma non per sostituire quello di Gogol."

Una nuova enfasi nel rapporto tra personaggi e circostanze influenzò gli anni '50. e sulle peculiarità della costruzione della trama, che nella scuola naturale era soggetta alle rigide “leggi del determinismo”: il conflitto, di regola, era di natura sociale, le condizioni di vita determinavano il destino dell'eroe. I realisti degli anni '50 i personaggi svolgono una funzione di formazione della trama, il conflitto acquisisce “contenuto morale” (V. Botkin), “l'interesse per i dettagli dei sentimenti sostituisce l'interesse degli eventi stessi” (L. Tolstoy), cioè la tendenza psicologica diventa leader nella letteratura, che determina l'evoluzione creativa dei singoli scrittori. Nelle storie di Turgenev degli anni '50. le caratteristiche psicologiche degli eroi si approfondiscono, il loro ruolo nella trama aumenta: ad esempio, il destino di Gerasim (“Mumu” ​​​​-1854), Akim (“Locanda” - 1855) dipende dalla volontà del signore, ma anche gli eroi influenzare lo sviluppo della trama: Gerasim lascia Mosca senza permesso, Akim diventa un pellegrino pellegrino.

Se nell'organizzazione della trama delle opere della scuola naturale le situazioni d'amore di solito aggravavano la tragedia degli eroi, allora nella prosa degli anni '50. loro, di regola, non rovinano la loro vita, non li condannano alla sofferenza eterna. Pertanto, l'amore non corrisposto dell'eroe della storia di V. Krestovsky "L'insegnante del villaggio" (1850-1852) lo priva della pace, della gioia e delle illusioni romantiche, ma dopo un anno ritrova la tranquillità. E nel romanzo "Tre paesi del mondo" di Nekrasov e Panaeva, l'amore è il punto di partenza nella formazione della personalità: Kayutin per acquisire fondi per la vita familiare inizia a impegnarsi in attività commerciali, sviluppa forza di volontà, coraggio ed energia durante difficili viaggi attraverso il paese dalla regione del Caspio agli Urali, dalla Siberia alla Novaya Zemlya.

In contrasto con la scuola naturale, i realisti degli anni '50. espandere i confini spazio-temporali della trama narrativa. Scrittori degli anni '40 Di solito raffiguravano il moderno mondo provinciale e pietroburghese, in cui la vita è “coibentata”. Per Dostoevskij questi sono gli angoli di San Pietroburgo, in cui si accalcano i poveri “separati da tutti gli altri”; per Herzen questa è spesso una città lontana che “non si trova nel cerchio della luce, ma lontano da essa”; per Grigorovich, questo è un villaggio in cui vivono e muoiono miserabili persone addolorate, pietrificate dalla sfortuna. A volte appare l'immagine di una strada che non promette felicità all'eroe, non ispira speranza: la partenza di Beltov ("Chi è la colpa?"), Varenka Dobroselovaya ("Povera gente"), Anton il Miserabile (la storia di Grigorovich di lo stesso nome) è senza gioia. Nella prosa degli anni '50. Geografia russa mondo moderno(le materie storiche in questo momento sono rare come nella scuola naturale) è significativamente ampliata a causa del movimento volontario o forzato degli eroi, ad esempio, in opere come "Il passato e i pensieri" di Herzen, la trilogia di Tolstoj (1852 - 1857) , Cortile della locanda", "Rudin" (1856) di Turgenev, "Strade di campagna" (1852), "Displacers" (1855 -1856) di Grigorovich, "Tre paesi del mondo" di Nekrasov e Panaeva. Se nella scuola naturale l'immagine di una carrozza era spesso usata come simbolo di disuguaglianza sociale, allora nella prosa degli anni '50. l'allegoria poetica si estende all'immagine della strada come rappresentazione visibile generalizzata percorso di vita eroe, sullo sviluppo del suo personaggio.

Il processo di formazione della personalità attraverso il suo auto-miglioramento morale e la resistenza alle circostanze ostili è al centro dell'attenzione dei realisti degli anni '50. Nelle opere della scuola naturale, la questione dell'autoeducazione umana era oscurata dai compiti di smascherarli

principi di vita che ostacolavano lo sviluppo della personalità. Negli anni '50 L. Tolstoj, credendolo nella maggior parte dei casi natura umana c'è un “appassionato desiderio di perfezione”, mostra nella trilogia come questo “desiderio di perfezione” si manifesti istintivamente durante l'infanzia, quando il bambino vuole essere “gentile e intelligente” per portare gioia agli adulti, come questo desiderio sia impercettibilmente rafforzato sotto l'influenza forte e benefica di nature altruiste come Natalia Savishna e Karl Ivanovich. Nella giovinezza, il desiderio di miglioramento morale diventa cosciente, di cui Nikolenka Irtenyev parla costantemente e appassionatamente con il principe Nekhlyudov.

Le questioni dello “sviluppo interno” di una persona sono di grande interesse per Herzen, che, a differenza di Tolstoj, presta attenzione non solo all'autoeducazione morale, ma anche politica dell'individuo. In Passato e pensieri, Herzen descrive in dettaglio la crescita spirituale di una persona sotto l'influenza di eventi come la guerra patriottica, la rivolta decabrista, fattori come leggere libri, restare all'università, visitare il salotto, la felicità reciproca amore e devota amicizia. Sotto l'influenza di queste circostanze favorevoli, alle quali spesso passavano gli scrittori della scuola naturale, prendono forma le convinzioni umanistiche e patriottiche dell'individuo, aiutandolo a resistere all'ambiente volgare.

