Il dipinto di Velazquez "La resa di Breda" Interpretazione a diversi livelli. Descrizione del dipinto di Velazquez “La resa di Breda Descrizione del dipinto di D

La resa di Breda era uno dei dodici dipinti di battaglia creati per commemorare le vittorie delle truppe di Filippo IV. Erano tutti destinati alla sala dei regni

Come sapete, prima di Velasquez, per molto tempo c'era l'idea di raffigurare scene di battaglia. C'erano regole severe e un intero sistema di simboli e allegorie che l'artista ha dovuto osservare senza dubbio. Quindi, ad esempio, i volti dei vincitori dovevano essere arroganti (arroganti) e trionfanti, e i volti ei gesti dei vinti - umiliati e servili (servitariamente lusinghieri). I pittori si sono sforzati di glorificare i loro sovrani nel modo più magnifico e fantastico possibile, avvicinandoli ai celesti. Velasquez, invece, ha deciso di subordinare la sua tela all'idea principale: esprimere rispetto per gli sconfitti e, soprattutto, vedere nello sconfitto (colui che ha perso) una persona - e questa è la principale idea umanistica di quest'opera. Pertanto, è stato creato un monumento non all'arte e alla tattica militare, ma in larga misura alla nobiltà del carattere del comandante, il vincitore. L'artista rende omaggio all'esercito nemico, una piccola nazione di olandesi che lottano per la propria libertà, avendo il coraggio di opporsi a una potenza mondiale.

Questo è il coraggio innovativo del lavoro dell'autore e questo conferma che è stato scritto in un periodo critico, di transizione tra le idee di ideali apparse nel Rinascimento (antichità) e le dure realtà della New Age (il fiorire della scienza, il legame con la religione è notevolmente indebolito. soluzioni compositive, colori, pittoricità, colorazione.

Il dipinto stesso è stato creato dal pittore intorno al 1634-1635. Doveva perpetuare il ricordo della resa, considerata una fortezza inespugnabile (Breds), e simboleggiare la gloria e l'invincibilità della casa reale spagnola, riferendosi agli eventi di dieci anni fa dalla storia della guerra ispano-olandese. La capitolazione, considerata inespugnabile (che attrae, ma è impossibile entrarvi) della fortezza, dopo molti mesi di assedio (una lunga operazione militare, spesso sotto forma di blocco di una città o di una fortezza, con l'intento di catturare l'oggetto con un successivo assalto o costringere alla capitolazione la guarnigione) della città da parte delle truppe spagnole al comando di Ambrosio Spinola, nel 1625 fu esaltata come la più grande conquista strategica dell'epoca. Il lavoro è fatto su tela con olio. Le dimensioni della tela sono semplicemente sorprendenti (307 x 367 cm). Oggi è esposto al pubblico nel Museo del Prado (Madrid).

L'artista ha raffigurato il momento in cui il governatore Giustino di Nassau consegna le chiavi della città al comandante spagnolo Marchese (titolo nobiliare dell'Europa occidentale) Ambrosio Spinola. Va anche notato che la presentazione delle chiavi della città ai soldati dell'esercito nemico significa una cosa: la città si è arresa. Questa usanza è nata in quei tempi lontani, quando quasi tutte le città europee erano fortezze grandi o poco grandi, che di notte venivano davvero chiuse a chiave.

Diego Velazquez ha creato un numero enorme di immagini di ritratti, la cui forza risiede nella profondità dell'analisi psicologica e nella precisa nitidezza delle caratteristiche. Il pittore nei ritratti non adula le modelle, ma le rappresenta ciascuna nelle singole unicità, caratteristiche nazionali e sociali.

Quanto alla "Resa di Breda", l'originalità del metodo dell'artista ha raggiunto in essa un nuovo apice: si sforza di rivelare nell'unità integrale dei soldati i tratti caratteriali essenziali, la costituzione spirituale e mentale di ogni persona nella loro complessità e contraddizioni. Il maestro fornisce le caratteristiche psicologiche corrette del principale attori . La tela pittorica comprende diversi ritratti: un ritratto del vincitore dello stesso Spinola, forse un ritratto dell'artista stesso, che non era presente alla resa di Breda ": colloca il suo autoritratto (un giovane con un cappello sul lato destro del quadro) nella generalità dell'esercito spagnolo e, naturalmente, è raffigurato il secondo rappresentante delle parti in guerra - Giustino. Con l'ausilio dei mezzi e delle tecniche più semplici, l'artista ricrea la vita in tutta la sua verità, semplicità e allo stesso tempo fascino - un mistero che ci stupisce ancora oggi. I ritratti di soldati di entrambi gli eserciti da lui dipinti si distinguono per la fedeltà delle fisionomie raffigurate, il trasferimento di un tipo individuale, espressione di orgoglio nazionale e senso di dignità. La natura si riflette in essi, come in uno specchio; non c'è ombra di convenzionalità in loro. Quindi, dietro l'apparente moderazione secolare di Spinola, si può sentire sia l'orgogliosa consapevolezza della vittoria che la nobiltà della sua natura: incontra educatamente i vinti, rendendo omaggio al coraggio e allo spirito ininterrotto degli olandesi. Camminando pesantemente, a capo scoperto, va verso il vittorioso Nassau, sembra pronto ad inginocchiarsi, consegnando le chiavi, e Spinola è sceso da cavallo, si è tolto il cappello e, allungando la mano in avanti, non ha permesso all'olandese di inginocchiarsi. Con l'eleganza di un vero cavaliere, posa la mano destra sulla spalla dell'olandese, tenendone nella sinistra il cappello e la bacchetta da maresciallo. Lo spagnolo accoglie amichevolmente il comandante. Lo spagnolo non sembra accorgersi che von Nassau gli sta consegnando le chiavi. Si vede che Spinola è in ogni modo preoccupato che i suoi avversari non sentano minimamente l'umiliazione della situazione; tratta von Nassau non come un nemico sconfitto, ma, al contrario, come una persona a cui, nella sua posizione poco invidiabile, non si può negare la simpatia. Il movimento dell'olandese forma una diagonale distinta, esprimendo così la sua posizione subordinata, ei movimenti del vincitore sono pieni di cortesia e rispetto per lo sconfitto, il volto dello spagnolo esprime sentimenti umani ordinari - sentimenti di empatia e rispetto. Le loro posture e gesti sono giustificati, naturali. L'olandese è emozionato e vive profondamente l'evento, appare nell'immagine un po' indifeso, questa sensazione è trasmessa da un certo gobbo davanti allo spagnolo e da un particolare: il cappello viene tolto, ma anche Spinola, in segno di rispetto, resta a capo scoperto. In quale altra tela storica del XVII secolo, raffigurante un episodio militare, si possono sentire tanti altri suoni umani che toccano l'anima! Suona chiaramente una nota pacifica di rispetto umano per il valore del nemico. Sbirciando i lineamenti di due persone, diventa chiaro che è l'idea umanistica che distingue La resa di Breda dai precedenti lavori su temi storici. Questo è qualcosa di nuovo che non esisteva prima di Velasquez, questo è il suo tratto, da cui riconosci il suo lavoro, il suo lavoro.

È anche interessante come colpisca la profonda differenza nell'abbigliamento dei due generali: Giustino è vestito con un abito da marcia, privo di lucentezza cerimoniale, marrone dorato; La spinola è vestita con un'armatura nera, sulla quale è legata una sciarpa rosa: questo contrasto rivela anche le differenze tra loro e conferisce all'opera un colore e una veridicità speciali. Questo è anche un fattore che dimostra che questo lavoro appartiene a un punto di svolta, un momento di lotta tra il nuovo e il vecchio nella società spagnola. Nella foto di Velasquez non vediamo più il comportamento di un cavaliere esemplare, ma la formula per il rapporto delle persone della New Age.

Non si può dire che il trasferimento delle chiavi della fortezza olandese di Breda agli spagnoli sia un nodo semantico e centro-geometrico della composizione. Tutto ruota attorno alla chiave appesa al centro, come se contenesse una sorta di mistero, come se l'ulteriore corso degli eventi dipendesse da cosa e come ne faranno. L'attenzione di quasi tutti gli attori è attratta da ciò che sta accadendo al centro, che è enfatizzato dall'aspetto dell'illuminazione e prospettiva aerea. La "chiave" della composizione e del movimento delle figure collega le parti sinistra e destra del quadro (eserciti in guerra) e allo stesso tempo crea la profondità dello spazio. L'ampiezza dell'idea è sottolineata dal paesaggio, in cui i riflessi delle fiamme e il fumo del fuoco si fondono con la nebbia argentea di una mattina d'estate. E, guardando il panorama paesaggistico che si svolge alle spalle delle persone, si nota come l'artista abbozzato, senza una fitta sovrapposizione di colori, riproduce effetti difficili e sottili, esaltando la spazialità dell'immagine. L'intero sfondo è stato relegato a una distanza incommensurabile: solo qua e là ci sono tracce della recente battaglia. Velasquez trasmette accuratamente i segni del territorio, vuole trasmettere in modo veritiero non solo l'evento, ma anche la scena.

