Contenuto del balletto. Quando è apparso il balletto? L'origine del balletto come spettacolo di corte

Il balletto, il più alto livello di coreografia (dal greco choreia - danza e grafo - scrivo), in cui l'arte della danza sale al livello della rappresentazione teatrale musicale, nasce come arte aristocratica cortese molto più tardi della danza, nel XV-XVI secoli. Il termine "balletto" apparve nell'Italia rinascimentale nel XVI secolo. e non significava un'esibizione, ma un episodio di danza. Il balletto è un'arte sintetica in cui la danza, principale mezzo espressivo del balletto, è strettamente connessa con la musica, con una base drammatica: un libretto, con la scenografia, con il lavoro di un costumista, di un lighting designer, ecc. Il balletto è vario: trama - balletto multiatto narrativo classico, balletto drammatico; senza trama: sinfonia di balletto, atmosfera di balletto, miniatura. Secondo il genere, il balletto può essere comico, eroico, folcloristico. 20 ° secolo ha portato nuove forme al balletto: balletto jazz, balletto moderno.

Origini della danza.

La danza è apparsa come un modo per esprimere sentimenti attraverso il movimento, il gesto, la plasticità e le espressioni facciali e ha accompagnato vari aspetti della vita. uomo antico(festa del raccolto, cerimonia nuziale, culto religioso). Dall'antico culto dionisiaco greco si sviluppò il teatro antico, parte del quale era la danza scenica e la sua musa Tersicore . Durante l'era ellenistica sorse l'arte della pantomima, che si sviluppò sia nel Medioevo che nel Rinascimento (nelle commedie dell'arte, arlecchino).

Il balletto nel Rinascimento, nel Barocco e nel Classicismo.

Il processo di teatralizzazione della danza fu particolarmente intenso in Italia, dove già nei secoli XIV-XV. apparvero i primi maestri di danza e sulla base della danza popolare si formò un ballo da sala, un ballo di corte. In Spagna, la scena della danza della trama era chiamata mare (danza moresca), in Inghilterra - una maschera . A metà del XVI - inizio XVII secolo. figurato, pittorico una danza organizzata secondo il tipo di composizione di figure geometriche (ballo figurato). Famoso Balletto delle donne turche, eseguita in 1615 alla corte dei duchi Medici a Firenze. Personaggi mitologici e allegorici prendono parte alla danza pittorica. Dall'inizio del XVI secolo sono noti balletti equestri in cui i cavalieri saltellano a cavallo al ritmo di musica, canti e recitazioni ( Torneo dei venti, 1608,Battaglia di bellezza, 1616, Firenze). Le origini del balletto equestre risalgono ai tornei cavallereschi del Medioevo.

Il primo spettacolo di balletto che ha unito musica, parola, danza e pantomima, Circe, ovvero il Queen's Comedy Ballet, fu messo in scena alla corte di Caterina de Medici (Parigi) dal coreografo italiano Baltazarini di Belgiojoso nel 1581. Da allora iniziò a svilupparsi in Francia il genere del balletto di corte (mascherate, pastorali, divertissement di danza e intermezzi). Balletto del XVI secolo è stato un magnifico spettacolo in stile barocco con l'esecuzione di danze cerimoniali spagnole: pavane, sarabande. Durante il periodo di Luigi XIV, le rappresentazioni del balletto di corte raggiunsero il massimo splendore, includendo effetti scenici che davano allo spettacolo il carattere di una stravaganza. Lo stesso Luigi XIV non era estraneo alla musa della danza, nel 1653 recitò come Sole in balletto della notte, da quel momento in poi fu chiamato il "Re Sole". Nello stesso balletto ha ballato il compositore J. B. Lully, che ha iniziato la sua carriera come ballerino.

La danza iniziò a trasformarsi in balletto quando iniziò ad essere eseguita secondo determinate regole. Furono formulati per la prima volta dal coreografo Pierre Beauchamp (1637–1705), che lavorò con Lully e diresse l'Accademia francese di danza nel 1661 (il futuro teatro dell'Opera di Parigi). Ha scritto i canoni del modo nobile della danza, che si basava sul principio di girare le gambe (en dehors). Questa posizione ha dato al corpo umano l'opportunità di muoversi liberamente in diverse direzioni. Ha diviso tutti i movimenti del ballerino in gruppi: squat (plié), salti (gonne, entrecha, cabriols, jet , capacità di restare sospeso in un salto – elevazione), rotazioni (piroette, fouettes), posizioni del corpo (atteggiamenti, arabeschi). L'esecuzione di questi movimenti veniva effettuata sulla base di cinque posizioni delle gambe e tre posizioni delle mani (port de bras). Tutti i passi di danza classica derivano da queste posizioni dei piedi e delle mani. Iniziò così la formazione del balletto, che si sviluppò nel XVIII secolo. dagli intermezzi e divertissement all'arte indipendente.

all'Opera di Parigi nel XVII secolo. è stato eseguito un genere speciale di spettacolo teatrale e musicale: balletti d'opera dei compositori J. B. Lully, A. Kampra, J. F. Rameau. Inizialmente, la compagnia di balletto comprendeva solo uomini. I ballerini francesi erano famosi per la loro grazia ed eleganza (nobiltà) di esecuzione. I ballerini italiani hanno portato un nuovo stile di danza sul palcoscenico dell'Opera di Parigi: uno stile virtuoso, uno stile di danza saltellante tecnicamente complesso. Uno dei fondatori della danza teatrale maschile fu Louis Dupre (1697-1774). Fu il primo a combinare entrambi i modi di esibirsi nella danza. La complicazione della tecnica di danza ha richiesto modifiche costume da donna. Nel primo terzo del XVIII sec Marie Camargo e Marie Sallet furono le prime delle ballerine a iniziare a eseguire i salti (entrecha), prima riservati solo agli uomini, quindi abolirono borse pesanti e panieri, per poi accorciare le loro gonne e passare a scarpe con tacchi più bassi. Nella seconda metà del XVIII sec apparvero i brillanti ballerini Gaetan Vestris (1729-1808), Pierre Gardel (1758-1840), Auguste Vestris. L'abbigliamento leggero in stile antico, entrato in voga alla vigilia della Rivoluzione francese, ha contribuito allo sviluppo della tecnica del balletto. Tuttavia, il contenuto dei numeri del balletto era debolmente connesso alla trama dell'opera e aveva il carattere di un entre, un'uscita nel minuetto, nella gavotta e in altri balli durante lo spettacolo dell'opera. Il genere della performance del balletto della storia non si è ancora sviluppato.

Il balletto nell'età dei lumi.

The Age of Enlightenment è una delle pietre miliari nello sviluppo del balletto. Gli illuministi chiedevano il rifiuto delle convenzioni del classicismo, la democratizzazione e la riforma del teatro di balletto. J. Weaver (1673–1760) e D. Rich (1691–1761) a Londra, F. Hilferding (1710–1768) e G. Angiolini (1731–1803) a Vienna, insieme al compositore, riformatore dell'opera V.K. trasformare il balletto in uno spettacolo di trama, simile a uno drammatico. Questo movimento si è espresso in modo più completo nella riforma dello studente di L. Dupre Jean Georges Noverre. Ha introdotto il concetto di pas d "action (balletto efficace). Noverre ha paragonato il balletto a un dramma classico e ha promosso un nuovo atteggiamento nei suoi confronti, come indipendente performance. Attribuendo grande importanza alla pantomima, allo stesso tempo, ha impoverito il vocabolario della danza. Tuttavia, il suo merito è stato lo sviluppo di forme di danza solista e d'insieme, l'introduzione della forma del balletto multi-atto, la separazione del balletto dall'opera, la differenziazione del balletto in generi alti e bassi - comico e tragico... Ha delineato le sue idee innovative in Lettere sulla danza e sui balletti(1760). I più famosi sono i balletti di Noverre su soggetti mitologici: Admet e Alceste,Rinaldo e Armida,Psiche e Amore,Morte di Ercole- il tutto sulla musica di J.J. Rodolphe; Medea e Giasone, 1780,balletto cinese, 1778, Ifigenia in Aulide- tutto sulla musica di E. Miller, 1793. L'eredità di Noverre è di 80 balletti, 24 balletti in opere, 11 divertissement. Sotto di lui fu completata la formazione del balletto come genere indipendente di arte teatrale.

sentimentalismo del balletto.

