Cosa ha scoperto Albrecht Dürer? Enciclopedia scolastica

Il primo autoritratto del tredicenne Dürer

Albrecht Dürer. auto ritratto

Albrecht Dürer Sr. (1, 2), un colono ungherese, aveva un laboratorio di gioielleria a Norimberga e 18 figlie e figli, di cui quattro sopravvissuti. Il terzo dei figli Dürer, anche lui Albrecht, come suo padre, dall'età di dieci anni trascorreva tutto il giorno in officina. A dire il vero, all'inizio si limitava a guardare attentamente. Ho visto come pietre multicolori sono incastonate in una cornice, diventando parte di un anello o di una collana; come un ornamento contorto di foglie e boccioli gradualmente, obbedendo allo scalpello del padre, impiglia il collo di un vaso d'argento, e un calice dorato panciuto (una ciotola da chiesa per prendere la comunione) "cresce" con una vite e grappoli. All'età di tredici anni, suo padre aveva già incaricato Albrecht Jr. di preparare schizzi per la stessa collana, corona o ciotola. Il terzo figlio dei Dürer aveva mano ferma, occhio eccellente e senso delle proporzioni. Suo padre timorato di Dio poteva ringraziare il cielo che l'azienda di famiglia avesse buone prospettive a lungo termine.

Albrecht Dürer. doppio calice

Albrecht Dürer. Corona imperiale
Schizzi di gioielli realizzati da Dürer già in età adulta.

Una volta, prendendo una matita d'argento, che è consuetudine per un apprendista gioielliere, che non consente alcuna correzione, il tredicenne Albrecht, riferendosi al riflesso nello specchio, si è raffigurato. Non è stato facile: guardare sempre dal riflesso alla carta e viceversa, per mantenere la stessa posa ed espressione facciale. Era ancora più esotico rendersi conto che in questo momento ci sono tre Albrecht in studio: uno in un amalgama di specchio, il secondo appare gradualmente sulla carta e il terzo, concentrando tutti i suoi poteri spirituali, sta cercando di realizzare i primi due coincidere il più possibile. Semplicemente non ha disegnato la sua matita magica: ha solo disegnato un fragile pennello con un dito teso, come se indicasse qualcosa di invisibile per noi o cercasse di misurare qualcosa.

Nell'angolo in alto a destra c'è la scritta: “Mi sono dipinto allo specchio nel 1484 quando ero ancora un bambino. Albrecht Durer". In Germania alla fine del XV secolo gli autoritratti non erano accettati. Il tredicenne Dürer non ha potuto vedere alcun esempio, così come non poteva presumere che un giorno fosse stato grazie a lui che un tale genere, l'autoritratto, si sarebbe affermato nell'arte europea. Con l'interesse di un naturalista, così caratteristico del Rinascimento, Albrecht si limitò a sistemare l'oggetto che lo interessava - il proprio volto - e non tentò di decorare, eroizzare o vestire se stesso (come avrebbe fatto da grande).

“Questo viso toccante con le guance paffute infantili e gli occhi spalancati, - descrive il primo autoritratto di Dürer, storico dell'arte Marcel Brion. — Quegli occhi sporgenti, come gli occhi di un rapace, in grado di guardare il sole senza battere ciglio. Il disegno in questo luogo è alquanto inetto. Una matita d'argento, più adatta alla scrupolosa accuratezza dei disegni orafi, delinea nettamente la curva delle palpebre, il bagliore del bulbo oculare. Lo sguardo è concentrato e quasi allucinatorio, forse dovuto a qualche goffaggine del giovane disegnatore, o forse a una stupefacente intuizione, che già allora era un segno distintivo del carattere del piccolo Dürer. Il viso è girato di tre quarti, rivelando un dolce ovale di guance piene, un naso adunco, simile a un becco. C'è una sorta di indecisione e incompletezza nel viso del ragazzo, ma il naso e gli occhi testimoniano l'eccezionale individualità dell'autore, sicuro di sé, padrone della sua anima e del suo destino.

Autoritratto con studio di mano e cuscino e autoritratto con benda

Albrecht Dürer. Autoritratto con studio di una mano e un cuscino (lato anteriore del lenzuolo)

Albrecht Dürer. Sei studi a cuscino (retro di "Autoritratto con studi di una mano e un cuscino")

Albrecht Dürer. Autoritratto con bendaggio
1491

I seguenti autoritratti grafici di Albrecht Dürer che ci sono pervenuti furono realizzati nel 1491-1493. Il loro autore ha poco più di vent'anni. Qui non è già stata usata una matita d'argento, ma penna e inchiostro. E lo stesso Dürer non è più un apprendista gioielliere, ma un aspirante artista. Suo padre era molto dispiaciuto per gli inutili sforzi profusi per insegnare ad Albrecht "l'artigianato dell'oro e dell'argento", ma, vista la tenacia con cui suo figlio si sforza di diventare un artista, lo mandò a studiare con il pittore e intagliatore Michael Wohlgemut, dopodiché Dürer ha intrapreso, come è stato poi intrapreso, un viaggio creativo. Gli "anni di peregrinazione" durante i quali sono stati eseguiti questi autoritratti ne faranno un vero maestro.

Un autoritratto con lo schizzo di una mano e un cuscino, a prima vista, sembra essere qualcosa come una caricatura, una caricatura amichevole di se stessi. Ma, molto probabilmente, qui non c'è un significato segreto e questo è solo un esercizio grafico. Dürer “si riempie la mano”, si allena a creare veri e propri oggetti tridimensionali con l'aiuto del tratteggio e analizza come i tratti ne fissano le deformazioni: sul retro dell'autoritratto ci sono 6 cuscini diversamente accartocciati.

Il soggetto della grande attenzione di Dürer negli autoritratti-studi, insieme al viso, sono le mani. Essendo un eccellente disegnatore, Dürer considerava le mani uno degli oggetti più significativi e interessanti da studiare e raffigurare. Non ha mai dato una mano generalizzata, ha sempre elaborato con cura il rilievo della pelle, le rughe e le rughe più piccole. Uno schizzo per una delle pale d'altare di Dürer, Hands of a Prayer/Apostle (1508), ad esempio, è famoso come opera indipendente. A proposito, pennelli sottili con lunghe dita affusolate verso l'alto, che possedeva lo stesso Dürer, erano considerati un segno di alta perfezione spirituale ai suoi tempi.

In questi due ritratti giovanili, gli storici dell'arte leggono "preoccupazione, agitazione, insicurezza". In essi è già evidente una caratteristica emotiva, che sarà preservata in tutti gli ulteriori autoritratti dell'artista: in nessuno di essi si è raffigurato gioioso, o almeno con l'ombra di un sorriso. In parte era un omaggio alla tradizione pittorica (nessuno ride nella pittura medievale), ma in parte rifletteva il carattere. Avendo ereditato dal padre un inevitabile silenzio e oscurità familiare, Dürer è sempre rimasto una natura complessa, intensamente pensante, estranea all'autocompiacimento: non per niente la famosa incisione di Dürer "Melancholia" è spesso chiamata il suo autoritratto spirituale.

Autoritratto con agrifoglio

Albrecht Dürer. Autoritratto con agrifoglio (Autoritratto con cardo)
1493, 56×44 cm

Mentre Dürer viaggiava intorno all'Alto Reno e migliorava se stesso, conoscendo famosi artisti tedeschi e disegnando vedute di città e montagne, suo padre a Norimberga gli aveva promesso una sposa. A proposito di matchmaking come fatto compiuto, informa per lettera l'ignaro figlio, che in quel momento si trovava a Strasburgo. Sulla ragazza Agnes Frei, il padre non ha scritto quasi nulla a Dürer, ma ha raccontato molto dei suoi genitori: il futuro suocero Hans Frei, il maestro delle fontane per interni, sta per essere nominato al Gran Consiglio di Norimberga , e la suocera è generalmente della dinastia patrizia (sebbene impoverita) dei Rummel.

L'anziano Dürer, che lui stesso proveniva dai coltivatori di grano ungheresi, voleva davvero fare una buona partita con Albrecht e quindi ha chiesto a suo figlio di finire tutti i suoi affari in sospeso e di tornare a Norimberga, e nel frattempo è un artista ora o chi? - scrivere e inviare ad Agnese il proprio ritratto, in modo che la sposa possa immaginare che aspetto ha la sua promessa sposa, che non aveva mai visto prima.

Il ritratto che ha svolto il ruolo di una sorta di “anteprima” nella vita familiare di Dürer è considerato “Autoritratto con agrifoglio” (1493). Non era scritto su legno, come la maggior parte dei ritratti dell'epoca, ma su pergamena (ammettono che fosse più facile inviare il ritratto in questa forma), solo nel 1840 l'immagine sarebbe stata trasferita su tela. Dürer ha 22 anni qui. Per la prima volta in un autoritratto, il suo compito non è quello di conoscere se stesso, ma di mostrarsi agli altri, come per “presentare” al mondo il suo aspetto e la sua personalità. E per Dürer, questa si rivela una sfida interessante, alla quale risponde con particolare passione artistica. Dürer si ritrae con un'eleganza provocatoria, da carnevale-teatrale: la sua sottile camicia bianca è allacciata con cordoncini color malva, le maniche del suo soprabito sono decorate con spacchi e il suo stravagante cappello rosso sembra più un fiore di dalia che un copricapo.

