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La tipizzazione nell'arte è stata padroneggiata molto prima del realismo. L'arte di ogni epoca - basata sulle norme estetiche del suo tempo e nell'appropriato forme d'arte- riflette i tratti caratteristici, o tipici, della modernità insiti nei caratteri delle opere d'arte, nelle condizioni in cui questi personaggi hanno agito. Tra i realisti critici, la tipizzazione rappresenta un grado più elevato di questo principio di conoscenza artistica e riflessione della realtà rispetto ai loro predecessori. Si esprime nella combinazione e relazione organica di caratteri tipici e circostanze tipiche. Tra i mezzi di tipizzazione realistica, lo psicologismo non occupa l'ultimo posto, ad es. rivelando il complesso mondo spirituale - il mondo dei pensieri e dei sentimenti del personaggio. Ma il mondo spirituale degli eroi del realismo critico è socialmente determinato. Ciò determina un più profondo grado di storicismo tra i realisti critici rispetto ai romantici. Ma i personaggi disegnati dai realisti critici sono meno che mai come schemi sociologici. Non tanto il dettaglio esterno nella descrizione del personaggio - un ritratto, un abito, ma il suo aspetto psicologico ricrea un'immagine profondamente individualizzata.

Parlando di tipizzazione, Balzac ha sostenuto che insieme alle caratteristiche principali inerenti a molte persone che rappresentano questa o quella classe, questo o quello strato sociale, l'artista incarna le caratteristiche individuali uniche di un particolare individuo sia nel suo aspetto esteriore, in un ritratto del discorso individualizzato, caratteristiche dell'abbigliamento, andatura, nei modi, nei gesti e nel suo aspetto interiore e spirituale.

Realisti del XIX secolo durante la creazione di immagini artistiche, mostravano l'eroe in fase di sviluppo, raffiguravano l'evoluzione del carattere, che era determinata dalla complessa interazione tra individuo e società. In questo differivano nettamente dagli illuministi e dai romantici. Il primo e lampante esempio è stato il romanzo di Stendhal "Red and Black", dove le profonde dinamiche del personaggio di Julien Sorel - il protagonista di quest'opera - si svelano attraverso le tappe della sua biografia.

Realismo in letteratura

Dall'inizio degli anni '30. 19esimo secolo il realismo critico sta cominciando sempre più a soppiantare il romanticismo non solo nella pittura, ma anche nella letteratura. Appaiono le opere di Merimee, Stendhal, Balzac, in cui si formano i principi di una comprensione realistica della vita. Il realismo critico nel lavoro di Dickens, Thackeray e numerosi altri autori inizia a definire il volto processo letterario in Inghilterra dall'inizio degli anni '30. In Germania, Heine ha gettato le basi del realismo critico nel suo lavoro.

Sviluppo intensivo in Russia letteratura realistica ha dato risultati eccezionali. Sono diventati un esempio per la letteratura mondiale e non hanno perso il loro valore artistico Ancora. Questo è "Eugene Onegin" di A. Pushkin, "Hero of Our Time" romanticamente realistico di M. Lermontov ", Anime morte"N. Gogol, i romanzi di L. Tolstoy "Anna Karenina" e "Guerra e pace", i romanzi di F. Dostoevskij "Delitto e castigo", "L'idiota", "I fratelli Karamazov", "Demoni", racconti, romanzi e opere teatrali di A. Cechov, ecc.

Nella pittura russa, il realismo è stato stabilito entro la metà del XIX secolo. Uno studio attento della natura, un profondo interesse per la vita delle persone si unirono alla denuncia sistema feudale. Una brillante galassia di maestri realisti dell'ultimo terzo del XIX secolo. uniti in un gruppo di "vagabondi" (V. G. Perov, N. N. Kramskoy, I. E. Repin, V. I. Surikov, N. N. Ge, I. I. Shishkin, A. K. Savrasov, I. I. Levitan e altri).

La critica di Belinsky alla "scuola naturalistica" in letteratura ha svolto un ruolo importante nella formazione della letteratura realistica in Russia. Belinsky ha elogiato "Dead Souls" di N. V. Gogol per il suo pathos negativo, la "denuncia della Russia" e l'umorismo. Belinsky ha sottolineato il potere cognitivo dell'arte: l'arte "estrae la sua essenza dalla realtà", essendo non solo uno specchio della realtà in generale, ma anche uno specchio vita pubblica. Il servizio dell'interesse pubblico deriva dalla natura dell'arte ed è coerente con la libertà dell'artista: egli deve prima di tutto essere cittadino; è l'investigatore e l'accusatore della vita riuniti insieme. Belinsky ha affermato l'idea dell'unità dell'estetica e dell'etica. La vera arte è sempre morale e il contenuto dell'arte è "una questione morale, esteticamente risolta". Il popolo è lo strato lavorativo originario della nazione, per questo l'arte deve essere popolare. Il compito dell'intellighenzia democratica è aiutare il popolo russo a "crescere fino a se stesso" e il popolo ha bisogno di essere istruito, illuminato ed istruito.

VG Chernyshevsky ha visto la più alta bellezza non in idee astratte come "cattedrale", ma nella vita stessa. Il bello è la vita, disse, quell'essere è bello in cui vediamo la vita come dovrebbe essere secondo i nostri concetti. Bello è l'oggetto che mostra la vita in sé o ci ricorda la vita. Chernyshevsky considerava il concetto di bellezza di classe sociale e storicamente condizionato. Per i lavoratori, l'ideale della bellezza è associato alla salute, da qui l'ideale popolare bellezza femminile. Nelle persone istruite, le idee sulla bellezza possono essere distorte. Ogni epoca storica ha la sua idea di bellezza. Da un'opera d'arte, ha chiesto la riproduzione della vita (conoscenza della vita in una forma sensualmente concreta attraverso la tipizzazione come generalizzazione delle caratteristiche essenziali dell'originale); spiegazioni della vita; il verdetto della realtà e il desiderio di essere un manuale di vita.

D. I. Pisarev ha proclamato l'idea che l'estetica non può diventare una scienza, poiché la scienza si basa sulla conoscenza sperimentale e nell'arte regna l'arbitrarietà. Il bello oggettivamente non esiste, i gusti soggettivi possono variare all'infinito. La storia conduce dalla bellezza all'utilità: più lunga è la storia dell'umanità, più diventa intelligente e più indifferente alla pura bellezza. L'idea paradossale di Pisarev "gli stivali sono più alti di Pushkin", e la vita è più ricca e più alta di qualsiasi arte, un tempo provocò un'accesa polemica.

L. N. Tolstoy iniziò con l'opposizione all'estetica utilitaristica democratica rivoluzionaria, ma in seguito, dopo aver attraversato una crisi spirituale, cadde in una sorta di nichilismo culturale generale. Attraverso l'arte, una persona viene "contagiata" dai sentimenti dell'artista. Ma tale "infezione" con i sentimenti di altre persone è raramente giustificata. I lavoratori vivono secondo i loro veri ideali. Tolstoj respinse Shakespeare, Dante, Beethoven, Raffaello, Michelangelo, credendo che la loro arte fosse selvaggia e priva di significato, perché incomprensibile per la gente. Tolstoj rifiutò anche il proprio lavoro, che gli sembrava molto più importante racconti popolari e altre storie per le persone, il cui principale vantaggio è l'accessibilità, la comprensibilità. Estetica ed etica sono collegate, secondo Tolstoj, in proporzione inversa: non appena una persona perde il senso morale, diventa particolarmente sensibile all'estetica.

