Arte naif contemporanea. Arte ingenua

Anna Silivonchik è nata nel 1980 nella città di Gomel. Dal 1992 al 1999 ha studiato al Republican Lyceum of Arts (Minsk, Bielorussia). 1999-2007 - formazione presso l'Accademia statale delle arti bielorussa, dipartimento di pittura da cavalletto a Minsk. Dal 1999 - partecipazione a mostre regionali e repubblicane. Diploma della 4a Biennale Internazionale d'Arte Contemporanea di Tashkent (2007).

Attualmente vive e lavora a Minsk.

Tra i giovani pittori bielorussi, è giustamente considerata una persona brillante per il suo stile d'autore insolitamente originale e per la creazione di un mondo speciale di immagini. La fonte delle linee guida estetiche di Anna dovrebbe essere ricercata nel fantastico realismo di M. Chagall, nell'arte ingenua dei primitivisti dell'inizio del XX secolo e, naturalmente, nelle arti e nei mestieri popolari e nel folklore.

Anna lavora con la tecnica tradizionale della pittura a olio, ma sperimenta costantemente vari media visivi, utilizzando la trama e il motivo della tela, che seleziona appositamente per ogni opera. Un senso del colore molto sottile e una linea premurosa, un lavoro meticoloso sui dettagli aiutano ad esprimere in modo molto accurato un certo stato d'animo

Dobbiamo rendere omaggio: le opere dell'artista sono permeate da una buona dose di sottile umorismo e donano agli spettatori una forte carica emotiva, colpendo con la loro natura metaforica, dando origine a molte associazioni inaspettate.

Le sue opere si trovano nel Museo d'Arte Contemporanea di Minsk, in Bielorussia, e in collezioni private in Russia e all'estero.

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“È nato in me il desiderio di dipingere Dipinti ad olio. Non li avevo mai dipinti prima: poi ho deciso di sperimentarli e ho disegnato un mio ritratto su tela", scrisse nel suo diario il nobile di Tula Andrei Bolotov nell'autunno del 1763. Sono passati più di due secoli e mezzo e la “caccia alla pittura” continua a sopraffare i nostri contemporanei. Le persone che non hanno mai preso in mano matita e pennello vengono improvvisamente sopraffatte da un'irresistibile passione per l'arte.

L'emergere di una nuova direzione

Arte ingenua I secoli XX - inizio XXI sono notevolmente diversi dalla primitività dei secoli precedenti. Le ragioni di ciò, stranamente, risiedono nello sviluppo dell'arte “scientifica”. IN fine XIX secoli, i principali maestri europei erano profondamente consapevoli della “stanchezza” della loro cultura contemporanea. Cercavano di guadagnare vitalità da un mondo selvaggio e primitivo che esisteva nel passato o che ancora sopravvive negli angoli più remoti del pianeta. Paul Gauguin è stato uno dei primi a seguire questa strada. Rifiutando i benefici della decrepita civiltà europea, l'artista ha cercato di equiparare la vita “primitiva” alla creatività “primitiva”, voleva sentirsi una persona con il sangue di un selvaggio che scorreva nelle sue vene. "Qui, vicino alla mia capanna, in completo silenzio, sogno lussureggianti armonie tra gli odori inebrianti della natura", scrisse Gauguin a proposito del suo soggiorno a Tahiti.

Molti maestri dell'inizio del secolo scorso furono affascinati dal primitivo: Henri Matisse collezionò sculture africane, Pablo Picasso acquistò e appese in un posto di rilievo nel suo studio un ritratto di Henri Rousseau, Mikhail Larionov alla mostra "Target" mostrò i cartelli dell'artigianato pubblico, le opere di Niko Pirosmanashvili e i disegni dei bambini.

Dagli anni '10 del XX secolo, gli artisti primitivi hanno avuto l'opportunità di esporre le loro opere accanto a quelle di artisti professionisti. Di conseguenza, nel primitivo si verificò un cambiamento drammatico: divenne consapevole del proprio valore artistico, cessò di essere un fenomeno della cultura periferica. La semplicità del primitivo sta diventando sempre più immaginaria. Poco prima della sua morte, Rousseau ha ammesso: "Ho conservato la mia ingenuità... Ora non potevo più cambiare il mio stile di scrittura, acquisito con il duro lavoro".

In questo momento, l'arte ingenua emerge come un fenomeno artistico speciale, diverso dall'arte primitiva. Spesso il lavoro degli artisti ingenui viene definito arte non professionale, evidenziando la mancanza di una formazione artistica accademica. Ma questo evidentemente non basta per comprenderne la differenza rispetto al dilettantismo e all’artigianato. “Ingenuo” sposta l’enfasi dal risultato alle cause interne. Questo non è solo "non imparato", ma anche "ingenuo", "non sofisticato" - un senso della realtà diretto, indifferenziato e irriflessivo.

Caratteristiche distintive

L'autodidatta, alla ricerca dell'espressione di sé, si rivolge inconsciamente alle forme creatività dei bambini- delineare, appiattire lo spazio, la decoratività come elementi primari del nuovo mondo che crea. Un adulto non può disegnare come un bambino, ma può percepire direttamente ciò che lo circonda come un bambino. La caratteristica distintiva dell’arte ingenua non risiede nelle creazioni dell’artista, ma nella sua coscienza. Il dipinto e il mondo in esso raffigurato sono sentiti dall'autore come una realtà in cui lui stesso esiste. Ma le sue visioni non sono meno reali per l'artista: “Ciò che voglio scrivere è sempre con me. Vedo immediatamente tutto questo sulla tela. Gli oggetti chiedono subito di essere messi su tela, già pronti sia nel colore che nella forma. Quando lavoro, finisco tutti gli oggetti finché sotto il pennello sento che sono vivi e in movimento: animali, figure, acqua, piante, frutti e tutta la natura” (E. A. Volkova).