Dürer stringe con le dita un'elegante spina, la cui natura e simbolismo sono contestati. In russo, il nome "Autoritratto con agrifoglio" è rimasto dietro l'immagine, ma la pianta, che in russo è chiamata agrifoglio (o agrifoglio), fiorisce e sembra leggermente diversa. Dal punto di vista dei botanici, Dürer tiene tra le mani Eryngium amethystinum - un eryngium ametista, è anche chiamato il "cardo blu". Secondo una versione, il devoto Dürer indica il suo "credo" - la corona di spine di Cristo. Un'altra versione dice che in Germania, in uno dei dialetti, il nome dell'eryngium è Männer treu ("fedeltà maschile"), il che significa che Dürer chiarisce che non discuterà con suo padre e promette ad Agnes di essere un marito fedele. L'iscrizione su fondo scuro My sach die gat / Als es oben schtat è tradotta come "Le mie azioni sono determinate dall'alto"(c'è anche una traduzione in rima: "I miei affari vanno avanti, come il cielo ha ordinato"). Può anche essere interpretato come un'espressione di sottomissione al destino e alla volontà dei genitori. Ma il costume dice: “Farò come dice mio padre, ma questo non mi impedirà di essere me stesso e di muovermi lungo la strada prescelta”.

Albrecht Dürer. moglie Agnese

Albrecht Dürer. Agnese Durer

Ritratti grafici di Agnes Dürer (1495 e 1521) realizzati dal marito a intervalli di un quarto di secolo

Albrecht e Agnes si sposeranno presto, come volevano i loro genitori, e vivranno insieme una lunga vita, che pochi oseranno definire felice: le due metà della coppia senza figli Dürer si sono rivelate di natura troppo diversa. “Tra lui e sua moglie, probabilmente non c'è mai stata un'intesa, - scrive Galina Matvievskaya nella monografia "Albrecht Dürer - Scienziato". — Pratica e prudente, Agnes era apparentemente molto delusa dal fatto che l'intero modo della sua nuova vita non fosse affatto come la casa abituale di suo padre. Nel tentativo di condurre una vita borghese ordinata, soggetta a regole semplici e chiare, sostenne energicamente Dürer in tutti gli affari economici, si prese cura del benessere materiale della casa, ma le aspirazioni e gli ideali del marito le rimasero estranei. Indubbiamente, non è stato facile per lei: pur essendo vicino, Dürer ha vissuto la propria vita, incomprensibile per lei ... Col tempo, si è indurita, è diventata insensibile e avara e un'evidente ostilità si è insinuata nella loro relazione ".

"Magnifico Dürer": autoritratto dal Prado

Albrecht Dürer. auto ritratto
1498, 41×52 cm Olio, Legno

Das malt ich nach meiner gestalt / Ich war sex und zwenzig Jor alt / Albrecht Dürer - “L'ho scritto da me stesso. Avevo 26 anni. Albrecht Durer". Tra due autoritratti - questo e il precedente - passarono solo cinque anni, anni molto importanti nella biografia di Dürer. In questi cinque anni Dürer non solo si sposò, ma divenne anche famoso, non solo maturò, ma riuscì anche a realizzarsi come un grande artista, una personalità universale, per la quale i confini della sua città natale sono diventati angusti, da allora Dürer ha bisogno del mondo intero. In questo autoritratto del Prado, nello sguardo stesso di Dürer, nella sua posa pacata e sicura e nel modo in cui le sue mani si appoggiano al parapetto, c'è una dignità speciale e consapevole.

Dürer, nel momento in cui scrivo l'autoritratto, era tornato da poco dal suo secondo viaggio in Italia. Nel nord Europa è ampiamente conosciuto come un eccellente incisore, il cui ciclo dell'Apocalisse, stampato nella tipografia del suo padrino Anton Koberger, è andato esaurito in gran numero. In Italia, questa culla dell'arte, Dürer viene copiato maliziosamente, e querela i falsari, difendendo il suo nome onesto, e dimostra anche dubitando degli italiani di essere magnifico nella pittura come nell'incisione, avendo dipinto il dipinto "La festa del rosario ” (lei raccontiamo la storia in dettaglio qui). Il nuovo autoritratto è una sorta di dichiarazione che Dürer non è più un artigiano (e nella sua nativa Norimberga gli artisti sono ancora considerati rappresentanti della classe artigiana) - è un artista, e quindi prescelto da Dio.

Questa non è più l'autocoscienza di un maestro medievale, ma di un artista rinascimentale. Dürer, non senza una sfida, si ritrae in un outfit italiano, raffinato e costoso: la sua camicia arricciata di seta bianca è decorata al colletto con ricami dorati, larghe strisce nere su un berretto con nappe in rima con rifiniture nere a contrasto degli abiti, un il mantello marrone di tessuto pesante e costoso è tenuto a livello del cordone intrecciato delle clavicole infilato negli occhielli. Dürer ha acquisito una barba elegante che sembra ancora odorare di profumo veneziano, e i suoi capelli rosso oro sono accuratamente arricciati, il che provoca ridicolo tra i pragmatici compatrioti. A Norimberga, sua moglie o sua madre nascondevano tali abiti in una cassa: come rappresentante della classe artigiana, Dürer, come scrivono i biografi, non aveva il diritto di concedersi un lusso così provocatorio. E con questo autoritratto dichiara polemicamente: l'artista non è un artigiano, la sua posizione nella gerarchia sociale è molto più alta. I suoi bei guanti di capretto di ottima fattura gridano più o meno lo stesso. "Guanti bianchi, portati anche dall'Italia, - scrive il biografo di Dürer Stanislav Zarnitsky, - nascondere le mani oneste dell'operaio, ricoperte di abrasioni, tagli, macchie di vernice incrostata"). I suoi guanti sono un simbolo del suo nuovo status. Un costoso abito in stile veneziano e un paesaggio di montagna fuori dalla finestra (omaggio al mentore Giovanni Bellini) indicano che Dürer non accetta più di considerarsi un artigiano di provincia, limitato dalle convenzioni del tempo e dello spazio.

Autoritratto in abiti bordati di pelliccia (“Autoritratto all'età di 28 anni”,
"Autoritratto in pelliccia"

Albrecht Dürer. auto ritratto
1500, 67×49 cm Olio, Legno

La stessa tendenza a considerare l'artista non come un semplice artigiano, ma come una personalità universale, Dürer porta al suo limite logico nel quadro, divenuto poi il più famoso dei suoi autoritratti. Ecco come viene descritto il suo aspetto nel romanzo biografico "Dürer" di Stanislav Zarnitsky:

“Il vecchio Dürer, una volta entrato nello studio del figlio, ha visto un quadro che aveva appena completato. Cristo - così sembrava all'orafo, la cui vista era completamente deteriorata. Ma, guardando più da vicino, vide davanti a sé non Gesù, ma il suo Albrecht. Nel ritratto, suo figlio era vestito con una ricca pelliccia. Una mano dalle dita pallide, indifesa nella loro magrezza, le tirava gelosamente i fianchi. Dallo sfondo cupo, come dalla non esistenza, sporgeva non solo un volto: il volto di un santo. Un dolore soprannaturale gelò nei suoi occhi. L'iscrizione è scritta in minuscolo: "Così io, Albrecht Dürer di Norimberga, mi dipingevo all'età di 28 anni con colori eterni".

Per la prima volta, Dürer si ritrae non di tre quarti, ma rigorosamente di fronte: non era consuetudine dipingere ritratti profani, solo santi. Con uno "sguardo nell'eternità" trasparente, la bellezza di tutto il suo aspetto e un gesto della mano, simile a un gesto di benedizione, si paragona coscientemente a Cristo. È stata un'audacia speciale da parte dell'artista dipingere se stesso a immagine del Salvatore? Durer era conosciuto come un cristiano zelante ed era sicuro che diventare come Cristo per un credente non è solo un compito della vita, ma anche un dovere. "Per colpa di fede cristiana dobbiamo subire insulti e pericoli" ha detto Durer.

Alcuni ricercatori sottolineano che il quadro è stato dipinto nel 1500, quando l'umanità si aspettava ancora una volta la fine del mondo, quindi questo autoritratto è una sorta di testamento spirituale di Durer.

Autoritratto dentro l'immagine dei morti Cristo?

Albrecht Dürer. Cristo morto che indossa una corona di spine
1503

Il Cristo morto nella corona di spine Il disegno di Dürer con la testa rovesciata di Gesù morto è considerato da alcuni un autoritratto. Si dice che all'"età di Cristo" o giù di lì, Dürer si ammalò gravemente e fosse prossimo alla morte. Per diversi giorni tremava per la febbre, Dürer giaceva esausto, con le labbra secche e gli occhi infossati. In quel momento, tutti pensavano che l'artista devoto avrebbe mandato a chiamare il prete. Ma pretese di portare uno specchietto, se lo mise sul petto e, trovando appena la forza di alzare la testa, scrutò a lungo il suo riflesso. Questo spaventò i parenti di Dürer: forse pensavano che sotto l'influenza della malattia fosse impazzito, perché a nessuno in punto di morte non era mai venuto in mente di ammirarsi allo specchio. Quando Dürer si riprese, in base a ciò che vide, fece questo disegno. Nel terzo inferiore del foglio vediamo un grande monogramma dell'artista - le lettere A e D una sopra l'altra e l'anno - 1503 (Dürer nacque nel 1471).

Autoritratti di Albrecht Dürer, conosciuti solo a parole

Ci sono giunti due riferimenti molto interessanti agli autoritratti perduti di Dürer. Entrambi appartengono ai contemporanei dell'artista. Il primo è l'italiano Giorgio Vasari, autore delle famose "Biografie", e il secondo è il tedesco, il noto avvocato di Norimberga Christoph Scheirl, che nel 1508 pubblicò l'opuscolo "Un libro in lode della Germania".

Entrambi, usando esempi dal vivo, parlano del virtuosismo di Dürer, e quindi le loro descrizioni meritano attenzione, anche se non sappiamo di quali autoritratti stiamo parlando.