Anche altri scrittori di quegli anni mostrarono attenzione all'automiglioramento morale dell'individuo. Così scrive Ivan Aksakov: “L'uomo si purifica. Fate sapere a ciascuno quanto sia pericoloso l'ambiente in cui vive, custodisca la sua anima”. L'eroina del romanzo di V. Krestovsky "The Test" (1854), Lizaveta Andreevna Elnova, crede: "Vivere con l'obiettivo di migliorare e mantenere il carattere mi sembra più interessante che vivere semplicemente, senza voltarsi indietro". . Le donne nelle opere degli anni '50. Di solito sembrano più decisivi degli uomini: questa è la menzionata Elnova, Natalya Lasunskaya ("Rudin") e Liina Minskaya ("Tre stagioni della vita" Evg. Tour). Quest’ultimo rimarca: “Il nostro destino è nelle nostre mani. La Provvidenza ci ha dato la volontà, l’intelligenza, la ragione e queste tre leve cambieranno molto nelle nostre vite”.

Interesse dei realisti degli anni '50. a personaggi forti che resistono a condizioni di vita sfavorevoli, contribuisce all'emergere non solo di nuovi temi come l'autoeducazione umana, ma anche di nuovi aspetti nella copertura di vecchi problemi, immagini "tradizionali", che includono il problema dell'ideale, l'immagine del romantico. E questo è naturale, poiché una persona che crede in qualcosa e lotta per qualcosa può resistere alle circostanze. Seguendo Pushkin, che proclamò l'ideale come obiettivo dell'arte, i realisti degli anni '50. Credono che "la fede nell'ideale come qualcosa di possibile e realizzabile salva il talento dall'apatia" (Nekrasov).

Nonostante tutti i disaccordi nell'interpretazione dell'ideale, gli scrittori di quegli anni vedono nella devozione ad esso la fonte della forza e dell'originalità di una persona che, secondo Chernyshevsky, “le influenze esterne non furono soppresse. non l'ha fatto. una creatura incolore e senza carattere”, quindi si sforzano di togliere il tocco di magniloquenza e allo stesso tempo di ridicolo da parole come “sogno”, “ideale”, e di mettere in guardia contro l’unilateralità nella loro interpretazione. Così, Dudyshkin riflette sulle pagine di “Appunti della Patria”: “Ideale! Nel nostro Paese ultimamente questa parola ha acquisito un significato completamente sbagliato. Dire “ideale” di qualcosa è come dire “irrealistico”. Questa è colpa della direzione della letteratura, che è dagherrotipicamente fedele ai piccoli incidenti della vita, senza alcun pensiero. La poesia, o meglio ancora la poesia, ha portato ancora più in basso il concetto di ideale. È forse colpa dell'idealità il fatto che abbiamo perso il suo significato elevato? .

Realisti degli anni '50 riconsiderare l'atteggiamento della scuola naturale non solo nei confronti del romantico, ma anche della persona superflua, la cui immagine ironica fu data per la prima volta da Dostoevskij nel racconto "Il piccolo eroe" e Turgenev in "Amleto del distretto di Shchigrovsky" (1849) . Degna di nota è l'osservazione di Dostoevskij sulla tendenza di queste persone a "punire il romanticismo, cioè spesso tutto ciò che è bello e vero, ogni atomo del quale è più costoso dell'intera loro razza di lumache". Inerente a Turgenev negli anni '50. uno sguardo critico persona in più, la simpatia dello scrittore per il romantico colpisce se si confrontano le lettere che compongono il contenuto del racconto "Corrispondenza", su cui lavorò dal 1844 al 1854. In quei capitoli di lettere di questa storia, l'eroe è raffigurato nelle tradizioni della scuola naturale come una persona in più che, sotto l'influenza delle difficili condizioni della vita russa, non è riuscito a “conquistare il paradiso” e realizzare i suoi sogni “per il bene di tutta l’umanità, per il bene della Patria”. Nelle successive lettere della "Corrispondenza", l'eroe cede il primo posto a Marya Alexandrovna, perché l'autore in questo momento non è tanto interessato alla domanda sul perché i sogni non si avverano, ma si preoccupa del pensiero del necessità di rimanere fedele all’ideale nonostante le circostanze sfavorevoli. In questo momento Turgenev saluta il “sacro

fiamma”, della quale ridono “solo coloro nei cui cuori essa si è spenta o non è mai divampata”. Marya Alexandrovna non pronuncia subito la parola “ideale”, divenuta ridicola e banale: dapprima sembra cercarla, la pronuncia esitante, e poi con insistenza, con passione polemica, ripete: “... rimarrò fedele fino alla fine. Che cosa? Ideale o cosa? Sì, all'ideale."

Gli scrittori di quegli anni non parlano di sfortuna, ma della colpa delle persone inutili, della loro incapacità di superare le difficoltà e mettere in pratica i “buoni impulsi”. Evg. Tour nel romanzo "Niece" (1851) afferma con soddisfazione che la moda delle persone deluse e disoccupate "comincia a passare a poco a poco". Ciò è evidenziato dal romanzo di M. Avdeev "Tamarin". A differenza di Turgenev e Dostoevskij, lo scrittore di narrativa medio non intuisce immediatamente l'aspetto e l'enfasi dettati dal tempo nella rappresentazione della "persona superflua". Nella sua storia “Varenka” (1849), che in seguito divenne la prima parte del romanzo “Tamarin”, la rivalutazione dell'eroe precedentemente popolare non è ancora evidente. L'atteggiamento dell'autore nei confronti dell'eroe si manifesta nell'identica percezione di Tamarin da parte delle persone che lo circondano. Popov, Varenka, la sua amica, la baronessa vedono nell'eroe una personalità straordinaria. L '"adorazione ingenua" dell'autore di un eroe del tipo Pechorin avviene già nel 1850, quando lo scrittore pubblica "Taccuino dalle note di Ta-marin". Il verdetto finale su Tamarin è pronunciato dall'autore nel racconto “Ivanov” (1851), che conclude il romanzo. La posizione dell'autore nell'ultima parte di "Tamarin" si rivela principalmente nell'opposizione del personaggio principale a Ivanov, che, secondo Avdeev, appartiene a quelle persone che "hanno vissuto una vita pratica e non infruttuosa".