Il decadimento del realismo critico

Il realismo come stile artistico non durò a lungo. Già dentro fine XIX v. entrato nell'arena simbolismo (dal p. simbolismo, greco simbolo- segno, simbolo), apertamente contrario al realismo. Nato come direzione letteraria in Francia negli anni '60 e '70. (Baudelaire, Verlaine, A. Rimbaud, Mallarmé), in seguito il simbolismo divenne un fenomeno culturale paneuropeo, catturando teatro, pittura, musica (scrittori e drammaturghi M. Maeterlinck, G. Hofmannsthal, O. Wilde, artisti E. Munch, M. K. Churlionis, compositore A. N. Scriabin, ecc.). In Russia, il simbolismo appare negli anni '90. 19esimo secolo (D. S. Merezhkovsky, V. Ya. Bryusov, K. D. Balmont e altri), e all'inizio del XX secolo. è stato sviluppato nelle opere di A. Blok, A. Bely, Vyach. Ivanova e altri I simbolisti opponevano la loro poetica ed estetica al realismo e al naturalismo nell'arte. Hanno riconosciuto il dualismo del reale e dell'ideale, l'opposizione del personale e del sociale. La vita spirituale e morale di una persona è stata interpretata dai simbolisti quasi sempre in uno spirito religioso. Poiché l'intuitivo, l'inconscio era considerato da loro la cosa principale nella creatività artistica, spesso si rivolgevano alle idee di romantici, mistici, agli insegnamenti di Platone e Kant. Molti simbolisti hanno insistito sul valore intrinseco dell'arte, credendo che sia più alto e più primario della vita.

L'ondata di simbolismo svanì rapidamente, ma il simbolismo ebbe comunque un impatto significativo sullo sviluppo dell'arte nel XX secolo, in particolare sul surrealismo e sull'espressionismo.

Il filosofo russo N. A. Berdyaev, che ha difeso un'ampia comprensione del realismo, ha scritto che l'intero russo letteratura XIX v. è al di fuori del classicismo e del romanticismo, poiché è realistico nel senso più profondo della parola. Solo il classicismo non appartiene al realismo, poiché è disumano nel suo principio. La tragedia greca, la più perfetta di tutte le creazioni umane, non è classicismo, il che significa che appartiene anche al realismo.

Un contemporaneo di Berdyaev, il filosofo GG Shpet, tuttavia, ha parlato in modo nettamente negativo del realismo. Anni Quaranta del XIX secolo costituiscono, forse, l'ultimo stile naturale, scrisse Shpet. Secondo il compito filosofico dell'epoca, doveva essere lo stile dello spirito realizzato nella realtà: lo stile è forte, giustificato, severo, serio, ragionevole. In effetti, la vita quotidiana è stata spesso scambiata per realtà e ha sostituito il culto: la democrazia e il filisteismo hanno oscurato la spiritualità. Il realismo spirituale è rimasto un problema irrisolto, perché non sono stati trovati i mezzi per simboleggiare un tale reale. La filosofia della storia è stata arginata dalla storia empirica. La rigorosa razionalità è stata sostituita dalla prudenza dissoluta e dal comfort prudente. Il naturalismo, che un tempo era considerato l'ultima parola, dice Shpet, era puro nichilismo estetico. Secondo la sua idea, il naturalismo è una negazione fondamentale non solo dello stile, ma anche della direzione. La "direzione" nel naturalismo è sostituita dall'insegnamento, dalla moralità, perché il nichilista, negando l'inutile creatività, non può inventarsi alcuna giustificazione, se non utilitaristica. Storicamente il realismo è crollato in Russia negli anni '40. 19esimo secolo con Gogol. Shpet vede la salvezza dell'arte nell'apparenza del simbolismo, opposto al realismo.

• Cm.: Berdiaev N.A.O schiavitù e libertà umana // Pietre miliari. 1915. Vol. 4.

La specificità figurativa della letteratura come forma di coscienza sociale e cognizione della realtà (prof. Gulyaev N.A.)

Come già notato, l'artista è direttamente coinvolto nel processo dell'attività cognitiva. Non può studiare e rappresentare la realtà, essendo distratto dalle simpatie e dalle antipatie umane. Ne consegue, di conseguenza, la parzialità del sapere artistico. L'artista si avvicina allo studio del suo soggetto non come un contemplativo, ma come un combattente attivo per i suoi ideali.

Se lo scrittore non ha un ideale, allora si trasforma da padrone della realtà in suo schiavo, perde l'orientamento nel complesso labirinto dei fatti. A. N. Tolstoy ha scritto: "Non posso aprire gli occhi sul mondo prima che tutta la mia coscienza sia abbracciata dall'idea del mondo - allora il microdistretto appare davanti a me significativo e propositivo. Io, uno scrittore sovietico, sono abbracciato dall'idea di riorganizzazione e costruzione di un nuovo mondo. "

* (Aleksej Tolstoj. Sobr. operazione. In 10 volumi T. 10. M., 1961, p.257.)

Immagine artistica, la sua connessione con l'umano

Conoscere artisticamente la natura e la società significa mostrare il loro ruolo positivo o negativo nella vita umana, provocando così il desiderio di affermarle o negarle. Il risultato della cognizione, i tuoi pensieri e sentimenti che sono sorti nel processo attività creativa, lo scrittore esprime in una forma specifica - in immagini artistiche che contengono sia elementi oggettivi che soggettivi.

L'immagine artistica non è un'istantanea fotografica della realtà, ma la sua riproduzione creativa, contiene necessariamente un momento soggettivo: l'atteggiamento dell'autore nei confronti del raffigurato. Lo scrittore umanista afferma idee progressiste con il suo lavoro, serve il bene e la giustizia. Senza tendere alla bellezza, l'arte perde la sua spiritualità, si trasforma in un cimitero di parole, colori o suoni. V. G. Belinsky ha scritto: "... morto pezzo d'arte se dipinge la vita al solo fine di raffigurare la vita, senza alcun potente impulso soggettivo che abbia origine nel pensiero prevalente dell'epoca, se non è grido di sofferenza o ditirambo di gioia, se non è domanda o risposta a domanda" * .

* (V.G. Belinsky. Poli. coll. cit., vol.6, p.271.)

L'arte non è un'imitazione meccanica della natura. Voglio entrare caso migliore raddoppia solo il soggetto dell'immagine, ma non crea nuovi valori estetici. Nel suo lavoro non c'è correlazione di ciò che è raffigurato con la vita umana, non c'è significato umano.

Un'immagine artistica diventa esteticamente significativa quando contiene contenuti umani, quando è illuminata dal pensiero, rivela la realtà nel suo rapporto con l'uomo. Naturalmente, questa domanda non dovrebbe essere presa alla leggera. Non tutte le immagini, prese isolatamente, mostrano la sua funzione umanistica. Ma se la si considera come parte del sistema figurativo dell'opera, allora emerge con tutta evidenza il suo orientamento umanistico.

Conoscenza diretta con Plyushkin N.V. Gogol si prepara con una descrizione dettagliata del villaggio fortezza e del giardino del padrone. Chichikov entra nella tenuta di Plyushkin lungo il marciapiede, dove "tronchi, come i tasti di un pianoforte, salivano e scendevano", vede tetti pieni di buchi, come un setaccio, capanne con finestre imbottite di stracci, odens di pane, in cima ai quali "cresceva ogni sorta di spazzatura". Chichikov oltrepassa il giardino del padrone, che ha colpito l'immaginazione con il suo abbandono: sentieri invasi, pergole traballanti, qui e luppolo, "soffocando i cespugli di sambuco sottostanti", e una betulla con la cima spezzata, e un pioppo tremulo con foglie appassite, e molto altro.