Vasari racconta come Dürer, che chiama "il più straordinario pittore e incisore tedesco su rame, che produce le stampe più belle”, inviato al suo collega più giovane Rafael “un autoritratto della testa, realizzato da lui a guazzo sul tessuto più fine in modo che potesse essere visto ugualmente da entrambi i lati, e le alte luci erano senza bianco e trasparenti, e le altre aree chiare dell'immagine non erano state toccate con l'aspettativa di un tessuto traslucido, appena tinto e toccato con acquerelli colorati. Questa cosa sembrò sorprendente a Raffaello, e quindi gli mandò molti fogli con i suoi disegni, che Albrecht teneva particolarmente..

Il caso descritto da Sheirl sembra essere una curiosità ingenua e racconta di Dürer e del suo cane:

“... Una volta, quando dipinse il proprio ritratto con uno specchio e mise un quadro ancora fresco al sole, il suo cane, passandogli davanti di corsa, lo leccò, credendo di essersi imbattuto nel suo padrone (per soli cani, secondo lo stesso Plinio, ne conoscono i nomi e riconoscono il loro padrone, anche se appare del tutto inaspettato). E posso testimoniare che fino ad oggi c'è una traccia di questo. Quante volte, inoltre, le cameriere cercavano di cancellare le ragnatele che aveva scritto meticolosamente!

Autoritratti cameo (Dürer nei dipinti a più figure come se stesso)

Eseguendo autoritratti da solista, Dürer è stato un innovatore. Ma a volte ha agito in modo più tradizionale, come hanno fatto molti dei suoi predecessori e contemporanei: ha inserito la propria immagine in composizioni multi-figurate. Era pratica comune per gli artisti dell'epoca di Dürer mettersi sulla porta dell'altare o all'interno di una fitta folla di artisti "preganti e disponibili".

Albrecht Dürer. Festa del Rosario (Festa delle Corone di Rose)
1506, 162×194,5 cm Olio, Legno

Nell'angolo destro del dipinto d'altare "La festa del rosario", commissionato dalla comunità tedesca a Venezia, l'artista si raffigura in abiti magnifici. Nelle sue mani tiene una pergamena, che dice che Albrecht Dürer completò il dipinto in cinque mesi, anche se in realtà il lavoro su di esso durò almeno otto: era importante che Dürer dimostrasse agli italiani dubbiosi di essere altrettanto bravo nella pittura come nell'incisione.

Albrecht Dürer. Altare di Giobbe (Altare di Yabakh). Ricostruzione
1504

L'altare di Jabach (a volte chiamato anche "altare del lavoro") fu probabilmente ordinato a Dürer dall'elettore Federico III di Sassonia per il castello di Wittenberg per commemorare la fine della peste del 1503. Successivamente, la famiglia Yabach di Colonia acquistò l'altare, fino al XVIII secolo rimase a Colonia, poi fu diviso e la sua parte centrale andò perduta. Ecco come apparivano ora le ali esterne sparse: a sinistra sono raffigurati Giobbe longanime e sua moglie, a destra sono raffigurati i musicisti che vennero a consolare Giobbe. Dürer si è ritratto come un batterista. In realtà, l'artista era interessato alla musica, ha provato a suonare il liuto, ma c'è qualcosa di ancora più indubbiamente Dürer in questa immagine: la sua intrinseca stravaganza nella scelta dei vestiti. Dürer il batterista si ritrae con indosso un turbante nero e un corto mantello arancione dal taglio insolito.

Presunti autoritratti di Dürer possono essere trovati nelle sue opere "Il tormento di diecimila cristiani", "L'altare di Geller" e "Adorazione della Trinità".

Albrecht Dürer. Il martirio di diecimila cristiani
1508, 99×87 cm

Albrecht Dürer. Altare Geller (Altare dell'Assunzione di Maria). Ricostruzione
1500s, 190×260 cm Olio, Tempera, Legno

Albrecht Dürer. Adorazione della Santissima Trinità (Pala d'altare di Landauer)
1511, 135×123 cm

Ed ecco frammenti delle suddette opere con autoritratti di Dürer:

Durer nudo

Albrecht Dürer. autoritratto nel nudo
1509, 29×15 cm Inchiostro, Carta

Il filologo e storico tedesco del XVI secolo, Gioacchino Camerarius il Vecchio, scrisse un saggio sulla vita e l'opera dell'artista per la pubblicazione del libro di Dürer sulle proporzioni. L'aspetto di Dürer in esso Camerarius descritto come segue: “La natura lo dotò di un corpo che si distingueva per la sua snellezza e portamento e del tutto corrispondente allo spirito nobile in esso contenuto... Aveva un viso espressivo, occhi scintillanti, un naso di forma nobile,... un collo piuttosto lungo, petto molto ampio, pancia tesa, cosce muscolose, gambe forti e snelle. Ma diresti che non hai mai visto niente di più grazioso delle sue dita. Il suo discorso era così dolce e spiritoso che nulla turbava i suoi ascoltatori tanto quanto il suo finale..

La franchezza con cui Dürer dipinge non la nudità di qualcun altro, ma la propria, fino al XX secolo e a esperimenti simili di Lucian Freud, è rimasta qualcosa di senza precedenti e di così sconvolgente che in molte pubblicazioni questo autoritratto generazionale di Dürer è stato timidamente tagliato all'altezza della vita .

Tuttavia, bisogna capire che la strategia di Dürer non prevedeva scioccare nessuno. Piuttosto, fu spinto dallo stesso interesse rinascimentale del naturalista, che all'età di 13 anni fece interessare il futuro artista al proprio volto e verificò immediatamente se poteva “raddoppiare la natura”, catturando ciò che vede nel disegno. Inoltre, in Germania all'epoca di Dürer, la raffigurazione di un corpo nudo dalla natura presentava un serio problema: a differenza dell'Italia, dove trovare soggetti di entrambi i sessi non era difficile e non costava troppo, non era consuetudine per i tedeschi posare nudo per artisti. E lo stesso Dürer si è lamentato molto del fatto di essere stato costretto ad imparare a disegnare il corpo umano basandosi su opere di italiani (Andrea Mantegna e altri), e Vasari nella biografia di Marcantonio ammette addirittura un passaggio così condiscendentemente caustico in relazione all'abilità di Dürer raffigurare un corpo nudo:

“... sono pronto a credere che Albrecht, forse, non avrebbe potuto fare di meglio, perché, non avendo altra possibilità, fu costretto, raffigurando un corpo nudo, a copiare i propri allievi, che, come la maggior parte dei tedeschi, avevano dei brutti corpi, anche se le persone vestite di questi paesi sembrano molto belle ”.

Anche se respingiamo con indignazione l'attacco del Vasari alla bruttezza delle figure tedesche, è naturale presumere che, possedendo per natura ottime proporzioni, Dürer abbia attivamente utilizzato il proprio corpo per i suoi studi artistici e antropometrici. Le questioni della struttura del corpo umano e del rapporto tra le sue parti nel tempo sono diventate una delle principali nell'opera e nella visione del mondo di Dürer.

Albrecht Dürer. Bagno maschile

Nell'incisione "Il bagno degli uomini", Dürer trova un'occasione "legale" e di successo per raffigurare un nudo, senza offendere in alcun modo la moralità pubblica e ammonire i rimproveri di conservatori o ipocriti. I bagni sono un orgoglio speciale delle città tedesche. Loro, come le terme romane, servono come luogo per incontri amichevoli e conversazioni significative. Ma piombo nella vasca, nessuno è vestito! In primo piano dell'incisione, Dürer raffigura il suo mentore Michael Wohlgemuth e il suo più caro amico Willibald Pirckheimer. C'è anche un autoritratto di Dürer qui: il suo corpo muscoloso va al flautista dallo sfondo.

Autoritratti di Dürer come "uomo dei dolori"

Albrecht Dürer. L'uomo dei dolori (Autoritratto)
1522, 40,8×29 cm Matita, Carta

“Io stesso ho trovato un capello grigio in me stesso, è cresciuto dalla povertà e perché soffro tanto. Mi sento come se fossi nato per mettermi nei guai".. Le parole citate sono una citazione dalla lettera di Dürer a un amico e, forse, l'espressione più intima di ciò che pensa della propria vita.

Questo tardo autoritratto collega paradossalmente due atteggiamenti dei precedenti autoritratti: usare il proprio corpo nudo come una natura e identificarsi con Cristo in un certo modo. Disegnando il suo corpo non più giovane e il suo viso segnato dall'invecchiamento, fissando come i muscoli e la pelle diventano via via flaccidi, formando pieghe cutanee dove ieri non c'erano, fissando con sobria obiettività i cambiamenti in atto, Dürer elabora contemporaneamente questo autoritratto secondo il tipo iconografico "marito dei dolori". Questa definizione, tratta dal Libro di Isaia dell'Antico Testamento, indicava il Cristo tormentato - nella corona di spine, mezzo vestito, percosso, sputato addosso, con una ferita sanguinante sotto le costole (1, 2).

Albrecht Dürer. auto ritratto
1521

E questo autoritratto non è un dipinto o un'incisione, ma una visualizzazione della diagnosi da una lettera scritta da Dürer al medico dal quale voleva ottenere un consulto. In alto c'è una spiegazione: "Dov'è la macchia gialla e dove punta il mio dito, mi fa male".