Entrambi i gruppi di soldati sono caratterizzati oggettivamente, con l'identificazione delle differenze nelle caratteristiche nazionali e sociali di ciascuno di essi. I loro volti sono ritratti e allo stesso tempo tipici, il che esalta il significato di ciò che sta accadendo, trasforma un piccolo evento nell'immagine di uno storicamente importante.

Sul lato destro dell'immagine, gli spagnoli si affollavano strettamente, monoliticamente, con le lance dirette trionfalmente verso l'alto, creando l'immagine di una forza potente, progettata per dimostrare il potere dello stato spagnolo. I cannoni formano un'unica parete, tagliando dal retro il piano frontale della tela (non a caso il dipinto porta anche il secondo nome “Spears”). Gli spagnoli hanno acconciature, baffi, espressioni di volti sofisticati simili. Formano un sistema organizzato, in piedi da vicino, come un'unica massa coesiva. E Diego indebolisce abilmente questo punto di tensione con la groppa (testa a testa) del cavallo, preservando così la struttura armonica dell'immagine. I soldati spagnoli sono così fitti che le persone si bloccano a vicenda e quelli dietro sono raffigurati come in piedi più alti.

Il gruppo di olandesi sul lato sinistro dell'immagine è collocato in modo più libero e naturale, la cui disorganizzazione e spontaneità è trasmessa da una varietà di abiti, pose. Ogni difensore della città è individuale: nonostante l'importanza del momento (consegna delle chiavi), gli olandesi non osservano la formazione militare: uno sta con le spalle allo spettatore, l'altro di traverso, un giovane in bianco parla con un compagno d'armi, mettendosi un cappello sul moschetto (arma). Sì, e altri olandesi detengono armi arbitrariamente. I volti delle milizie della guarnigione non portano il timbro della paura e dell'ammirazione - al contrario, sono pieni di una sorta di attività interna esuberante, le persone sono fortemente interessate a ciò che sta accadendo. E sebbene le loro lance e stendardi si inchinassero davanti al nemico, l'espressione dell'indipendenza dello spirito domina nelle pose libere e nei volti aperti. No, gli olandesi non sono sconfitti, essendo stati sconfitti non si perdono d'animo. Questo è evidente nelle loro posture, nella natura dei loro movimenti. Nuovo combattimento in vista! E ancora si avverte l'effimero della vittoria degli spagnoli: il futuro appartiene già a persone di nuova formazione, che professano nuovi valori e ideali. Il pittore fa riflettere lo spettatore sullo scontro tra vecchio e nuovo, mentre il flusso interno al quadro non è immediatamente evidente e sembra che il pittore non prenda posizione da nessuna delle due parti. E solo un vero maestro è capace di questo.

Velazquez si impegna per il trasferimento più veritiero dei personaggi, il maestro scruta attentamente i volti dei suoi avversari, si sente il suo genuino interesse per ogni persona. Tutti i volti "evidenziati" sono unici e allo stesso tempo simili tra loro. L'artista crea i ritratti più magnifici di capi militari e soldati ordinari, e capisci che le personalità stanno crescendo davanti a noi, con i loro pensieri, sogni e speranze per il meglio, ma Diego Velasquez non imita i maestri barocchi, non cerca di gettare un mare di sentimenti sulla tela - l'artista trasmette solo movimenti naturali e realistici delle anime e dei corpi delle persone situate ai lati opposti dell'azione principale. E ancora nella foto c'è un motivo di uguaglianza, la negazione della superiorità dell'uno sull'altro. Oltre alla sorprendente somiglianza del ritratto, c'è una notevole comunanza che forma una sorta di "unità corporea" dell'esercito spagnolo. In modo del tutto naturale, è uscito attraverso un passaggio graduale dalla pianta centrale al primo piano e ha riempito di sé il palcoscenico storico. Anche Spinola fece un passo verso il suo esercito, allontanandosi dalla prima linea della rampa storica, e guadagnò così l'unità fisica, morale e spirituale con i suoi soldati. Velasquez ha utilizzato magistralmente la tecnica dell'antitesi a livello delle seguenti categorie: movimento-riposo, volume-piattezza, colori caldi-freddi, privilegiando in qualche modo i Paesi Bassi, che tradiscono nell'artista il dono di un veggente che vedeva il futuro potere dell'Olanda. È lo sconfitto Justin de Nassau che è raffigurato in azione: è pesante e lento, ma avanza, mentre Spinola è in piedi. Le figure degli olandesi sono voluminose e materialmente tangibili, avanzano attivamente grazie alla luce e al caldo combinazione di colori(accenti di giallo-oro, bianco e verde) e si spostano letteralmente nello spazio reale dello spettatore (una figura in giallo sul bordo dell'immagine). Inoltre, sono psicologicamente attivi, il che si esprime sia nell'individualizzazione di ogni reazione agli eventi, sia in un appello diretto allo spettatore (lo sguardo di un uomo con un moschetto in verde). Allo stesso tempo, i ranghi dell'esercito spagnolo sono schierati in profondità e, per così dire, si ritirano dal piano dell'immagine, appiattendosi gradualmente e fondendosi con la grafica planare del motivo delle lance e l'azzurro del cielo. Questa impressione è facilitata anche dal "ritiro" visivo dei toni freddi scuri e raffinati del blu e del rosa perla. Davanti ai nostri occhi, persone reali si trasformano nel passato di un affresco, il mito delle lance si allontana davanti alla realtà di un'alabarda ben confezionata e di un moschetto del tutto inefficace solo in apparenza, la vittoria si trasforma in sconfitta.

E non così inaspettatamente nella scena della battaglia, c'è un momento di silenzio: nell'aria si avvertono cambiamenti imminenti (ricordiamo almeno la corrente interiore a cui abbiamo fatto riferimento sopra): le persone stanno ascoltando, cercando di cogliere questi cambiamenti. Ed è per questo che il motivo dell'ascolto è così importante nella foto di Velasquez: il paggio di Nassau, un giovane vestito di bianco dietro il comandante, eserciti spagnoli solennemente congelati e silenziosi olandesi, i cieli stessi fermi nel loro movimento, lo richiede direttamente, con un gesto espressivo.

Nel dipinto di Diego Velasquez la composizione è estremamente chiara e tattile. Al centro c'è l'evento principale: la consegna delle chiavi. Allo stesso tempo, è formato dal movimento di due figure chiave, il cui contrasto rispetto a quelli che li circondano è così attivo che l'artista (per non distruggere l'integrità della composizione) li ha “fermati” con il ritmo delle copie e la groppa del cavallo sul lato destro del quadro. Il centro - la "chiave" è circondato da doppie ali: con l'ausilio delle figure di generali e soldati (tendenza del classicismo) si pone l'accento su questo evento epico. Grazie a ciò, si ottiene un'armonia speciale di tutti gli elementi dell'immagine. Ma compositivamente il quadro è diviso in altre due parti: quella superiore è libera, quella inferiore è occupata da figure.

C'è anche un ritmo di gruppi simmetrici nell'immagine. A sinistra c'è l'esercito olandese, a destra c'è quello spagnolo, al centro c'è uno spazio vuoto, una pausa. Inoltre, la natura del ritmo all'interno dei gruppi simmetrici a sinistra ea destra è diversa. Il gruppo giusto - l'esercito dei vincitori - ha un ritmo che crea l'impressione di solidità, la sua forza. Questa impressione è sottolineata dalla natura delle lance e dalla rotazione del cavallo in primo piano. La natura del ritmo delle truppe sconfitte a sinistra crea l'impressione di una maggiore frammentazione, le figure, più vicine al primo piano che a destra, non consentono di raffigurare molte figure. Questo crea l'impressione di un piccolo numero e debolezza delle truppe.

È sorprendente come l'artista sia riuscito a creare un momento di unità, nonostante gli eserciti siano ancora molto diversi. Il momento della generalizzazione si ottiene proprio con l'ausilio di bande ritmiche che circondano la parte centrale e assicurano l'interconnessione di tutte le parti del quadro.

E in termini di composizione, quest'opera è un vivido esempio dell'arte della New Age e può essere tranquillamente attribuita alla linea extracorporea.

Il supporto del colore dell'immagine.

Diego Rodriguez de Silva Velasquez è uno dei primi maestri della pittura valere. I toni grigi dei suoi dipinti brillano di molte sfumature, mentre i neri sono chiari e trasparenti. I toni caldi e luminosi degli abiti olandesi, il freddo verde-bluastro degli spagnoli, sono illuminati da una luce argentea uniforme, creando un'atmosfera di primo mattino e formando un ambiente ricco di luce e aria. Il tratto virtuoso è vario: i modi di applicare la vernice sono interessanti: dai tocchi delicati e impercettibili del pennello sullo sfondo a tratti energici e tratti di bravura liberi che formano la forma e il volume degli abiti delle persone. Le virtù del colore si uniscono nella pittura di Velazquez con chiarezza e maestosa semplicità compositiva, senso delle proporzioni.