Certo, in queste immagini, considerate separatamente, il contenuto umanistico non è ancora rivelato, ma nel disegno ideologico generale ognuna di esse porta un certo carico. Gogol con magnifica abilità crea un'immagine di desolazione, in cui Plyushkin è colpevole. E questo espone Plyushkin come un'anima morta, portando la morte sia alla natura che alla società.

Rappresentare questo o quel fenomeno in modo veritiero significa presentarlo rispetto all'ideale. La verità artistica non può essere neutra, contiene sempre un grande contenuto umanistico, sintonizza i pensieri ei sentimenti di una persona su una certa "onda" estetica. N. V. Gogol e altri classici del XIX secolo. raggiunsero un grande potere artistico grazie al fatto che non erano oggettivisti-spassionati. Nelle loro opere, rivelando la verità della vita, hanno mostrato la deviazione della loro società contemporanea dalla "norma umana".

L'arte come fenomeno estetico inizia dove la figuratività non si trasforma in fine a se stessa, ma diventa un mezzo per esprimere idee umanistiche. Un'immagine artistica è una forma specifica di cognizione della realtà. La sua specificità sta nel fatto che, oltre alla sua specificità di vita, include organicamente una valutazione estetica della vita, riflettendo ogni fenomeno nella sua relazione con una persona. L'immagine artistica è l'arma dello scrittore nella lotta per l'ideale. Con il suo aiuto difende il bello e smaschera il brutto, colpisce emotivamente il lettore, lo educa esteticamente, suscitando in lui un sentimento di rabbia contro tutto ciò che ostacola l'affermazione della bellezza sulla terra.

Idea estetica, sua originalità e connessione con l'immagine

L'immagine artistica perderebbe tutte le sue qualità fondamentali se non fosse portatrice dell'idea estetica che le dà vita. Inoltre, ogni immagine dell'opera esprime qualcosa di proprio, individuale e allo stesso tempo è soggetta a un unico concetto ideologico. Una vera opera d'arte somiglia a un organismo perfetto, in cui ogni organo è unico e partecipa necessariamente alla vita dell'insieme.

L'immagine unificata del villaggio fortificato di Plyushkin, come abbiamo visto, è costituita da una moltitudine di microimmagini individuali che, a loro volta, fungono da collegamenti necessari nella creazione dell'immagine di Plyushkin. Ma lo stesso Plyushkin, insieme a Manilov, Sobakevich, Nozdrev e altri eroi del poema, è anche solo un collegamento nella grandiosa immagine della serva russa, in cui regnano le "anime morte".

Un'opera d'arte è spesso un complesso intreccio di idee estetiche. Ma in questa diversità regnano le leggi più severe dell'interazione. Ogni immagine, rimanendo se stessa, è in volontario accordo con le immagini adiacenti e con l'opera nel suo insieme. Il concetto ideologico generale dell'autore svolge funzioni organizzative. Senza il suo principio organizzatore, le singole immagini si trasformerebbero in collegamenti indipendenti l'uno dall'altro e perderebbero il loro significato estetico.

L'immagine è la vera carne dell'idea estetica. Qualsiasi separazione forzata di loro porta alla perdita di abilità artistica. L'artista tende a pensare per immagini. Ma questo non significa affatto che crei le sue opere senza alcuna difficoltà, solo per intuizione improvvisa. L'immagine non appare all'istante, diventa più chiara con tutte le sue sfaccettature nel corso dell'attività creativa, quando l'autore riesce a riflettere non solo il contenuto oggettivo della vita, ma esprime anche i suoi sentimenti e pensieri al riguardo.

L'idea estetica è il frutto non solo della mente, ma anche dei sentimenti dell'artista. Essendo nato, si impossessa di tutto il suo essere, diventando una passione poetica, pathos, senza la quale Belinsky non potrebbe immaginare la creatività artistica. "Un'idea letta o ascoltata e, forse, compresa come dovrebbe, ma non portata attraverso la propria natura, non ha ricevuto l'impronta della tua personalità", ha scritto il critico, "è un capitale morto non solo per la poetica, ma per qualsiasi attività letteraria" * .

* (V.G. Belinsky. Poli. coll. cit., vol.10, p.312.)

Lo scrittore può "contagiare" il lettore con la sua eccitazione solo quando lui stesso la sperimenta profondamente. E senza impatto estetico, l'arte è morta. Trasferisce tutta la sua ricchezza spirituale alle persone principalmente attraverso l'esperienza. Questo è il canale attraverso il quale le idee estetiche penetrano nella coscienza di una persona, la educano spiritualmente.

Essendo per sua natura una realtà estetica, cioè un riflesso della realtà alla luce dell'ideale, l'immagine mette in moto i sentimenti e i pensieri più profondi. È comprensibile a tutti, ma in alcuni provoca una reazione emotiva positiva, in altri negativa. E questo è naturale, poiché il sistema figurativo dell'opera esprime la classe, le posizioni di partito dello scrittore, il suo atteggiamento nei confronti delle questioni fondamentali della vita.

Le forme feroci, ad esempio, furono prese dalla lotta letteraria intorno a " anime morte"Gogol," Hero of Our Time "Lermontov, i romanzi di Turgenev. I critici delle tendenze conservatrici e progressiste hanno dato loro valutazioni che si escludono a vicenda. Le opere di Chernyshevsky, Nekrasov, Gorky e altri scrittori classici hanno suscitato la stessa reazione discordante.

La forza dell'impatto dell'arte dipende in gran parte dalla sua concretezza. Tuttavia, sarebbe errato pensare che solo le immagini che riflettono i fenomeni materiali della realtà (la natura, le cose, l'aspetto di una persona, ecc.) Possiedano una certezza concreta, un'espressività plastica. I poeti eccezionali raggiungono la plasticità anche nel trasferimento delle esperienze umane. Ad esempio, nelle opere liriche di A. S. Pushkin, Belinsky ha trovato "rilievo plastico dell'espressione" * , una combinazione organica di "sentimento elegantemente umano con forma plasticamente elegante" **. A. V. Lunacharsky, sottolineando la ricchezza emotiva e intellettuale della poesia di Pushkin, ha osservato che in essa "emozioni e pensieri sono quasi sempre racchiusi in un'immagine che affascina per la sua concretezza e plasticità" ***.

* (V.G. Belinsky. Poli, coll. cit., vol.7, p.323.)

** (V.G. Belinsky. Poli, coll. cit., vol.7, p.340.)

*** (AV Lunacarsky. Classici della letteratura russa. M., 1937, pagina 155.)

Allo stesso tempo, la visualizzazione da sola non garantisce ancora l'abilità artistica. Molte opere, soprattutto quelle di natura naturalistica, sono molto illustrative e concrete nella vita, ma non sono in grado di regalare una grande gioia. L'affidabilità nel trasferimento delle forme di vita esterne e interne non costituisce ancora l'intero art. La verità artistica è impossibile senza idee estetiche.

Un vero artista afferma sempre il bello, vigila sempre sugli interessi umani. Solo a seconda delle circostanze storiche e di altro tipo, risolve il suo problema in modi diversi: o negando il brutto o rivelando gli aspetti belli della realtà.

Quando non c'è lotta per il bello, inizia la disintegrazione della creatività artistica, la sua degenerazione decadente. L'arte, in virtù della sua natura umanistica, è uno dei mezzi di comunicazione spirituale tra le persone. Più significativo è il pensiero estetico, l'abilità della sua incarnazione, più alto è il sentimento che risveglia e più alto ruolo pubblico opera dello scrittore.

Se l'idea incarnata dallo scrittore non è estetica nella sua essenza, allora risulta essere falsa. La sua falsità si manifesta nel fatto che entra in conflitto sia con il contenuto oggettivo della vita sia con un sano senso estetico. La completa bancarotta artistica, ad esempio, è subita dai difensori del capitalismo, che si sforzano nei loro scritti di trasformare i colonizzatori e gli imprenditori in amici del popolo. Qualcosa che è di natura disumana non può essere esteticamente bello.