Povertà, malattie, contenziosi con i clienti e l'arresto di amati studenti accusati di ateismo, il rifiuto delle autorità di Norimberga di pagare all'artista il mantenimento annuale nominato dal defunto imperatore Massimiliano, la mancanza di comprensione in famiglia: gli ultimi anni di Dürer non furono facile e pieno di tristezza. Dopo aver compiuto un lungo viaggio per vedere una balena portata a riva, il 50enne Dürer si ammala di malaria, dalle cui conseguenze non potrà riprendersi fino alla morte. Una grave malattia (forse un tumore al pancreas) ha portato al fatto che, secondo Willibald Pirkheimer, Dürer si è prosciugato, "come un fascio di paglia". E quando viene sepolto (senza particolari onorificenze - l'artigiano di Norimberga non ne aveva alcun diritto), gli irragionevoli ammiratori del genio che si sono resi conto avrebbero insistito per l'esumazione per togliergli la maschera mortuaria. E i suoi famosi riccioli ondulati saranno tagliati e sistemati come ricordo. Come se il ricordo di lui avesse bisogno di questi oggetti di scena dalla sua carne mortale, mentre Dürer ha lasciato prove immortali di se stesso: incisioni, dipinti, libri e, infine, autoritratti.

A. Durer (1471-1528) - un grande artista tedesco, e negli ultimi anni della sua vita e teorico dell'arte. La sua biografia e il suo lavoro sono strettamente legati al Rinascimento. Le opere di Albrecht Dürer attirano ancora oggi molti intenditori di pittura. Vuoi saperne di più? La vita e l'opera di Albrecht Dürer sono presentate in questo articolo.

breve biografia

Suo padre era originario dell'Ungheria, un argentiere. Albrecht studiò prima con il padre e poi con Michael Wohlgemuth, pittore e incisore di Norimberga. 1490-1494 - "anni di peregrinazione", obbligatori per ottenere il titolo di maestro. Albrecht trascorse questo periodo nelle città dell'Alto Reno (Strasburgo, Colmar, Basilea). Qui entrò nella cerchia degli stampatori e degli umanisti. È noto che Dürer voleva perfezionarsi nell'incisione su metallo con M. Schauer a Colmar, ma non lo trovò vivo. Quindi Albrecht iniziò a studiare il lavoro di questo maestro, comunicando con i suoi figli, che erano anche artisti.

Nel 1494 Albrecht Dürer tornò a Norimberga. La sua biografia e il suo lavoro sono stati annotati in questo momento eventi importanti. Fu allora che ebbe luogo il matrimonio con Agnes Frey e l'apertura del suo laboratorio. Dopo qualche tempo, Albrecht decise di intraprendere un nuovo viaggio, questa volta scegliendo il Nord Italia. Si recò a Padova e Venezia nel 1494-95. Dürer si recò a Venezia nel 1505 e vi rimase fino al 1507. La conoscenza di Albrecht con I risale al 1512. Apparentemente, allo stesso tempo, Dürer iniziò a lavorare per lui, fino alla morte di Massimiliano, avvenuta nel 1519. È noto che Albrecht visitò anche i Paesi Bassi. Nel periodo dal 1520 al 1521 visitò città come Bruxelles, Anversa, Gand, Bruges, Malin e altre.

Creatività Durer

E la cui opera coincide con il periodo di massimo splendore del Rinascimento tedesco, non poteva stare lontano dalle tendenze del suo tempo. Fu un periodo difficile, in gran parte disarmonico. Il suo carattere ha lasciato un'impronta su tutti i tipi di arte. La rinascita nell'opera di Albrecht accumula l'originalità e la ricchezza delle tradizioni artistiche tedesche. Appaiono nelle vesti dei personaggi di Dürer, lontani dalla bellezza dal punto di vista dell'ideale classico. Inoltre, il maestro preferisce tutto ciò che è nitido, presta grande attenzione ai singoli dettagli. Allo stesso tempo, il contatto con l'arte italiana è di grande importanza per Albrecht. Il lavoro di Albrecht Dürer è caratterizzato dal fatto che ha cercato di comprendere il segreto della sua perfezione e armonia. Durer è l'unico rappresentante che, per versatilità e orientamento degli interessi, il desiderio di comprendere le leggi dell'arte, di creare le proporzioni perfette della figura umana, può essere paragonato ai grandi maestri del Rinascimento italiano .

Disegni

Il lavoro di Albrecht Dürer è vario. Fu dotato come disegnatore, incisore e pittore. Allo stesso tempo, l'incisione e il disegno a volte occupano anche un posto di primo piano con lui. Più di 900 fogli sono l'eredità del disegnatore Dürer. In termini di diversità e vastità, può essere paragonato solo alle opere di Leonardo da Vinci. Apparentemente, il disegno faceva parte della vita quotidiana del maestro. Dürer padroneggiò perfettamente tutte le tecniche grafiche dell'epoca: dal carboncino, all'acquarello, alla penna ad ancia e alla spilla d'argento. Come per i maestri italiani, il disegno divenne per Dürer il passaggio più importante nella creazione di una composizione. Questa fase comprendeva studi, schizzi di teste, gambe, braccia, drappeggi.

Per Dürer, il disegno era uno strumento con cui studiava i tipi caratteristici: le fashioniste di Norimberga, i signori intelligenti, i contadini. Le famose opere di Albrecht Dürer sono gli acquerelli del maestro "Hare" (nella foto sopra) e "Piece of Sod". Sono realizzati con un freddo distacco e una tale intensità da poter diventare illustrazioni di codici scientifici.

Serie Paesaggio

La prima opera significativa del maestro è una serie di paesaggi del 1494-95. Queste opere di Albrecht Dürer sono state realizzate ad acquerello e gouache durante il suo viaggio in Italia. Sono composizioni attentamente equilibrate e ponderate, con piani spaziali che si alternano dolcemente tra loro. Queste opere di Albrecht Dürer sono i primi paesaggi "puri" nella storia dell'arte europea.

"Natale", "Adorazione dei Magi", "Adamo ed Eva"

Uno stato d'animo chiaro e uniforme, il desiderio dell'autore di un equilibrio armonioso di ritmi e forme: questi sono i tratti caratteristici della pittura di Dürer dalla fine del XV secolo all'inizio del secondo decennio del XVI secolo. Si tratta della pala d'altare della "Natività", realizzata intorno al 1498, e dell'opera "L'Adorazione dei Magi" del 1504, in cui Dürer unisce un gruppo di tre Magi e la Madonna dalle sagome morbide, un tranquillo ritmo circolare, nonché come motivo ad arco che si ripete ripetutamente nello scenario architettonico. Nel 1500 uno dei temi principali dell'opera di Albrecht era il desiderio di trovare le proporzioni ideali del corpo umano. Cerca i loro segreti dipingendo figure femminili e maschili nude. Si noti che fu Albrecht il primo in Germania a studiare il nudo. Queste ricerche furono riassunte nell'incisione del 1504 "Adamo ed Eva", nonché in un grande dittico pittorico realizzato intorno al 1507 con lo stesso nome.

"Adorazione della Santissima Trinità" e "Festa del Rosario"

Le opere più complesse, composizioni pittoriche armonicamente ordinate di molte figure, furono completate già negli anni della maturità creativa da Albrecht Dürer. Opere notevoli comprende la Festa del Rosario creata nel 1506, e nel 1511 l'Adorazione della Santissima Trinità. "La festa del Rosario" è una delle opere più grandi di Dürer (161,5 x 192 cm). Inoltre, questo è uno dei dipinti di intonazione più importanti. L'opera è vicina all'arte dei maestri d'Italia non solo nei motivi, ma anche nella sua vitalità, nella pienezza dei colori, nella pienezza delle immagini (principalmente ritratti), nell'equilibrio della composizione e nell'ampiezza della scrittura. Nel dipinto intitolato "L'Adorazione della Santissima Trinità", che è una piccola opera d'altare, semicerchi ritmici, che riecheggiano il completamento ad arco dell'altare, uniscono gli angeli svettanti in cielo, i padri della Chiesa e la schiera dei santi. Questo dipinto ricorda la Disputa di Raffaello.

primi ritratti

Senza ritratti, è difficile immaginare l'opera di Albrecht Dürer. I suoi dipinti di questo genere sono numerosi e molto interessanti. Albrecht già in una prima opera, realizzata intorno al 1499 (ritratto di Oswald Krehl), appare come un maestro affermato. Trasmette perfettamente l'energia interna del modello, l'originalità del carattere. L'unicità di Albrecht Dürer sta nel fatto che l'autoritratto occupa un posto di primo piano nel primo periodo della sua ritrattistica. Già nel 1484 realizzò il disegno a punta d'argento presentato all'inizio dell'articolo. Qui Albrecht è raffigurato come un bambino di 13 anni. Già a quel tempo, la mano di Dürer era guidata da una brama di conoscenza di sé, che si sviluppò ulteriormente nei suoi primi tre pittoreschi autoritratti. Si tratta delle opere del 1493, 1498 e 1500. Nell'ultimo lavoro (la sua foto è presentata sopra), Albrecht è raffigurato rigorosamente di fronte. Incorniciato da una piccola barba e lunghi capelli, il suo viso regolare ricorda le immagini del Cristo Pantocratore.

Incisioni

L'opera di Albrecht Dürer (1471-1528) è interessante in quanto eseguì con egual successo incisioni sia su rame che su legno. Albrecht fece dell'incisione, seguendo Schongauer, una delle principali forme d'arte. Nelle opere di Dürer si esprimeva lo spirito inquieto e irrequieto della sua natura creativa, così come le drammatiche collisioni morali che lo preoccupavano. In netto contrasto con i primi dipinti chiari e pacati del maestro era già la prima serie grafica su larga scala, composta da 15 incisioni sui temi dell'Apocalisse. Queste opere in legno furono create da Albrecht nel 1498. Dürer, nelle sue incisioni, molto più che nei dipinti, si affida alle tradizioni tedesche. Si manifestano nella tensione di movimenti spigolosi e bruschi, nell'eccessiva espressione delle immagini, nel ritmo di vorticosi, linee rapide e pieghe che si spezzano. L'immagine della Fortuna tratta dall'incisione "Nemesis", risalente all'inizio del 1500, ha un carattere formidabile. Questa incisione è una delle le migliori opere Durer.