I prototipi degli oggetti raffigurati esistono nell’immaginazione dell’autore sotto forma di fantasmi materializzati ma inanimati. E solo nel processo di completamento dell'immagine si animano. Questa vita creata su tela è la nascita di un nuovo mito.

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Un artista ingenuo raffigura non tanto ciò che vede, ma ciò che sa. Il desiderio di trasmettere le sue idee su cose, persone, mondo, per riflettere i momenti più importanti nel flusso della vita porta involontariamente il maestro alla schematizzazione e alla chiarezza - uno stato in cui più le cose diventano semplici, più sono significative.

Un lago con le anatre, il lavoro nei campi e negli orti, il lavaggio dei panni, una manifestazione politica, un banchetto di nozze. A prima vista, il mondo è ordinario, ordinario, anche un po’ noioso. Ma vediamo più da vicino queste semplici scene. Raccontano una storia non tanto sulla vita quotidiana quanto sull'essere: sulla vita e la morte, il bene e il male, l'amore e l'odio, il lavoro e la celebrazione. La rappresentazione di un episodio specifico è qui percepita non come la fissazione di un momento, ma come una storia edificante per tutti i tempi. L'artista scrive goffamente i dettagli, non riesce a separare il principale dal secondario, ma dietro questa inettitudine nasce un sistema di visione del mondo che spazza completamente via l'accidentale, il momentaneo. L'inesperienza si trasforma in intuizione: volendo raccontare il privato, l'artista ingenuo parla dell'immutabile, eternamente esistente, incrollabile.

L'arte naif coniuga paradossalmente l'inaspettatezza delle soluzioni artistiche e l'attrazione per una gamma limitata di temi e soggetti, citando tecniche una volta ritrovate. Quest'arte si basa sulla ripetizione di elementi corrispondenti a idee umane universali, formule tipiche, archetipi: spazio, inizio e fine, patria (paradiso perduto), abbondanza, vacanza, eroe, amore, grande bestia.

Base mitologica

Nel pensiero mitologico, l'essenza e l'origine di un fenomeno sono identiche tra loro. Nel suo viaggio nelle profondità del mito, l'artista ingenuo giunge all'archetipo dell'inizio. Si sente vicino alla prima persona che ha riscoperto il mondo. Cose, animali e persone appaiono sulle sue tele in una forma nuova, irriconoscibile. Come Adamo, che dà nomi a tutto ciò che esiste, l'artista ingenuo dà un nuovo significato all'ordinario. Il tema della beatitudine celeste gli è vicino e comprensibile. L'idillio è inteso dall'artista come lo stato originale donato a una persona dalla nascita. L'arte ingenua sembra riportarci all'infanzia dell'umanità, alla beata ignoranza.

Ma il tema dell’Autunno non è meno diffuso. La popolarità della trama della "espulsione dal paradiso" indica l'esistenza di un certo legame familiare tra il mito delle prime persone e il destino dell'artista ingenuo, la sua visione del mondo e la sua storia spirituale. Gli emarginati, i prolemi del paradiso - Adamo ed Eva - avvertono acutamente la perdita della beatitudine e la loro discordia con la realtà. Sono vicini all'artista ingenuo. Dopotutto, conosce la serenità dell'infanzia, l'euforia della creazione e l'amarezza dell'esilio. L’arte ingenua rivela acutamente la contraddizione tra il desiderio dell’artista di comprendere e spiegare il mondo e il desiderio di portarvi armonia, di resuscitare l’integrità perduta.

La sensazione di “paradiso perduto”, spesso molto forte nell’arte naif, esacerba il senso di insicurezza personale dell’artista. Di conseguenza, sulle tele appare spesso la figura di un eroe protettivo. Nel mito tradizionale, l'immagine dell'eroe personifica la vittoria del principio armonioso sul caos.

Nelle opere di artisti ingenui, l'aspetto del vincitore, ben noto da stampe popolari, - Ilya Muromets e Anika la guerriera, Suvorov e il conquistatore del Caucaso, il generale Ermolov - acquisisce le caratteristiche dell'eroe della guerra civile Chapaev e del maresciallo Zhukov. Sono tutti un'interpretazione dell'immagine del serpente combattente, conservata nelle profondità della memoria genetica, e risalgono all'iconografia di San Giorgio che uccide il drago.

L'opposto del guerriero-difensore è l'eroe-demiurgo culturale. Inoltre, in questo caso, l'accento viene trasferito dall'azione esterna alla tensione interna della volontà e dello spirito. Il ruolo del demiurgo può essere interpretato da un personaggio mitologico, ad esempio Bacco, che insegnò alla gente a vinificare, o da una famosa figura storica - Ivan il Terribile, Pietro I o Lenin, che personifica l'idea di un autocrate, il fondatore di un stato o, riferendosi alle sfumature mitologiche, un progenitore.