Colpisce l'impeccabile fedeltà e la raffinata raffinatezza dell'occhio di Velasquez, che sa godere sia della ricchezza che della profondità degli accordi cromatici accesi del primo piano. E allo stesso tempo, notiamo i riflessi più sottili che interagiscono con mezzitoni e chiaroscuri, che esaltano la trasmissione della materialità.

Il pittore si rivolge al problema della formazione dell'ambiente aereo: le ombre scure sorde scompaiono, le linee nette, la luce argentea e l'aria avvolgono letteralmente le figure. Piacevoli toni di grigio attenuano la luminosità dei singoli colori dell'immagine. Appare una sensazione di profondità senza precedenti, l'artista riproduce fedelmente lo stato dell'aria olandese, piena dell'umidità del mare vicino. Tutto parla in modo eloquente del desiderio di Velazquez di trasmettere la realtà in modo più completo e affidabile.

La soluzione cromatica è parsimoniosa, ma straordinariamente ricca: è costruita su pochi toni - nero, giallo, rosa e verde - uniti da grigi di diversa forza, intensità e sfumatura, dal grigio scuro al perla, e queste varie macchie grigie legano i singoli elementi del quadro in un unico insieme compositivo.

In questa tela prevale il freddo nobile, da cui emergono solo macchie separate di giallo, nero e leggere sfumature di bianco. Lo sfondo è percepito come una distanza invisibile, persa nella foschia mattutina di nebbia e fuochi, su cui si stagliano due accampamenti.

Notiamo un peculiare "gioco" di macchie tonali: lo sguardo va dall'armatura scura di Spinola alla coda del cavallo e poi all'ombra dell'esercito olandese.

Impossibile non ammirare l'accuratezza e la ricchezza del disegno di Diego Velazquez. L'artista modella con cura, con l'aiuto di un pennello, i volti, le mani e gli abiti dei personaggi del quadro. Il volume delle figure è formato da soluzioni cromatiche a colori e numerosi riflessi naturali caratteristici dell'ambiente naturale.

L'artista utilizza attivamente la linea con cui trasmette il movimento delle persone. Ad esempio: il movimento del comandante esalta le pieghe trasversali della sua tuta, così come la posizione delle gambe e l'aspirazione del busto al piano destro dell'immagine.

Il pittore modella abilmente le mani: esse avvertono i movimenti naturali dei due personaggi principali l'uno verso l'altro. Velazquez raffigura i personaggi anatomicamente corretti, sebbene i loro corpi siano nascosti sotto i vestiti: Spinola è in piedi leggermente appoggiato su una delle sue gambe e si sporge verso l'olandese.

Grazie al ritmo delle linee si crea un movimento fluido e vivace, evocando la sensazione che l'artista sia riuscito a catturare un breve momento, un episodio della vita ordinaria.

Il contorno morbido e arioso del pittore non solo delinea i bordi degli oggetti, ma, curvandosi dolcemente, scivola dolcemente e molto spesso semplicemente scompare. Ciò significa che il maestro utilizza una "linea dal vivo", che migliora i movimenti aggiuntivi. Ad esempio, l'abito da marcia dell'olandese è in primo piano.

Il maestro utilizza attivamente anche il chiaroscuro, con il suo aiuto ottiene una straordinaria "naturalezza" delle figure e conferisce profondità all'immagine. E questa è l'esclusività del talento di Diego Velasquez, che può trasmettere gli straordinari effetti della visione realistica. Ciò conferma ancora una volta il fatto che Diego, come artista, ha fatto molta innovazione nell'arte della New Age. È anche gratificante vedere come sono disegnate in modo solido e corretto le figure dei personaggi, che formano un disegno bizzarro ma armonioso.

Dopo aver esaminato il dipinto "La resa di Breda", si può sostenere che nell'opera di Velazquez la linea di sinistra, che ha avuto origine nei tempi moderni, è stata espressa in modo più completo. Partendo dal fatto che Diego Velasquez nel suo lavoro utilizza tecniche pittoriche che hanno un orientamento realistico (ambiente aereo, chiaroscuro, caratteristiche dell'illuminazione naturale, soluzioni cromatiche armoniose di luci soffuse mattutine, composizione e così via) e, soprattutto, questa tela incarnava le speranze delle persone che, nonostante i numerosi problemi del nuovo mondo complesso incontrati sul percorso di una persona, possono essere distrutte da buoni rapporti naturali (si avverte una connessione con il barocco) - possiamo affermare con sicurezza che questa tela si identifica pienamente con l'arte della New Age: principalmente con la linea off-line, e in parte con il barocco e il classicismo.

Per quanto riguarda le tecniche artistiche, Velazquez le usa in modo così competente e accurato (forme "scolpite", toni armoniosi e vicini, movimenti naturali e complessità della composizione) che questo dipinto è giustamente il primo esempio di una nuova tela - una tela di realismo storico. Il cui scopo è trasmettere in modo veritiero al momento di alcuni sconvolgimenti i complessi sentimenti di una persona che è stata “riscoperta” dai maestri del Rinascimento.

Si può affermare senza esagerare che il lavoro di Diego Velasquez è un vero trasferimento della realtà, che ha magistralmente incarnato in The Surrender of Breda.

velazquez delirium resa pittoresca

La cattura di Breda come un modo per sollevare il morale dell'esercito

Nella guerra degli ottant'anni, la Spagna combatté per mantenere il potere asburgico sui Paesi Bassi spagnoli, la cui parte protestante si separò dalla corona spagnola, creando l'Unione di Utrecht. Dal punto di vista militare l'assedio di Breda fu un'impresa estremamente rischiosa e assolutamente inutile, che è l'obiettivo principale di sollevare il morale delle truppe, ma dal punto di vista politico ebbe un grande effetto. Tutta l'Europa ha seguito da vicino lo sviluppo degli eventi. Breda era considerato uno dei più forti bastioni della Repubblica olandese contro la Spagna nel nord del Brabante. Situata all'incrocio di diverse strade importanti e di un fiume navigabile, la fortezza occupava un'importante posizione strategica nella linea di difesa degli olandesi.

Supporto comunitario

Oltre ai soldati, nella fortezza c'erano anche civili: cittadini e contadini dei villaggi vicini, che cercavano protezione dalle truppe spagnole in città. La popolazione maschile di Breda, che contava circa 1.800 persone, era armata e sosteneva i soldati.

Presidio di Breda

In tempo di pace, la guarnigione di Breda era composta da 17 compagnie di fucilieri di 65 uomini ciascuna e 5 squadroni di cavalleria di 70 cavalieri ciascuno. Quando si seppe che la città sarebbe stata assediata, ogni squadrone fu rinforzato con altri 30 cavalieri. La fanteria fu rifornita con 28 compagnie per un totale di 135 persone. Per risparmiare cibo, poco prima dell'assedio, 3 squadroni furono inviati a Gertrudenberg. Il numero totale della guarnigione, comprese 100 persone a guardia del castello, era di circa 5200 soldati.

Esercito spagnolo

Il numero dell'esercito spagnolo era di circa 80 mila persone. Di queste, circa 25mila persone tenevano la fortezza nell'anello di blocco, altrettante custodivano il corridoio per l'approvvigionamento di viveri e munizioni, il resto costituiva una riserva. L'esercito spagnolo era di composizione eterogenea, la maggioranza erano olandesi e tedeschi. La fanteria era il ramo predominante dell'esercito, seguita dalla cavalleria e da un piccolo numero di artiglieri irlandesi. I fanti erano armati di spade e picche di cinque metri, stocchi, moschetti o archibugi. I cavalieri erano armati di lancia, due pistole o due pistole e un archibugio.

Condizioni di consegna

Alla resa della città, Giustino ha insistito sull'introduzione della libertà di religione alla popolazione di Breda, nonché sull'onorevole partenza della guarnigione armata di Breda - con vessilli svolazzanti e tamburi - a Gertrudenberg. Il 2 giugno Spinola e Giustino firmarono i termini della resa, tre giorni dopo, il 5 giugno, verso le 9 del mattino, la guarnigione di Breda lasciò la fortezza.

Don Ambrogio Spinola-Doria

Comandante spagnolo della famiglia genovese degli Spinola. La sua famiglia apparteneva alle quattro famiglie oligarchiche che tenevano in mano il controllo della Repubblica di Genova. Dall'inizio del XVII secolo fu al servizio della corona spagnola. La cattura di Breda, dopo un assedio di 11 mesi, si rivelò il culmine della carriera di Spinola. I successi del comandante furono interrotti dalla mancanza di finanze e da un nuovo favorito alla corte di Olivares. Quando la corte spagnola iniziò una guerra per il possesso del Ducato di Mantova, fu nominato Spinola. Sbarcò a Genova il 19 settembre 1629, ma anche qui fu inseguito dagli intrighi di Olivares. La salute di Spinola peggiorò e morì durante l'assedio di Casal il 25 settembre 1630.

Giustino di Nassau

Ammiraglio olandese, figlio illegittimo di Guglielmo d'Orange. Fu governatore di Breda per quasi un quarto di secolo. Dopo la resa della città agli spagnoli nel 1625, andò a Leida, dove morì 6 anni dopo.