"Vita di Maria", "Grandi Passioni" e "Piccole Passioni"

Nel ciclo grafico "La vita di Maria", realizzato intorno al 1502-05, si nota l'interesse dell'autore per i dettagli di genere, così come l'abbondanza di dettagli, tratti caratteristici della tradizione artistica tedesca. Questo ciclo grafico è l'umore più chiaro e calmo. Gli altri due, dedicati alla passione di Cristo, si distinguono per l'espressione drammatica. Si tratta delle "Grandi Passioni" su tavola (1498-1510 circa), oltre a due serie di incisioni su rame "Piccole Passioni" (gli anni della creazione - 1507-13 e 1509-11). Queste opere di Dürer erano più conosciute tra i suoi contemporanei.

Trittico 1513-1514

L'incisione del 1513 "Il cavaliere, la morte e il diavolo", così come due opere del 1514 ("Girolamo nella cella" e "Melancholy") occupano un posto importante nell'eredità di Albrecht. Formano una specie di trittico. Queste opere sono realizzate dal maestro con sottigliezza virtuosa. Si distinguono per una rara concentrazione e concisione figurativa. Apparentemente, Dürer non intendeva crearli come un ciclo unico. Tuttavia, queste opere sono accomunate da un sottotesto morale e filosofico, che è molto complesso (molte opere sono oggi dedicate alla sua interpretazione). A quanto pare, il trattato "Guida del guerriero cristiano" di E. Rotterdam ha ispirato l'autore con l'immagine di un guerriero severo di mezza età che si avvia verso una meta sconosciuta, nonostante il Diavolo lo seguisse alle calcagna, nonché le minacce di morte. Il guerriero è presentato sullo sfondo di un paesaggio roccioso selvaggio. Il lavoro di Albrecht Dürer non è sempre facilmente percepibile. Riepilogo il suddetto trattato è importante da conoscere per comprendere l'immagine di un guerriero.

San Girolamo (nella foto sopra), che si è completamente dedicato agli studi scientifici, è la personificazione di una vita contemplativa e di un'introspezione spirituale. La maestosa Melancholia alata, immersa nel suo cupo riflesso, si presenta sullo sfondo di un caotico cumulo di simboli del tempo fugace e delle scienze, strumenti del mestiere.

Di solito è interpretato come la personificazione dello spirito creativo e irrequieto di una persona. Si noti che gli umanisti del Rinascimento trovavano nelle persone dal temperamento malinconico, la "ossessione divina" del genio, l'incarnazione creatività. Pertanto, possiamo dire che anche il lavoro di Albrecht Dürer si inserisce nel quadro della tendenza generale. Descriviamo brevemente le sue opere successive.

Lavori successivi

Dürer lavorò alla corte di Massimiliano I dopo il 1514 (sopra il suo ritratto di Albrecht). In questo momento, Albrecht Dürer ha eseguito molti ordini ufficiali. Le opere da lui realizzate richiedevano grande maestria, ma la più laboriosa era una litografia a colori realizzata su 192 tavole. Quest'opera si chiama "Arco di Massimiliano I". Oltre a Dürer, un folto gruppo di artisti ha lavorato alla sua creazione. Dopo un viaggio nei Paesi Bassi, compiuto nel 1520-21, Albrecht iniziò una nuova ascesa creativa. In questo momento, sono apparsi molti schizzi superficiali. Inoltre, le opere di Albrecht Dürer sono state reintegrate con una serie di bellissime. Il loro elenco è il seguente: realizzato nel 1520 con carboncino, così come l'opera del 1521 "Luca di Leiden" (realizzata con una matita d'argento), "Agnes Dürer", creata con una matita di metallo, ecc.

Ritratti dal 1520

Il ritratto negli anni '20 del Cinquecento diventa il genere principale nell'opera di Dürer. In questo momento, Albrecht Dürer creò immagini in incisione su rame dei più importanti umanisti del suo tempo. Le opere principali sono le seguenti: nel 1526 - un ritratto di Filippo Melantone, nel 1524 - di Willibald Pirkheim, nel 1526 - Erasmo da Rotterdam. Nella pittura nel 1521 compare "Ritratto giovanotto", nel 1524 - "Ritratto di uomo", nel 1526 - "Hieronymus Holtzschuer" e altre opere. Queste piccole opere si distinguono per la loro composizione impeccabile, completezza classica, sagome cesellate. Sono effettivamente complicate dai contorni di enormi berretti di velluto o cappelli a tesa larga.Il centro compositivo di queste opere è il viso ravvicinato, creato da sottili transizioni di ombre e luci.Nelle espressioni facciali appena percettibili, nello sguardo di occhi spalancati, nei contorni di leggermente curvi in ​​una sorriso o labbra socchiuse, nel disegno energico degli zigomi e nel movimento delle sopracciglia accigliate, si possono scorgere tracce di un'intensa vita spirituale Albrecht nei suoi contemporanei, la forza dello spirito assume una grande scala nel dittico " Quattro Apostoli" (nella foto sotto), l'ultima opera pittorica del maestro (1525. Fu dipinta da Dürer per il municipio di Norimberga. Vengono presentate le grandi figure dell'evangelista Paolo, Pietro e Giovanni, che personificano, secondo i contemporanei del maestro, 4 temperamenti.

Opere teoriche, il senso della creatività

Negli ultimi anni della sua vita, Albrecht pubblicò lavoro teorico: una guida alla misurazione con righello e compasso (nel 1525), sul rafforzamento di fortezze, castelli e città (1527), e nel 1528 apparve l'opera "Quattro libri sulle proporzioni umane". Albrecht Dürer, di cui abbiamo considerato l'opera e il destino, morì a Norimberga il 6 aprile 1528.

Dürer influenzò fortemente lo sviluppo di tutta l'arte tedesca nella prima metà del XVI secolo. Le sue incisioni hanno avuto un enorme successo anche in Italia, anche i loro falsi sono stati prodotti. Molti artisti italiani sono stati influenzati dal suo lavoro, tra cui Pordenone e Pontormo.

Durer Albrecht (1471-1528) -

artista tedesco

Albrecht Dürer. Autoritratto a 26, 1498

Nato il 21 maggio 1471 a Norimberga. In un primo momento, al giovane fu insegnato gioielli dal padre e nel 1486 entrò nella bottega di pittura di M. Wolgemut, dove adottò i principi del tardo gotico. Le opere realizzate da Dürer durante gli anni di peregrinazioni di studio lungo l'alto Reno (1490-1494) sono tipiche dell'arte tedesca del XV secolo, che univa i tratti del gotico e del rinascimento.

Le visite in Italia (1494-1495 e 1505-1507) e nei Paesi Bassi (1520-1521) accrebbero l'interesse di Durer per la scienza. Studiò a fondo la natura e sviluppò la dottrina delle proporzioni. Oltre a un gran numero di opere pittoriche, Dürer ha lasciato una grande eredità teorica (Guida alla misurazione, 1525; Istruzioni per la fortificazione delle città, 1527; Quattro libri sulle proporzioni umane, 1528). L'artista lavora molto sul paesaggio (“Veduta di Trient”, acquarello, 1495; “Casa allo stagno”, acquarello, 1495-1497 circa).

Le sue composizioni sono chiare, logiche e precise.

("Altare di Dresda", 1496 circa;

la pala d'altare di Paumgartner, 1502-1504;

"Adorazione della Trinità", 1511). Nell'Adorazione dei Magi (1504), utilizza le conquiste coloristiche della scuola veneziana. Ma a differenza degli italiani emotivi, Dürer è goticamente duro e dettagliato.

Nella serie di xilografie "Apocalisse" (1498), si rivolge al tema della fine del mondo, anticipando un tempo di cambiamento. Nei cicli successivi - "Grandi passioni" (1497-1511 circa), "La vita di Maria" (1502-1511 circa), "Piccole passioni" (1509-1511), "Sant'Eustazio" e "Nemesi" (1500-1503 ) - L'abilità di Dürer raggiunge la perfezione. Ma le cosiddette incisioni di bottega del 1513-1514 sono giustamente considerate l'apice della sua opera. (“Il cavaliere, la morte e il diavolo”, 1513; “Melancholia”, “San Girolamo”, entrambi 1514).

Durer dedicò molto tempo allo studio del nudo, il suo interesse per l'anatomia era di natura scientifica e si concretizzava nelle incisioni su rame.

("Adamo" ed "Eva", 1504).

Utilizza anche motivi tradizionali della vita popolare nelle incisioni ("Tre contadini", 1497 circa; "Contadini danzanti", 1514). Altrettanto attento Dürer si avvicina al ritratto (“Ritratto di padre”, 1490; “Ritratto di donna”, 1506; “Ritratto di madre”, 1514; “Ritratto di giovane uomo”, 1521; “Ritratto di Erasmo di Rotterdam", 1526).

Nel 1526, l'artista crea l'ultima opera: una composizione pittorica-dittico

"Quattro apostoli"

Dürer ha vinto una posizione onoraria nella sua città natale, fama in Germania e all'estero. Era amico degli scienziati più importanti, riceveva ordini dall'imperatore, principi e ricchi borghesi.

Dipinti di Albrecht Dürer

Albrecht Dürer - Madonna che allatta

Madonna col Bambino che regge una mezza pera

Madonna col Bambino (Haller Madonna), c. 1498, Olio su tavola, 50 x 39 cm, National Gallery of Art, Washington

Albrecht Dürer__“La festa delle ghirlande di rose” o “La festa del rosario” / frammento / (tedesco Rosenkranzfest)_ 1506

Il martirio di diecimila cristiani

Adorazione della Santissima Trinità

Adorazione dei Magi, 1504, Olio su tavola, 100 x 114 cm, Galleria degli Uffizi, Firenze

I sette dolori della Vergine Madre dei dolori

Ritratto di Johann Kleberger

Ritratto di un veneziano

Ritratto dell'imperatore Massimiliano I

Ritratto di un uomo su sfondo verde.