Ma l'immagine del poeta è particolarmente apprezzata nell'arte ingenua. Molto spesso viene utilizzata la stessa tecnica compositiva: una figura seduta è raffigurata con un pezzo di carta e una penna o un libro di poesie tra le mani. Questo schema universale funge da formula per l'ispirazione poetica, e una redingote, un pesce leone, una mantik ussaro o una camicetta fungono da dettagli “storici” che confermano la profonda autenticità di ciò che sta accadendo. Il poeta è circondato dai personaggi delle sue poesie, dallo spazio del mondo da lui creato. Questa immagine è particolarmente vicina all'artista ingenuo, perché si vede sempre nell'universo dell'immagine accanto ai suoi eroi, sperimentando ancora e ancora l'ispirazione del creatore.

L'ideologia sovietica ha avuto una grande influenza sul lavoro di molti artisti ingenui. Costruito su modelli mitologici, ha formato immagini dell '"inizio di una nuova era" e dei "leader dei popoli", e ha sostituito le feste popolari viventi con rituali sovietici: manifestazioni ufficiali, incontri cerimoniali e cerimonie, premi per i leader della produzione e Piace.

Ma sotto il pennello di un artista ingenuo, le scene raffigurate si trasformano in qualcosa di più che semplici illustrazioni dello “stile di vita sovietico”. Da molti dipinti si costruisce un ritratto di una persona “collettiva”, in cui il personale è offuscato e messo in secondo piano. La scala delle figure e la rigidità delle pose sottolineano la distanza tra i leader e la folla. Di conseguenza, attraverso il contorno esterno emerge chiaramente il sentimento di non-libertà e di artificialità di ciò che sta accadendo. Entrando in contatto con la sincerità dell'arte ingenua, i fantasmi ideologici, contro la volontà degli autori, si trasformano in personaggi del teatro dell'assurdo.

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L'essenza dell'ingenuità

Nell'arte naif c'è sempre una fase di copia del modello. La copia può essere una fase nel processo di sviluppo dello stile individuale di un artista o di una tecnica consapevole e indipendente. Ad esempio, ciò accade spesso quando si crea un ritratto da una fotografia. Un artista ingenuo non ha timidezza di fronte ad uno standard “alto”. Guardando l'opera, viene catturato dall'esperienza e questa sensazione trasforma la copia.

Per niente imbarazzato dalla complessità del compito, Alexey Pichugin esegue "L'ultimo giorno di Pompei" e "La mattina dell'esecuzione di Streltsy" in rilievo di legno dipinto. Seguendo abbastanza accuratamente gli schemi generali della composizione, Pichugin fantastica in dettaglio. IN " Ultimo giorno Pompei" l'elmo romano a punta posto sulla testa di un guerriero che trasporta un vecchio si trasforma in un cappello rotondo con falda. In "La mattina dell'esecuzione di Streltsy", il tabellone per i decreti vicino al luogo dell'esecuzione inizia ad assomigliare a un consiglio scolastico - con testo bianco su sfondo nero (a Surikov è il colore del legno non verniciato, ma non c'è alcun testo ). Ma soprattutto, il sapore generale del lavoro cambia radicalmente. Questa non è più una cupa mattina autunnale sulla Piazza Rossa o una notte del sud illuminata dai lampi di lava che scorre. I colori diventano così accesi ed eleganti da entrare in conflitto con la drammaticità delle trame e cambiare il significato interno delle opere. Le tragedie popolari tradotte da Alexey Pichugin ricordano più le feste fieristiche.

Il “complesso di inferiorità creativa” del maestro, che era uno degli aspetti attraenti del “vecchio” primitivo, oggigiorno ha vita breve. Gli artisti scoprono rapidamente che le loro creazioni poco abili hanno il loro fascino. Gli inconsapevoli colpevoli di ciò sono critici d’arte, collezionisti, mass-media. In questo senso, paradossalmente, le mostre di arte naif giocano un ruolo distruttivo. Poche persone riescono, come Rousseau, a “preservare la propria ingenuità”. A volte le persone ingenue di ieri, consciamente o inconsciamente, intraprendono il cammino della coltivazione proprio metodo, iniziano a stilizzarli come se stessi, ma più spesso, attratti dagli elementi inesorabili del mercato dell'arte, cadono nell'ampio abbraccio a forma di cancello della cultura di massa.

Arte ingenua, ingenua - (inglese: arte ingenua)- uno dei settori dell'arte primitiva dei secoli XVIII-XX, compresa l'arte amatoriale (pittura, grafica, scultura, arte decorativa, architettura), nonché le belle arti degli artisti autodidatti. Le opere d'arte ingenua includono dipinti del notevole artista francese A. Rousseau, soprannominato il doganiere, perché era un doganiere di professione e magnifici ritratti provinciali del popolo russo dei secoli XVIII-XIX. artisti sconosciuti.

Un artista “ingenuo” differisce da uno “non ingenuo”, così come uno sciamano differisce da un professore: entrambi sono specialisti, ciascuno a modo suo.

L'unicità del ritratto primitivo quotidiano è dovuta non solo alle peculiarità del linguaggio artistico, ma anche alla natura stessa della natura. In termini generali, lo schema compositivo del ritratto mercantile è preso in prestito dall'arte professionale contemporanea. Allo stesso tempo, la severità dei volti, l’accresciuto senso della silhouette e la tecnica pittorica fanno ricordare la pittura di icone. Ma il legame con la stampa popolare è ancora più sentito. Ciò si manifesta principalmente nell'approccio stesso alla natura, che viene percepito dall'artista in modo ingenuo e olistico, decorativo e colorato. Il tipo etnico nazionale russo è chiaramente visibile sul viso e sui vestiti. La riproduzione coscienziosa del principale e del secondario ha portato alla creazione di un'immagine olistica, colpendo con la forza del carattere vitale.