Nelle condizioni degli anni '50. Era circa " buone azioni di una persona" come criterio della sua vitalità morale. L. Tolstoj in questo momento vede la felicità "nel costante lavoro della vita, con l'obiettivo della felicità degli altri". "Il lavoro serio", spiega I. Aksakov, "ha sempre un effetto benefico sull'anima umana". Pertanto, gli scrittori di quegli anni preferiscono ritrarre un insegnante laborioso, le cui attività sono finalizzate al bene delle persone. "L'insegnante", osserva I. Panaev, "è diventato l'amato volto inevitabile della storia russa del nostro tempo". È menzionato nelle opere di Herzen ("Il passato e i pensieri"), Tolstoj (trilogia), Turgenev ("Rudin"), è al centro di numerose storie, tra cui V. Krestovsky ("L'insegnante del villaggio" ), Mikhailov (“Izgoev "), Evg. Tour ("Niece", "Three Seasons of Life"), Chernyshevsky ("Teoria e pratica"). Nella prosa realistica degli anni '50. l’insegnante non assomiglia al timido e volitivo Krutsifersky del romanzo di Herzen. Sa superare le difficoltà e sopportare le avversità. Così, un insegnante rurale nella storia omonima di V. Krestovsky dichiara: “Non importa quanto dolore, inganno, fallimento, imbarazzo, necessità devo sopportare nella vita, conserverò il tesoro del pensiero costante, dell'amore costante di lavoro."

E, naturalmente, il principale lavoratore della terra russa, il contadino, non fu ignorato dagli scrittori di quegli anni. “Ora”, afferma Dudyshkin nel 1855, “abbiamo molti scrittori che pubblicano storie della vita della gente comune”. L'interesse per i personaggi e i destini della gente comune è presente in Passato e pensieri di Herzen, in Appunti di un cacciatore, nelle storie "Mumu", "La locanda" di Turgenev, nella trilogia e "La mattina del proprietario terriero" di Tolstoj. Fu in questo periodo che apparvero i "romanzi contadini" di Grigorovich ("Pescatori", "Dislocatori"), Potekhin ("Contadina") e "Saggi sulla vita contadina" di Pisemsky. Una grande attenzione al tema della gente comune è causata da diverse ragioni, che si basano sull'idea anti-servitù: il contadino è un grande lavoratore. "La gente comune", scrive Tolstoj nel 1853, "è molto più alta di noi con una vita piena di lavoro e difficoltà". Il contadino è associato alle idee sul futuro del paese. "L'uomo del futuro in Russia", afferma Herzen, "è un uomo", e anche K. Aksakov crede che lo "spirito della vita futura" si annidi nel contadino ("N.D. Sverbeev"). Un tempo, Belinsky doveva ancora dimostrare che un uomo è un uomo, che “le persone delle classi inferiori sono, prima di tutto, persone. nostri fratelli." Gli scrittori della scuola naturale sottolineavano le possibilità della genuina umanità nella gente comune, ma, di regola, venivano soppresse dalle circostanze. Realisti degli anni '50 più spesso e più dei loro predecessori parlano della natura nazionale del carattere contadino. Così, Pisemsky, l'autore di “Piterschik” (1852), riferendo della prosperità di Clementy, un contadino quitrente, si rallegra “in faccia. per il popolo russo."

L'attenzione alla specificità nazionale del carattere russo si sta intensificando sotto l'influenza della guerra di Crimea e della delusione nella società dell'Europa occidentale dopo i ben noti eventi del 1848-1849. In questo momento, l'autorità degli slavofili crebbe, i loro ranghi furono ricostituiti dai "giovani moscoviti", che videro le caratteristiche di una "nazionalità tribale comune" (Ap. Grigoriev) non solo nel contadino, ma anche nel commerciante.

Un certo numero di scrittori, tra cui Turgenev e Saltykov, si avvicinano agli slavofili nella loro rappresentazione della gente comune. Saltykov, in una delle sue lettere del 1857, ammette che durante la creazione di "Schizzi provinciali" si appoggiò fortemente agli slavofili, dedicando inizialmente anche la sezione "Pellegrini, vagabondi e viaggiatori" a S.T. Aksakov. Nekrasov in "Tre paesi del mondo" crea un'immagine colorata del contadino Antip Khrebtov, che ha "le sue convinzioni, le sue convinzioni". Kayutin, l'eroe del romanzo intitolato, basato su osservazioni personali di persone normali durante i loro combattimenti con una natura aspra, esclama: "In nessun altro tranne che nel contadino russo ho visto tanta audacia e intraprendenza, tanto coraggio".

Anche gli Appunti di un cacciatore di Turgenev, pubblicati per la prima volta come raccolta separata nel 1852, subirono l'influenza del contesto storico e letterario di due epoche adiacenti: durante il periodo della scuola naturale, Turgenev parlò delle vittime della tirannia signorile. Negli anni '50 è interessato al mondo interiore di un cittadino comune, ai suoi sentimenti, ai suoi pensieri ("Appuntamento", "Cantanti", "Kasyan con la bella spada"). Lo scrittore estende il suo “psicologismo segreto” alle storie popolari. Ad esempio, in "The Inn" descrive il dramma spirituale di un cittadino comune derubato e ingannato, trasmette il suo stato interno con l'aiuto di un ritratto psicologico e un magro commento dell'autore, che non riguarda il "processo mentale" in sé, ma rappresenta solo il suo “inizio e fine”.