Nella seconda metà del XVIII sec è iniziata l'era del sentimentalismo. A differenza degli illuministi, i sentimentalisti hanno reso il personaggio delle loro opere una persona comune, e non un antico dio o eroe. Il teatro del balletto divenne uno spettacolo pubblico dei cittadini e apparve il suo tipo di spettacolo: commedia e melodramma. In primo piano c'era la pantomima, che, spingendo la danza nell'ombra, trasformava il balletto in un coredramma, in relazione al quale è aumentato l'interesse per la base letteraria dell'azione. Apparvero i primi libretti di balletto.

Le eroine dei balletti erano silfidi e spiriti della foresta delle jeep, personaggi del folklore celtico e tedesco. L'aspetto di una ballerina in tunica bianca, che incarna una creatura ultraterrena con una ghirlanda sulla testa e le ali dietro la schiena, è stata inventata dai costumisti francesi I. Leconte, E. Lamy, P. Lormier. ”, nacque il balletto “tunica bianca”. Il bianco è il colore dell'assoluto, il "balletto bianco" esprimeva il desiderio romantico dell'ideale, la ballerina in arabesco ne divenne la formula grafica. Il ruolo della danza del corpo di ballo è aumentato, la danza e la pantomima, l'assolo, il corpo di ballo e la danza d'insieme si sono fusi in un unico insieme. Grazie allo sviluppo della tecnica delle dita, il volo aereo dei movimenti è diventato un nuovo stile di danza.

Il balletto romantico si basava maggiormente su una fonte letteraria ( Esmeralda, 1844, di V. Hugo, Corsaro, 1856 di JG Byron), Katharina, la figlia del rapinatore, C. Puni, 1846). Il ruolo della musica, che divenne autoriale, aumentò, prima che la musica del balletto fosse spesso una squadra, serviva da sottofondo e accompagnamento ritmico alla danza, creava l'atmosfera della performance. La stessa musica da balletto del romanticismo ha creato la drammaturgia e ha dato caratteristiche musicali figurative ai personaggi.

L'apice del balletto romantico era Gisella(1841), messo in scena all'Opera di Parigi da J. Coralli e J. Perrot, su libretto di T. Gauthier su musica di A. Adam. IN Gisella l'unità di musica, pantomima e danza è stata raggiunta. Oltre alla pantomima, l'azione della performance è stata sviluppata da leitmotiv musicali e coreografici, l'espressività intonazionale della melodia ha conferito ai personaggi caratteristiche musicali. Adan iniziò il processo di sinfonia della musica da balletto, arricchendola con un arsenale di mezzi espressivi inerenti alla musica sinfonica.

M. Taglioni e F. Elsler sono i maggiori rappresentanti e rivali del balletto romantico. Le loro personalità corrispondono a due rami del romanticismo: irrazionale (fantastico) ed eroico-esotico. L'italiana Maria Taglioni rappresentò la prima direzione, la sua Silfide divenne simbolo del balletto romantico, la sua danza aveva grazia, volo e poesia. La danza della ballerina austriaca Fanny Elsler era caratterizzata da temperamento, impetuosità, virtuosismo, rappresentava la direzione eroico-esotica del balletto romantico. Essendo una ballerina caratteristica, ha eseguito la danza spagnola kachucha, il polacco Krakowiak, la tarantella italiana. Altri ballerini di spicco del romanticismo: Carlotta Grisi, Fanny Cerrito (1817-1909), Lucille Grand (1819-1907). Grisi, prima interprete del ruolo di Giselle, divenne famosa anche per la sua interpretazione del ruolo principale nel balletto di C. Pugni Esmeralda. Nel 1845 Perrault compose il famoso divertissement pas de quatre(musica di C. Pugni), dove si sono esibiti contemporaneamente Taglioni, Elsler, Grisi, Cerrito.

A distinguersi nella storia del romanticismo del balletto è la sua propaggine danese, specialmente nell'opera di August Bournonville. Nel 1836 creò la sua versione silfidi alla musica di HS Levensheld. Il balletto romantico danese (stile Biedermeier sullo sfondo del romanticismo) è una direzione più terrena e da camera con motivi folcloristici dove la pantomima gioca un ruolo importante e viene prestata maggiore attenzione alla danza maschile, la tecnica delle dita viene utilizzata meno e i ruoli femminili sono secondari. Queste caratteristiche sono anche caratteristiche del balletto danese del presente. Nel 1830 Bournoville guidò la compagnia del Teatro Reale di Copenaghen e nel corso di 50 anni creò molti balletti. La sua tecnica di danza maschile rimane una delle principali in Europa.

Si ritiene che il breve periodo del romanticismo sia stato il periodo migliore dell'intera storia del balletto europeo. Se prima il simbolo del balletto era Tersicore, poi dall'era del romanticismo divenne la silfide, la jeep. Il romanticismo del balletto è esistito per lungo tempo in Russia (scene di cigni in Il lago dei cigni e la danza dei fiocchi di neve nello Schiaccianoci L. Ivanova, atto delle ombre in La Bayadère,Figlie del Faraone E Raimondo M.Petipa). A cavallo tra il XIX e il XX secolo. Il romanticismo ha ricevuto una nuova nascita in Chopiniani MM Fokina. Era il romanticismo di un'altra epoca: l'era dell'impressionismo. Il genere del balletto romantico è stato preservato nella seconda metà del XX secolo. ( Le foglie appassiscono E. Tudor su musica di A. Dvorak, Ballare alle feste J. Robbins su musiche di F. Chopin).

Il balletto nella seconda metà del XIX secolo (accademismo, impressionismo, moderno).

Quando il realismo arrivò ad altre forme d'arte, il balletto europeo si trovò in uno stato di crisi e declino. Ha perso il suo contenuto e la sua integrità ed è stato soppiantato da stravaganza (Italia), music hall (Inghilterra). In Francia passa alla fase di conservazione di schemi e tecniche collaudate. Solo in Russia il balletto ha mantenuto il carattere della creatività, dove si è sviluppata l'estetica del grande balletto, del balletto accademico, un'esibizione monumentale con complesse composizioni di danza e ensemble virtuosistici e parti soliste. Il creatore dell'estetica del balletto accademico è Marius Petipa, un ballerino francese arrivato in Russia nel 1847. Creato da lui in collaborazione con LI Ivanov (1834-1901) e i compositori PI Tchaikovsky e AK Glazunov balletti bella addormentata(1890), Schiaccianoci (1892), Il lago dei cigni (1895) Raimondo (1898), Le stagioni(1900) divenne l'apice del balletto sinfonico classico e spostò il centro della cultura coreografica in Russia.

A cavallo tra il XIX e il XX secolo. le correnti dell'impressionismo e della danza libera (moderna, duncanismo, danza ritmicoplastica) sono penetrate nella coreografia. La danza moderna è nata a cavallo tra il XIX e il XX secolo. negli Stati Uniti e in Germania. La coreografia moderna ha rifiutato le forme tradizionali del balletto e le ha sostituite con danza libera, ritmoplastica e un'interpretazione intuitiva della musica. Se scuola classica il balletto è costruito sull'eversione (en dehors), poi il moderno consente la posizione dei calzini all'interno (en dedans). Il moderno non usa la tecnica delle dita, salti e sbandate, ma sviluppa attivamente gli eccessi del corpo, la mobilità delle spalle e dei fianchi e l'espressione delle mani. Gli ideologi della modernità furono il teorico francese F. Delsarte (1811–1871), la ballerina americana Isadora Duncan con la sua rinnovata antichità ed E.J. Hanno dichiarato il dominio indiviso della musica sulla danza. Il duncanismo, a sua volta, ha influenzato l'impressionismo del balletto, rappresentato dal lavoro del coreografo russo M.M. Fokin. L'attività di S.P. Diaghilev è diventata un punto di svolta verso una nuova estetica del balletto. Le stagioni russe da lui organizzate (1909-1911) e la compagnia di balletto russo (1911-1929) hanno avuto un enorme impatto sullo sviluppo del balletto mondiale.