Ritratto di Elsbeth Tucher

Testa di donna.

Madonna col Bambino davanti ad un arco

Ritratto di una ragazza con i capelli intrecciati

Ritratto di Barbara Durer

Ritratto Di Un Uomo Con Baret E Scorrere

Ritratto di giovane Fürleger con i capelli sciolti, 1497, Olio su tela, 56 x 43 cm, Städelsches Kunstinstitut, Francoforte

Ritratto di ignoto in veste rossa (San Sebastiano)

Albrecht Dürer (tedesco Albrecht Dürer, 21 maggio 1471, Norimberga - 6 aprile 1528, Norimberga) - pittore e grafico tedesco, uno dei i più grandi maestri Rinascimento dell'Europa occidentale. Riconosciuto come il più grande maestro europeo delle xilografie, che lo elevò al livello di vera arte. Il primo teorico dell'arte del Nord artisti europei, l'autore di una guida pratica alle belle arti e decorative in tedesco, che ha sostenuto la necessità di uno sviluppo diversificato degli artisti. Fondatore dell'antropometria comparata. Oltre a quanto sopra, ha lasciato un segno evidente nell'arte dell'ingegneria militare. Il primo artista europeo a scrivere un'autobiografia.

Il futuro artista nacque il 21 maggio 1471 a Norimberga, nella famiglia del gioielliere Albrecht Dürer, arrivato in questa città tedesca dall'Ungheria a metà del XV secolo, e Barbara Holper. I Dürer ebbero diciotto figli, alcuni, come scrisse lo stesso Dürer il Giovane, morirono "in gioventù, altri da grandi". Nel 1524 erano vivi solo tre dei bambini Durer: Albrecht, Hans ed Endres.

Il futuro artista era il terzo figlio e il secondo figlio della famiglia. Suo padre, Albrecht Dürer il Vecchio, tradusse letteralmente il suo cognome ungherese Aytosi (ungherese Ajtósi, dal nome del villaggio di Aytosh, dalla parola ajtó - “porta.”) in tedesco come Türer; successivamente si trasformò sotto l'influenza della pronuncia franca e cominciò a essere scritto Dürer. Albrecht Dürer il Giovane ricordava sua madre come una donna pia che viveva una vita difficile. Possibilmente indebolito. gravidanze frequenti Stava soffrendo molto. Il padrino di Dürer era il famoso editore tedesco Anton Koberger.

Per qualche tempo i Dürer affittarono metà della casa (vicino al mercato centrale della città) dall'avvocato e diplomatico Johann Pirckheimer. Da qui la stretta conoscenza di due famiglie appartenenti a classi urbane diverse: i patrizi Pirckheimer e gli artigiani Dürer. Con il figlio di Johann, Willibald, una delle persone più illuminate della Germania, Dürer il Giovane è stato amico per tutta la vita. Grazie a lui, l'artista entrò in seguito nella cerchia degli umanisti di Norimberga, il cui leader era Pirkheimer, e lì divenne la sua persona.

Dal 1477 Albrecht frequentò una scuola di latino. All'inizio, il padre ha attirato suo figlio a lavorare in un laboratorio di gioielleria. Tuttavia, Albrecht desiderava dipingere. L'anziano Dürer, nonostante si rammaricasse del tempo dedicato all'insegnamento di suo figlio, cedette alle sue richieste e all'età di 15 anni Albrecht fu mandato nella bottega del principale artista di Norimberga dell'epoca, Michael Wolgemuth. Ne parla lo stesso Dürer nella “Cronaca di famiglia”, da lui realizzata alla fine della sua vita, una delle prime autobiografie nella storia dell'arte dell'Europa occidentale.

Wolgemut Dürer ha imparato non solo la pittura, ma anche l'incisione su legno. Wolgemuth, insieme al figliastro Wilhelm Pleidenwurff, fece incisioni per il Libro delle cronache di Hartmann Schedel. Nel lavoro sul libro più illustrato del XV secolo, che gli esperti considerano il Libro delle cronache, Wolgemut è stato aiutato dai suoi studenti. Una delle incisioni di questa edizione, "Dance of Death", è attribuita ad Albrecht Dürer.

Secondo la tradizione, gli studi nel 1490 si conclusero con peregrinazioni (tedesco: Wanderjahre), durante le quali l'apprendista apprese abilità da maestri di altre zone. Il viaggio studentesco di Dürer continuò fino al 1494. Il suo itinerario esatto è sconosciuto, ha viaggiato in diverse città in Germania, Svizzera e (secondo alcuni ricercatori) nei Paesi Bassi, continuando a migliorare belle arti e lavorazione dei materiali. Nel 1492 Dürer soggiornò in Alsazia. Non ebbe il tempo, come desiderava, di vedere Martin Schongauer, che visse a Colmar, artista il cui lavoro influenzò molto il giovane artista, rinomato incisore di rame. Schongauer morì il 2 febbraio 1491. Dürer è stato ricevuto con onore dai fratelli del defunto (Kaspar, Paul, Ludwig) e Albrecht ha avuto l'opportunità di lavorare per qualche tempo nello studio dell'artista. Probabilmente con l'aiuto di Ludwig Schongauer padroneggiò la tecnica dell'incisione su rame, che a quel tempo era praticata principalmente dai gioiellieri. Successivamente, Dürer si trasferì a Basilea (presumibilmente prima dell'inizio del 1494), che a quel tempo era uno dei centri della stampa, al quarto fratello di Martin Schongauer, Georg. Intorno a questo periodo, nei libri stampati a Basilea, le illustrazioni apparivano in uno stile nuovo, precedentemente insolito. L'autore di queste illustrazioni ha ricevuto dagli storici dell'arte il nome di "Master Bergman Printing House". Dopo il ritrovamento della tavola incisa del frontespizio dell'edizione delle Lettere di S. Jerome” del 1492, firmato sul retro con il nome di Dürer, gli furono attribuite le opere del “maestro tipografo Bergman”. A Basilea, Dürer potrebbe aver preso parte alla creazione delle famose xilografie per la "Nave dei folli" di Sebastian Brant (prima edizione nel 1494, 75 incisioni per questo libro sono attribuite all'artista). Si ritiene che a Basilea Dürer abbia lavorato alle incisioni per la pubblicazione delle commedie di Terence (rimaste incompiute, solo 13 tavole su 139 sono state tagliate), Il cavaliere di turno (45 incisioni) e un libro di preghiere (20 incisioni). (Tuttavia, il critico d'arte A. Sidorov riteneva che non valesse la pena attribuire tutte le incisioni di Basilea a Dürer).

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Molti anni fa, quando ero ancora a scuola, nella nostra città si tenne una grande mostra filatelica. Io, come molti miei coetanei dell'epoca, amavo i francobolli, e quindi non potevamo mancare a questo evento.
C'erano molte sezioni della mostra, ma ero più interessato ai temi dell'arte. E, naturalmente, la migliore mostra qui presentata, per me, è stata la collezione di francobolli dedicata il più grande artista Rinascimento tedesco Albrecht Dürer. L'autore della mostra ha fatto un ottimo lavoro per presentare la collezione in tutto il suo splendore. Ogni francobollo o blocco era esposto su fogli separati ed era accompagnato da spiegazioni, magistralmente scritte in caratteri gotici. Ho guardato a lungo ogni francobollo, imparando sempre di più sulla vita dell'artista.
Purtroppo non ricordo l'autore di questa raccolta. Mi piacerebbe davvero conoscere il suo destino e rivederla dopo tanti anni...
Ho ricordato ancora una volta questo episodio della mia infanzia quando ho raccolto questo meraviglioso libro che mi è stato inviato di recente.

L'eredità letteraria di Albrecht Dürer non è mai stata pubblicata in russo in un volume tale da poterne avere almeno un quadro completo. Questa pubblicazione dovrebbe, in una certa misura, colmare questa lacuna. La raccolta proposta all'attenzione del lettore comprende materiali autobiografici, lettere, diari dell'artista ed estratti delle sue opere teoriche.

(1471-1528)

Albrecht Durer Nacque il 21 maggio 1471 a Norimberga, centro principale dell'umanesimo tedesco. Il suo talento artistico, le sue qualità imprenditoriali e le sue prospettive si sono formate sotto l'influenza di tre persone che hanno svolto il ruolo più importante nella sua vita: suo padre, un gioielliere ungherese; il padrino Koberger, che lasciò l'arte della gioielleria e iniziò l'editoria; e l'amico più intimo di Dürer, Wilibaldo Pirckheimer, un eccezionale umanista che introdusse il giovane artista alle nuove idee rinascimentali e alle opere dei maestri italiani.

Suo padre, Alberecht Dürer Sr., era un orafo; successivamente iniziò a essere registrata come Dürer.

Più avanti nel suo diario intitolato "Cronaca di famiglia" Dürer lascerà la seguente voce:

"Anno 1524 dopo Natale a Norimberga.

Io, Albrecht Dürer Jr., ho scritto dalle carte di mio padre da dove veniva, come è venuto qui ed è rimasto qui per vivere e riposare in pace. Che Dio sia misericordioso con noi e con lui. Amen.

Albrecht Durer Sr. è nato nel Regno d'Ungheria, non lontano da una cittadina chiamata Yula, che si trova otto miglia sotto Wardijn, in un villaggio vicino chiamato Eytas, e la sua famiglia è stata nutrita allevando tori e cavalli. Ma il padre di mio padre, che si chiamava Anton Dürer, da ragazzo venne nella suddetta città da un certo orafo e da lui imparò il mestiere. Poi sposò una ragazza di nome Elisabetta, dalla quale ebbe una figlia, Katerina, e tre figli. Il primo figlio, di nome Albrecht Dürer, era il mio caro padre, che divenne anche orafo, un uomo abile e puro di cuore".