"La resa di Breda". Diego Velázquez, 1634

Diego Velázquez ha raffigurato sulla tela gli eventi del 5 giugno 1625. Il governatore della Breda olandese, Giustino di Nassau, consegna le chiavi della città al comandante in capo delle truppe spagnole, Ambrosio Spinola.

Il dipinto faceva parte di un ciclo di battaglie di 12 tele, commissionato per commemorare le vittorie delle truppe di Filippo IV. Si presumeva che sarebbero stati tutti nel palazzo del Buen Retiro. Accanto a loro c'erano dipinti di Francisco de Zurbaran raffiguranti dieci episodi della vita di Ercole, oltre a ritratti equestri di tre generazioni della famiglia reale regnante: Filippo III e sua moglie Margherita d'Austria, Filippo IV e Isabella di Borbone, così come il principe Baltasar Carlos, realizzato da Velasquez e dalla sua bottega. I dipinti avrebbero dovuto simboleggiare la gloria e l'invincibilità degli Asburgo spagnoli.

Elena MEDKOVA

Resa di Breda

1635. Prado, Madrid

La "Resa di Breda" di Velázquez (307 x 367 cm) fa parte di un grandioso progetto politico concepito e realizzato sotto il patrocinio del conte Olivares alla vigilia del conflitto militare tra la Spagna e il suo principale rivale nell'arena politica: la Francia.

Nel periodo dal 1630 al 1635, a est di Madrid, fu costruita a un ritmo insolitamente veloce la gigantesca residenza reale estiva di Bu en Retiro, il cui centro semantico era la Galleria della Battaglia, in seguito chiamata Sala dei Regni. Le ventisette tele che adornavano il palazzo avrebbero dovuto testimoniare la potenza dello stato spagnolo e rappresentare il regno di Filippo IV come degna continuazione dei successi militari e politici della Spagna nel XVI secolo.

Rafforzare il mito dell'invincibilità delle armi spagnole era, secondo il parere delle autorità, particolarmente necessario in connessione con lo spirito chiaramente sentito di malessere generale nello stato delle cose nell'arena politica estera e interna: i ricordi della morte della Grande Armada erano ancora freschi, i Paesi Bassi resistettero ferocemente e ostinatamente durante la sanguinosa Guerra dei Trent'anni, la piccola Olanda respinse con successo l'aggressione della Spagna e la spinse in mare. Era anche irrequieto all'interno della stessa Spagna, cosa che si realizzò nella successiva secessione del Portogallo. Inoltre, nella stessa società spagnola, la stanchezza si faceva sentire da secoli di stato di guerra, dall'eroismo imperiale e dalle difficoltà dell'egemonia mondiale: l'assenza di un obiettivo unificante, come la Reconquista o la creazione di un impero mondiale, minava la disciplina della nazione nel suo insieme - i nobili si recarono con riluttanza all'esercito. Secondo Ortega y Gasset, "l'amara verità è che anche esausta, avendo perso i suoi grandi generali, incalzata dai nemici, la Spagna in quel momento sarebbe potuta sopravvivere se avesse avuto una goccia di pensiero pragmatico, la capacità di vedere i fatti, analizzarli e prendere le decisioni appropriate". Le autorità spagnole hanno risposto alle vere minacce dell'epoca non riorganizzando le truppe, non con riforme economiche, ma con un'azione ideologica e la costruzione di un nuovo palazzo.

Analisi delle opere di G. Leonardo ("La cattura di Julier"), H.B. Maino ("La conquista di Bahia"), F. Zurbarana ("Fernando Giron difende Cadice dagli inglesi") mostra che tutti condividevano pienamente le idee prevalenti in quel momento e radicate nell'ideologia medievale sull'essenza della storia, secondo la quale il destino storico della nazione è "il destino del clan coronato da una corona" ( MA barg), il destino della dinastia e personalmente del re, che si trovava proprio all'inizio della "grande catena dell'essere" costruita gerarchicamente.

In termini ideologici, la "catena dell'essere" è stata concepita come una catena di ascesa dal mondo inorganico al mondo delle piante, degli animali, dell'uomo e al mondo divino; in relazione alla società - come gerarchia di proprietà. Sin dai tempi di Dionisio l'Areopagita (V secolo), la gerarchia si basava sul principio del “grado di nobiltà”, che veniva dato alla nascita. Secondo questo, i protagonisti degli eventi storici, dotati della pienezza della libertà di scelta e di azione, potevano essere solo il re stesso, oi rappresentanti della nobiltà.

La "Conquista di Bailly" è presentata da Maino come un miracolo divino dell'apparizione del volto/ritratto del re Filippo IV in posizione di combattimento (confronta con i miti sul ruolo dell'icona miracolosa nell'evitare il nemico sul campo di battaglia). Allo stesso tempo, nell'immagine raffigurata all'interno dell'immagine, si verifica un altro miracolo: la stessa dea della guerra Minerva incorona il re con una corona del vincitore. Di conseguenza, la realtà diventa doppiamente mitizzata: il mito antico adombra la vittoria del più ortodosso dei re del mondo cristiano, che si appropria delle capacità divine per compiere miracoli.

In La difesa di Cadice di Zurbaran, i personaggi principali dell'evento storico sono rappresentanti della più alta nobiltà. Loro, come divini burattinai, muovono le figure nel "teatro delle operazioni militari" con la volontà e il pensiero. Osservando il loro comportamento estremamente calmo e apparentemente disinteressato, si potrebbe pensare che stiano discutendo di qualche problema filosofico e non dirigendo la battaglia. Il loro ruolo è simile a quello divino: essere la causa principale e il motore immobile degli eventi. Il loro posto è in primo piano, sull '"Olimpo" della storia il più vicino possibile allo spettatore, che sovrasta ugualmente sia chi guarda l'immagine che la battaglia stessa. Le azioni militari sono spinte a una distanza incommensurabile, che, per la sua stessa lontananza, trasforma il piano lontano in una sorta di mappa topografica vista da una prospettiva a volo d'uccello. L'intera struttura del quadro ci convince che ogni stato nell'azione storica è ben al suo posto, nell'ambito della funzione ad esso assegnata, e tra loro c'è un confine invalicabile, che nel quadro è fisicamente sottolineato dalla completa assenza di un piano di transizione medio (tra i primi piani e le distanze - un fallimento).

Il concetto storico tradizionale del dipinto di Leonardo "La cattura di Julier" è ancora più indicativo in quanto raffigura lo stesso personaggio: il comandante spagnolo Ambrosio de Spinola, marchese de los Balbases, come nel dipinto di Velazquez "La resa di Breda". Allo stesso tempo, in entrambi i dipinti, è raffigurato in una situazione simile di accettazione delle chiavi della città che è stata costretta ad arrendersi. La capitolazione nel dipinto di Leonardo avviene secondo l'etichetta cavalleresca così venerata nella società conservatrice spagnola: il nemico sconfitto non viene calpestato o insultato, ma fatto sentire il suo vero posto. La distanza tra il vincitore seduto su un cavallo e il vinto inginocchiato è enorme. I perdenti sono condannati a guardare i vincitori. Sono creature provenienti da mondi diversi: montagna e valle. Le loro mani non si incontreranno mai. E i vinti non potranno mai salire all'altezza di quell'Olimpo, su cui si ammassano le truppe spagnole nella loro maestà. Tuttavia, sull'Olimpo Leonardo non c'è posto nemmeno per l'intero esercito spagnolo, è indicato solo da una foresta di lance e stendardi e volutamente, nello spirito del concetto di classe, è oscurato dalle figure dei capi militari.

Il dipinto di Velazquez "La resa di Breda", che è considerato un esempio del concetto artistico di storicismo della New Age, a prima vista contiene gli stessi componenti: le figure dei generali sono al centro e in primo piano, il comportamento di Spinola è un modello di comportamento, secondo il codice d'onore cavalleresco, al posto e le lance sono il simbolo principale della famosa guardia civile, che in Spagna era orgogliosa di tutti, dal re all'ultimo mendicante. L'immagine non ha sollevato obiezioni opinione pubblica quella volta. Al contrario, a giudicare dal secondo titolo del dipinto "Spears" dato da voci, i contemporanei di Velázquez lo percepirono come l'apoteosi delle armi spagnole - il sistema serrato dell'invincibile falange che sosteneva l'impero spagnolo.

Il ritratto della proprietà aziendale della nobiltà spagnola nella foto è stato percepito nella stessa vena pietica. Incontriamo nuovamente la straordinaria capacità di Velasquez di agire all'interno del campo semantico archetipico della cultura spagnola, ponendo accenti in un modo nuovo, a seguito del quale si costruisce un modello completamente nuovo di pensiero storico dai soliti componenti, che è fondamentalmente diverso dalla classe tradizionale.