BALLETTO MONDIALE DEL XX SECOLO

Storia del balletto nel XX secolo caratterizzato dai processi di assimilazione delle tradizioni del balletto classico russo con le compagnie di balletto europee. Le tendenze principali sono metafora, assenza di trama, sinfonia, ritmoplastica libera, danza moderna, elementi di folklore, vita quotidiana, sport, vocabolario jazz. Nella seconda metà del XX secolo si sta sviluppando il postmoderno, il cui arsenale di mezzi espressivi include l'uso di proiezioni cinematografiche e fotografiche, luci ed effetti sonori, musica elettronica, happening (la partecipazione degli spettatori al balletto), ecc. È apparso il genere della coreografia di contatto, quando il ballerino "contatta" con gli oggetti sul palco e il palco stesso. Domina il balletto-miniatura in un atto (novella, balletto-mood). I paesi della cultura coreografica più sviluppata erano la Gran Bretagna, gli Stati Uniti, la Francia, l'URSS. Un ruolo importante nello sviluppo del balletto mondiale è stato svolto dai ballerini della seconda ondata di emigrazione russa (R. Nureyev, N. Makarova, M. Baryshnikov) e dai ballerini della scuola russa che hanno lavorato in Occidente sotto contratto (M. Plisetskaya, A. Asylmuratova (nata nel 1961), N .Ananiashvili (nata nel 1963), V.Malakhov (nata nel 1968), A.Ratmansky (nata nel 1968) In Germania, Olanda, Svezia, si sviluppò il balletto espressionista, poi postmoderno.

Le gare di balletto si tengono dal 1964.

Francia.

Negli anni '20 e '30, la Francia divenne il centro dell'arte del balletto europeo, dove i Ballets Russes di Diaghilev e i gruppi che ne derivarono lavorarono fino al 1929. Le tradizioni di Fokine furono sviluppate da L.F. Myasin, B.F. Nizhinskaya, S.M. Lifar, che guidava le compagnie di Monte Carlo e Parigi. Nella seconda metà del XX secolo La Francia ha dato al balletto coreografi così distintivi come Maurice Béjart e Roland Petit.

J. Balanchine ha lavorato in Francia prima di partire per gli Stati Uniti nel 1933. Nel 1932-1933 organizzò la compagnia "Valle rus de Monte Carlo" ( Commerciante nella nobiltà R. Strauss, mozartiana P. Čajkovskij). Dopo la partenza di Balanchine, la compagnia fu guidata da V. G. Voskresensky (de Basil), la compagnia divenne nota come "Ballerus de Monte Carlo del colonnello de Basil" (dal 1939 al 1962 lavorò negli Stati Uniti, nel 1938-1948 Myasin prestò servizio come il coreografo della compagnia, che si è posto il compito di preservare i balletti di Diaghilev). Lifar nel 1944-1947 diresse il New Russian Ballet di Monte Carlo, dal 1947 divenne noto come il Nouveau balle rus de Monte Carlo del Marchese de Cuevas.

Nel 1930-1959, con una pausa per i militari 1944-1947, la compagnia dell'Opera di Parigi era guidata da Serge Lifar, che vi mise in scena 50 balletti in stile neoclassico, modernizzando la danza classica e combinandola con elementi di folklore libero, danza quotidiana. Le ballerine più famose dell'epoca: Claude Bessy (n. 1932), allieva della Lifar, che iniziò la sua carriera con Balanchine, nel 1972 ebbe un clamoroso successo in Bolero M. Bejart, dallo stesso anno - direttore della scuola di ballo del teatro dell'opera, nonché ballerina lirica Yvette Chauvire ( 1917), celebre per la sua interpretazione della parte di Giselle. Le innovazioni coreografiche si sono sviluppate al di fuori delle mura dell'Opera, anche se dagli anni '70 vi sono stati messi in scena balletti di Balanchine, D. Robbins, G. Tetley, P. Taylor, M. Cunningham, Y. N. Grigorovich. Nel 1983-1989, originario della Russia, il ballerino sovietico R.Kh Nureyev divenne nuovamente capo della compagnia di balletto dell'Opera di Parigi, dove mise in scena numerosi balletti classici e invitò anche uno dei più grandi coreografi del nostro tempo, W. Forsythe, a collaborare, il che diede un nuovo impulso alla vita della compagnia di ballo del teatro, che a quel tempo si era trasformato in un museo del balletto. Tra i ballerini d'opera, Sylvie Guillem (nata nel 1965), Isabelle Guérin (nata nel 1961) divennero famosi. L'eminente ballerino classico Patrick Dupont (nato nel 1957) ha guidato la compagnia dal 1990 al 1995.

Maurice Béjart ha iniziato a lavorare negli anni '50 con il Ballet Etoile. Dal 1960 dirige il Balletto del XX secolo, dal 1987 il Balletto Bejart di Losanna. Crea il proprio linguaggio plastico e risolve problemi filosofici nei balletti, da qui il suo interesse per il mondo orientale e le danze: Bakti, 1968 alla musica indiana, Il nostro Faust per musica di gruppo, 1975, Nijinsky, il clown di Dio su musica di P. Henry e P. Tchaikovsky, 1971. Il primo ballerino di Bejart era l'argentino Jorge Donn (1947–1992), prematuramente scomparso. Bejart ha dedicato dei balletti alla sua memoria. casa del prete,Balletto per la vita,Tango, o una rosa per Jorge Donna. Nel 1972 creato Canzoni dell'apprendista itinerante per Nureyev. La coreografia di Béjart è caratterizzata dalla metafora plastica, dal ritmo impetuoso e dalla priorità della danza maschile di massa. Le più famose edizioni originali di balletti Primavera sacra(1959) e Uccello di fuoco I. Stravinskij (1970), Bolero M.Ravel (1961). Ha organizzato la scuola "Mudra", in cui la formazione del balletto si basa sullo studio della psicologia e della filosofia moderna.

Nel 1945-1951 Roland Petit fondò il Ballet des Champs Elysées, nel 1949-1967 il Ballet de Paris. Tra i migliori lavori: Gioventù e morte JS Bach, 1946, Carmen J.Bizet , 1949, Cattedrale Notre Dame di Parigi , 1965. Petit lavora nel genere del balletto drammatico, gravita verso il dinamismo della trama, immagini vivide e teatralità, mette in scena abilmente scene di massa, usa una combinazione di danza classica e jazz nel suo vocabolario. Tra i suoi ballerini divennero famosi: Zizi Zhanmer (nato nel 1924, interprete della parte Carmen nel balletto omonimo), Jean Babilé (nato nel 1923, interprete del ruolo principale nel balletto cult degli anni '50 Gioventù e morte). Nel 1972 Petit organizza il Balletto di Marsiglia ( Illumina le stelle, 1972, rosa malata G. Mahler, messo in scena nel 1973 per Plisetskaya, Fluido Rosa, 1973, In memoria di un angelo A. Berg, 1977, proprie versioni di balletti classici Coppelia, 1975 e Schiaccianoci, 1976). Ha messo in scena balletti sinfonici all'Opera di Parigi Fantastica sinfonia G. Berlioz, 1974, notte illuminata A. Schönberg, 1976.

Pierre Lacotte (nato nel 1932) nel 1955-1956 e 1959-1962 - direttore del Balletto della Torre Eiffel. Nel 1963-1968 è stato a capo del Balletto Nazionale della Gioventù Musicale Francese, poi del Balletto di Monte Carlo, fino al 2001 ha diretto il Balletto Nazionale di Nancy, è un esperto dell'eredità classica del balletto francese, padroneggia la sottile arte della stilizzazione , ricostruzione dello spirito del balletto romantico (film - balletti per la televisione Europa galante A. Kampra, restauro del balletto silfide J. Schneitzhoffer, dama con camelie Giuseppe Verdi, 1977). È chiamato "l'archeologo del balletto".

Il movimento Art Nouveau è rappresentato « Ballet Theatre of Modern "J. Roussillo (nato nel 1941), organizzato nel 1972. Dalle compagnie postmoderne, la compagnia di A. Preljocaj (nato nel 1957, compagnia - dal 1984), allievo di M. Cunningham ( lacrime bianche, 1985, Ricordi dei nostri eroi, 1986, salire alla musica W. A.Mozart, 1994).