La padronanza dell'analisi psicologica, ovviamente, non era insita in tutti gli scrittori degli anni '50. Annenkov, ad esempio, ha parlato della mancanza di “elaborazione psicologica dei personaggi” da parte di Potekhin. Ma "Domestic Notes" scrisse giustamente nel 1855 sulla crescente attenzione nella letteratura alle differenze nei personaggi e nel modo di pensare delle persone vestite non solo con "un frac e un cappotto", ma anche con "un cupo caftano o una giacca siberiana". " Allo stesso tempo, i realisti degli anni '50. Preferisco dire una parola gentile sul contadino. "Non va bene", sosteneva Tolstoj, "cercare e descrivere il male nelle persone: esiste, ma sarebbe meglio parlarne, solo bene".

Questa parola gentile dovrebbe essere, secondo l'opinione dei letterati di quegli anni, una parola allegra, priva di pathos sentimentale. Pertanto, scrittori interessati agli anni '40. scene sentimentali e divagazioni, scrivono con un occhio ai mutevoli gusti dei lettori e tengono conto delle raccomandazioni dei critici. In particolare, Grigorovich avverte il pubblico nel romanzo “Pescatori”: “Non disturberò i lettori con una descrizione di questa scena. E senza questo, vedrai, ci saranno molte persone che mi accuseranno di eccessivo sentimentalismo”.

Il sentimentalismo è sostituito dal discorso lirico, una delle manifestazioni di uno stile soggettivo-espressivo. " Scrittore lirico, - nota M. Brandes, - preferisce la forma “Ich”. Contribuisce alla psicologizzazione della prosa, alla penetrazione nell'anima umana. Crea inoltre un'atmosfera di autenticità, rilassatezza e avvicina le tecniche della creatività verbale e artistica alle forme reali dell'esistenza. Fu in questa funzione che la forma personale di narrazione fu utilizzata nella scuola naturale e nella prosa degli anni '50. "Ora", osserva Nekrasov nel 1855, "tutto ciò che è scritto sono appunti, confessioni, memorie, autobiografie".

Nella prosa degli anni '50, così come negli anni '40, sono più comuni due tipi di immagine dell'autore: l'eroe-narratore e il narratore personale, spesso adiacente al narratore.

Nelle nuove condizioni storiche, il narratore-moralista personale si è avvicinato all'oggetto dell'immagine della gente comune. Così, in "Appunti di un cacciatore" di Turgenev, creati negli anni '50, il narratore entra in empatia con gli eroi: insieme ad Akulina in "Appuntamento", sperimenta il dolore dell'amore rifiutato, delle aspettative di felicità insoddisfatte, insieme ai visitatori del taverna del villaggio, con le lacrime agli occhi, ascolta il canto di Yakov Turka (“Cantanti”); comprende l'impaziente attesa di Kasyan di incontrare la verità del contadino ("Kasyan con la bella spada"). Tuttavia, la gente comune stessa in queste storie o non si fida del narratore, oppure non lo nota, perché non è con loro, ma vicino a loro.

Il narratore ha il massimo grado di vicinanza con la gente comune in "Gli appunti di Kayutin" dal romanzo "Tre paesi del mondo" di Nekrasov e Panaeva. Nei suoi viaggi difficili frequenta persone semplici e coraggiose; insieme a loro si congela, soffre la fame ed è in pericolo mortale. Ricordando i contatti con la gente comune in terre aspre e disabitate, Kayutin scrive: “Ci siamo riscaldati a vicenda combattendo corpo a corpo e talvolta respirando. affamati e infreddoliti, ci stringemmo insieme, senza vedere il sole di Dio per sessanta giorni”. Prima dei suoi viaggi, Kayutin non conosceva il contadino russo, la necessità lo ha unito, la sorte comune lo ha avvicinato. Il narratore nota con soddisfazione:

"Sono diventato imparentato con un contadino russo." Il riavvicinamento del narratore alla gente comune gli permette di vedere in esso “variazioni” di personaggi, e non solo una varietà di tipi.

Il crescente interesse per l'aspetto individuale del tipico contribuisce allo spostamento della tendenza realistica degli anni '50 dal sistema di genere. saggio fisiologico, che implementava nella scuola naturale l'idea del determinismo, del condizionamento dell'uomo da parte dell'ambiente. A.G. Tseitlin ha scritto giustamente: "Molti tipi di schemi fisiologici non avevano movimenti psicologici elevati; sono stati sostituiti da istinti e desideri piuttosto primitivi". I bidelli, i suonatori di organo, i feuilletonisti, gli abitanti degli angoli di San Pietroburgo, di cui scrivevano rispettivamente Dahl, Grigorovich, Panaev, Nekrasov, non avevano davvero un mondo interiore complesso. Gli scrittori degli anni '40, di regola, li guardavano dall'esterno e avevano anche un compito diverso. Ciò era dovuto alle specificità dello sviluppo del metodo realistico in questo fase storica, attenzione alla tipologia sociale, allo studio analitico dell'essenza e della genesi del tipo. V. Vinogradov ha scritto in "L'evoluzione del naturalismo russo" sulla "sete epidemica di tipi" inerente alla scuola naturale. In condizioni che aumentarono negli anni '50. interesse per la psicologia della personalità, il saggio fisiologico “ha cessato di essere una varietà strutturalmente formata del genere” (A. Tseitlin). Non è un caso che la “Biblioteca per la lettura” nel 1855 parli della popolarità del saggio fisiologico come una caratteristica del passato: “Diversi anni fa, i saggi fisiologici, correttamente catturati dalla natura e distinti per tipicità, meritavano l'approvazione generale. "