L'arte ingenua combina la luminosità originale della fantasia fantasiosa, la freschezza e la sincerità della percezione del mondo con la mancanza di competenze professionali nel disegno, nella pittura, nella composizione, nella modellazione, ecc.

Le opere d'arte ingenua sono estremamente diverse nella forma e nello stile individuale, ma molte di esse sono caratterizzate dall'assenza prospettiva lineare(molti primitivisti si sforzano di trasmettere profondità con l'aiuto di diverse scale di figure, un'organizzazione speciale di forme e masse di colore), piattezza, ritmo e simmetria semplificati, uso attivo dei colori locali, generalizzazione delle forme, enfatizzando la funzionalità dell'oggetto dovuta a certe deformazioni, aumento del significato del contorno, semplicità delle tecniche tecniche.

L'arte ingenua, di regola, è ottimista nello spirito, afferma la vita, sfaccettata e diversificata e molto spesso ha un significato estetico piuttosto elevato. L’arte ingenua è, per così dire, un contrappeso all’arte “tecnica”. Nell'arte ingenua non c'è tecnica, non c'è scuola, è impossibile da imparare. È autosufficiente. Non gli importa come lo valutano i suoi maestri o a quale stile appartiene. Questa è una creatività così primordiale dell'anima, e lo studio ha maggiori probabilità di privarla della sua forza piuttosto che affinarla.

Uno dei lati dell'arte ingenua è l'ingenuità o la semplicità delle forme, delle immagini, delle tecniche; non c'è orgoglio, narcisismo o pretesa in lui. Ma dietro l'ingenuità della forma è ben visibile la profondità del significato (altrimenti, pur rimanendo ingenua, cessa di essere arte). È reale. È accessibile a chiunque: un bambino e un vecchio, un analfabeta e un dottore in scienze.

Gli artisti primitivisti del 20° secolo, che hanno familiarità con l'arte professionale classica e contemporanea, spesso escogitano soluzioni artistiche interessanti e originali quando cercano di imitare determinate tecniche dell'arte professionale in assenza di conoscenze e abilità tecniche adeguate.

Per molto tempo in Russia l’opinione prevalente è stata che l’arte ingenua fosse in qualche modo “secondaria”. Nelle lingue russe (così come in altre) il termine “primitivo” ha come uno dei suoi significati principali un significato valutativo (e precisamente negativo). Pertanto, è più appropriato soffermarsi sul concetto di arte ingenua. Nel senso più ampio questo significa arte, caratterizzato da semplicità (o semplificazione), chiarezza e spontaneità formale del linguaggio figurativo ed espressivo, con l'aiuto del quale si esprime una visione speciale del mondo, non gravata dalle convenzioni di civiltà. Allo stesso tempo, hanno dimenticato che i primi artisti d’avanguardia, postmodernisti e artisti concettuali, alla ricerca di nuove forme visive, si sono rivolti alla spontaneità e alla semplicità dell’ingenuo. Chagall mostrò interesse per il lavoro degli autodidatti, Malevich si rivolse alle stampe popolari russe e gli ingenui occuparono un posto speciale nel lavoro di Larionov e Goncharova. In gran parte grazie alle tecniche e alle immagini dell'arte ingenua, il successo ha accompagnato le esposizioni di opere di Kabakov, Bruskin, Komar e Melamid. Molti dei principali artisti del XX secolo hanno utilizzato alcune tecniche ed elementi del linguaggio primitivista nel loro lavoro. (espressionisti, P. Klee, M. Chagall, H. Miro, P. Picasso, ecc.). Nell'arte ingenua, molti rappresentanti della cultura si sforzano di vedere vie d'uscita dalla cultura artistica dai vicoli ciechi della civiltà.

L'arte naif secondo la visione del mondo e dei suoi metodi presentazione artistica per certi versi si avvicina all'arte dei bambini, da un lato, e alla creatività dei malati di mente, dall'altro. Tuttavia, nella sua essenza, l'arte ingenua differisce da entrambe. La cosa più vicina nella visione del mondo all'arte dei bambini è l'arte ingenua dei popoli arcaici e degli aborigeni dell'Oceania e dell'Africa. La sua differenza fondamentale rispetto all'arte per bambini risiede nella sua profonda sacralità, tradizionalismo e canonicità. L'ingenuità infantile e la spontaneità della visione del mondo sembravano congelate per sempre in quest'arte; le sue forme espressive e gli elementi del linguaggio artistico erano pieni di significato sacro-magico e simbolismo di culto, che ha un campo abbastanza stabile di significati irrazionali. Nell'arte dei bambini sono molto mobili e non portano un carico di culto. Al contrario, l'arte dei malati di mente, spesso vicina ad essa nella forma, è caratterizzata da una dolorosa ossessione per gli stessi motivi, uno stato d'animo pessimistico-depressivo e un basso livello di abilità artistica.

Probabilmente hai visto i dipinti di questi artisti. Sembra che siano stati disegnati da un bambino. In effetti, i loro autori sono adulti, semplicemente non professionisti. In pittura, l'arte naif ha origine intorno alla seconda metà del XIX secolo. All'inizio non veniva presa sul serio e non era affatto considerata arte. Ma nel tempo, l'atteggiamento nei confronti di questo stile è cambiato radicalmente.

Incontra "ingenuo"

Allora, quella che comunemente viene chiamata arte naif? Nella pittura, questo termine denota uno stile artistico speciale, la creatività di artisti popolari e autodidatti, preservando la freschezza e la spontaneità infantili nel vedere il mondo che li circonda. Questa definizione è data dall'Enciclopedia delle arti. Tuttavia, è presente anche nella scultura, nell’architettura e nella grafica.