Gran Bretagna.

Balletto inglese del XX secolo guida un albero genealogico della scuola di A. Pavlova e Marie Rambert (1888-1982) e Ninette de Valois che lavoravano per Diaghilev. Nel 1920 fu aperta la Scuola di Marie Rambert, seguace del sistema di danza ritmicoplastica di E.J. Dalcroze. Dalla sua scuola provenivano F. Ashton, E. Tudor, che nel 1930 creò la compagnia "Ballet Rambert". Nel 1926, Valois aprì l'Academy of Choreographic Art a Londra, da cui la compagnia Sadler's Wells Ballet lasciò nel 1942, e dal 1957 il Royal Ballet of Great Britain. Valois ne è stato il direttore fino al 1983. Dal 1935, il suo principale coreografo del "Royal Ballet" - Frederick Ashton, che ha creato lo stile della danza classica inglese - rigoroso, sobrio e poetico. Si basa sulla scuola di E. Chechetti, che ha insegnato alla Imperial St. Petersburg Ballet School e ha allevato personaggi come Pavlova, T. Karsavina, M. Fokine, V. Nizhinsky. Per molto tempo, la ballerina principale di Ashton è stata Margot Fontaine, la cui carriera è rinata inaspettatamente in un leggendario duetto con Nureyev; insieme hanno ballato una serie di balletti classici, oltre a un balletto appositamente coreografato da Ashton Margherita e Arman basato su Signore con camelie A. Dumas alla musica di F. Liszt, 1963. Le produzioni di Ashton includono: Facciata, 1931 W.Walton, Una futile precauzione, 1960 F.Herold, Ondina, 1958 HW Henze, Un mese nel villaggio, 1976 F.Chopin, balletti senza trama Variazioni sinfoniche, 1946 S. Franco, monotonia, 1965–1966 E. Satie, multi-atto Cenerentola S. Prokofiev, 1948, con M. Fontaine - Sogno, 1964 F.Mendelssohn. Nel 1970 Ashton creò a teatro " nuovo gruppo» per produzioni d'avanguardia. Anthony Tudor (1908-1987), creatore del dramma psicologico nel balletto, ha lavorato in teatro fino alla sua partenza per gli Stati Uniti (1939), mettendo in scena Giardino lilla su musica di E. Chausson, 1936, Elegie oscure alla musica Canzoni sui bambini morti G. Mahler, 1937.

Dal 1970 al 1977 l'azienda è stata guidata da Kenneth Macmillan. L'emergere del genere del balletto drammatico è associato al suo nome. Il suo stile è una combinazione della scuola Cecchetti con acrobazie e sollevamenti complessi, è caratterizzato dalla raffinatezza del modello coreografico. Il suo balletto Romeo e Giulietta(musica di Prokofiev, 1965, anch'essa creata per Fonteyn e Nureyev) divenne un cult. balletti Manone(1974, su musica di J. Massenet), Danze da concerto Stravinskij 1955, Nora,o Diario di A. Frank, 1958, Anastasia A.Sullivan, 1971, Mayerling F.Liszt, 1978, Isadora R. Bennett, 1981; Principe delle Pagode B. Britten, 1989 sono stati creati per la ballerina principale di Macmillan - Lynn Seymour (nata nel 1939), che ha ballato in un duetto con Christopher Gable (1940-1998), che in seguito ha fatto carriera nel cinema. I balletti di Macmillan hanno caratterizzato il virtuoso Anthony Dowell insieme ad Antoniet Sibley, Alexandra Ferry (nata nel 1967). Per il suo contributo alla cultura nazionale, Macmillan ha ricevuto il titolo di signore. Negli stessi anni, John Cranko ha lavorato nella troupe, noto come regista di molte ore di balletti narrativi ( dama e giullare Verdi, 1954). Dagli anni '60 Cranko lavora in Germania, dirigendo il balletto di Stoccarda più antico d'Europa. Dopo la partenza di Macmillan, le idee della danza libera sono diventate una priorità nel teatro. Gli ex ballerini della compagnia Norman Morris (nato nel 1931), Anthony Dowell (ha guidato la compagnia dal 1986), David Bintley (nato nel 1957) hanno introdotto nel repertorio le produzioni di Balanchine, Robbins, Forsyth. I ballerini principali del teatro includevano anche Beryl Gray (nato nel 1927), Robert Helpman (1909–1986), Moira Shearer (nato nel 1926).

Altre compagnie in Gran Bretagna includono il Birmingham Royal Ballet, il London Ballet Festival, nato da una compagnia fondata nel 1949 dagli ex ballerini di Diaghilev Alicia Markova e Anton Dolin (1904-1983). La troupe "Valle Rambert" continua a lavorare. All'inizio, nel suo repertorio sono stati conservati balletti classici originali e dal 1966 è stata data priorità alle opere nello stile della danza moderna. Nel 1987, Richard Alston (nato nel 1948), che sviluppò le idee del coreografo modernista americano Merce Cunningham, divenne il leader della troupe. Nel 1967, R. Cohen, allievo di M. Graham, creò il London Theatre danza contemporanea”, dove ha messo in scena molti dei balletti di Graham. Il teatro fa parte del London Centre for the Study of Modern Dance.

STATI UNITI D'AMERICA.

Il risultato principale del balletto americano è il lavoro di George Balanchine, originario della Russia, diplomato alla Petrograd Theatre School. Ha creato una nuova direzione nella coreografia: un balletto sinfonico senza trama di stile neoclassico, un'azione coreografica autosufficiente (a volte senza libretto, scenografia e costumi). Anche la scuola coreografica danese ha avuto una grande influenza sul lavoro di Balanchine, cercando sottigliezza, vivaci giochi di gambe leggeri (le cosiddette derive di Bournonville), rapidi cambi di direzione e ritmi crescenti dei movimenti. I più grandi teatri di danza negli Stati Uniti - "New York City Balle" e "American Balle Theatre" sono nati come risultato dell'interazione delle tradizioni russe classiche e americane (danza moderna, acrobatica, jazz, vocabolario quotidiano). Senza trama e metaforico, il balletto da camera in un atto rimane la tendenza principale nel balletto americano.