I cambiamenti nel sistema genere-generico del movimento realistico di quegli anni non si limitano allo spostamento dello schizzo fisiologico: in questo momento c'è una rinascita della poesia e del dramma, che hanno svolto un ruolo modesto nella scuola naturale. Ma già nel 1851, sulle pagine della “Biblioteca per la lettura”, appare un'affermazione secondo cui “...tutti i nostri talenti immaginari sono ossessionati dal dramma”. L'autorità della prosa spinse Turgenev nel 1855, quando pubblicò la commedia “Un mese in campagna”, a quasi giustificarsi, avvisando i lettori: “Questa commedia è stata scritta quattro anni fa e non è mai stata destinata al palcoscenico. Questa, infatti, non è una commedia, ma una storia in forma drammatica." Il pathos lirico di molte opere di prosa psicologica di quegli anni contribuì all '"esplosione della poesia", secondo Druzhinin. “Solo il periodo dal 1840 al 1850”, afferma Dudyshkin, “fu sfavorevole alla poesia. Ci sono molti talenti poetici nel nostro tempo."

I. Yampolsky ha giustamente collegato lo sviluppo dei testi psicologici della metà del XIX secolo. con “l’interesse generale per la vita interiore, la psicologia individuale dell’uomo, caratteristica di quest’epoca”. Ma, secondo K. Aksakov, autore della Review of Modern Literature (1857), la prosa veniva ancora letta “più della poesia” a causa della sua descrizione intrinseca della “vita quotidiana”. Il critico espresse soddisfazione per il crollo della scuola naturale, approvò i cambiamenti avvenuti nella rappresentazione del contadino, del romantico, della persona superflua, soprattutto nelle storie di Turgenev, e l'attenzione degli scrittori alla “vita interiore” mondo dell’anima”, soprattutto nelle opere di Tolstoj. In realtà K. Aksakov, a differenza di molti ricercatori successivi, in particolare Solovyov-Andreevich, non ha negato la presenza di una speciale “fisionomia” della letteratura degli anni '50, e non l'ha attribuita all'epilogo della scuola naturale. Ha concluso il suo articolo di recensione con l'anticipazione di un "futuro letterario", i cui presupposti il ​​critico ha visto nella letteratura moderna. E questo "giorno" arrivò, ma non proprio nella forma in cui lo immaginava lo slavofilo K. Aksakov.

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Ricevuto dall'editore il 15/10/13

Yu.M. Proskurina

Le peculiarità del realismo russo della metà del XIX secolo

La letteratura russa degli anni '50 dell'Ottocento è considerata una nuova fase nello sviluppo del realismo. Gli scrittori usano i principi della scuola naturale ma prestano maggiore attenzione ai problemi psicologici ed etici. Ora i personaggi forti sono in grado di resistere alle circostanze sociali. Quindi, i cambiamenti nel concetto di personalità causano la trasformazione dei sistemi di genere e stile del realismo.

Parole chiave: sviluppo del realismo, carattere e circostanze, tradizioni, genere, lirismo, carattere nazionale.

Proskurina Yulia Mikhailovna, dottore in filologia, professore

FSBEI HPE "Università pedagogica statale degli Urali"

620017, Russia, Ekaterinburg, viale Kosmonavtov, 26 E-mail: [e-mail protetta]

Proskurina Yu.M., dottore in filologia, professore

Università pedagogica statale degli Urali

620017, Russia, Ekaterinburg, Kosmonavtov av., 26

Il realismo come direzione era una risposta non solo all'Illuminismo (), con le sue speranze mente umana, ma anche indignazione romantica verso l'uomo e la società. Il mondo si è rivelato diverso da come lo rappresentavano i classicisti.

Era necessario non solo illuminare il mondo, non solo mostrare i suoi alti ideali, ma anche comprendere la realtà.

La risposta a questa richiesta fu il movimento realistico sorto in Europa e in Russia negli anni '30 del XIX secolo.

Il realismo è inteso come un atteggiamento veritiero nei confronti della realtà in un'opera d'arte di un particolare periodo storico. In questo senso le sue caratteristiche si ritrovano anche nei testi artistici del Rinascimento o dell'Illuminismo. Ma come movimento letterario, il realismo russo divenne leader proprio nel secondo terzo del XIX secolo.

Principali caratteristiche del realismo

Le sue caratteristiche principali includono:

• oggettivismo nel rappresentare la vita

(questo non significa che il testo sia uno “scivolamento” dalla realtà. Questa è la visione dell’autore della realtà che descrive)

• ideale morale dell'autore

• personaggi tipici con indubbia individualità degli eroi

(tali, ad esempio, sono gli eroi di “Onegin” di Pushkin o i proprietari terrieri di Gogol)

• situazioni e conflitti tipici

(i più comuni sono il conflitto tra una persona in più e la società, una piccola persona e la società, ecc.)

(ad esempio, circostanze di educazione, ecc.)