L'immagine come forma speciale di generalizzazione

L'immagine artistica per sua stessa natura porta una generalizzazione. Lo scrittore è sempre in un modo o nell'altro basato sulla realtà, ma non dovrebbe diventare schiavo dei fatti. La creatività artistica è impensabile senza la selezione del materiale, la sua elaborazione secondo l'idea che si sviluppa nell'opera.

Quando questo o quel fenomeno della vita fa una certa impressione sull'artista, lo guarda da vicino, individua i tratti più significativi che hanno colpito la sua immaginazione, scarta tutto ciò che è accidentale che gli impedisce di esprimere chiaramente l'essenza della realtà rivelatagli e rivelando l'intenzione del suo autore. Con l'aiuto della propria immaginazione, per così dire, completa i lineamenti che hanno attirato la sua attenzione. Questo, in termini generali, è il modo più caratteristico di creare un'immagine artistica.

I. S. Turgenev ha detto: "Incontro, ad esempio, nella mia vita alcuni Fekla Andreevna, alcuni Peter, alcuni Ivan, e immagino che all'improvviso qualcosa di speciale mi colpisca in questo Fekla Andreevna, in questo Peter, in questo Ivan, qualcosa che non ho visto né sentito da altri. l'impressione che hanno fatto rimane, matura. Confronto questi volti con altri volti, li introduco nella sfera di varie azioni, e ora per me viene creato un mondo completamente speciale ... " * .

* (Scrittori russi sul lavoro letterario. Vol. 2, pagina 755.)

L'immagine artistica è in definitiva un fenomeno della vita, ma fusa nel crogiolo della coscienza creativa dello scrittore, ricreata secondo il suo ideale estetico, liberata da strati insignificanti. Pertanto, un'opera d'arte colpisce spesso una persona in modo più forte della realtà che è diventata oggetto di un'immagine artistica. Contiene solo il necessario, al servizio di elevati obiettivi estetici.

Artista in corso lavoro creativo fa una sorta di scoperta del mondo. Grazie alla sua capacità di osservazione e sensibilità estetica, scopre e generalizza in immagini aspetti della vita che spesso sfuggono allo sguardo di un osservatore inesperto. Così, nelle immagini di Onegin, Oblomov, Klim Samgin e Semyon Davydov, l'essenza e il significato sociale di un certo tipo di persone che esistevano nella società sono espressi in una forma unicamente sensuale.

L'arte, concentrandosi sul bello o sul brutto, rende le persone più ricettive alla bellezza.

M. Gorky una volta osservò: "... John Ruskin ha proclamato una profonda verità, dicendo che i tramonti in Inghilterra sono diventati più belli dopo i dipinti di Turner". grande scrittore in questo caso ha sottolineato la capacità della creatività artistica di sviluppare i gusti estetici di una persona, per facilitarne l'accesso alle ricchezze estetiche della natura.

L'artista realista ha il dono di cogliere l'essenziale in una moltitudine di fatti omogenei. La possibilità di una tale generalizzazione gli viene suggerita dalla realtà stessa. I fenomeni della natura e della società, con tutte le loro caratteristiche individuali, hanno caratteristiche simili e correlate. Non è difficile, ad esempio, trovare ciò che è comune (per una certa area geografica) all'inizio della primavera, autunno, inverno, estate, alba e tramonto, ecc., Sebbene ogni anno apporti le proprie modifiche a questi schemi. Anche le persone, con tutta la loro originalità, portano l'impronta della loro professione, nazionalità e condizione sociale. Pertanto, lo scrittore, di regola, raffigurando l'individuo, può correggere i fallimenti dell'osservazione dalla vita stessa: tagliare tutto ciò che è insignificante dal raffigurato, rafforzarlo con dettagli caratteristici presi in prestito da fenomeni della stessa cerchia con lui e creare un'immagine concreta piena di un significato generalizzante. La generalizzazione attraverso l'individuo, che riceve la sua vita in un'immagine artistica individuale, si chiama tipizzazione.

Tipizzazione e sue forme

Trovare il comune nell'individuo è più caratteristico dell'arte realistica. Non tutti gli scrittori vanno così. I classicisti, ad esempio, di solito andavano dal generale, usando il singolare solo come illustrazione di una certa tesi morale e politica sviluppata nell'opera. Tale tecnica ha spesso portato alla schematizzazione dei personaggi, alla perdita delle loro caratteristiche individuali.

I principi realistici della generalizzazione hanno trionfato quando l'arte è stata realizzata come riflesso della realtà e l'immagine artistica come l'incarnazione nell'individuo dei tratti tipici della vita stessa.

Riassumendo le conquiste degli scrittori realisti, Belinsky ha scritto: "Ora, per" ideale "* non intendono un'esagerazione, non una bugia, non una fantasia infantile, ma un fatto della realtà, così com'è, ma il fatto non è cancellato dalla realtà, ma portato attraverso la fantasia del poeta, illuminato dalla luce di un significato generale (e non eccezionale, privato e casuale), eretto in una perla della creazione, e quindi più simile a lui, ... del più schiavo Questa copia è fedele al suo originale nella realtà "**.

* (La parola "ideale" in questo caso ha lo stesso significato di "tipo".)

** (V.G. Belinsky. Poli. coll. cit., vol.6, p.526.)

La tipizzazione, di regola, è accompagnata da un ispessimento di fenomeni riproducibili, rafforzando il loro caratteristiche peculiari che conferisce loro una maggiore espressività emotiva. Tale metodo deriva dalla natura stessa della creazione artistica, che è una lotta per l'affermazione del bello o la negazione del brutto.

"L'arte mira", ha scritto Gorky, "a esagerare il bene per renderlo ancora migliore, a esagerare il male - ostile all'uomo, sfigurandolo - in modo che susciti disgusto, accenda la volontà di distruggere le vergognose abominazioni della vita create dal volgare, avido filisteismo. ma o lo approva, o lo cambia, lo distrugge" * .

* (M. Gorky. Sobr. cit., vol.27, pp.)

Pertanto, la tipizzazione è impossibile senza finzione. La condensazione poetica ha luogo anche dove i personaggi non si distinguono esteriormente dal loro ambiente. In essi, i tratti caratteriali principali sono solitamente condensati rispetto ai loro prototipi di vita. Sia Oblomov, sia Bazàrov, Pavel Vlasov, Levinson e Grigory Melekhov erano "sconosciuti familiari" per il loro tempo. Sono proposti dalla vita, ma in essi, come in un focus, si rifrangono le proprietà di molte persone della loro cerchia sociale.

Come sai, ci sono altri modi per creare un'immagine tipica. A volte nella società stessa si trovano tali individui che, per così dire, si sono concentrati maggiormente su se stessi caratteristiche persone di un certo strato sociale in un certo epoca storica(Chapaev, N. Ostrovsky, Meresyev, ecc.).

La riflessione nella forma figurativa di un singolo porta alla creazione di un'immagine atipica. Lefort nel romanzo di A. Tolstoy "Pietro il Grande" non è tipico degli abitanti dell'insediamento tedesco, che non erano assistenti disinteressati del giovane zar nelle sue riforme. L'opera teatrale di A. Volodin "The Appointment" raffigura un capo insolitamente gentile, Lyamin. Approfittando della debolezza del suo carattere, i subordinati dapprima smisero completamente di lavorare e poi, vergognosi, si misero al lavoro con zelo. È possibile che un caso del genere si sia verificato nella vita, ma Volodin cerca di presentare questo singolo come tipico, che ha incontrato l'obiezione delle critiche.