Quando Balanchine arrivò negli Stati Uniti nel 1933, la tendenza principale nella coreografia americana era la danza moderna, che aveva un colore folcloristico e includeva motivi di danze negre e indiane (eccessi del corpo, movimenti rotatori dei fianchi, priorità della danza d'insieme rispetto all'assolo ). La danza moderna è stata sviluppata dai coreografi Ruth Saint-Denis e Ted Shawn (1891-1972), che hanno fondato la Denishawn School of Dance a Los Angeles nel 1915. Molti coreografi americani hanno studiato lì, inclusa la ballerina e coreografa più importante Martha Graham, che ha creato la sua compagnia nel 1926 e ha sviluppato una tecnica di danza speciale. I coreografi D. Humphrey, H. Limon, A. de Mille, R. Page hanno creato balletti di genere utilizzando il folklore negro e indiano. D'altra parte, grazie agli artisti russi emigrati, il pubblico americano ha conosciuto il balletto classico: negli Stati Uniti hanno lavorato gli studi dei ballerini russi M. Fokin, A. Bolm, M. Mordkin; B. G. Romanov (1891–1957) diresse la compagnia di balletto del Metropolitan Opera Theatre (1938–1942, 1945–1950), nel 1939 arrivò negli Stati Uniti la compagnia Balle rus de Monte Carlo (la compagnia di V. G. Voskresensky -de Basil), guidato nel 1938-1948 da LF Myasin. La fusione della modernità con le tradizioni nazionali e classiche ha formato lo stile Balanchine. Nel 1934, insieme al filantropo Leonard Kernstein (1907–1996), Balanchine fondò la School of American Ballet e, sulla base di essa, il New York City Ballet Ballet Theatre. Nel 2004 il teatro ha celebrato il centenario della nascita del suo fondatore e il suo 70° anniversario. I primi balletti furono messi in scena su soggetti americani ( Stazione di servizio, 1938 L. Christensen alla musica di V. Thomson, Il fidanzato di Billy Y.Loringa, Primavera in Apalachia, Rodeo A. de Mille, musica. A. Copland), ma presto il teatro si trasformò nella Balanchine House, dove mise in scena 50 balletti per la compagnia. Fondamentalmente, questi sono balletti senza trama: Quattro temperamenti P. Hindemith, 1946, Serenata, 1934, concerto barocco JS Bach, 1940, Sinfonia in do maggiore o Palazzo di Cristallo J. Bizet, 1947, Canzoni d'amore- valzer alla musica di I. Brahms, 1960, III suite P. Tchaikovsky, 1970, inclusa la musica americana: Sinfonie del Far West H.Key, 1954, È lo stesso? J. Gershwin, 1970. Al centro dell'estetica neoclassica di Balanchine c'è l'espressività della danza, nata dall'espressività dell'immagine musicale. Balanchine, come Bejart, era un maestro nella messa in scena di una danza di massa, ma dava priorità alla danza femminile e diceva: "Il balletto è una donna". Il suo compositore preferito era Stravinsky, con il quale aveva collaborato sin dai tempi di Diaghilev. Durante il periodo 1925-1972 Balanchine mise in scena 27 balletti di Stravinskij, tra i quali: Agon, 1957, Uccello di fuoco, 1949, Pulcino, 1972, Gioielleria (Rubini), 1967. Un analogo di una così fruttuosa collaborazione tra coreografo e compositore può essere trovato nell'alleanza di Petipa con Čajkovskij. Principali ballerini Balanchine: André Eglevsky (1917–1977), Édouard Villela, Melisia Hayden (nata nel 1923), Maria Tallchief, Diana Adams, Tanaquil Le Claire (nata nel 1929), Violet Verdi, Allegra Kent (nata nel 1938), Karine von Aroldingen (nato nel 1941), Patricia McBride, Susan Farrell, Merrill Ashley. Lo studente di Balanchine Jerome Robbins (1918-1998) è noto come il creatore della danza jazz con elementi di folklore e vocabolario quotidiano. Balletti messi in scena: Marinai sulla costa L. Bernstein, 1944, Fax, 1946, Cellula alla musica Concerto per archi di Basilea Stravinskij, 1951, nuova edizione Pomeriggio di un fauno (1953), Concerto su musica di Chopin, 1956, balletto romantico Ballare alla festa su musica di Chopin, versione coreografica Variazioni di Goldberg Bach, 1971, Mulino ad acqua su musica di T.Ito. I suoi musical sono ampiamente conosciuti: ragazza divertente, Violinista sul tetto 1964, Storia del lato ovest, 1957. Negli anni '50 e '60, Robbins ha lavorato a lungo a Broadway. Dopo la morte di Balanchine nel 1983, insieme a P. Martins, ha diretto la compagnia. Il successore di Balanchine, il ballerino danese Peter Martins, divenne famoso in un duetto con S. Farrell; come il coreografo ha messo in scena i balletti: Notte nell'illuminazione del palcoscenico C. Ives, 1978, arancione estatico, 1987, Bianco e nero, 1986, Eco, 1989, Cenere, 1991 M. Thorp. Nel 1991, Martins ha messo in scena per la prima volta un balletto completamente integrale, accettato in Occidente Bella addormentata.

"American balle theater" creato nel 1939 da Lucia Chase, filantropo e ballerina, studente di M. Mordkin. Chase ha diretto il teatro fino al 1980. Se il New York City Ballet è un teatro d'autore, l'American Ballet Theatre è una creazione internazionale di diversi coreografi. Le fondamenta del teatro furono gettate dal coreografo inglese Anthony Tudor, che aveva lavorato nel teatro sin dalla sua fondazione come direttore artistico (1939-1950 e dal 1974). Il fondatore del cosiddetto. balletto psicologico (era chiamato "il coreografo del dolore umano"), Tudor era interessato al mondo del subconscio, quando si riferiva al mondo interiore di una persona usava il vocabolario moderno ( colonna di fuoco su musica di A. Schoenberg, 1942 con Nora Kay, Sottocorrente R. Schumann , 1945, Romeo e Giulietta F. Dilius, 1943 con Hugh Lang). Nel 1975 ha messo in scena un balletto romantico senza trama per Gelsey Kirkland (nata nel 1952), riconosciuta come la migliore interprete della parte di Giselle negli Stati Uniti. Le foglie appassiscono alla musica di A. Dvorak. I principali ballerini di Tudor erano Nora Kay (1920–1989) e Hugh Lang (1911–1988). Anche K. Macmillan, D. Robbins, i coreografi moderni Glen Tetley (nato nel 1926), Birgit Kulberg (nato nel 1908), Tuyla Tharp (nato nel 1942) hanno lavorato a teatro. Principali ballerini di teatro in anni diversi erano: Alicia Alonso, John Kriza (1919–1975), Igor Yuskevich (1912–1994) e Alicia Markova; Tony Lander (1931-1985) , Sally Wilson (nata nel 1932), Bruce Marks (nata nel 1937), Roy Fernandez (1929-1980), Lupe Serrano (nata nel 1930) ) , Scott Douglas (1927–1996), Cynthia Gregory, Martina Van Hamel (nata nel 1945), Fernando Bujones, Natalya Makarova, Rudolf Nureyev, Dane Eric Brun, Carla Fracci (nata nel 1936), Ivan Nagy (nata nel 1943), VA Malakhov.

Nel 1980-1989 il direttore artistico della troupe era Mikhail Baryshnikov, il suo vice era K. Macmillan. Durante quel periodo, la famosa produzione di M. Morris (nato nel 1955), un coreografo che ha vinto la fama di "The Mozart of Modern Dance", Bevi per me solo con i tuoi occhi alla musica di V. Thomson. Macmillan riprese Romeo e Giulietta, N. Makarova ha realizzato il suo editoriale bayadère Mincus (1980). Su invito di Baryshnikov, nel 1989 la ballerina del Teatro Kirov I. Kolpakova (nata nel 1933) ha lavorato come insegnante della compagnia.

Se nel 19 ° secolo Il balletto americano era solo agli inizi, quindi nella seconda metà del XX secolo. il paese ha vissuto un boom del balletto nel 20 ° secolo. e trasformato in un paese di cultura coreografica altamente sviluppata. Nel 1945 c'erano 25 compagnie, ma presto questo numero crebbe a 250. Diverse compagnie operano solo a New York (i teatri moderni di Tuyla Tharp, Joffrey Balle di Robert Joffrey (nato nel 1930), l'Harlem Dance Theatre afroamericano di Arthur Mitchell , « Balle Feld" di Eliot Feld, n. 1942 e altri). Le grandi città hanno le loro compagnie di balletto: Chicago Balle, fondata da Maria Tolchief, San Francisco Balle, Boston Balle, Miami Balle, Littlefield Balle of Philadelphia, ecc.

Germania.

A differenza del balletto di altri paesi europei, l'influenza della scuola di danza russa è meno pronunciata in tedesco. All'inizio del XX secolo in Germania e Austria, l'espressionismo si sviluppò in tutte le forme d'arte. Sulla base delle moderne tecniche di danza, si sviluppò il balletto espressionista, rappresentato dal lavoro dei coreografi R. Laban (1879–1958), K. Joss ( 1901-1979), M. Wigman e suoi allievi H. Holm (1898-1992), G. Palucchi (1902-1992). Hanno abbandonato i bei movimenti, sostituendoli con linee spezzate e forme grossolane. Maggior parte opera famosa di questo stile era il balletto contro la guerra di K. Yoss Tavolo verde, 1932. Negli anni '20 e '30, le idee della scuola Bauhaus, che promuoveva il costruttivismo, erano popolari anche in Germania e vedeva la danza come una costruzione calcolata con precisione e un esercizio acrobatico privo di sfumature emotive. Questa direzione ha trovato la sua espressione nell'opera di V. Skoronel.