L'infanzia di Albrecht Dürer Sr. è trascorsa lontano da Norimberga, fuori dalla Germania, in una piccola città ungherese. Da tempo immemorabile, i suoi nonni e bisnonni allevavano bovini e cavalli nelle pianure ungheresi e suo padre Anton Dürer divenne un orafo. L'orafo Anton Dürer insegnò a suo figlio tutto ciò che sapeva come maneggiare argento e oro, poi lo mandò a imparare dai maestri all'estero.

Ritratto del padre dell'artista. 1490 Olio su tavola
Galleria degli Uffizi. Firenze. Italia

Questo è il suo primo dipinto di Albrecht Dürer, che è giunto fino a noi. Questa è la prima opera che Dürer ha segnato con il suo monogramma. Dopo aver dipinto un ritratto di suo padre, si è finalmente realizzato come artista. In questo momento, Dürer dipinse ritratti di sua madre e suo padre. Ha concepito questo lavoro come un dono ai suoi genitori, in particolare al padre. Questo lavoro è stato una gratitudine per il fatto che il padre non ha impedito a suo figlio di diventare un artista. Era la prova che, lasciando il mestiere di famiglia per un altro, il figlio non avrebbe tradito le speranze del padre: quello che voleva fare, lo aveva imparato a fare per davvero.

Albrecht Dürer Sr. aveva ventotto anni quando varcò i confini della città di Norimberga. E per altri dodici anni prestò servizio come apprendista presso l'orefice Jerome Holper. Il Togo era stato a lungo chiamato il Vecchio, ma non aveva fretta di andare in pensione. Anni lunghi Albrecht Dürer ha speso per padroneggiare il mestiere. Portavano conoscenza di tecniche e segreti, davano vigilanza all'occhio, fermezza alla mano, gusto raffinato, ma, ahimè, spesso gli sembrava che sarebbe rimasto un eterno apprendista. Solo quando raggiunse l'età di quarant'anni, poté presentare proprietà per cento fiorini, che si richiedeva per ottenere i diritti di padrone; di cui ha pagato dieci per un certificato di questi diritti, ha sposato la figlia quindicenne di Holper, Barbara, e, con l'aiuto del suocero, ha finalmente aperto un'officina indipendente.

Ritratto di Barbara Dürer, nata Holper 1490-93
A proposito di suo padre, Dürer scrive quanto segue nel suo diario:

"... Albrecht Dürer Sr. ha trascorso la sua vita con grande diligenza e duro lavoro e non ha avuto altro cibo che quello che ha ottenuto con le proprie mani per se stesso, sua moglie e i suoi figli. Pertanto, aveva poco. Ha anche sperimentato molto di dolore, scontri e fu anche molto lodato da molti che lo conoscevano, poiché conduceva una vita onesta e degna di un cristiano, era paziente e persona gentile, benevolo verso tutti, ed era pieno di gratitudine verso Dio. Era lontano dalla società e dai piaceri mondani, era anche un uomo di poche parole e timorato di Dio.

Albrecht Dürer Sr. aveva molte preoccupazioni. Quasi ogni anno nascevano bambini: Barbara, Johann, Albrecht...

Albrecht Dürer una volta scrisse nelle sue memorie:
"... Nel 1471 dopo la nascita di Cristo all'ora sesta nel giorno di Santa Prudentia martedì nella settimana della Santa Croce (21 maggio), mia moglie Barbara diede alla luce il mio secondo figlio, il cui padrino era Anton Koberger e lo intitolò al mio nome Albrecht"

Quindi la data è passata alla storia 21 maggio 1471 quando nacque a Norimberga il grande artista, pittore e grafico, teorico dell'arte tedesco, che meritava fama mondiale.

Poi sono nati Sebald, Jerome, Anton, i gemelli: Agnes e Margarita. La madre è quasi morta di parto e una ragazza ha avuto appena il tempo di battezzarsi quando è morta. I gemelli furono seguiti da Ursula, Hans, un'altra Agnes, Peter, Katharina, Endres, un altro Sebald, Christina, Hans, Karl. Diciotto figli! I Durer invitarono buoni conoscenti e amici a fare da padrini ai loro figli. Tra questi - un mercante e un astronomo dilettante, un esattore delle tasse per vino e birra, un giudice. E il padrino di Albrecht - il giovane - Anton Koberger - era un famoso tipografo. Tutti quelli che i Dürer invitavano a fare da padrini ai loro figli erano persone influenti, potevano fornire patrocinio ai loro figliocci in futuro, ma solo quelli nascevano deboli, si ammalavano molto, morivano durante l'infanzia o l'adolescenza. Solo tre fratelli sono sopravvissuti fino all'età adulta: Albrecht, Andre e Hans. Ma la famiglia è sempre stata grande. La moglie era esausta per le gravidanze, i parti frequenti, le malattie dei bambini, le notti insonni, il duro lavoro. Che focolare dovrebbe essere per sfamare una famiglia, apprendisti e studenti, che tavola serve per far accomodare tutti! Quanto costava vestire e ferrare tanti bambini! E il padre voleva non solo dar loro da mangiare, ma anche insegnare loro a leggere e scrivere, dare ai figli un mestiere affidabile nelle loro mani, spianare loro la strada, perché fosse più facile della sua stessa strada.

Il padre ha cercato di affascinare suo figlio con i gioielli. Nel 1484 Albrecht Dürer il Giovane era ancora un ragazzo. Ha smesso di andare a scuola, dove ha studiato per diversi anni. È apprendista nella bottega del padre. Abituati. Anche se all'inizio è stato molto difficile. Per tutta la corsia Kuznetsov al mattino c'è un rumore di martelli, i mantici sospirano rocamente, le lime stridono, gli apprendisti cantano dolcemente e tristemente. Odora di carbone bruciato, scaglie di metallo, acido.

"... Ma mio padre ha trovato in me una consolazione speciale, perché ha visto che ero diligente nell'apprendimento. Pertanto, mio ​​padre mi ha mandato a scuola e quando ho imparato a leggere e scrivere, mi ha portato da scuola e ha iniziato a insegnare io gli artigiani orafi.

C'erano dei lavori in studio che lo lasciavano indifferente, altri li faceva con piacere. Ma nessuno di loro evocava nemmeno lontanamente una sensazione come il tocco di una matita su carta. Non poteva spiegare a parole questa sensazione, ma non era nemmeno in grado di sfuggire alla sua prigionia. Sapeva che suo padre avrebbe potuto arrabbiarsi, ma non tornò alla sua lezione. Stava dipingendo. Ho disegnato me stesso.

Durer. Autoritratto all'età di tredici anni.
... Su un foglio rettangolare di carta spessa e ruvida, il ragazzo si raffigurava mezzo girato. Quando guardi questo autoritratto, senti che è disegnato da una mano che ha preso una matita non la prima volta. Il disegno è fatto quasi senza emendamenti, subito e con coraggio. Il viso nel ritratto è serio, concentrato. Con la morbidezza dei lineamenti, assomiglia a un padre. L'aspetto è molto giovane, forse non darai tredici anni a un ragazzo. Ha labbra carnose infantili, guance dai contorni lisci, ma non infantili. occhi sbarrati. C'è una certa stranezza nello sguardo: sembra che sia rivolto verso l'interno. I capelli ricci e setosi coprono la fronte e le orecchie e cadono sulle spalle. C'è un cappuccio spesso sulla testa. Il ragazzo indossa una semplice giacca. Una mano sporge da un'ampia manica: un polso fragile, dita lunghe e sottili. Non è chiaro da loro che questa mano sia già abituata a tenere una pinza, una lima, un martello, un bulino.

Il ragazzo non pensava al fatto di essersi impegnato a disegnare un autoritratto, un compito insolito per quel tempo. Non si aspettava che fosse facile, ma non temeva che sarebbe stato difficile. Quello che ha fatto è stato necessario e naturale per lui. Come respirare. Lo ha sentito quando ha provato a disegnare per la prima volta e ha mantenuto questa sensazione per il resto della sua vita. Ha lavorato con una matita d'argento. Un bastoncino pressato di polvere d'argento si adagia sulla carta con un tratto morbido. Ma il tratto non può essere cancellato o corretto: la mano dell'artista deve essere ferma. Forse la serietà e la concentrazione infantili in faccia - dalla difficoltà di un compito quasi impossibile. Albrecht Dürer Jr. l'ha gestito in modo sorprendente.

Pochi decenni dopo, il disegno di un bambino attirò l'attenzione del maestro. Non ne rise come un'esperienza immatura, ma scrisse nell'angolo in alto a destra: "Sono stato io a dipingere me stesso allo specchio nel 1484, quando ero ancora un bambino. Albrecht Düpep." In queste parole c'è la tenerezza di un adulto per la propria infanzia ormai scomparsa, il rispetto del maestro per uno dei suoi primi esperimenti.

"... E quando avevo già imparato a lavorare in modo pulito, avevo più voglia di dipingere che di oreficeria. Ne ho parlato a mio padre, ma non ne era affatto contento, perché gli dispiaceva per il tempo perso che comunque io , mi ha ceduto, e quando hanno contato l'anno 1486 dalla nascita di Cristo, il giorno di St. Endres [Sant'Andrea, 30 novembre], mio ​​padre ha accettato di mandarmi come apprendista da Michael Wohlgemut, in modo che Dovrei servirlo per tre anni. In quel tempo Dio mi diede diligenza, perché studiassi bene.