L’arte naif (o “ingenua”, come viene spesso chiamata) non è una direzione così nuova. Già nel XVII secolo in Europa, gli artisti non professionisti creavano i loro capolavori “primitivi”. Tuttavia, nessuno ha preso seriamente in considerazione questi dipinti. L'arte naif è emersa come stile artistico indipendente solo all'inizio del XX secolo.

Le radici dell’“ingenuo” sono solitamente ricercate nella pittura di icone. Probabilmente hai visto tali icone in qualche chiesa provinciale rurale: sono sproporzionate, primitive, poco appariscenti, ma incredibilmente sincere. Caratteristiche dell'arte ingenua si possono trovare anche nelle cosiddette figure: immagini scultoree su temi religiosi. È consuetudine installare tali statue vicino alle chiese cattoliche (vedi foto).

Arte naif e primitivismo sono la stessa cosa? I critici d’arte hanno tre opinioni diverse su questo argomento:

Sì, questi sono concetti identici.
L'arte ingenua è una delle direzioni del primitivismo.
Questi sono concetti diversi. Se “ingenua” è la creatività di non professionisti e dilettanti, allora il primitivismo è la creatività semplificata e stilizzata degli artigiani professionisti.

Caratteristiche principali dello stile

L'arte naif ha dato un contributo significativo cultura artistica molti paesi e popoli. Proviamo a evidenziare le caratteristiche più importanti di questo stile artistico. Innanzitutto, questi includono:

mancanza di capacità di disegno professionale (accademico);
luminosità dei colori e delle immagini;
mancanza di prospettiva lineare;
piattezza dell'immagine;
ritmo semplificato;
contorni chiaramente definiti degli oggetti;
generalità delle forme;
semplicità delle tecniche tecniche.

Vale la pena notare che le opere d'arte ingenua sono molto diverse nel loro stile individuale. Tuttavia, quasi tutti sono ottimisti e affermano la vita nello spirito.

Geografia dell'arte naif

La stragrande maggioranza dei famosi artisti naif sono persone comuni che vivono in villaggi o piccole città. Di norma, si guadagnano da vivere con il lavoro fisico e creano nel tempo libero. Spesso la passione per il disegno si risveglia in età adulta o anziana.

L'arte ingenua è nata in Francia, ma poi ha guadagnato una popolarità senza precedenti all'estero, negli Stati Uniti. Anche alla fine del XIX secolo, i dipinti di artisti ingenui in questo paese venivano raccolti per musei e collezioni private. In Russia, questa direzione cominciò a svilupparsi seriamente solo negli anni 80-90 del secolo scorso.

Quando si parla di arte naif, non si può non menzionare la cosiddetta Scuola Khlebin. Questo è un nome convenzionale per diverse generazioni di artisti contadini del villaggio di Hlebine, nel nord della Croazia. All'origine della scuola Hlebinsky (Podravsky), curiosamente, c'era l'artista accademico Krsto Hegedusic (1901-1975). I suoi maestri hanno perfezionato la tecnica della pittura su vetro. Il dipinto di Khlebinskaya è caratterizzato da motivi della vita quotidiana del villaggio.

I principali musei di "Naiva"

"L'ingenuo è uno stato d'animo" (Alexander Fomin).

Tra tutti i musei d'arte naif del mondo, tre meritano una menzione speciale: Parigi, Mosca e Zagabria.

Dal 1985, ai piedi della collina di Montmartre, nell'edificio di un ex mercato tessile, opera il Museo del Primitivismo di Parigi. Deve la sua nascita ed esistenza all'editore francese Max Fourny. Grazie all'impegno di questi ultimi venne costituito il nucleo dell'attuale collezione, che oggi conta oltre 600 dipinti.

Il Museo di arte naif di Mosca esiste dal 1998. Si trova in un antico palazzo in pietra all'indirizzo: Soyuzny Avenue, 15 a. Ora il museo conta circa 1.500 opere. Dato che nel piccolo edificio c'è poco spazio, le mostre cambiano quasi mensilmente.

Anche la capitale croata, Zagabria, ha il suo museo dell'ingenuità e del primitivismo. Si trova in Città Alta, in Piazza Marco. Le sue mostre presentano opere di venti artisti croati, in particolare Ivan Generalić e Ivan Rabuzin.

Un altro esempio unico di “naiva” si trova nel nord della Romania. Questo è il cosiddetto “Cimitero allegro” nel villaggio di Sepyntsa. Qui puoi vedere centinaia di lapidi colorate con testi poetici e disegni originali.

L'arte naif: dipinti e artisti

Geograficamente, si possono distinguere tre regioni nello sviluppo dell’“ingenuo” e del primitivismo: gli Stati Uniti, l’Europa occidentale e i Balcani. I rappresentanti più famosi dell'arte naif nella pittura sono artisti della seconda metà del XIX-XX secolo, tra cui:

Henri Rousseau (Francia).
Ivan Lackovic-Kroata (Croazia).
Ivan Rabuzin (Croazia).
Maria Primachenko (Ucraina).
Nonna Mosè (USA).
Norval Morisseau (Canada).
Ekaterina Medvedeva (Russia).
Valery Eremenko (Russia).
Mihai Dascalu (Romania).
Per il bene di Nedelchev (Bulgaria).
Stacey Lovejoy (Stati Uniti).
Sasha Putrya (Ucraina).