Nella seconda metà del XX secolo l'interesse per la modernità è cresciuto in Germania in esperimenti postmoderni. Una caratteristica distintiva del balletto tedesco moderno è l'uso di idee coreografiche da parte di coreografi americani, olandesi e cechi. Nel 1961, il Balletto di Stoccarda era diretto da J. Cranko. Lo stile dei suoi balletti ricordava il coreodramma sovietico degli anni '30 e '40, si tratta di opere narrative in più atti: Romeo e Giulietta (1962) alla musica di Prokofiev, Onegin(1965) sulla musica di Čajkovskij, arrangiata da K.Kh.Stolze, La bisbetica domata(1969) su musica di A. Scarlatti nello stesso arrangiamento con la partecipazione dell'eccezionale duetto Marcia Heide (n. 1939) - Richard Craghan (n. 1944). Cranko ha creato un laboratorio creativo sperimentale da cui sono cresciuti William Forsyth (nato nel 1949), John Neumeier (nato nel 1942), Jiri Kilian. Dopo la morte di Cranko, la compagnia fu guidata dal moderno coreografo Glen Tetley (nato nel 1926), allievo di Holm, noto per aver messo in scena il balletto dedicato a Cranko Volontariato(1973) F. Poulenc e proprio editoriale Primavera Santa Stravinskij. Neumeier, coreografo americano, ha lavorato nel Balletto di Stoccarda negli anni '60 e '70 e ha diretto i teatri di Amburgo e Francoforte. È impegnato in temi religiosi e filosofici, che implementa in molte ore di balletti (un balletto di quattro ore Matteo Passione, 1981). Altre produzioni includono: Viaggio separato Barberà (1968) Rondo (1970), Romeo e Giulietta (1971), Schiaccianoci (1972), Crepuscolo A. Scriabin (1972), bella addormentata, ElegiaČajkovskij (1978), Ariel Mozart, Quarta sinfonia Mahler (1977). Forsyth è l'ideologo del balletto postmoderno, direttore del balletto di Francoforte, è spesso chiamato il Balanchine del 21° secolo. La sua coreografia si basa su associazioni; testi, film e proiezioni fotografiche sono spesso inclusi nella danza. Questi sono i balletti canzoni d'amore(1979) musica popolare e Al centro, su qualche elevazione alla musica di L. Stuck e T. Willems, che è stata messa in scena da lui su invito di Nureyev all'Opera di Parigi nel 1988. Forsythe è stato uno dei primi a utilizzare la musica elettronica di Willems. Non si può immaginare una coreografia moderna senza il lavoro di Pina Bausch (n. 1940), con il suo Dance Theatre (Wuppertal, dal 1971), allieva di K. Joss, P. Taylor, E. Tudor, che sviluppa contemporaneamente la tradizione espressionista di Il balletto tedesco e la scuola psicologica americana ( Frammenti, 1967; Arie, 1979; Palermo, Palermo, 1989; lavafinestre, 1997; Nel paese dei prati, 2000; Per i bambini di ieri, oggi e domani, 2002). Nel 1966-1969, il Balletto dell'Opera di Berlino era diretto da C. Macmillan, attualmente (dal 2002) il suo direttore artistico e principale solista è V. A. Malakhov, che sviluppa la direzione classica del balletto.

Olanda.

Prima della seconda guerra mondiale, l'influenza della danza libera tedesca era la più forte e nella seconda metà del XX secolo. I Paesi Bassi sono diventati la culla della danza postmoderna. Dopo la guerra, la compagnia del balletto nazionale olandese fu creata ad Amsterdam, dal 1967 sotto la direzione di Rudy van Dantzig (nato nel 1933). Nei suoi eccezionali balletti Monumento al giovane morto(1965) e Fili del tempo(1970) sulla musica di Y. Berman è stato ballato da Nureyev, che ha ricordato che in queste produzioni ha eseguito la danza per la prima volta, sdraiato sul pavimento del palco. Van Dantzig, come Forsythe, usa il suono aspro della musica elettronica e lo scenario futuristico del Tour van Scheik. Da altri lavori: isola notturna JC Debussy (1965), Circolo familiare B.Bartok (1958). Nel 1959, la compagnia Dutch Dance Theatre fu fondata a L'Aia sotto la direzione di Hans van Manen (nato nel 1932). Il teatro si è dedicato esclusivamente alla coreografia contemporanea. Dal 1973 Manin è coreografo del Netherlands National Ballet. Produzioni: Sinfonia in 3 parti Messian (1965) Metafore Lesione (1965), Cinque pezzi alla musica di Hindemith (1966), Mutazioni K. Stockhausen (1970) , Primavera sacra(1974). Nel 1978 Jiri Kilian divenne il capo del Netherlands Dance Theatre, che, come Tudor, sviluppa lo stile del balletto psicologico. Kilian utilizza movimenti eseguiti mentre è sdraiato sul pavimento, raggiunge pose scultoree, compone alti sollevamenti e trottole ( Ritorno in un paese straniero, 1974–1975, sinfonietta L.Janachek, 1987; Luogo frequentato di frequente K.Chavez; Momento di dormire Takemitsu. Altre compagnie del paese: il "teatro 3" olandese, il balletto olandese "Scapino" sotto la direzione di N. Kriste (Rotterdam).

Svezia.

La Svezia ha anche sviluppato forme alternative di balletto al classico, con coreografi svedesi in prima linea nel pensiero della danza. La prima compagnia di balletto svedese operò a Parigi dal 1920 al 1925 sotto l'audace sperimentatore Jean Berlin (1893-1930). Nel 1949-1950 e nel 1963-1964 diresse anche il Royal Swedish Ballet; nel 1951-1952 e nel 1960-1963 questo incarico fu ricoperto da E. Tudor ( echeggiano le trombe alla musica B.Martin, 1963). Nel 1946-1947 la troupe fu diretta da Birgit Kuhlberg (nata nel 1908, studentessa di K. Joss e M. Graham). Nel 1967 ha creato la compagnia Kuhlberg balle, dove ha messo in scena il famoso balletto Freken Julia su musica di T.Rangström, così come i balletti Medea Bartok (1950), Romeo e Giulietta Prokof'ev (1969). Il suo stile è una combinazione di danza classica e moderna, grottesca e pantomima. Mats Ek (nato nel 1945), figlio di Kuhlberg, ha rilevato la compagnia nel 1990 con produzioni postmoderne non convenzionali di balletti Gisella E Il lago dei cigni. Ek è uno dei creatori dell'estetica postmoderna (teoria delle allusioni, codifica, polistilistica). Il suo stile è un gioco ironico con trame classiche, citazioni, canoni di danza, che crea l'effetto di eliminare i cliché e dare uno sguardo nuovo ai classici.

Danimarca.

Il Danish Royal Ballet è uno dei più antichi d'Europa. Il compito principale dei coreografi danesi era preservare la scuola di Bournonville, e grazie a Hans Beck (1861–1952) ( Coppelia, 1896) fu completato, ma, d'altra parte, l'ulteriore sviluppo cessò. Nel 1932–1951, durante il periodo del regista Harald Lander (1905–1971), lavorò a teatro Vera Volkova (1904–1975), la più grande esperta del sistema Vaganova in Occidente. Durante questo periodo, la scuola danese uscì dall'isolamento, liberò i famosi ballerini P. Martins ed E. Brun. Eric Brun (1928-1986), si distingueva per un modo di ballare sobrio, raffinato e allo stesso tempo maschile. Ha ballato ruoli da protagonista in balletti classici nei teatri di Stati Uniti, Canada ed Europa. Dal 1967 al 1971 ha diretto il Royal Swedish Ballet e negli anni '80 il National Ballet of Canada. Balletti romantici classici messi in scena Piccolo Concerto GG Gulda (1953), edizioni proprie Gisella(1959), silfidi(1964), coppelia (1975).

Canada.

La compagnia principale, il National Ballet of Canada, è stata fondata a Toronto nel 1951 da Celia Franca (nata nel 1921), una ballerina delle compagnie inglesi Balle Rambert e Sadler's Wells Balle. Ha creato una scuola di danza classica basata sui principi dell'inglese. Ha guidato la compagnia fino al 1974, quando Brun e Baryshnikov hanno ballato a teatro. Nel 1996, James Kudelka (nato nel 1955), uno dei coreografi più interessanti, divenne il capo del teatro. C'è una tradizione nel teatro per invitare ballerini russi. Dal 1994, V. Malakhov ha lavorato nel National Ballet, A. Ratmansky ha ballato nella compagnia del Royal Winnipeg Ballet, fondato nel 1938. Nel 1957, il Great Canadian Ballet è stato creato a Montreal.