Succede che lo scrittore, affilando l'immagine, va alla violazione della plausibilità esterna. Nel tentativo di mostrare nel modo più espressivo l'essenza del fenomeno rappresentato, ricorre spesso all'iperbole, al grottesco. Così, nella "Storia di una città" di Saltykov-Shchedrin, appare l'immagine del sindaco Brudasty con un organo in testa. Certo, questo non è plausibile, ma è artisticamente giustificato. Il satirico ha voluto sottolineare la rigidità, l'automatismo delle azioni del burocrate reazionario, che, avendo perso tutto ciò che è umano, ha acquisito la somiglianza con una bambola meccanica, con un automa che può pronunciare solo due parole.

Rispondendo ai critici che hanno notato l'implausibilità dell'immagine di Brodystoy, M.E. Saltykov-Shchedrin ha scritto: "Ma perché prenderlo così alla lettera? Dopotutto, non è che Brodystoy avesse un organo in testa che suonava romanzi: "Non lo sopporterò!" e "Lo stiticherò!", Ma che ci sono persone la cui intera esistenza è esaurita da queste due parole "*. Nelle condizioni della Russia autocratica, secondo il satirico, amministratori zelanti come Brodasty erano tipici, e quindi la loro apparizione in letteratura era giustificata.

* (ME. Saltykov-Shchedrin su letteratura e arte. M., 1953, pagina 405.)

Considerando il lavoro di Gogol, Belinsky ha notato che l'autore di The Inspector General e Dead Souls non ha cancellato i suoi eroi dalla natura: non è stato così facile trovare nella vita un Khlestakov o Plyushkin completamente "già pronto". Ma d'altra parte Gogol, secondo il critico, ha incontrato parecchi funzionari e proprietari terrieri "con la possibilità di diventarli" * . Gogol, nel processo di lavoro creativo, ha affinato le caratteristiche e le possibili caratteristiche inerenti a Khlestakov e Plyushkin storico-reali e ha creato tipi artistici di grande potere generalizzante.

* (Vedi: V. G. Belinsky. Poli. coll. cit., vol.2, p.245.)

Si ritiene che la tipizzazione sia inerente solo all'arte realistica. Questo non è vero. Le immagini tipiche sono create anche da scrittori dal pensiero romantico. Tuttavia, la tipicità è stabilita nel romanticismo in modo diverso rispetto al realismo. L'eroe positivo qui non si correla con l'ambiente che lo ha partorito, ma con il mondo spirituale dell'autore stesso e quelle forze sociali che rappresenta. Certo, Mpyri non è tipico di un novizio monastico, ma sembra concentrare in sé i sogni amanti della libertà di Lermontov e dei suoi contemporanei, che sono vicini al poeta in termini di pensieri e sentimenti. Chicche nei romanzi utopici di J. Sand, ovviamente, sono assolutamente atipici come nobili, ma i loro stati d'animo sono caratteristici sia della stessa scrittrice che di tutti i sostenitori del socialismo utopico francese.

Carattere e circostanze

Il tipico in letteratura non può essere ridotto a un'espressione dell'essenza di alcune caratteristiche sociali di una persona. Un'immagine artistica - un personaggio - non è solo la personificazione di una certa forza sociale, ma anche una personalità umana molto specifica, "vivente". L'insieme delle caratteristiche di base che definiscono caratteristiche individuali un eroe è chiamato un personaggio. Ad esempio, Oblomov Goncharova non è solo l'incarnazione della nobiltà. È un maestro dall'aspetto umano individuale, con le sue abitudini, inclinazioni, ecc. Il generale e l'individuo sono in lui in una sintesi organica, che ci permette di parlare di Oblomov come di un magistralmente delineato tipo artistico. Individuare solo le qualità sociali nei personaggi porta allo schematismo e mina le basi delle specificità dell'arte.

La Rivoluzione d'Ottobre e la Guerra Civile in Russia sono riflesse da A. Tolstoy nell'epico "Walking Through the Torments" attraverso il complesso intreccio dei destini di molti eroi, ognuno dei quali è rappresentante di un certo gruppo sociale e allo stesso tempo un'individualità umana unica. Ecco Katya e Dasha Bulavins, l'ingegnere Telegin, il nobile Roshchin, l'avvocato Smokovnikov e molti altri. Tutte queste persone fittizie sono trascinate nel vortice di eventi storici reali. A. Tolstoy crea un'immagine impressionante, per così dire, dell'isteria vivente.

La stessa essenza sociale può essere combinata con personaggi diversi. Nella "Giovane Guardia" di Fadeev tutte le Giovani Guardie sono simili nelle loro convinzioni ideologiche. Sono stati allevati dal Partito Comunista e dalla Lega dei Giovani Comunisti e sono infinitamente devoti alla Patria socialista. Ma questo generale appare nella loro rifrazione individuale. Ognuno di loro ha il suo aspetto unico, rappresenta una specifica personalità umana, si manifesta in modi diversi nella lotta contro il nemico. Pertanto, Oleg Koshevoy, Ulyana Gromova, Ivan Zemnukhov, Sergei Tyulenin sono tipiche immagini artistiche.

Il carattere rivela più pienamente il suo contenuto quando è posto nelle circostanze che gli corrispondono. Uno scrittore di talento di solito sottopone i suoi personaggi a varie prove, che permettono di rivelare la loro essenza sociale, le loro caratteristiche individuali.

Le circostanze sono l'ambiente, le condizioni sociali, le relazioni di vita specifiche in cui una persona deve agire. Nel raffigurarli, anche l'arte ricorre molto spesso all'affilatura. Scarta tutto ciò che è insignificante, evidenzia il più caratteristico. Lo scrittore sceglie dalla massa degli eventi una situazione tale che gli permetta di mostrare con la massima chiarezza tutti i pensieri e i sentimenti nascosti dei personaggi.

Tuttavia, le circostanze non possono essere costruite arbitrariamente, cioè non possono essere adattate artificialmente alla "crescita" dei personaggi previsti. La loro scelta si giustifica artisticamente quando corrisponde non solo all'intenzione dell'autore, ma anche alle leggi oggettive della vita reale.

Di conseguenza, la letteratura è un riflesso della realtà nelle immagini artistiche. L'immagine è l'essenza della sua specificità. Inoltre, la specificità della sua forma è determinata dalle caratteristiche del suo soggetto. Lo scrittore impara la natura e la società in relazione all'uomo. Lui stesso è direttamente coinvolto nel processo di cognizione e rivela non l'essenza naturale, ma estetica, umana delle cose e dei fenomeni, dà loro la sua valutazione. Pertanto, la creatività artistica è sempre soggettivamente colorata, illuminata da un ideale estetico, rappresenta una lotta per l'affermazione della bellezza sulla terra.

La creazione di una base ideologica e tematica, la traduzione di questa base in immagini e forme, è possibile solo con il ruolo decisivo in questo processo di ciò che nella critica letteraria viene chiamato i concetti di "tipizzazione" e "individualizzazione". Pertanto, queste categorie agiscono legittimamente come le più importanti leggi del pensiero per immagini. La tipizzazione e l'individualizzazione si riferiscono al processo di sintesi artistica, la crescita delle impalcature nel campo della conoscenza della letteratura con l'aiuto del pensiero astratto. Il risultato della tipizzazione e dell'individualizzazione sono le immagini, i tipi.

Essenza di tipizzazione e individualizzazione. Un giudizio consolidato sulla natura della generalizzazione artistica è considerato una definizione significativa di queste categorie: la più caratteristica è presa in prestito dal fondo di realtà simili. Il fatto della tipizzazione conferisce all'opera una perfezione estetica, poiché un fenomeno è in grado di visualizzare in modo affidabile un'intera serie di immagini ripetitive della vita.