Prendi lo stesso ritratto collettivo della Guardia spagnola. Il suo prototipo sono una serie di dipinti di El Greco, tra cui il famoso "Espolio" ("Strapparsi i vestiti"), che presenta un ritratto generalizzato dell'aristocrazia spagnola, vincolata dall'unità mistica dell'alta spiritualità e dell'appartenenza al cattolicesimo. Velazquez usa la formula plastica inventata da El Greco, in cui la moltitudine corporativa rappresentata ha ritratti di volti individualizzati e, per così dire, un unico corpo mistico (le persone si bloccano a vicenda, e quelle in piedi dietro sono raffigurate come in piedi sopra), tuttavia, nella sua interpretazione, una sorta di "unità corporea" sottolinea non la connessione mistica della proprietà scelta, ma la vera unità e coesione dell'esercito spagnolo. In modo del tutto naturale, è uscito attraverso un passaggio graduale della pianta mediana in primo piano e ha riempito di sé, alla pari con la nobiltà e i capi militari, la scena storica. Anche Spinola fece un passo verso il suo esercito, allontanandosi dalla prima linea della rampa storica, e guadagnò così l'unità fisica, morale e spirituale con i suoi soldati.

Velázquez offuscò delicatamente e discretamente le barriere di classe dei meccanismi medievali dell'esistenza storica e, invece dell'apoteosi del capo militare spagnolo, propose un'altra formula non meno attraente per esaltare l'unità e la gloria dell'esercito spagnolo, che porta il cielo sulla punta delle sue lance e snellisce il caos della guerra con il suo ritmo misurato. Questa formula era rivolta all'élite dominante che aveva bisogno di modernizzare il mito nazionale.

Ma il contenuto del concetto storico di Velasquez non si esaurisce in questo, poiché il ritratto collettivo dell'esercito spagnolo nella foto corrisponde a un ritratto collettivo altrettanto equivalente dell'esercito del nemico, e questo non è tanto un esercito diverso quanto un diverso esercito nazionale e mentalità sociale. Il confronto nell'ambito di un unico spazio pittorico di due comunità storiche specifiche: la Spagna assolutista e i Paesi Bassi repubblicani, la mentalità feudale e la mentalità del terzo stato, il misticismo del cattolicesimo e il pragmatismo del protestantesimo, la disciplina della gerarchia e la libertà dell'individualismo - porta all'emergere di un pensiero veramente storico. Quest'ultimo è caratterizzato dall'unità del continuum spazio-temporale - sulla base del riempimento di contenuto storico specifico delle relazioni umane spaziali (famiglia, clan, comunità etno-politica della tribù e dello stato, l'Universo in ultima analisi) e temporali (passato, presente, futuro).

Allo stesso tempo, Velasquez, obbedendo alla sua sorprendente intuizione, crea un equivalente puramente plastico e pittorico delle specificità storiche delle due comunità. E il punto qui non è solo che, sulla base di un'analisi approfondita delle fonti storiche e pittoriche a sua disposizione, Velasquez ha trasmesso nelle stesse pose delle figure raffigurate l'essenza dell'opposizione spirituale dell'organizzazione di classe corporativa della società spagnola e dell'essere individualista-autonomo degli olandesi, ma che lui, a livello di categorie percepite inconsciamente (attivo - passivo, movimento - mancanza di movimento, volume - piano, colori caldi - freddi) prescrive un certo vettore latentemente percepito sviluppo storico eventi a favore dei Paesi Bassi.

Contrariamente alla trama che racconta la sconfitta degli olandesi, rimangono con loro sia il futuro storico che l'attività storica. È lo sconfitto Justin de Nassau che è raffigurato in azione: è pesante e lento, ma avanza, mentre Spinola è in piedi. Le figure degli olandesi sono voluminose e materialmente tangibili, avanzano attivamente grazie ai colori chiari e caldi (accenti di giallo-oro, bianco e verde) e si muovono letteralmente nello spazio reale dello spettatore (la figura in giallo sul bordo dell'immagine). Inoltre, sono psicologicamente attivi, il che si esprime sia nell'individualizzazione di ogni reazione agli eventi, sia in un appello diretto allo spettatore (lo sguardo di un uomo con un moschetto in verde). Allo stesso tempo, i ranghi dell'esercito spagnolo sono schierati in profondità e, per così dire, si ritirano dal piano dell'immagine, appiattendosi gradualmente e fondendosi con la grafica planare del motivo delle lance e l'azzurro del cielo. Questa impressione è facilitata anche dal "ritiro" visivo dei toni freddi scuri e raffinati del blu e del rosa perla. Davanti ai nostri occhi, persone reali si trasformano nel passato di un affresco, il mito delle fragili lance si allontana davanti alla realtà di un'alabarda ben confezionata e di un moschetto dall'aspetto del tutto inefficace, la vittoria si trasforma in sconfitta.

Velázquez è riuscito, puntando sulla naturalezza dell'istante del presente, percepito con transitorietà quasi fotografica (tocco leggero, mezza inclinazione), a trasmettere la fluida variabilità e multidimensionalità dello stesso scorrere del tempo storico: per alcuni precipita inevitabilmente nel passato, per altri nel futuro.

Da un punto di vista specifico del XVII secolo. concetto storico del tempo come variabilità del destino, possiamo dire che Velazquez offre una nuova formula per l'uguaglianza delle parti opposte di fronte alla fortuna. Ciò è supportato anche da un complesso sistema di formule iconografiche percepite a livello subconscio delle associazioni. Il sistema di figure di Spinola e Nassau, stabilito da Velazquez, a livello astratto ricorda le scale oscillate su un lato - un attributo familiare della dea del destino. Allo stesso tempo, questa posizione del sistema è fugace, poiché in un attimo Nassau si raddrizzerà e sarà uguale in altezza al suo avversario, ripristinando così l'equilibrio. Ricordiamo che la resa di Breda è solo uno degli episodi della guerra, e non l'intera campagna nel suo insieme.

Inoltre, la sagoma della bilancia è racchiusa in una composizione dinamica circolare (vedi la posizione speculare delle posture dei cavalli, il cerchio dei partecipanti separati all'evento), che è associata alla ruota della Fortuna che gira sempre. Vincitori e vinti possono scambiarsi di posto in qualsiasi momento. Tutto ruota attorno alla chiave appesa al centro, come se contenesse una sorta di mistero, come se l'ulteriore corso degli eventi dipendesse da cosa e come ne faranno. La chiave si trasforma in una specie di diapason del tempo.

Quando si misura la scelta situazionale del momento presente da una prospettiva storica temporale, è importante non commettere errori. Garanzia giusta scelta può essere solo la capacità di ascoltare il tempo. Non per niente il motivo dell'ascolto è così importante nel dipinto di Velasquez: il paggio di Nassau, un giovane vestito di bianco dietro il comandante, gli eserciti spagnoli solennemente congelati e quelli olandesi silenziosi, e gli stessi cieli fermi nel loro movimento, lo chiamano direttamente, con un gesto espressivo.

La coscienza temporale storica ha rivelato all'uomo una verità piuttosto semplice: "anche se il mondo del tempo è noioso, ma è importante, anche se limitato ed emotivamente povero, è stabile, è un mondo di ritmi stabiliti, che è preferibile agli zigzag di "attori" che vivono secondo un'immaginazione o secondo il "proprio calendario" ... la vita mette costantemente una persona davanti a una scelta, e il tempo inesorabile gli lascia solo un'unica alternativa: attività, lungimiranza e prudenza nell'affrontare il tempo "( MAbarg).

Nelle condizioni delle operazioni militari, quando il successo è mutevole, la lungimiranza e la prudenza impongono un trattamento umano del nemico come una sorta di avanzamento nell'aspettativa che il nemico aderisca alle stesse regole civili di guerra. Secondo A.K. Yakimovich, “nella foto di Velasquez, non vediamo il comportamento di un cavaliere esemplare, ma la formula delle relazioni tra le persone della New Age. Calcolano il loro comportamento nel teatro delle operazioni nello stesso modo in cui hanno calcolato le loro azioni (spese, intrighi, iniziative, ecc.) Nel campo dell'economia e della politica ... Il dipinto di Velasquez raffigura formalmente il trionfo delle armi spagnole in Olanda.

Creando una pittoresca formula dei rapporti della legge militare della New Age, Velazquez non si oppose a se stesso e al suo concetto di "suo tempo", misurato dal cronotropo nazionale spagnolo. Colloca il suo autoritratto (un giovane con un cappello sul lato sinistro dell'immagine) nella comunità dell'esercito spagnolo. Lui (e noi insieme a lui) ammira ed è orgoglioso dell'alto tragico ethos del mito nazionale dell'inflessibile esercito cavalleresco che sta svanendo nel passato. Inoltre, Velasquez oscura l'intera scena e il suo esercito nativo con la sacra autorità della Bibbia. Il fatto è che come fonte iconografica della composizione "La resa di Breda", Velazquez ha utilizzato la xilografia "Abraham and Melchizedek" di B. Salomon, ben nota ai suoi contemporanei.