• attenzione all’autenticità psicologica dei personaggi

(caratteristiche psicologiche degli eroi o)

• vita ordinaria e quotidiana dei personaggi

(l'eroe non è una personalità eccezionale, come nel romanticismo, ma qualcuno che è riconoscibile dai lettori come, ad esempio, un loro contemporaneo)

• attenzione alla precisione e all'accuratezza dei dettagli

(puoi studiare l'epoca in base ai dettagli in "Eugene Onegin")

• ambiguità dell'atteggiamento dell'autore nei confronti dei personaggi

(non esiste divisione in caratteri positivi e negativi, ad esempio l'atteggiamento nei confronti di Pechorin)

• l'importanza dei problemi sociali: società e personalità, il ruolo della personalità nella storia, " piccolo uomo"e la società, ecc.

(ad esempio, nel romanzo “Resurrezione” di Leone Tolstoj)

• avvicinandosi alla lingua opera d'arte vivere il discorso

• la possibilità di utilizzare un simbolo, un mito, un grottesco, ecc. come mezzo per rivelare il carattere

(quando si crea l'immagine di Napoleone in Tolstoj o le immagini di proprietari terrieri e funzionari in Gogol).
Il nostro breve video di presentazione sull'argomento

Principali generi di realismo

• storia,
• storia,
• romanzo.

Tuttavia, i confini tra loro si stanno gradualmente sfumando.

Secondo gli scienziati, il primo romanzo realistico in Russia divenne “Eugene Onegin” di Pushkin.

Questo movimento letterario fiorì in Russia per tutta la seconda metà del XIX secolo. Le opere degli scrittori di quest'epoca sono entrate nel tesoro della cultura artistica mondiale.

Dal punto di vista di I. Brodsky, ciò è diventato possibile grazie all'altezza delle conquiste della poesia russa del periodo precedente.

Ti è piaciuto? Non nascondere la tua gioia al mondo: condividila

…per me l’immaginazione è sempre stataal di sopra dell'esistenza e dell'amore più forteL'ho sperimentato in un sogno.
L.N. Andreev

Il realismo, come sappiamo, è apparso nella letteratura russa nella prima metà del XIX secolo e per tutto il secolo è esistito nell'ambito del suo movimento critico. Tuttavia, il simbolismo, che si fece conoscere negli anni Novanta dell'Ottocento - il primo movimento modernista nella letteratura russa - contrastava nettamente con il realismo. Dopo il simbolismo sorsero altre tendenze non realistiche. Ciò ha inevitabilmente portato a trasformazione qualitativa del realismo come metodo per rappresentare la realtà.

I simbolisti hanno espresso l'opinione che il realismo sfiora solo la superficie della vita e non è in grado di penetrare nell'essenza delle cose. La loro posizione non era infallibile, ma da allora è iniziata nell'arte russa confronto e influenza reciproca tra modernismo e realismo.

È interessante notare che modernisti e realisti, mentre esteriormente lottavano per la demarcazione, internamente avevano un desiderio comune per una conoscenza profonda ed essenziale del mondo. Non sorprende, quindi, che gli scrittori di inizio secolo, che si consideravano realisti, capissero quanto fosse ristretto il quadro del realismo coerente e iniziarono a padroneggiare forme sincretiche di narrazione che permettevano loro di combinare l'oggettività realistica con il romantico, principi impressionistici e simbolisti.

Se i realisti del XIX secolo prestassero molta attenzione natura sociale dell’uomo, poi i realisti del ventesimo secolo hanno correlato questa natura sociale con processi psicologici e subconsci, espresso nello scontro tra ragione e istinto, intelletto e sentimento. In parole povere, il realismo del primo Novecento metteva in luce la complessità della natura umana, che non è affatto riducibile solo alla sua esistenza sociale. Non è un caso che in Kuprin, Bunin e Gorkij il piano degli eventi e la situazione circostante siano appena delineati, ma venga fornita un'analisi sofisticata della vita mentale del personaggio. Lo sguardo dell'autore è sempre diretto oltre l'esistenza spaziale e temporale degli eroi. Da qui l'emergere di motivi e immagini folcloristici, biblici e culturali, che hanno permesso di espandere i confini della narrazione e attirare il lettore alla co-creazione.

All'inizio del XX secolo, nell'ambito del realismo, quattro correnti:

1) realismo critico continua le tradizioni del XIX secolo e assume un'enfasi sulla natura sociale dei fenomeni (all'inizio del XX secolo queste erano le opere di A.P. Chekhov e L.N. Tolstoy),

2) realismo socialista - un termine di Ivan Gronsky, che denota un'immagine della realtà nel suo sviluppo storico e rivoluzionario, un'analisi dei conflitti nel contesto della lotta di classe e le azioni degli eroi nel contesto dei benefici per l'umanità ("Madre" di M. Gorky , e successivamente la maggior parte delle opere degli scrittori sovietici),

3) realismo mitologico prese forma nella letteratura antica, ma nel XX secolo sotto M.R. iniziò a comprendere la rappresentazione e la comprensione della realtà attraverso il prisma di famose trame mitologiche (in letteratura straniera Un esempio lampante è il romanzo di J. Joyce "Ulisse" e nella letteratura russa dell'inizio del XX secolo - la storia "Giuda Iscariota" di L.N. Andreeva)

4) naturalismo implica rappresentare la realtà con estrema plausibilità e dettaglio, spesso sgradevoli ("The Pit" di A.I. Kuprin, "Sanin" di M.P. Artsybashev, "Note di un dottore" di V.V. Veresaev)

Le caratteristiche elencate del realismo russo hanno causato numerose controversie sul metodo creativo degli scrittori rimasti fedeli alle tradizioni realistiche.

Amaro inizia con la prosa neoromantica e arriva alla creazione giochi sociali e romanzi, diventa il fondatore del realismo socialista.

Creazione Andreevaè sempre stato in uno stato limite: i modernisti lo consideravano uno “spregevole realista”, e per i realisti, a sua volta, era un “simbolista sospettoso”. Allo stesso tempo, è generalmente accettato che la sua prosa sia realistica e che la sua drammaturgia graviti verso il modernismo.