Altri paesi.

Il balletto di paesi con un ricco passato coreografico (Austria, Italia) è attualmente alla periferia delle idee di balletto. I teatri musicali di Vienna e Milano danno priorità all'opera. Sebbene in Italia esista una secolare scuola di danza virtuosa, le ballerine di talento, di regola, si realizzano all'estero (Carla Fracci, nata nel 1936), Alessandra Ferrucci, nata. 1963), e il balletto italiano è sull'orlo della sopravvivenza.

Nella seconda metà del XX secolo il balletto è penetrato in paesi in cui le tradizioni della danza popolare sono forti. In Spagna, il Ballet Lirico Nacional è apparso sotto la direzione dell'ex artista del teatro di danza olandese Nacho Duato (nato nel 1957), in America Latina c'erano « National Ballet of Cuba" (1948), creato dalla ballerina "American Balle" Alicia Alonso, "Argentine Ballet", fondato dal ballerino dello stesso teatro, Julio Bocca (nato nel 1967). Le compagnie di balletto sono apparse in Giappone, dove sia il balletto classico che la danza moderna sono popolari: il Tokyo Ballet (1964), il gruppo KARAS di Saburo Teshidawa (1985) sono aperti a tutte le aree, dalla classica allo spettacolo.

Balletto russo.

Il balletto in Russia, come in Europa, è nato come arte di corte sotto lo zar Alexei Mikhailovich. Il primo balletto russo è considerato Balletto su Orfeo ed Euridice(1673, musica di G. Schutz, coreografo N. Lim, Commedia Khoromina nel villaggio di Preobrazenskij, Mosca). Nel 1738 fu aperta la Scuola di balletto di San Pietroburgo (ora Accademia di coreografia intitolata ad A.Ya. Vaganova). I coreografi della scuola di J. B. Lande e A. Rinaldi hanno messo in scena un divertissement di balletto nell'opera alla corte di Anna Ioannovna al Teatro Hermitage Il potere dell'amore e dell'odio(1736). In futuro, entrambi hanno lavorato come coreografi di corte. Dal 1760, il balletto russo si è sviluppato nella corrente principale del teatro europeo del classicismo. Austriaci e italiani sono stati coreografi, compositori e scenografi.

Nel 1759-1764 lavorarono in Russia i famosi coreografi F. Hilferding (1710-1768) e G. Angiolini (1731-1803), che misero in scena balletti su soggetti mitologici ( Semira dopo la tragedia di A.P. Sumarokov, 1772). Nel 1773 fu aperta una scuola di balletto ea Mosca un dipartimento di balletto presso la Moscow Educational House, base della futura Accademia di coreografia di Mosca. La compagnia di Mosca, creata come pubblica, godeva di maggiore indipendenza rispetto alla compagnia ufficiale di San Pietroburgo. L'arte della compagnia di Pietroburgo era più cortese, severa e accademica, mentre il balletto di Mosca era più democratico e poetico, impegnato nella commedia e nei balletti di genere ( Divertimento natalizio, G. Angiolini, 1767). Le differenze persistettero anche più tardi: il balletto di Leningrado si distingue ancora per il rigore classico, l'accademismo, la sbalzo della danza, mentre il balletto di Mosca si distingue per la bravura, un salto potente e l'atletismo. Il drammaturgo Sumarokov ha chiesto il diritto di creare il proprio teatro di stato a Mosca, ma Caterina II nello stesso anno ha concesso il monopolio dell'organizzazione del teatro al principe P.V. Urusov e al suo compagno inglese M.G. Maddox. Dall'impresa organizzata nel 1776 da Maddox e Urusov (Teatro Petrovsky), il Teatro Bolshoi di Mosca guida il pedigree. La compagnia Maddox è stata creata sulla base della compagnia precedentemente esistente di N.S. Titov (1766–1769), il teatro dell'Università di Mosca. Nel giorno dell'inaugurazione del Teatro Petrovsky, il 30 dicembre 1780, il coreografo austriaco L. Paradis, arrivato in Russia con la compagnia Hilferding, mise in scena un balletto di pantomima negozio di magia. Negli anni Ottanta del Settecento arrivarono dall'Italia in Russia i coreografi F. Morelli, P. Pinyuchi, J. Solomoni. messo in scena al Teatro Petrovsky, così come nelle compagnie di servi di N.P. Sheremetyev e N.B. Yusupov, lussuosi divertissement, eseguiti come aggiunta all'opera o al dramma. I balletti su temi nazionali erano popolari: semplicità rustica, pittura rustica,Balletto gitano,Cattura di Ochakov(tutto - 1 terzo del XIX secolo). Tra le produzioni di Solomonini, il più famoso coreografo che lavorò a Vienna con Noverre, il balletto di quest'ultimo Medea e Giasone, 1800, Teatro Petrovsky, Balletto americano o cannibali sconfitti, 1790, Kuskovo, poi Teatro Petrovsky. Dal 1800 Solomonini è stato capo coreografo del Teatro Petrovsky. Nel 1800 ha impostato Una vana precauzione nella coreografia di J. Dauberval sotto il titolo Vecchia donna ingannata.

A San Pietroburgo, il primo teatro pubblico Bolshoi (Pietra), poi il Teatro Imperiale Mariinsky, aprì nel 1783. Nel 1803 la sua compagnia di balletto si separò dall'opera, occupando una posizione privilegiata tra gli altri generi teatrali. Il balletto godeva di sovvenzioni statali ed era subordinato alla direzione dei teatri imperiali.

A cavallo tra il XVIII e il XIX secolo. è giunto il momento per l'istituzione del balletto russo. Apparvero i compositori nazionali AN Titov, SI Davydov, K.A. Kavos, FE Scholz, così come il primo coreografo russo II Valberkh (1766-1819). Ha combinato le tradizioni della danza popolare russa con la pantomima drammatica e la tecnica virtuosistica del balletto italiano. Lavorando in linea con il sentimentalismo, Walberg ha messo in scena il primo balletto su un tema nazionale: un melodramma Nuovo Werther Titov, 1799. Durante la guerra del 1812 si diffusero popolari divertissement patriottici e Valberg organizzò un balletto a San Pietroburgo Amore per la Patria Kavos, basato sulla danza popolare russa. Nel 1812, il genere del divertissement conobbe un aumento, grazie al quale i ballerini A.I. Kolosova (1780–1869), T.I. Glushkovskaya (1800–1857), A.I.

L'evento più importante per il balletto russo è stato l'arrivo in Russia di un importante coreografo preromantico Sh. L. Didlo (ha lavorato a San Pietroburgo nel 1800-1809, 1816-1829). Ha messo in scena balletti anacreontici Zefiro e Flora (1808), Amore e Psiche (1809), Aci e Galatea(1816), così come balletti su argomenti storici, comici e quotidiani: giovane tordo (1817),Ritorno dall'India o gamba di legno(1821). Didlo divenne il fondatore del genere del balletto anacreontico, dal nome dell'antico poeta Anacreon, il creatore del genere dei testi d'amore. M. I. Danilova (1793–1810), E. A. Teleshova (1804–1857), A. S. Novitskaya (1790–1822) divennero famosi nei balletti di Didlo. Sotto la sua guida iniziò a formarsi la scuola di balletto russa, mise in scena più di 40 balletti, passando gradualmente dai temi mitologici alle moderne materie letterarie. Nel 1823 stabilì Prigioniero del Caucaso basato su una poesia di A.S. Pushkin, ha collaborato con il compositore Kavos. A. I. Istomina (1799-1848) ha brillato nelle sue esibizioni, la cui danza è stata cantata da Pushkin, descrivendola come "un volo pieno di anima". L'arte di Istomina prefigurava l'inizio del balletto romantico russo e incarnava l'originalità della scuola russa, incentrata sull'espressività emotiva.