Pubblicato per la prima volta nel 1553 a Lione, ebbe ampia diffusione in molte edizioni della Bibbia. Il racconto biblico narra del solenne incontro dell'esercito vittorioso di Abramo da parte di Melchisedek, sommo sacerdote di Gerusalemme. Melchisedek benedisse Abramo e gli offrì pane e vino. Secondo la tradizione cristiana, questa scena era vista come un prototipo rispettivamente dell'Ultima Cena e dell'Eucaristia, Melchisedek fungeva da precursore di Cristo.

Nel dipinto di Velazquez, Spinola si trova nella posizione di Abramo, dietro il quale si levano le lance dell'esercito vittorioso. La vittoria di Abramo è incondizionata, ma egli stesso appartiene al passato dell'Antico Testamento. Il futuro appartiene al Vangelo ea Melchizedek come araldo di Cristo e, di conseguenza, a Nassau, che è posto nella posizione di Melchizedek.

In questo sistema, alla comunità spagnola viene assegnato il ruolo di capostipite, fondamento delle fondamenta, radice delle radici della civiltà europea, che benedice il futuro.

Descrizione del dipinto di D. Velazquez "La resa di Breda"

Diego Velazquez è una fonte sempre viva di verità e bellezza, la cui più grande eredità apre un'intera era nella pittura realistica, un'opera che rimarrà per sempre nei nostri cuori e nelle nostre menti. Le sue opere portano le idee dell'umanesimo, la fedeltà alla tradizione democratica della cultura spagnola, l'amore per persone normali. Più direttamente e audacemente dei suoi predecessori, si è rivolto alla realtà, ampliando i temi della pittura, contribuendo allo sviluppo di vari generi in essa contenuti.

Sono particolarmente interessato alla storica tela di battaglia "La resa di Breda", scritta da lui intorno al 1634-1635. Il dipinto raffigura un tema storico contemporaneo e importante per lui - episodio drammatico guerra tra la Spagna monarchica e l'Olanda repubblicano-borghese, quando l'esercito spagnolo conquistò la fortezza di confine di Breda. È indicativo che il pittore non abbia iniziato a trasmettere questa scena con la solennità accettata, la maestà della parte vittoriosa: abbandonando l'interpretazione parata-allegorica della scena di battaglia comune nella pittura, il maestro si rivolge all'idea di umanità, umanità; Velasquez ha gettato le basi per il realismo nella pittura storica.

Ammirando quest'opera, ho voluto capire l'intenzione dell'artista, sentire l'epoca difficile in cui ha vissuto e lavorato da maestro. Trova la risposta a una soluzione insolita, innovativa, davvero audace alla tela. Per rispondere a queste domande, ci rivolgiamo al epoca storica, in cui è stata creata questa tela “epocale e allo stesso tempo così umana”.

Considerando l'arte di Velazquez nel contesto della sua epoca, ho visto come si è sviluppato in modo organico e naturale il suo talento, associato alle tradizioni del Rinascimento italiano e alle tendenze dei tempi moderni. La vita a Madrid, che ha aperto a Velazquez l'opportunità di studiare attentamente le collezioni reali più preziose - dipinti di Raffaello, Leonardo da Vinci, Tiziano, Veronese e altri, vicinanza all'élite culturale spagnola, incontri con Rubens che ha visitato la Spagna nel 1628, il primo viaggio in Italia (1629-1631) ha contribuito all'ampliamento dei suoi orizzonti artistici e al miglioramento delle capacità. Ma Diego vive in un tempo diverso, altre domande e modi per risolverle stanno affrontando i suoi contemporanei. Le persone sono ancora al centro dell'attenzione degli artisti. La sua incarnazione diventa più concreta, emotiva e psicologicamente complessa. Rivela l'infinita diversità e ricchezza del mondo interiore, le caratteristiche nazionali risaltano in modo più luminoso e definitivo. Questo nuova persona consapevole della sua dipendenza dall'ambiente sociale, e in Spagna l'individuo si rivelò addirittura più connesso con la società circostante, ancora patriarcale monolitica, non conobbe le forme estreme di individualismo che spesso si manifestarono nel Rinascimento in Italia. Non dobbiamo dimenticare il fatto che i seguenti fattori hanno influenzato la specificità dell'arte spagnola: appena un secolo fa, prima del tempo della vita dell'artista, si è conclusa la Reconquista (la lotta di liberazione nazionale del popolo spagnolo contro i Mori conquistatori), che ha costituito le basi cultura popolare. Il paese fiorì dopo la scoperta del Nuovo Mondo e un periodo di indebolimento della vita economica e politica e l'instaurazione di una forma reazionaria di assolutismo. E gli artisti, quindi, fingevano di essere la loro fantasia poetica nelle immagini che facevano capolino vita reale. Creando all'interno di un rigido quadro dogmatico, i pittori sono stati in grado di trasmettere tratti del carattere nazionale come l'autostima, l'orgoglio, un senso dell'onore associato ai meriti personali. La persona è mostrata per lo più in un aspetto nobile, severo e maestoso. Insieme a genere mitologico I generi storici e quotidiani, il ritratto, il paesaggio e la natura morta stanno guadagnando un posto indipendente e appare un nuovo cerchio di temi e trame sociali. Il disegno e l'incisione si stanno sviluppando con successo. I maestri sono attratti dal tema tragico destino umano, conflitti drammatici. Tutti questi processi contribuiscono alla formazione di due linee nell'arte della Spagna del XVII secolo: l'arte cortese-aristocratica, squisitamente raffinata, dolorosamente fragile per gli "iniziati" (manierismo con il barocco) e la scuola realistica nazionale (la formazione delle tradizioni della linea di sinistra).

Nel suo dipinto "La resa di Breda" Velazquez rifiuta la falsa drammatizzazione di eventi, esagerazioni, presentazioni spettacolari, tagliando tutto ciò che non è importante e non necessario per penetrare nelle profondità delle esperienze umane. In Velasquez non troveremo antichi dei che spiegano il luogo degli eventi o sottolineano il significato di ciò che sta accadendo, né i geni della vittoria che decorano il comandante con una corona; non ci sono figure allegoriche che simboleggiano i vincitori ei vinti. L'artista “eleva l'Evento stesso al rango di evento”, il pittore, per così dire, toglie un tocco di eccessiva solennità e ne svela così il profondo significato umano, crea il primo “quadro veramente storico nella pittura dell'Europa”. L'allontanamento dalle esagerazioni cortesi e patetiche dell'opera, dalle regole del barocco è stata un'impresa veramente creativa che merita il massimo riconoscimento. In verità, il maestro ha anticipato i pittori dei secoli futuri, fondendo organicamente le tradizioni della sua arte nazionale spagnola con tendenze realistiche. A ciò va aggiunta la massima abilità del pittore che è riuscito a trasmettere con precisione l'evento storico in modo veritiero.

Tutto questo parla in modo convincente di Diego Velazquez come uno dei creatori (insieme a Caravaggio) di uno stile non ancora nuovo, ma già di tendenza, e guardando la sua tela si può affermare con sicurezza che è uno dei i migliori lavori alla linea sinistra, anche se l'artista in quest'opera fa riferimento alla tradizione classica e persino al barocco.

Come sapete, prima di Velasquez, per molto tempo c'era l'idea di raffigurare scene di battaglia come opere di interpretazione epico-allegorica. C'erano regole rigide e un intero sistema di simboli e allegorie che l'artista doveva seguire senza domande. Quindi, ad esempio, i volti dei vincitori dovevano essere arroganti e trionfanti, e i volti ei gesti dei vinti - umiliati e servili. I pittori si sono sforzati di glorificare i loro sovrani nel modo più magnifico e fantastico possibile, avvicinandoli ai celesti. Velazquez, invece, ha deciso di subordinare la sua tela all'idea principale: esprimere rispetto per i vinti e, soprattutto, vedere nello sconfitto - e questa è l'idea umanistica principale di quest'opera. Pertanto, è stato creato un monumento non all'arte e alla tattica militare, ma in larga misura alla nobiltà del carattere del comandante, il vincitore. L'artista rende omaggio all'esercito nemico, una piccola nazione di olandesi che lottano per la propria libertà, avendo il coraggio di opporsi a una potenza mondiale.

Questo è il coraggio innovativo dell'opera dell'autore, e questo conferma il fatto che è stato scritto in un periodo critico, di transizione tra le idee sugli ideali apparsi nel Rinascimento e le dure realtà della New Age.

Il dipinto stesso è stato creato dal pittore intorno al 1634-1635. Doveva perpetuare il ricordo della resa, considerata una fortezza inespugnabile (Breds), e simboleggiare la gloria e l'invincibilità della casa reale spagnola, riferendosi agli eventi di dieci anni fa dalla storia della guerra ispano-olandese. A quel tempo, la felicità militare era favorevole agli oppressori spagnoli. La resa, che era considerata una fortezza inespugnabile, dopo molti mesi di assedio, nel 1625, ovunque, fu esaltata come la più grande conquista strategica dell'epoca. Il lavoro è fatto su tela con olio. Le dimensioni della tela sono semplicemente sorprendenti (307 x 367 cm). Ciò testimonia l'elevata abilità dell'artista, poiché bisogna avere un occhio attento, padroneggiare con competenza il disegno ed essere guidati dalle leggi della composizione, “per organizzare con audacia e sicurezza, intero e bello” lo spazio del quadro. Oggi è esposto al pubblico nel Museo del Prado (Madrid).