Legami specifici tra l'individuo e il tipico contraddistinguono la natura di ogni metodo artistico. Uno dei piani più importanti in cui le differenze si dispiegano costantemente è associato al romanticismo e al realismo. I principi della generalizzazione artistica diventano le chiavi con cui si può entrare nel mondo dell'arte. Quando si determina la natura del tipico e dell'individuo, va ricordato che i modi ei mezzi della generalizzazione artistica derivano dalla natura dei pensieri sviluppati dallo scrittore, dalla predestinazione ideologica che ha questo particolare quadro.

Prendi, ad esempio, le scene di battaglia di Guerra e pace. Ogni battaglia ha una sua logica interna, una selezione speciale di quei fenomeni e processi che compongono e sono determinati dal corso dello sviluppo della battaglia. E la scelta dello scrittore ricade sulla rappresentazione epica della battaglia degli eserciti attraverso il prisma dei minimi dettagli. È possibile correlare le battaglie di Borodino e Shengraben e tra di loro si può vedere un principio nettamente distintivo. Si osservano differenze in ciò su cui viene attirata l'attenzione dell'artista e in ciò che ha fissato. Sulle pagine del romanzo c'è una battaglia domestica, qui è raffigurata la via della messa ordinaria sotto Shengraben. I soldati guardano la cucina con occhi avidi. Sono interessati allo stomaco. Quando viene ritratto Borodino, non ci sono battaglie lì, non c'è nemmeno l'esercito, lì le persone sono attive: "Vogliono attaccare con tutto il popolo". Tutti i soldati hanno rifiutato la vodka prescritta prima della battaglia, questa è una generalizzazione dell'evento. Così il dettaglio e la generalizzazione svolgono il loro ruolo essenziale nella tipizzazione e nell'individualizzazione. I portatori della generalizzazione sono i personaggi, le immagini ei dettagli che li legano. È necessario analizzare non solo le immagini, gli episodi, ma anche la totalità dei più piccoli dettagli. Quando si tratta di un eroe, dovresti pensare all'altro e al ruolo che gioca nel destino del primo. Il tipico e l'individuo ricreano il mondo secondo le leggi della bellezza.

L'immagine contiene un'immagine, un'immagine, l'unità di generalizzazione (tipizzazione) e concretizzazione (individualizzazione). Quindi, l'immagine di qualsiasi personaggio rappresenta necessariamente una certa collettività e unicità della personalità in tutta la sua specificità, in tutte le sue caratteristiche intrinseche. Quando si considerano le immagini di Gobsek, Papa Grande, Plyushkin, Bubble, Swallowing, Corey Ishkamba, portano tutte sotto un'unica generalizzazione: il tipo tragico di un avaro, come indicano anche i loro nomi "parlanti" (Gobsek - bocca viva; Bubble - incommensurabile avarizia; Swallow - deglutisce avidamente e frettolosamente; Ishkamba - stomaco). Ognuna di queste immagini incarna le proprie caratteristiche distintive uniche: tratti dell'aspetto, abitudini personali, ceppo caratteriale. Come non ce ne sono due certi le stesse persone, quindi non ci sono due immagini completamente simili, fino alla completa uniformità. Ad esempio, in molti romanzi francesi del XIX secolo, le immagini della cosiddetta funzione di "magazzino napoleonico", sono molto simili, contengono la stessa generalizzazione. Davanti al ricercatore appare il tipo di Napoleone in tempo di pace, quando viene sostituito da un milionario, Rothschild. Eppure, questi personaggi sono diversi, si distinguono per la loro insolita. L'individualizzazione della creatività artistica è il più vicino possibile alla realtà stessa, alla vita. Nella scienza, la realtà si riflette solo in pure generalizzazioni, astrazioni, astrazioni.

Quindi, la definizione generale di un'immagine si riduce a quanto segue: un'immagine che ha le proprietà di generalizzazione o tipizzazione e, d'altra parte, la specificità (concretizzazione) di un singolo fatto individuale. Senza l'unità di concretizzazione (individualizzazione) e generalizzazione (tipizzazione), l'immagine stessa non diventa l'essenza della creazione artistica, un fenomeno d'arte. La tipizzazione unilaterale si chiama schematismo, nell'arte è assolutamente impossibile, distruttiva per essa; e altrettanto inammissibile, perniciosa concretizzazione limitata. Quando gli studiosi di letteratura si trovano di fronte a una lieve individualizzazione oa una conclusione generale molto debole, incommensurabile con il lato reale dell'immagine, la chiamano factografia. Qui i particolari sono estremamente dichiarativi. Eventi reali strappati alla realtà stessa porteranno l'autore a un fallimento artistico. Ricordiamo l'ammonimento del classico: guardo il recinto - scrivo il recinto, vedo un corvo sul recinto - scrivo un corvo sul recinto.

I critici letterari in questi casi parlano non solo dello schematismo della ricostruzione delle immagini, ma notano anche il difetto, il lato vulnerabile della factografia. In altre parole, questo è un difetto estremo, che deforma l'immagine e l'abilità artistica. In una rappresentazione veramente artistica, non dovrebbe esserci unilateralità di generalizzazione e concretizzazione. I momenti caratterizzanti devono essere in equilibrio con aspetti specifici e concreti, solo allora appare un'immagine, un'immagine artistica a tutti gli effetti.

Domanda 30. Lo stile come categoria della forma. Il rapporto tra i concetti di "metodo" e "stile". Con un'analisi olistica della forma nella sua condizionalità sostanziale, viene in primo piano la categoria che riflette questa integrità, lo stile. Lo stile nella critica letteraria è inteso come l'unità estetica di tutti gli elementi della forma artistica, che ha una certa originalità ed esprime un certo contenuto. In questo senso lo stile è una categoria estetica e quindi valutativa. Quando diciamo che un'opera ha uno stile, intendiamo che in essa la forma artistica ha raggiunto una certa perfezione estetica, ha acquisito la capacità di influenzare esteticamente la coscienza percipiente. In questo senso, lo stile si contrappone, da un lato, alla mancanza di stile (assenza di qualsiasi significato estetico, inespressività estetica della forma artistica), e dall'altro alla stilizzazione dell'epigono (valore estetico negativo, semplice ripetizione di effetti artistici già riscontrati).

L'impatto estetico di un'opera d'arte sul lettore è dovuto proprio alla presenza dello stile. Come ogni fenomeno esteticamente significativo, lo stile può causare controversie estetiche; In poche parole, lo stile può piacere o non piacere. Questo processo avviene a livello della percezione del lettore primario. Naturalmente, la valutazione estetica è determinata sia dalle proprietà oggettive dello stile stesso sia dalle caratteristiche della coscienza percettiva, che a loro volta sono determinate da una varietà di fattori: proprietà psicologiche e persino biologiche dell'individuo, educazione, precedente esperienza estetica, ecc. Di conseguenza, varie proprietà dello stile suscitano nel lettore un'emozione estetica positiva o negativa: a qualcuno piace uno stile armonioso e non piace la disarmonia, qualcuno preferisce la luminosità e il colore, e qualcuno preferisce la calma moderazione, qualcuno ama la semplicità e la trasparenza nello stile, qualcuno, al contrario, complessità e persino complessità. Questo tipo di valutazioni estetiche a livello di percezione primaria sono naturali e legittime, ma non sono sufficienti per comprendere lo stile. Va tenuto presente che qualsiasi stile, che ci piaccia o no, ha un valore estetico oggettivo. La comprensione scientifica dello stile è destinata, prima di tutto, a rivelare e rivelare questo significato; mostra la bellezza unica di una varietà di stili. Una coscienza estetica sviluppata differisce da una non sviluppata principalmente in quanto è in grado di apprezzare la bellezza e il fascino del maggior numero possibile di fenomeni estetici (il che, ovviamente, non esclude la presenza di preferenze di stile individuali). Il lavoro sullo stile nell'insegnamento della letteratura dovrebbe svilupparsi in questa direzione: il suo compito è ampliare la gamma estetica degli studenti, insegnare loro a percepire esteticamente sia l'armonia dello stile di Pushkin che la disarmonia dello stile di Blok, la luminosità romantica dello stile di Lermontov e la sobria semplicità dello stile di Tvardovsky, ecc.