Zaitsev, mostrando interesse per i microstati dell'anima, ha creato una prosa impressionistica.

Tentativi della critica di definire il metodo artistico Bunina ha portato lo stesso scrittore a paragonarsi a una valigia ricoperta da un numero enorme di etichette.

La complessa visione del mondo degli scrittori realisti e la poetica multidirezionale delle loro opere testimoniano la trasformazione qualitativa del realismo come metodo artistico. Grazie a obiettivo comune- la ricerca della verità più alta - all'inizio del XX secolo ci fu una convergenza di letteratura e filosofia, iniziata nelle opere di Dostoevskij e L. Tolstoj.

XX secolo

Libro per insegnanti ∕ appunti delle lezioni

Yaroslavl, 2014

Argomento 1.

Letteratura russa di fine secolo: lezione di ripasso

Confini temporali

Insegnante:

Letteratura russa fine XIX- L'inizio del XX secolo, o la letteratura dell '"età dell'argento", è una delle fasi più luminose nella storia secolare della letteratura russa. Questa fase è stata preceduta da diverse epoche letterarie: letteratura russa antica, risalente a 7 secoli fa; letteratura XVIII secolo; letteratura XIX secoli.

Rispetto a questi periodi, la fase della letteratura russa all'inizio del secolo è molto più piccola in termini di durata. Inizia negli anni Novanta dell'Ottocento e termina alla fine degli anni Dieci del Novecento. – primi anni '20 La fine di questa fase è associata al 1921

Domanda:

perché quest'anno?

Risposta:

quest'anno è morto Alexander Blok (uno dei più grandi poeti simbolisti) e in cui è stato fucilato Nikolai Gumilyov (uno dei più grandi poeti acmeisti).

[L'insegnante mostra i loro ritratti.]

Ma certo, " età dell'argento", la visione del mondo artistico nata all'inizio del secolo continuò ad esistere più tardi: da un lato erano vivi altri scrittori e poeti, contemporanei di A. Blok e N. Gumilyov; d'altra parte, la cultura di fine secolo si rifletteva nell'opera di giovani scrittori appartenenti a un'epoca diversa. Tra questi possiamo citare, ad esempio, Daniil Andreev e Arseny Tarkovsky.

Significato del nome

L'insegnante invita il pubblico a tenere tra le mani un oggetto d'argento e pone la domanda: perché la fase di fine secolo nella letteratura russa è chiamata “L'età dell'argento”?

Risposta di esempio:

1. "argento" come opposto dell '"età dell'oro" della letteratura russa (A. Pushkin) [l'idea di 4 secoli: dall'oro al ferro];

2. argento come analogo della Luna - un simbolo del subconscio, un simbolo della dualità (lato chiaro e lato oscuro).

Persone

Insegnante:

Nonostante il periodo di fine secolo nella letteratura russa sia durato solo circa 30 anni, conteneva un numero enorme di nomi famosi. Così, negli anni 1890-1900, continuò l'opera dei grandi scrittori russi Leone Tolstoj e Anton Cechov (completarono il XIX secolo "classico" della letteratura russa), e allo stesso tempo apparvero nuovi scrittori e poeti che definirono un nuovo, cultura emergente.

Questi sono gli scrittori di prosa M. Gorky, A. Kuprin, I. Bunin, A.N. Tolstoj, I. Shmelev, M. Prishvin, E. Zamyatin.

Poeti A. Blok, V. Bryusov, I. Annensky, D. Merezhkovsky, Z. Gippius, F. Sologub, K. Balmont, Andrei Bely, Vyach. Ivanov, Velimir Khlebnikov, N. Gumilev, M. Voloshin, M. Kuzmin.

Negli anni '10, A. Akhmatova, S. Yesenin, V. Mayakovsky, O. Mandelstam, M. Tsvetaeva, N. Klyuev, V. Khodasevich, I. Severyanin, B. Pasternak entrarono nella letteratura russa.

[L'insegnante mostra i loro ritratti e legge una strofa delle loro poesie.]

Ma la letteratura di questo periodo non esisteva nel vuoto; faceva parte di una cultura spirituale generale, anch'essa in crescita in quel periodo. Così, tra i nomi di famosi filosofi di inizio secolo si possono citare V. Solovyov, S. Bulgakov, N. Berdyaev, P. Florensky, V. Rozanov; tra gli artisti - M. Vrubel, K. Korovin, V. Serov, A. Benois, L. Bakst e altri, tra i compositori - S. Rachmaninov, A. Scriabin, I. Stravinsky; tra le figure teatrali - K. Stanislavsky, V. Komissarzhevskaya, V. Meyerhold.

[L'insegnante mostra le opere degli artisti nominati e mette in scena la musica di S. Rachmaninov e A. Scriabin.]

Principali tendenze nello sviluppo dell'arte russa all'inizio del secolo

1. Forte democratizzazione dell'arte: rapida crescita nella composizione quantitativa del pubblico: molti lettori → molti poeti (l'emergere del cinema - “domanda ( vasto pubblico) crea una proposta (il cinema è una forma d'arte di massa)”).

2. La letteratura era nettamente divisa in massa ed élite (i nomi delle raccolte di V. Bryusov "Me eum esse", "Tertia Vigilia").

3. Una forte intensificazione dei contatti con la letteratura mondiale (qualsiasi fatto dell'arte europea diventa proprietà di un russo e viceversa; i libri di scrittori russi vengono rapidamente tradotti in lingue straniere; Russi e stranieri cominciano ad assomigliarsi).