L'artista ha raffigurato il momento in cui il governatore Giustino di Nassau consegna le chiavi della città al comandante spagnolo Marchese Ambrosio Spinola. Va anche notato che la presentazione delle chiavi della città ai soldati dell'esercito nemico significa una cosa: la città si è arresa. Questa usanza è nata in quei tempi lontani, quando quasi tutte le città europee erano fortezze grandi o poco grandi, che di notte venivano davvero chiuse a chiave.

Quanto alla "Resa di Breda", l'originalità del metodo dell'artista ha raggiunto in essa un nuovo apice: si sforza di rivelare nell'unità integrale dei soldati i tratti caratteriali essenziali, la costituzione spirituale e mentale di ogni persona nella loro complessità e contraddizioni. Il maestro fornisce le caratteristiche psicologiche corrette dei personaggi principali. La tela pittorica comprende diversi ritratti: un ritratto del vincitore dello stesso Spinola, forse un ritratto dell'artista stesso, che non era presente alla resa di Breda ": colloca il suo autoritratto (un giovane con un cappello sul lato destro del quadro) nella generalità dell'esercito spagnolo e, naturalmente, è raffigurato il secondo rappresentante delle parti in guerra - Giustino. Con l'ausilio dei mezzi e delle tecniche più semplici, l'artista ricrea la vita in tutta la sua verità, semplicità e allo stesso tempo fascino - un mistero che ci stupisce ancora oggi. I ritratti di soldati di entrambi gli eserciti da lui dipinti si distinguono per la fedeltà delle fisionomie raffigurate, il trasferimento di un tipo individuale, espressione di orgoglio nazionale e senso di dignità. La natura si riflette in essi, come in uno specchio; non c'è ombra di convenzionalità in loro. Quindi, dietro l'apparente moderazione secolare di Spinola, si può sentire sia l'orgogliosa consapevolezza della vittoria che la nobiltà della sua natura: incontra educatamente i vinti, rendendo omaggio al coraggio e allo spirito ininterrotto degli olandesi. Camminando pesantemente, a capo scoperto, va verso il vittorioso Nassau, sembra pronto ad inginocchiarsi, consegnando le chiavi, e Spinola è sceso da cavallo, si è tolto il cappello e, allungando la mano in avanti, non ha permesso all'olandese di inginocchiarsi. Con l'eleganza di un vero cavaliere, posa la mano destra sulla spalla dell'olandese, tenendone nella sinistra il cappello e la bacchetta da maresciallo. Lo spagnolo accoglie amichevolmente il comandante. Lo spagnolo non sembra accorgersi che von Nassau gli sta consegnando le chiavi. Si vede che Spinola è in ogni modo preoccupato che i suoi avversari non sentano minimamente l'umiliazione della situazione; tratta von Nassau non come un nemico sconfitto, ma, al contrario, come una persona a cui, nella sua posizione poco invidiabile, non si può negare la simpatia. Il movimento dell'olandese forma una diagonale distinta, esprimendo così la sua posizione subordinata, ei movimenti del vincitore sono pieni di cortesia e rispetto per lo sconfitto, il volto dello spagnolo esprime sentimenti umani ordinari - sentimenti di empatia e rispetto. Le loro posture e gesti sono giustificati, naturali. L'olandese è emozionato e vive profondamente l'evento, appare nell'immagine un po' indifeso, questa sensazione è trasmessa da un certo gobbo davanti allo spagnolo e da un particolare: il cappello viene tolto, ma anche Spinola, in segno di rispetto, resta a capo scoperto. In quale altra tela storica del XVII secolo, raffigurante un episodio militare, si possono sentire tanti altri suoni umani che toccano l'anima! Suona chiaramente una nota pacifica di rispetto umano per il valore del nemico. Sbirciando i lineamenti di due persone, diventa chiaro che è l'idea umanistica che distingue La resa di Breda dai precedenti lavori su temi storici. Questo è qualcosa di nuovo che non esisteva prima di Velasquez, questo è il suo tratto, da cui riconosci il suo lavoro, il suo lavoro.

Non si può dire che il trasferimento delle chiavi della fortezza olandese di Breda agli spagnoli sia un nodo semantico e centro-geometrico della composizione. La "chiave del quadro" - è anche la chiave in senso materiale - è evidenziata da una sagoma scura in un poligono chiaro tra le figure principali che svolgono il ruolo di ali (una tecnica artistica del classicismo) - tutto qui spazio artistico e l'integrità della tela sono legati a questa cerimonia di consegna. Tutto ruota attorno alla chiave appesa al centro, come se contenesse una sorta di mistero, come se l'ulteriore corso degli eventi dipendesse da cosa e come ne faranno. La chiave si trasforma in una specie di diapason del tempo. E anche questo è un segno della New Age. Il significato principale di ciò che sta accadendo è concentrato in questo centro e lo spettatore presta principalmente attenzione ad esso. E l'attenzione di quasi tutti gli attori è attratta da ciò che sta accadendo al centro, che è enfatizzato dall'aspetto dell'illuminazione e della prospettiva aerea. La "chiave" della composizione e del movimento delle figure collega le parti sinistra e destra del quadro (eserciti in guerra) e allo stesso tempo crea la profondità dello spazio. L'ampiezza dell'idea è sottolineata dal paesaggio, in cui i riflessi delle fiamme e il fumo del fuoco si fondono con la nebbia argentea di una mattina d'estate. E, guardando il panorama paesaggistico che si svolge alle spalle delle persone, si nota come l'artista abbozzato, senza una fitta sovrapposizione di colori, riproduce effetti difficili e sottili, esaltando la spazialità dell'immagine. L'intero sfondo è relegato a una distanza incommensurabile: solo in alcuni punti sono presenti tracce della recente battaglia, i bastioni di Breda avvolti da una leggera nebbia argentea, ma Velazquez trasmette con precisione i segni del territorio - è l'innovazione del pittore, si sente come voglia trasmettere con verità non solo l'evento, ma anche la scena.

Prima di procedere alla descrizione di entrambi i campi: spagnolo e olandese, notiamo la completa assenza di un piano di transizione medio (tra i primi piani e le distanze - un fallimento) e i personaggi sono vicini al piano frontale dell'immagine, che indica la conoscenza dell'artista con le tecniche del classicismo (bassorilievo),

Sul lato destro dell'immagine, gli spagnoli si affollavano strettamente, monoliticamente, con le lance dirette trionfalmente verso l'alto, creando l'immagine di una forza potente, progettata per dimostrare il potere dello stato spagnolo. I cannoni formano un'unica parete, tagliando dal retro il piano frontale della tela (non a caso il dipinto porta anche il secondo nome “Spears”). vede nell'organizzazione, disciplina dell'esercito spagnolo professionale Orgogliosi grandi spagnoli in armatura: guerrieri in abiti simili, quasi in uniforme. Gli spagnoli hanno acconciature, baffi, espressioni di volti sofisticati simili. Formano un sistema organizzato, in piedi da vicino, come un'unica massa coesiva. E Diego indebolisce abilmente questo punto teso con la groppa del cavallo, preservando così la struttura armonica del quadro. I soldati spagnoli sono così fitti che le persone si bloccano a vicenda e quelli dietro sono raffigurati come in piedi più alti.

Il gruppo di olandesi sul lato sinistro dell'immagine è collocato in modo più libero e naturale, la cui disorganizzazione e spontaneità è trasmessa da una varietà di abiti, pose. Ogni difensore della città è individuale: nonostante il significato del momento (consegna delle chiavi), gli olandesi non osservano l'ordine militare: uno sta con le spalle allo spettatore, l'altro di traverso, un giovane vestito di bianco sta parlando con un compagno d'armi, mettendosi un cappello sul moschetto. Sì, e altri olandesi detengono armi arbitrariamente. Innovativa anche l'interpretazione del tema: gli olandesi sconfitti, concentrati sul lato sinistro del quadro, sono presentati con lo stesso senso di dignità dei vincitori: gli spagnoli, raggruppati in una massa più densa sul lato destro della composizione, sullo sfondo di file di mine. I volti delle milizie della guarnigione non portano il timbro della paura e dell'ammirazione - al contrario, sono pieni di una sorta di attività interna esuberante, le persone sono fortemente interessate a ciò che sta accadendo. E sebbene le loro lance e stendardi si inchinassero davanti al nemico, l'espressione dell'indipendenza dello spirito domina nelle pose libere e nei volti aperti. No, gli olandesi non sono sconfitti, essendo stati sconfitti non si perdono d'animo. Questo è evidente nelle loro posture, nella natura dei loro movimenti. Nuovo combattimento in vista! E ancora si avverte l'effimero della vittoria degli spagnoli: il futuro appartiene già a persone di nuova formazione, che professano nuovi valori e ideali. Il pittore fa riflettere lo spettatore sullo scontro tra vecchio e nuovo, mentre il flusso interno al quadro non è immediatamente evidente e sembra che il pittore non prenda posizione da nessuna delle due parti. E solo un vero maestro è capace di questo.