Dopo tre anni di studio, Dürer fece un viaggio obbligatorio attraverso le città dell'Alto Reno (dal 1490 al 1494) per ricevere il titolo di maestro.
Prima di tornare a Norimberga, suo padre gli promise una sposa - Agnes Frei, che proveniva da una nobile famiglia di banchieri - rappresentanti finanziari dei Medici in Germania. Agnes Frey è la figlia di Hans Frey, un ramaio, meccanico e musicista.

"... e per quattro anni sono stato lontano da casa, finché mio padre non me lo ha preteso di nuovo. E dopo che me ne sono andato nel 1490 dopo Pasqua, sono tornato quando hanno contato 1494, dopo Trinità. E quando sono tornato a casa, ho concordato con mio padre Hans Frey e mi ha dato sua figlia, una ragazza di nome Agnes, e mi ha dato 200 fiorini per lei, e ci siamo sposati lunedì prima di Margarita nel 1494.

Si può vedere che il ritratto di Agnes appartiene a questi giorni: un disegno superficiale con una penna. Nella foto - una ragazza in abito da casa e grembiule. Si è pettinata frettolosamente i capelli - ciocche di capelli sono state staccate dalla sua treccia e il suo viso non sembra bello - tuttavia, ogni secolo ha le sue idee su bellezza femminile. Appoggiandosi alla mano, si appisola: è vero, si è data da fare: ci sono tante cose da fare prima del matrimonio. Lo sposo entrò nella casa del futuro suocero. Pettinato con cura, vestito elegantemente, con un regalo per la sposa, Albrecht Dürer aprì la porta di casa e colse Agnes che sonnecchiava alla sprovvista. Ecco come l'ha dipinta. Uno schizzo fugace non lusingava la sposa. Dopo aver esitato, come per controllare se stesso come suonavano queste brevi parole e cosa significassero, scrisse sotto l'immagine: "La mia Agnes". In tutta la storia del loro lungo matrimonio, questi sono gli unici parole tenere scritto da Dürer su sua moglie.

Poi, nello stesso anno, fece un viaggio in Italia, dove conobbe l'opera di Mantegna, Polayolo, Lorenzo di Credi e altri maestri. Nel 1495 Dürer tornò di nuovo nella sua città natale e nei dieci anni successivi realizzò una parte significativa delle sue incisioni, che ora sono diventate famose.

Si avvicinava l'anno 1500.

Le date rotonde fanno sempre un'impressione speciale sulle persone e questo ne ha affascinato. Era impossibile immaginare che un anno del genere non sarebbe stato diverso da quelli precedenti e successivi. La gente fu sollevata nel vedere che la fine del mondo non era arrivata. Ma continuavano a pensare che l'anno 1500 significasse una pietra miliare.

Auto ritratto. 1500
No, non è un caso che sia stato proprio quest'anno che Dürer ha creato un nuovo autoritratto, uno dei più sorprendenti nel suo lavoro e, forse, in generale nell'arte dell'autoritratto europeo.

Dürer attribuiva particolare importanza a questo ritratto. Non solo lo ha segnato con il suo monogramma, ma gli ha fornito un'iscrizione latina:

"Io, Albrecht Dürer, di Norimberga, mi sono dipinto con colori così eterni..."

Le lettere sono scritte con vernice dorata, fanno eco ai bagliori dorati tra i capelli e sottolineano la solennità del ritratto.
Non molto tempo fa, gli artisti tedeschi non firmavano le loro opere: il loro destino era la modesta oscurità. Dürer dispiega la sua firma in più righe in lettere dorate solenni. Posiziona queste linee nel punto più visibile dell'immagine. Un'immagine piena di spirito di orgogliosa autoaffermazione, autoaffermazione come persona e come artista, che per lui è inseparabile l'una dall'altra. Non è facile, non è facile comunicare con un uomo di così grande orgoglio e così convinto del suo diritto, con uno sguardo così pervasivo.

Nel 1503-1504 Dürer realizzò meravigliosi studi ad acquarello di animali e piante, di cui il più famoso è "Un grande pezzo di torba" (1503, Vienna, Kunsthistorisches Museum). Dipinte in varie tonalità di verde, le piante sono raffigurate con cura e precisione insuperabili.

Grande pezzo di zolla. 1503

Giovane lepre. 1502.

Tornato a Norimberga, Dürer continuò a incidere, ma tra le sue opere del 1507-1511 i dipinti occupano un posto più importante.

Adorazione della Santissima Trinità (Landauer Altare). 1511
Questo sorprendente quadro scintillante, una delle opere più solenni e "patetiche" di Dürer, è stato dipinto per ordine del mercante M. Landauer. La Santissima Trinità è qui raffigurata sull'asse centrale (lo Spirito Santo in forma di colomba, Dio Padre, coronato da una corona, e il Cristo crocifisso).
Intorno sono i personaggi che adorano la Trinità, divisi in quattro gruppi: in alto a sinistra - i martiri, guidati dalla Madre di Dio; in alto a destra - profeti, profetesse e sibille guidate da Giovanni Battista; in basso a sinistra - capi della chiesa, guidati da due papi; in basso a destra - laici guidati dall'imperatore e dal re.
Sul bordo inferiore dell'immagine vediamo un paesaggio con un lago. L'unica figura sulla sua riva è lo stesso Dürer.

Se nel 1507–1511 Dürer si dedicò principalmente alla pittura, gli anni 1511–1514 furono dedicati principalmente all'incisione.
Nel 1513-1514 realizzò tre dei suoi fogli più famosi: "Il cavaliere, la morte e il diavolo"; "San Girolamo nella cella" e "Melancholia I".

Cavaliere, la morte e il diavolo. 1513
Sul primo di questi, un cavaliere cristiano cavalca attraverso un terreno montuoso, accompagnato dalla Morte con una clessidra e un diavolo. L'immagine di un cavaliere sorse, forse sotto l'influenza del trattato di Erasmo da Rotterdam "La guida del guerriero cristiano" (1504). Cavaliere - allegoria vita attiva; compie le sue imprese nella lotta contro la morte.

San Girolamo nella cella. 1514
Il foglio "San Girolamo in cella", invece, è un'immagine allegorica di uno stile di vita contemplativo. Il vecchio è seduto al leggio in fondo alla cella; un leone disteso in primo piano. La luce filtra attraverso le finestre in questa dimora tranquilla e accogliente, ma qui invadono simboli che ricordano la morte: un teschio e una clessidra.

Malinconia I. 1514
L'incisione "Melancholia I" raffigura una figura femminile alata seduta tra gli strumenti e gli strumenti sparsi in disordine.

Quattro apostoli. 1526
I Quattro Apostoli è l'ultimo dipinto di Dürer, il suo testamento spirituale ai suoi contemporanei e discendenti. L'artista cinquantacinquenne sentì che le sue forze stavano finendo e decise di fare un regalo d'addio alla sua città natale di Norimberga.
Quest'opera fu creata nel 1526, poco dopo l'accettazione ufficiale della Riforma da parte di Norimberga.

Catturando i tre apostoli e l'evangelista, Dürer volle dare ai suoi concittadini una nuova guida morale e un alto esempio da seguire. L'artista ha cercato di esprimere le sue idee su questo punto di riferimento con tutta la chiarezza possibile.
In una lettera al Consiglio Comunale, il maestro scrisse che in quest'opera lui "ha investito più sforzi che in qualsiasi altro dipinto."
Sotto gli sforzi, Dürer intendeva non solo l'opera reale dell'artista, ma anche lo zelo con cui cercava di trasmettere al pubblico il significato religioso e filosofico dell'opera. A Dürer sembrava che la pittura da sola non fosse sufficiente per questo, e lo ha integrato con le parole: ci sono iscrizioni lungo il fondo di entrambe le tavole.
L'artista stesso ha formulato le sue parole d'addio ai concittadini come segue:
"In questi tempi pericolosi, i governanti terreni stiano attenti a non confondere gli errori umani con la parola divina".
Dürer ha rafforzato il proprio pensiero con citazioni accuratamente selezionate dal Nuovo Testamento - dichiarazioni dei discepoli e seguaci di Cristo da lui raffigurate: questi sono gli avvertimenti degli apostoli Giovanni e Pietro contro i falsi profeti ei falsi maestri; le parole di Paolo, che predisse i tempi in cui sarebbe venuto il predominio di persone egoiste e arroganti, e, infine, il noto detto dell'evangelista Marco "Attenzione agli scribi".
È significativo che i testi evangelici siano citati dalla Bibbia tradotta da Lutero nel 1522 in tedesco. Le iscrizioni in magnifici caratteri gotici furono fatte su richiesta di Dürer dal suo amico, il famoso calligrafo Johann Neudörfer.

Negli ultimi anni della sua vita, Dürer pubblicò le sue opere teoriche: Guida alla misurazione con bussola e righello (1525), Istruzioni per il rafforzamento di città, castelli e fortezze (1527), Quattro libri sulle proporzioni umane (1528). Durer ha avuto un'enorme influenza sullo sviluppo dell'arte tedesca nella prima metà del XVI secolo. In Italia le incisioni di Dürer ebbero un tale successo che furono prodotti anche i loro falsi; molti artisti italiani, tra cui Pontormo e Pordenone, furono direttamente influenzati dalle sue incisioni.

Albrecht Dürer morì improvvisamente all'età di cinquantasette anni - 6 aprile 1528 - e fu sepolto nel cimitero cittadino di San Giovanni a Norimberga. Dopo la sua morte, ha lasciato diverse centinaia di incisioni e oltre sessanta dipinti.

L'opera di questo maestro fu di grande importanza per lo sviluppo dell'arte tedesca nella prima metà del XVI secolo. Con tutto il contributo molto ampio e significativo di Dürer allo sviluppo dell'arte del suo paese, il suo merito principale è l'istituzione di principi realistici nella pittura e nell'incisione tedesca del XVI secolo.

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