4. Interazione attiva tipi diversi arti: sviluppo di una forma d'arte sintetica: il teatro; i poeti usano termini musicali per i titoli delle loro opere (la poesia di K. Balmont “Moonlight Sonata”); Scriabin concepisce una musica a colori per “Prometeo”; il suo “Mistero” avrebbe dovuto includere musica, rumori, architetture in movimento, danza, poesia, odori).

5. Universalismo creativo: M. Kuzmin - poeta e musicista, Mayakovsky - poeta e artista [l'insegnante mostra i disegni di V. Mayakovsky].

6. Tendenza alla miniaturizzazione in termini di genere.

7. Professionalizzazione nell'arte: combinare professionista e teorico in una persona (S. Taneyev - teorico e compositore; lo stesso - A. Bely, V. Bryusov, Vyach. Ivanov).

8. Gravitazione verso la forma pura, emancipazione, liberazione del testo da strutture rigide (il processo di allentamento della tonica sillabica (dolnik, tactovik, verso libero)); discrepanza tra suono e significato → silenzio, un foglio di carta bianco (V. Gnedov, “Poesia della fine”).

9. Attrazione per la polifonia (I. Stravinsky, “Petrushka”; A. Blok, “12”).

Compiti a casa:

Leggi le storie di A.P. Chekhov: "Chameleon", "Death of an Official", "Ionych", "Man in a Case", "About Love", "Gooseberry", "Lady with a Dog", "Fat and Thin" , "Intruso" ", "Insegnante di letteratura", "Jumper", "Studente".

Argomento 2.

La letteratura russa alla fine del secolo (continua). La vita e il percorso creativo di A. P. Chekhov

Letteratura "classica" del XIX secolo e letteratura di fine secolo

All'inizio del secolo, nella cultura e nella letteratura si verificarono cambiamenti nel modo in cui la realtà circostante cominciò a essere percepita. Questi cambiamenti si sono manifestati in diversi aspetti:

1. 19esimo secolo era caratterizzato dall'ottimismo, dalla fede e dalla speranza nel progresso sociale (“Guerra e pace”), in alti ideali; all'inizio del secolo, la fede nella riorganizzazione sociale crolla, prevale il pessimismo, idee di relatività di fede e incredulità, bene e male, amore elevato e piaceri fisici, sentimento di fin de siecle, decadenza (l'opera di F. Sologub ).

2. Nel 19 ° secolo, l'eroe è un piccolo uomo, la letteratura è la letteratura della compassione e dell'umanesimo [l'insegnante legge estratti da “Il cappotto” di N. Gogol e “Povera gente” di F. Dostoevskij], - all'inizio del secolo, lo scrittore e l'eroe si concentrano sulla propria sofferenza; la letteratura è la letteratura del masochismo psicologico, dell'individualismo estremo, dell'egocentrismo ed è caratterizzata dall'estetizzazione della morte.

3. La cultura del XIX secolo è monocentrica (Pushkin e i poeti della galassia di Pushkin), tendenze letterarie si sono sostituiti a vicenda (al sentimentalismo è seguito il romanticismo, il realismo dopo il romanticismo) - la cultura di fine secolo è policentrica (non ci sono scrittori maggiori e minori), le tendenze letterarie in essa esistono in parallelo (realismo, simbolismo, acmeismo, futurismo).

4. Il XIX secolo vide un periodo fiorente realismo(lat.realis – “sostanziale”, “reale”, da res - “cosa”), che è caratterizzato da plausibilità, profondità di immersione nella realtà; – fiorisce all’inizio del secolo modernismo(modernismo italiano - "movimento moderno"; dal latino modernus - "moderno, recente": include impressionismo, espressionismo, simbolismo, acmeismo, futurismo), che è caratterizzato da un orientamento verso la cultura urbana, i modi scientifici di conoscere, nonché su subconscio e irrazionalità, deformazione delle proporzioni reali, disegno, modellazione di nuove forme.

L'originalità del realismo russo all'inizio del secolo

Insegnante:

Tuttavia, il realismo è ancora presente anche nella letteratura del XX secolo. Ma allo stesso tempo differisce in modo significativo dal realismo “classico” del XIX secolo. Il realismo di inizio secolo si basa sulle scoperte artistiche della prosa di A.P. Cechov, che registra i cambiamenti avvenuti nella coscienza del popolo russo:

1. Nel realismo del XIX secolo, l'eroe giunge a una conclusione (Raskolnikov ripensa la sua vita durante i lavori forzati); nel realismo di fine secolo, all'eroe manca sempre qualcosa e nessuno dei mezzi precedenti può aiutatelo; la vita in un mondo fisso è vista come volgarità (“La signora con il cane”).

2. Nel realismo del XIX secolo ci sono eroi antagonisti (Pecorin e Grusnickij), nel realismo di fine secolo nessuno ha incondizionatamente ragione, tutti i contrasti perdono il loro carattere intenso (Lopakhin è colui che riduce Il frutteto dei ciliegi, e allo stesso tempo cerca con tutte le sue forze di aiutare il proprietario di questo giardino - Ranevskaya).

3.B opere realistiche All'inizio del secolo, lo spettro tematico si espande notevolmente e argomenti precedentemente proibiti invadono la letteratura (Kuprin, "The Pit").

4. Nelle opere realistiche di inizio secolo, la tipologia dei personaggi viene aggiornata (la diversità degli eroi nella prosa di A. Kuprin).

5. All'inizio del secolo, si verificano cambiamenti nella personalità dello scrittore: la facilità di crescita appare negli scrittori (M. Gorky, “Across Rus'”; A. Kuprin, cambiando professione).