Velazquez si impegna per il trasferimento più veritiero dei personaggi, il maestro scruta attentamente i volti dei suoi avversari, si sente il suo genuino interesse per ogni persona. Tutti i volti "evidenziati" sono unici e allo stesso tempo simili tra loro. L'artista crea i ritratti più magnifici di capi militari e soldati ordinari, e capisci che le personalità stanno crescendo davanti a noi, con i loro pensieri, sogni e speranze per il meglio, ma Diego Velasquez non imita i maestri barocchi, non cerca di gettare un mare di sentimenti sulla tela - l'artista trasmette solo movimenti naturali e realistici delle anime e dei corpi delle persone situate ai lati opposti dell'azione principale. E ancora nella foto c'è un motivo di uguaglianza, la negazione della superiorità dell'uno sull'altro. Oltre alla sorprendente somiglianza del ritratto, c'è una notevole comunanza che forma una sorta di "unità corporea" dell'esercito spagnolo. In modo del tutto naturale, è uscito attraverso un passaggio graduale dalla pianta centrale al primo piano e ha riempito di sé il palcoscenico storico. Anche Spinola fece un passo verso il suo esercito, allontanandosi dalla prima linea della rampa storica, e guadagnò così l'unità fisica, morale e spirituale con i suoi soldati. Velasquez ha utilizzato magistralmente la tecnica dell'antitesi a livello delle seguenti categorie: movimento-riposo, volume-piattezza, colori caldi-freddi, privilegiando in qualche modo i Paesi Bassi, che tradiscono nell'artista il dono di un veggente che vedeva il futuro potere dell'Olanda. È lo sconfitto Justin de Nassau che è raffigurato in azione: è pesante e lento, ma avanza, mentre Spinola è in piedi. Le figure degli olandesi sono voluminose e materialmente tangibili, avanzano attivamente grazie ai colori chiari e caldi (accenti di giallo-oro, bianco e verde) e si muovono letteralmente nello spazio reale dello spettatore (la figura in giallo sul bordo dell'immagine). Inoltre, sono psicologicamente attivi, il che si esprime sia nell'individualizzazione di ogni reazione agli eventi, sia in un appello diretto allo spettatore (lo sguardo di un uomo con un moschetto in verde). Allo stesso tempo, i ranghi dell'esercito spagnolo sono schierati in profondità e, per così dire, si ritirano dal piano dell'immagine, appiattendosi gradualmente e fondendosi con la grafica planare del motivo delle lance e l'azzurro del cielo. Questa impressione è facilitata anche dal "ritiro" visivo dei toni freddi scuri e raffinati del blu e del rosa perla. Davanti ai nostri occhi, persone reali si trasformano nel passato di un affresco, il mito delle lance si allontana davanti alla realtà di un'alabarda ben confezionata e di un moschetto del tutto inefficace solo in apparenza, la vittoria si trasforma in sconfitta.

E in termini di composizione, quest'opera è un vivido esempio dell'arte della New Age e può essere tranquillamente attribuita alla linea extracorporea.

Il supporto del colore dell'immagine.

Notiamo un peculiare "gioco" di macchie tonali: lo sguardo va dall'armatura scura di Spinola alla coda del cavallo e poi all'ombra dell'esercito olandese.

Grazie al ritmo delle linee si crea un movimento fluido e vivace, evocando la sensazione che l'artista sia riuscito a catturare un breve momento, un episodio della vita ordinaria.

Si può affermare senza esagerare che il lavoro di Diego Velasquez è un vero trasferimento della realtà, che ha magistralmente incarnato in The Surrender of Breda.

Bibliografia

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.José Ortega y Gasset "Introduzione a Velázquez" Trans. dallo spagnolo Lysenko E.S. Petrov M.:, 1991.

Diego Velazquez - Resa di Breda.

Anno di creazione: 1634

La resacion de Breda o Las lanzas

Tela, olio.

Dimensioni originali: 307 × 367 cm

Museo del Prado, Madrid

La resa di Breda (in spagnolo: La rendición de Breda o "Spears", Las lanzas) è un dipinto di Diego Velasquez, scritto nel 1634-1635. Raffigura la scena del trasferimento delle chiavi della città olandese di Breda da parte del suo governatore Giustino di Nassau al comandante in capo delle truppe spagnole Ambrosio Spinola il 5 giugno 1625. Il secondo nome della tela - "Spears" è dovuto al fatto che quasi un terzo della tela è occupato dall'immagine di copie dell'esercito spagnolo, che costituiscono una parte importante della composizione. Il quadro è al Prado.

Descrizione del dipinto di Diego Velasquez “La resa di Breda”

La trama del dipinto di fama mondiale - "La resa di Breda" l'artista più talentuoso La Spagna del XVII secolo - Diego Velasquez - è stata scritta sulla base di eventi storici reali accaduti durante la vita dell'artista. Fu lì, presso la fortezza di Breda nella provincia del Brabante settentrionale vicino ai Paesi Bassi, che fu firmato il clamoroso compromesso sul rifiuto della persecuzione religiosa del re Filippo II, allora accusato di blasfemia.

La stessa fortezza fu il centro delle guerre europee per il potere in questa regione durante la lunga Guerra dei Trent'anni del 1618-48. Molte volte la fortezza passò durante questo periodo in mani diverse fino alla fine di molti anni di sanguinosa guerra e fino all'ascesa al trono del re Filippo IV. La tela raffigura un momento storico importante per il Paese - la ricezione da parte del comandante in capo spagnolo, sotto la cui guida furono fatte la maggior parte delle straordinarie conquiste della Spagna all'inizio della Guerra dei Trent'anni - Ambrosio Spinola - le chiavi della famosa fortezza di Breda.

Poi, all'inizio della Guerra dei Trent'anni, la Spagna, che combatteva contro le Repubbliche delle Province Unite, ebbe un grande successo, grazie al quale la maggior parte delle terre olandesi andò alla Spagna. Inoltre, negli stessi anni, la Spagna ha resistito con successo ad altri paesi europei, tra cui Inghilterra e Portogallo. È vero, poco dopo il paese fu notevolmente indebolito da lunghe guerre e la Spagna dovette ritirarsi da alcune delle conquiste fatte in quegli anni, anche nei Paesi Bassi.

La tela fu completata dal maestro nel 1635, nel bel mezzo di feroci sanguinose battaglie, e doveva essere esposta nella Sala Grande del nuovo castello che apparteneva al re Filippo IV, allora sul trono - Buen Retiro.

Il famoso dipinto del leggendario artista spagnolo del XVII secolo, Diego Velasquez, intitolato "La resa di Breda", fu scritto da lui nel 1635 sulla base di eventi storici reali accaduti in Europa durante la sua vita. Il dipinto stesso era destinato alla cosiddetta Sala Grande del nuovo palazzo del re Filippo IV Buen Retiro, che all'epoca governava la Spagna.

Circa l'immagine:

La trama dell'immagine è stata completamente costruita su eventi storici e le azioni che si sono svolte su di essa erano collegate all'allora situazione intorno alla fortezza di Breda, situata nella provincia olandese del Brabante settentrionale. Fu in questa città che fu firmato il noto compromesso relativo alla protesta contro la persecuzione religiosa del re Filippo II, accusato, appunto, di blasfemia.

Fu la fortezza di Breda che fu il centro della lotta degli eserciti di molti paesi europei per il predominio nella regione durante la cosiddetta Guerra dei Trent'anni, che durò dal 1618 al 1648. Durante tutto questo tempo, fino all'ascesa al trono di Spagna, re Filippo IV, Breda passò più volte di mano in mano durante le ostilità.

Fu nei primi anni della Guerra dei Trent'anni che le truppe spagnole, che combatterono contro l'esercito della Repubblica delle Province Unite dei Paesi Bassi, riuscirono a ottenere successi piuttosto seri, a seguito dei quali un numero molto elevato di territori olandesi andò proprio in Spagna. Inoltre, in seguito, la Spagna ha resistito con successo agli altri suoi avversari, inclusi inglesi e portoghesi.

Il dipinto raffigura un momento importante della consegna delle chiavi della fortezza di Breda al comandante in capo spagnolo Ambrosio Spinola, che ha appena saputo ottenere successi così sbalorditivi per il suo Paese. Anche se, dopo un breve periodo di tempo, la Spagna fu indebolita economicamente dalla guerra e dovette rinunciare a molte delle sue conquiste, comprese quelle nei Paesi Bassi.

Colore della pittura:

L'immagine ha una combinazione di colori ricca e ricca, ma completamente nello spirito dell'artista, senza l'uso di colori sgargianti e troppo luminosi. Questa spettacolare tela colpisce ancora per l'abilità della pittura e la bellezza dell'immagine.

L'immagine ha un altro nome: "Spears". Prima di Velazquez, molti raffiguravano tali armi, ma solo la sua palizzata di lunghe lance può essere considerata una vera personificazione della guerra.