Lo stile è una categoria di coppia, dialetticamente connessa con la categoria "metodo creativo", perché l'insieme dei principi ideologici ed estetici che lo stile esprime è alla base del metodo creativo. Se l'attività segnico-costruttiva dell'artista si esplica attraverso lo stile, allora il rapporto valore-cognitivo dell'arte con la realtà si incarna nel metodo. Entrambe le parti sono indissolubilmente legate. I principi ideologici ed estetici in un'opera possono essere realizzati solo attraverso un certo sistema figurativo, un sistema di mezzi figurativi ed espressivi, cioè lo stile, mentre lo stile, come l'intero sistema espressivo, non è fine a se stesso, ma un mezzo con cui l'artista esprime il suo atteggiamento nei confronti della realtà percepita ... Tradotto dal greco, "metodo" (Metodo) significa letteralmente "il percorso verso qualcosa" - un modo per raggiungere un obiettivo, in un certo modo attività ordinata. Nelle scienze filosofiche speciali, il metodo è interpretato come un mezzo di cognizione, un modo di riprodurre nel pensiero l'oggetto studiato. Tutti i metodi di cognizione si basano su questa o quella realtà. Nell'arte, abbiamo a che fare con un metodo creativo. Nella nostra letteratura estetica, a volte si ritiene che il concetto di "metodo" non abbia una lunga storia, ma la categoria sia nata anche nelle prime fasi dello sviluppo del pensiero estetico. Se gli antichi filosofi non usavano ancora il termine "metodo", tuttavia cercavano attivamente soluzioni ai problemi metodologici. Aristotele, ad esempio, propone l'idea di diverse modalità di imitazione a seconda di diversi oggetti; ciascuna delle imitazioni avrà differenze corrispondenti all'oggetto dell'imitazione: "Poiché il poeta è un imitatore, come un pittore o un altro artista, deve certamente imitare uno dei tre: o deve rappresentare le cose come erano o sono, o come se ne parla e si pensa, o come dovrebbero essere ". Certo, queste argomentazioni non sono ancora una dottrina del metodo, ma in esse si trova la logica del metodo, inteso come meccanismo effettivo di creatività. Il concetto hegeliano del metodo artistico richiede uno studio speciale. A differenza di Kant, che non accettava affatto il metodo artistico, opponendo l'arte alla scienza, Hegel parlava di due modi di rappresentazione artistica: soggettivo e oggettivo.

Digitando

il processo di generalizzazione artistica dei fenomeni della vita (personaggi umani, circostanze, azioni, eventi), in cui vengono rivelate le caratteristiche più significative e socialmente significative della realtà, i modelli di sviluppo dell'individuo e della società.

"Il "pensiero" creativo dei personaggi sta nel fatto che lo scrittore non solo individua i lati che sono essenziali per lui, ma li rafforza e li sviluppa anche nelle azioni, nelle dichiarazioni dei personaggi appena creati per questo ... Questo è il processo di tipizzazione creativa dei personaggi sociali nelle opere d'arte" (G.N. Pospelov).

Dizionario terminologico-thesaurus sulla critica letteraria. Dall'allegoria al giambico. - M.: Flinta, Nauka. N.Y. Rusova. 2004

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Libri

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Essenza di tipizzazione e individualizzazione . Un giudizio consolidato sulla natura della generalizzazione artistica è considerato una definizione significativa di queste categorie: la più caratteristica è presa in prestito dal fondo di realtà simili. Il fatto della tipizzazione conferisce all'opera una perfezione estetica, poiché un fenomeno è in grado di visualizzare in modo affidabile un'intera serie di immagini ripetitive della vita.

Legami specifici tra l'individuo e il tipico contraddistinguono la natura di ogni metodo artistico. Uno dei piani più importanti in cui le differenze si dispiegano costantemente è associato al romanticismo e al realismo. I principi della generalizzazione artistica diventano le chiavi con cui si può entrare nel mondo dell'arte. Quando si determina la natura del tipico e dell'individuo, va ricordato che i modi ei mezzi della generalizzazione artistica derivano dalla natura dei pensieri sviluppati dallo scrittore, dalla predestinazione ideologica che ha questo particolare quadro.

Prendi, ad esempio, le scene di battaglia di Guerra e pace. Ogni battaglia ha una sua logica interna, una selezione speciale di quei fenomeni e processi che compongono e sono determinati dal corso dello sviluppo della battaglia. E la scelta dello scrittore ricade sulla rappresentazione epica della battaglia degli eserciti attraverso il prisma dei minimi dettagli. È possibile correlare le battaglie di Borodino e Shengraben e tra di loro si può vedere un principio nettamente distintivo. Si osservano differenze in ciò su cui viene attirata l'attenzione dell'artista e in ciò che ha fissato. Le pagine del romanzo contengono bagnatura domestica, ecco il modo della messa ordinaria a Shengraben. I soldati guardano la cucina con occhi avidi. Sono interessati allo stomaco. Quando viene ritratto Borodino, non ci sono battaglie lì, non c'è nemmeno l'esercito, lì le persone sono attive: "Vogliono attaccare con tutto il popolo". Tutti i soldati hanno rifiutato la vodka prescritta prima della battaglia, questa è una generalizzazione dell'evento. Così il dettaglio e la generalizzazione svolgono il loro ruolo essenziale nella tipizzazione e nell'individualizzazione. I portatori della generalizzazione sono i personaggi, le immagini ei dettagli che li legano. È necessario analizzare non solo le immagini, gli episodi, ma anche la totalità dei più piccoli dettagli. Quando si tratta di un eroe, dovresti pensare all'altro e al ruolo che gioca nel destino del primo. Il tipico e l'individuo ricreano il mondo secondo le leggi della bellezza.

L'immagine contiene un'immagine, un'immagine, un'unità di generalizzazione ( digitando) e specifica ( individualizzazione). Quindi, l'immagine di qualsiasi personaggio rappresenta necessariamente una certa collettività e unicità della personalità in tutta la sua specificità, in tutte le sue caratteristiche intrinseche. Quando si considerano le immagini di Gobsek, Papa Grande, Plyushkin, Bubble, Swallowing, Corey Ishkamba, portano tutte sotto un'unica generalizzazione: il tipo tragico di un avaro, come indicano anche i loro nomi "parlanti" (Gobsek - bocca viva; Bubble - incommensurabile avarizia; Swallow - deglutisce avidamente e frettolosamente; Ishkamba - stomaco). Ognuna di queste immagini incarna le proprie caratteristiche distintive uniche: tratti dell'aspetto, abitudini personali, ceppo caratteriale. Proprio come non ci sono due persone indubbiamente identiche, così non ci sono due immagini completamente simili, fino alla completa somiglianza. Ad esempio, in molti romanzi francesi XIX secoli, le immagini della cosiddetta funzione "magazzino napoleonico", sono molto simili, contengono la stessa generalizzazione. Davanti al ricercatore appare il tipo di Napoleone in tempo di pace, quando viene sostituito da un milionario, Rothschild. Eppure, questi personaggi sono diversi, si distinguono per la loro insolita. L'individualizzazione della creatività artistica è il più vicino possibile alla realtà stessa, alla vita. Nella scienza, la realtà si riflette solo in pure generalizzazioni, astrazioni, astrazioni.