Diamo uno sguardo più da vicino al lavoro dei suddetti maestri ingenui.

Il fondatore dell'arte naif nella pittura è considerato Henri Rousseau, un impiegato doganale che, dopo il pensionamento, decise di dedicarsi alle belle arti. Decorò le sue tele con goffe figure umane e buffi animali, senza preoccuparsi particolarmente della prospettiva. Il primo ad apprezzare l'opera di Rousseau fu il suo contemporaneo Picasso. E Paul Gauguin, vedendo i dipinti di Henri, esclamò: "Questa è la verità e il futuro, questa è la vera pittura!"

Ivan Lackovich-Croata

Lackovic-Croata è uno degli studenti di Hegedusic. Oltre alla pittura si è occupato anche di attività sociali e politiche, ha preso parte attiva alla lotta per l'indipendenza croata all'inizio degli anni '90 ed è stato eletto due volte al parlamento croato. Sulle sue tele, Ivan Lackovich raffigurava spesso nature morte, scene della vita di villaggio e paesaggi dettagliati.

Ivan Rabuzin è un altro artista croato e un altro importante rappresentante dell'arte naif nella pittura. I suoi dipinti sono spesso chiamati celestiali. Lo stesso Rabuzin è stato insignito del titolo di "il più grande artista ingenuo di tutti i tempi e di tutti i popoli" dal critico d'arte Anatoly Yakovsky. I paesaggi di Ivan Rabuzin incarnano purezza, bellezza extraterrestre e armonia. Quasi tutti i suoi dipinti sono decorati con strani alberi e fiori fantastici. Inoltre, tutti gli oggetti sulle tele di Rabuzin, siano essi colline, foreste o nuvole, tendono a una sorta di sfericità.

Maria Primačenko

La brillante artista ucraina Maria Primachenko è nata e ha vissuto tutta la sua vita nel piccolo villaggio di Bolotnya vicino a Kiev. Ha iniziato a disegnare all'età di 17 anni, dipingendo le case dei vicini. Il talento di Maria fu notato alla fine degli anni '30. Le sue opere sono state esposte a Parigi, Montreal, Praga, Varsavia e in altre città. Nel corso della sua vita, l'artista ha realizzato almeno 650 dipinti. La base della creatività di Maria Primachenko sono i fiori magici e gli animali irreali da lei inventati.

Mosè Anna Maria

Nonna Moses è una famosa artista americana, icona dell'arte naif riconosciuta a livello internazionale. Ha vissuto per 101 anni, lasciando dietro di sé centinaia di dipinti luminosi, colorati e allegri. La particolarità di Nonna Mosè è che ha iniziato a disegnare all'età di 76 anni. L'artista divenne famosa solo alla fine degli anni '30, quando un eminente collezionista di New York vide accidentalmente uno dei suoi disegni nella vetrina di una farmacia.

I soggetti centrali nei dipinti di Anna Mary Moses sono la pastorale rurale, le scene quotidiane della vita contadina e i paesaggi invernali. Uno dei critici ha descritto più succintamente il lavoro dell’artista con la seguente frase:

"Il fascino dei suoi dipinti è che descrivono uno stile di vita che gli americani amano credere esista ma che non esiste più."

Norval Morisseau

Norval Morisseau è un artista primitivo canadese di origine indiana. Nato nella tribù Ojibwa vicino all'Ontario. Ha scritto di se stesso: “Sono un artista per natura. Sono cresciuto con le storie e le leggende della mia gente - e ho dipinto queste leggende." E questo, in generale, dice tutto.

Un fatto interessante dalla biografia dell'artista: nel 1972, durante un incendio in un hotel a Vancouver, Norval Morisseau ricevette gravi ustioni. In quel momento, secondo lo stesso Norval, gli apparve Gesù Cristo. Successivamente, è diventato per lui una nuova stella polare nel suo lavoro. L'artista inizia a disegnare attivamente personaggi biblici, intrecciandoli sorprendentemente nel tessuto dei motivi tradizionali indiani.

Ekaterina Medvedeva

Ekaterina Medvedeva è un'artista autodidatta originaria del villaggio di Golubino, regione di Belgorod, una delle più rappresentanti di spicco moderno russo "ingenuo". Prese in mano un pennello per la prima volta nel 1976 e già all'inizio degli anni '80 iniziarono ad apparire sulla stampa di Mosca note sul "nuovo talento popolare". A quel tempo, Katya Medvedeva lavorava come normale infermiera in una casa di cura. Nel 1984, le opere dell'artista furono esposte a una mostra a Nizza, dove suscitarono un vero scalpore.

Valery Eremenko

Un altro talentuoso artista primitivista russo è Valery Eremenko. Nato a Semipalatinsk (Kazakistan), ha studiato a Tashkent, oggi vive e lavora a Kaluga. L'artista ha più di una dozzina di mostre diverse a suo nome; le sue opere sono esposte nel Museo di Belle Arti di Kaluga, nel Museo di Arte Naif di Mosca e sono anche conservate in numerose collezioni private. I dipinti di Valery Eremenko sono luminosi, ironici e incredibilmente vivaci.

Mihai Dascalu

Soggetti realistici, semplici e molto succosi: queste sono le caratteristiche principali del lavoro dell'artista naif rumeno Mihai Dascalu. I personaggi principali dei suoi dipinti sono le persone. Qui ballano, cantano, giocano a carte, raccolgono funghi, litigano e si innamorano... In generale vivono una vita mondana piena. Attraverso le sue tele, questo artista sembra cercare di trasmetterci un unico pensiero: tutta la bellezza è nella vita stessa.

Gli alberi sono dotati di un simbolismo speciale nelle opere di Mihai Dascalu. Sono presenti in quasi tutti i suoi dipinti. Sia sotto forma di figure principali della trama, sia come sfondo. L’albero nell’opera di Daskalu, infatti, simboleggia la vita umana.

Per il bene di Nedelchev

L'oggetto chiave nel lavoro dell'artista bulgaro Radi Nedelchev è la strada. O questa è una normale strada sterrata rurale ricoperta di poligono, o il pavimento in pietra di un'antica città, o un sentiero appena percettibile lungo il quale i cacciatori si addentrano nella distanza innevata.

Per il bene di Nedelchev, è un maestro generalmente riconosciuto nel mondo dell'arte ingenua. I suoi dipinti sono ampiamente conosciuti ben oltre i confini della modesta Bulgaria. Nedelchev ha studiato in una scuola di pittura nella città di Ruse, quindi è andato in Svizzera per il riconoscimento europeo, dove ha tenuto la sua mostra personale. Per amore di Nedelchev, divenne il primo artista bulgaro i cui dipinti finirono nel Museo di Parigi arte primitiva. Le opere dell'autore hanno visitato decine di grandi città d'Europa e del mondo.

Stacey Lovejoy

L'artista americana contemporanea Stacey Lovejoy ha ottenuto il riconoscimento per il suo stile unico, in cui le caratteristiche di "ingenuo", astrattismo e futurismo si mescolano in un cocktail luminoso e sorprendente. Tutte le sue opere sono, infatti, un riflesso del mondo reale in una sorta di specchio astratto.

Sasha Putrya

Alexandra Putrya è un'artista unica di Poltava. Ha iniziato a disegnare all'età di tre anni, come se anticipasse la sua morte prematura. Sasha morì di leucemia all'età di undici anni, lasciando dietro di sé 46 album con disegni a matita e acquerello, schizzi e cartoni animati. Le sue numerose opere presentano animali antropomorfi, personaggi delle fiabe, così come gli eroi dei famosi film indiani.

Finalmente…

Quest'arte è solitamente chiamata ingenua. Ma se studi attentamente le opere di eminenti rappresentanti dello stile, sorge una domanda logica: i loro autori sono così ingenui? Dopotutto, “ingenuo” in questo caso non significa “stupido” o “ignorante”. Questi artisti semplicemente non sanno come e non vogliono dipingere secondo i canoni generalmente accettati. Descrivono il mondo come lo sentono. È qui che risiede tutta la bellezza e il valore dei loro dipinti.

27.09.2011 22:00

Sempre più spesso ci sono annunci sulle prossime mostre dell'artista d'arte naif. Oggi proveremo a capire di cosa si tratta arte ingenua.

In primo luogo, oso suggerire che tutta l'arte ha origine dall'arte ingenua. Dopotutto, quando non c'era scuola classica, le leggi della pittura non sono state derivate. C'erano storie e c'erano persone che volevano catturare questi momenti su tela o su qualsiasi altro materiale. Se ci pensate, anche le prime pitture rupestri dell'uomo primitivo sono arte ingenua.

In secondo luogo, qualsiasi artista, quando prende in mano per la prima volta matite e pennelli, inizia semplicemente a rappresentare su un foglio di carta ciò che vede intorno a sé. Non obbedendo alle leggi della logica e della pittura, la mano stessa guida la linea dove deve andare. Ed è così che nasce la pittura. L'esperienza e la conoscenza vengono dopo, ma in un modo o nell'altro tutti attraversano questa fase. Ma allora perché alcuni rimangono in questa fase?

Proviamo a passare alla definizione e alla storia dell'arte naif. L'arte naif (dall'inglese naive art) è lo stile di creatività di artisti dilettanti che non hanno ricevuto un'istruzione professionale. Questo concetto è spesso usato come sinonimo di primitivismo, ma in quest'ultimo si parla più probabilmente di imitazione professionale di uno non professionale. Le radici storiche dell'arte ingenua hanno origine nell'arte popolare.

Ma attualmente sono molti gli artisti che lavorano in questa direzione e che hanno ricevuto un'ottima formazione artistica. Ma continuano a scrivere trame infantili e semplici. Allo stesso tempo, un artista “ingenuo” differisce da uno “non ingenuo”, proprio come un guaritore differisce da un dottore in scienze mediche: entrambi sono specialisti, ciascuno a modo suo.

Per la prima volta, l'arte ingenua si dichiarò nel 1885, quando i dipinti di Henri Rousseau, soprannominato il doganiere, poiché era doganiere di professione, furono esposti al Salon degli artisti indipendenti di Parigi. Successivamente, all'inizio del XX secolo, i Morshan - prima Alfred Jarry, poi Guillaume Apollinaire, e presto Bernheim, Wilhelm Houdet, Ambroise Vollard e Paul Guillaume - iniziarono ad attirare l'attenzione del pubblico non solo sulle opere di Rousseau il doganiere, ma anche alle opere di altri primitivisti e autodidatti. La prima mostra di arte naif si tenne nel 1937 a Parigi - si chiamava "People's Masters of Reality". Insieme alle opere di Rousseau il doganiere, opere degli operai e degli artigiani Louis Viven, Camille Bombois, André Beauchamp, Dominique-Paul Peyronet, Seraphine Louis, soprannominata Serafina di Senlis, Jean Eve, René Rambert, Adolphe Dietrich, nonché Maurice Utrillo, figlio di Suzanne, furono esposti qui Valadon.