Quindi, la definizione generale di un'immagine si riduce a quanto segue: un'immagine che ha le proprietà di generalizzazione o tipizzazione e, d'altra parte, specificità(concretizzazione) di un fatto singolo, individuale.Senza l'unità di concretizzazione (individualizzazione) e generalizzazione (tipizzazione), l'immagine stessa non diventa l'essenza della creazione artistica, un fenomeno d'arte. Viene chiamata la digitazione unidirezionale schematismo, nell'arte è assolutamente impossibile, distruttivo per lui; e altrettanto inammissibile, perniciosa concretizzazione limitata. Quando gli studiosi di letteratura si trovano di fronte a una lieve individualizzazione o a una conclusione generale molto debole, incommensurabile con il lato reale dell'immagine, la chiamano fattografia. Qui i particolari sono estremamente dichiarativi. Eventi reali strappati alla realtà stessa porteranno l'autore a un fallimento artistico. Ricordiamo l'ammonimento del classico: guardo il recinto - scrivo il recinto, vedo un corvo sul recinto - scrivo un corvo sul recinto.

I critici letterari in questi casi parlano non solo dello schematismo della ricostruzione delle immagini, ma notano anche il difetto, il lato vulnerabile della factografia. In altre parole, questo è un difetto estremo, che deforma l'immagine e l'abilità artistica. In una rappresentazione veramente artistica, non dovrebbe esserci unilateralità di generalizzazione e concretizzazione. I momenti caratterizzanti devono essere in equilibrio con aspetti specifici e concreti, solo allora appare un'immagine, un'immagine artistica a tutti gli effetti.

Va ancora notato che nelle scienze esatte e nel giornalismo lo schematismo, l'astrazione e la nuda generalizzazione del pensiero sono appropriati e persino necessari, ma sono controindicati nella creatività artistica. Qualsiasi arte, compresa la letteratura, riflette la realtà nella forma della massima approssimazione ad essa, la letteratura riproduce la realtà nelle forme della vita stessa. Nel linguaggio della teoria letteraria, la forma di vita si chiama individualizzazione e tipizzazione, portata alla perfezione estetica. Nelle scienze esatte (matematica, fisica, chimica...) e nel giornalismo non esiste la vita stessa. Ha luogo solo nella creazione artistica.

È successo così che nella scienza della letteratura il concetto di tipizzazione è usato in relazione all'arte realistica. Ci sono discussioni intorno a questo principio. Contemporaneamente alla parola "tipizzazione", alcuni critici hanno proposto altri termini, ritenendo che se il realismo è associato al concetto di "tipizzazione", allora nel romanticismo sarà "idealizzazione". È chiaro che il termine idealizzazione" non ha successo, ha a che fare con qualche operazione di distorsione, abbellimento, sfogliatura e verniciatura. Tuttavia, nella direzione principale nello studio di queste categorie, è stato fatto un passo, è stata pronunciata una parola, e questo va accolto con favore, perché lo stesso concetto non può denotare una generalizzazione artistica inerente a diversi metodi artistici, tendenze, tendenze. Se nel realismo c'è una "tipizzazione", allora nel romanticismo ci sarà qualcos'altro, e non si sa come si chiamerà. In ogni caso, le generalizzazioni artistiche nell'arte del Medioevo, del Rinascimento e dell'Illuminismo richiedono il loro chiarimento. Gran parte del lavoro è stato fatto per rivelare la natura della generalizzazione realistica, mentre in altre aree c'è molto, molto a desiderare.

La finzione come modalità di tipizzazione e individualizzazione in letteratura . La creatività artistica senza finzione è impossibile, non può esistere. La capacità di fantasticare distingue anche gli scienziati, la scienza "esatta" senza immaginazione creativa è impensabile.

Un segno sicuro di talento artistico è la capacità di congetturare, inventare e immaginare. Questo processo deriva dalla natura del pensiero per immagini. E la digitazione diventa la sua legge più importante. L'arte non copia, ma ricrea la vita, la mostra in modo che appaia più chiara e più bella. Ci sono rapporti opposti tra l'immagine e la materia reale. Da un lato si corrispondono, dall'altro differiscono l'uno dall'altro, perché ogni immagine non è una copia, non la realtà, ma un fatto eretto nella perla della creazione, più simile a se stessa che alla vita.

La finzione è basata su legge dell'alterità, UN legge di verità, che si fa sentire attraverso l'alterità. Quindi, il sindaco di Shchedrin ha un organo invece di una testa, ma questa grottesca generalizzazione è vera. L'essenza della tipizzazione è che un'immagine tipica contiene una lega unica e integrale, attraverso la quale traspare l'essenza. Queste relazioni, che non ripetono la realtà, si affermano solo sulla base dell'immaginazione creativa.

Qual è la funzione della finzione? L'arte non ripete la realtà, ma riflette il più essenziale in essa, non racconta ciò che era o è, ma come accade nel mondo. "Succede" e crea estranei familiari. Il modello della fantasia artistica esprime connessioni contraddittorie: da un lato simili, dall'altro distintive. Lo scrittore non copia o ripete la vita, ma esplora suo. A volte calpesta la verità di un fatto in nome della verità della vita, deve rompere con la piccola verità in nome della grande verità. La base della finzione è sempre qualcosa che è connesso con la capacità umana di estrarre il significato essenziale dal dato reale.

La finzione è quel modo speciale in cui viene creata un'astrazione non logica e non artistica, che di solito viene chiamata "immagine dei tipi". Questa è una caratteristica intrinseca partenza» nel regno dell'arte dalla realtà. La capacità di inventare è una dote specifica, rivela le naturali inclinazioni dello scrittore all'astrazione, a anticipare la realtà. La finzione è caratterizzata proprio da quello che si potrebbe chiamare il dono della trasformazione, della reincarnazione, dell'essere nella dimensione della vita di qualcun altro, comprenderla, valutarla e ricrearla in forme inerenti alla realtà stessa. Quindi, gli scrittori manifestano abbastanza spesso allucinazioni artistiche e creative. Molti autori dicono di sentire le voci dei loro eroi, di sentire persino la loro volontà, che sembra guidarli con una penna. Ricordiamo Vronsky, che, contrariamente al suo piano originale, si spara; Tatyana "ha depresso la cosa" - è saltata fuori per sposarsi; Balzac è svenuto e, interrogato sul motivo, ha risposto: padre Goriot era appena morto; Flaubert sentiva in bocca il sapore dell'arsenico. Ciò non significa affatto che tutti gli scrittori debbano provare allucinazioni, ma si dovrebbe sempre scrivere in modo tale che "un pezzo di carne rimanga sulla punta della penna". In caso contrario, sarà freddo e poco convincente.

Questa qualità dovrebbe distinguere non solo i classici, ma anche gli artisti meno dotati. Ogni scrittore rivela una finzione del proprio carattere e della propria misura speciale. Alcuni autori creano immaginando secondo la tela reale, altri si alzano troppo lontano dalla terra nella loro immaginazione. E il punto qui non è solo nella personalità creativa e nel talento dell'artista. Sia la memoria del genere che il modo di sviluppo creativo autore. Tuttavia, anche in quei casi in cui l '“allontanamento” dalla realtà è molto alto, per un vero artista non si trasforma mai in un completo allontanamento dalla legge della finzione artistica. Non resta che ciò che costituisce l'essenza della conoscenza e della penetrazione nella vita, nel suo interno.