Con tutto ciò, va notato che molti artisti d'avanguardia, come Pablo Picasso, Robert Delaunay, Kandinsky e Brancusi, hanno prestato particolare attenzione all'arte dei bambini e dei pazzi. Chagall mostrò interesse per il lavoro degli autodidatti, Malevich si rivolse alle stampe popolari russe e gli ingenui occuparono un posto speciale nel lavoro di Larionov e Goncharova. In gran parte grazie alle tecniche e alle immagini dell'arte ingenua, il successo ha accompagnato le esposizioni di opere di Kabakov, Bruskin, Komar e Melamid.

Il lavoro degli artisti ingenui, come uno degli strati dell'arte moderna, richiede uno studio serio e ponderato, in cui non può esserci spazio per giudizi superficiali ed estremi, spesso presenti nella vita di tutti i giorni. O è idealizzato ed esaltato, oppure visto con un pizzico di disprezzo. E questo è dovuto principalmente al fatto che nelle lingue russe (così come in altre) il termine "ingenuo, primitivo" ha uno dei principali significati valutativi (e precisamente negativi).

La differenza fondamentale tra questa direzione delle belle arti e l'arte dei bambini risiede nella sua profonda sacralità, tradizionalismo e canonicità. L'ingenuità infantile e la spontaneità della visione del mondo sembravano congelate per sempre in quest'arte; le sue forme espressive e gli elementi del linguaggio artistico erano pieni di significato sacro-magico e simbolismo di culto, che ha un campo abbastanza stabile di significati irrazionali. Nell'arte dei bambini sono molto mobili e non portano un carico di culto. L'arte ingenua, di regola, è ottimista nello spirito, afferma la vita, sfaccettata e diversificata e molto spesso ha un significato estetico piuttosto elevato. Al contrario, l'arte dei malati di mente, spesso vicina ad essa nella forma, è caratterizzata da una dolorosa ossessione per gli stessi motivi, uno stato d'animo pessimistico-depressivo e un basso livello di abilità artistica. Le opere d'arte ingenua sono estremamente diverse nella forma e nello stile individuale, tuttavia, molte di esse sono caratterizzate dall'assenza di prospettiva lineare (molti primitivisti si sforzano di trasmettere la profondità utilizzando diverse scale di figure, un'organizzazione speciale di forme e masse di colore), piattezza , ritmo e simmetria semplificati e uso attivo dei colori locali , generalizzazione delle forme, enfatizzazione della funzionalità di un oggetto a causa di determinate deformazioni, aumento del significato del contorno, semplicità delle tecniche tecniche. Gli artisti primitivisti del 20° secolo, che hanno familiarità con l'arte professionale classica e contemporanea, spesso escogitano soluzioni artistiche interessanti e originali quando cercano di imitare determinate tecniche dell'arte professionale in assenza di conoscenze e abilità tecniche adeguate.

Nadezhda Podshivalova. Ballare sotto la prima lampadina del paese. 2006 Tela. Fibra di legno. Olio.

I rappresentanti dell'arte ingenua molto spesso prendono i loro soggetti dalla vita che li circonda, dal folklore, dalla mitologia religiosa o dalla propria immaginazione. Per loro è più facile rispetto a molti artisti professionisti raggiungere una creatività spontanea e intuitiva, non ostacolata da regole e divieti culturali e sociali. Il risultato è originale, sorprendentemente puro, poetico e sublime mondi dell'arte, in cui prevale una certa armonia ideale e ingenua tra natura e uomo.

Per loro la vita è una “età dell'oro”, perché per loro il mondo è armonia e perfezione. Per loro, non esiste una storia come processo costantemente in corso, e il tempo in esso si trasforma in un cerchio infinito, dove il prossimo domani sarà radioso come il passato di ieri. E non importa che la vita vissuta sia stata irrimediabilmente difficile, drammatica e talvolta tragica. Questo non è difficile da capire se si guardano le biografie degli ingenui. Sembra che conservino nella loro memoria genetica l'integrità della percezione e della coscienza caratteristiche dei loro antenati. Costanza, stabilità e tranquillità sono le condizioni per una vita normale.

E qui tutto diventa chiaro, guardando più da vicino, che una mente ingenua è una mente di un tipo speciale. Non è buono o cattivo, è proprio così. Include una visione del mondo olistica, in cui una persona è impensabile al di fuori della natura e dello spazio, è mentalmente libera e può godere processo creativo, rimanendo indifferente al suo risultato. Lui, questa mente, ci permette di immaginare che una persona possa esistere ed esiste in due sogni.

Allo stesso tempo, il potenziale dell’ingenuo può essere richiesto nel nostro turbolento 21° secolo, quando “registriamo non la storia dell’evoluzione, ma la storia delle catastrofi”. Non spingerà né metterà da parte nessuno, e difficilmente potrà diventare il sovrano dei pensieri; sarà solo in grado di presentare la sua qualità più preziosa: una coscienza olistica e non offuscata, "quel tipo di visione del mondo che può essere definita solo veramente morale, poiché non divide il mondo, ma lo sente attraverso il corpo” (V. Patsyukov). Questa è la forza morale, etica e culturale dell’arte naif.

Attualmente nel mondo è stato creato un numero enorme di musei d'arte ingenua. In Francia sono a Laval e Nizza. Un tale museo è stato creato in Russia. Il Museo di arte naif di Mosca è stato fondato nel 1998 ed è un'istituzione culturale statale.