Dopo l'espulsione dei francesi nel 1812, la scuola di balletto russa fu guidata da A.P. Glushkovsky (1793–1870), seguace di Walberg e Didelot. Le sue attività hanno costituito un'epoca nella storia del balletto russo. Durante la guerra del 1812 mise in scena 18 balletti e un gran numero di divertissement (melodrammi, balletti anacreontici, balletti di Scholz Ruslan e Ludmilla basato su una poesia di Pushkin, 1812 e Tre cinture, o Sandrillon russo, 1826 basato sulla ballata di V.A. Zhukovsky). Ha combinato con successo le possibilità della pantomima e della danza, è diventato il primo teorico e storico del balletto russo, ha allevato una galassia di studenti: D.S. Lopukhina (1806–1855), I.K. Lobanova (1797–1840) e altri. e l'insegnante F. Gyullen-Sor (Richard) (1805–1860), una ballerina francese arrivata a Mosca nel 1823 ( Zefiro e Flora, 1815,Sandillon F. Sora, 1825, Festa delle Muse, 1825). Ha avuto una grande influenza sulla formazione delle individualità di E.A. Sankovskaya (1816–1878), TS Karpakova (1812–1842).

Primo terzo del XIX secolo - il tempo in cui è stata costituita la scuola nazionale di balletto. Al Teatro Bolshoi di Mosca, su un palcoscenico ben attrezzato, hanno dominato le magnifiche stravaganze di A. Blanc e A. Tityus. L'esecuzione di scene di balletto nelle opere di Glinka ha preparato il balletto russo per lo sviluppo sinfonico delle immagini. Di grande importanza furono le visite di M. Taglioni nel 1834–1842 e di F. Elsler nel 1848–1851. Gli anni 1830-1840 sono il periodo del romanticismo nel balletto russo. A San Pietroburgo, E.A. Andreyanova (1819–1857) divenne la migliore ballerina romantica, a Mosca - E. Sankovskaya, che è considerata la prima tra le grandi ballerine russe. Ha preso lezioni di recitazione da M.S. Shchepkin, i suoi ruoli migliori: Sylphide, Esmeralda, Ondine (Vergine del Danubio), Elena Wardeck (Katharina, la figlia del rapinatore). I contemporanei la chiamavano l'anima del balletto di Mosca. Il balletto di San Pietroburgo nel 1848-1859 era diretto dal leader del romanticismo J. Perrot. Il romanticismo è durato più a lungo in Russia che in Occidente; Il balletto russo ha goduto per molti anni del patrocinio della corte ed è rimasto un'arte di corte. Quando il realismo arrivò ad altre forme d'arte negli anni '60 dell'Ottocento, il balletto russo mantenne il suo orientamento romantico già conservatore. Petipa iniziò nello stile del romanticismo (l'atto delle ombre in La Bayadère A. Minkus, 1877, balletti Re Candaulo C. Puni, 1868, Don Chisciotte Mincus, 1869, La figlia del faraone Ts. Puni, specchio magico A. Koreshchenko), in cui ha continuato il processo di sinfonia della danza. Il più grande coreografo di quel periodo fu A. Saint-Leon (1821–1870). Nel 1859-1869 prestò servizio a San Pietroburgo ( Coppelia L. Delibes, Il cavallino gobbo C. Puni). Erano gli anni del predominio del divertissement e degli effetti scenici, ma allo stesso tempo C. Blazis lavorava a San Pietroburgo, affinando la tecnica e il vocabolario del balletto russo. Sotto di lui, la danza fu finalmente divisa in classica e caratteristica. Tra le ballerine che ballavano in quegli anni, spiccano M. N. Muravyova (1838–1879), ballerina V. F. Geltser (1840–1908).

Nel 1882 fu abolito il monopolio dei teatri imperiali, di conseguenza arrivarono al balletto russo virtuose ballerine italiane: Virginia Zucchi (1847-1930), Pierina Legnani (1863-1923), Carlotta Brianza (1867-1930), Antonietta Dell'Era. Hanno svolto un ruolo importante nella creazione del balletto accademico e hanno interpretato i ruoli principali nei balletti messi in scena da Petipa. Arrivato nel 1847 dalla Francia e diventando il capo coreografo del Teatro Mariinsky nel 1862, Petipa creò gruppi di danza classica, ne approvò le forme canoniche (adagio, pas de deux, suite da ballo, grand pas, coda finale), sviluppò il principio di simmetria in la costruzione di un corpo di ballo, contrasto contrasto tra massa e danza solista. Petipa ha continuato il processo di sinfonia della danza ed è venuto a collaborare con i compositori sinfonici Ciajkovskij e Glazunov (in precedenza, i coreografi lavoravano con compositori di corte a tempo pieno invitati dall'estero: il ceco L. Minkus e l'italiano Ts. Puni , che pensava ancora in termini di divertissement balletto). La fruttuosa collaborazione ha portato a capolavori dell'arte coreografica, che ancora oggi costituiscono la base del repertorio di qualsiasi teatro di balletto: bella addormentata (1890),Schiaccianoci(1892),Il lago dei cigni(1895) Čajkovskij, Raimondo(1898), Le stagioni E Padrona Cameriera Glazunov, 1900. Tutti questi sono i vertici del sinfonismo del balletto. Prima produzione Il lago dei cigni Il coreografo ceco V. Reisinger nel 1877 non ebbe successo. Nel processo di preparazione di questi balletti multi-atto, si sviluppò un tipo di grande balletto (accademico). L. Ivanov, il secondo coreografo del Mariinsky Stage, è andato ancora oltre, già oltre i limiti dell'accademismo, componendo scene poetiche di cigni (secondo e quarto atto Il lago dei cigni, 1895) e la danza del fiocco di neve Schiaccianoci, 1892). Avendo sviluppato la danza del corpo di ballo, Ivanov ha trasformato il balletto delle fiabe in una parabola filosofica. La sua coreografia ha continuato le tradizioni del balletto romantico "bianco" dell'inizio del XIX secolo. e prefigurava lo stile del balletto del XX secolo, le sue immagini impressioniste e metaforiche. Sotto Petipa e Ivanov, il talento performativo di E.O. Vazem (1848-1937), i fratelli N.G. e SG Legat (1869-1937), (1875-1905), M. Kshesinskaya, O.I. Il coreografo spagnolo J. Mendez (1843-1905), che ha innalzato il livello della troupe e ha allevato le individualità di L.A. Roslavleva (1874-1904), l'italiano A.A. Dzhuri (1872-1963), E.V. Tichomirov (1876–1956).

Entro l'inizio del 20 ° secolo nasce la scuola di danza russa, che assorbe elementi della scuola francese di Didlo, della scuola italiana di Blazis, Cecchetti e della scuola danese di H. Ioganson. Di conseguenza, la scuola di balletto russa è diventata la migliore al mondo e il successo delle stagioni russe e della compagnia di balletto russo di Diaghilev ne è stata la prova.

A cavallo tra il XIX e il XX secolo. nell'arte russa regnava l'era della modernità, apparve il teatro di un regista. Il tipo di spettacolare performance multi-atto con scene di pantomima e forme canoniche di danza classica è obsoleto. Per rispettare il concetto estetico della Silver Age, il balletto necessitava di riforme, il cui inizio fu posto dal coreografo del Teatro Bolshoi A.A. Gorsky, che lavorò nel teatro nel 1902-1924. In contrasto con l'accademismo obsoleto, ha proposto un dramma coreografico in cui l'azione scenica era espressa dalla danza ( Figlia di Gudula A.Yu.Simon, 1902, Salambo AF Arendsa, 1910). Nello spirito del coreodramma, Gorsky ha ripetutamente rivisto Il lago dei cigni, Gisella. Sotto Gorsky, le personalità di V.A. Karalli (allo stesso tempo - star del cinema muto, 1886-1972), S.V. Fedorova (1879-1963), A.M. Balashova (1887-1979), O.V. Morkin (1880-1944).

Gli esperimenti di M.M. Fokin furono ancora più importanti. Ha combattuto contro l'accademismo obsoleto introducendo elementi di vocabolario libero e folcloristico nella danza classica. Ha composto un nuovo tipo di performance: un balletto in un atto con azione attraverso, unità stilistica di musica, coreografia e scenografia e si è concentrato sulla fissazione del momento con metodi coreografici. La performance monumentale è stata sostituita da un balletto in miniatura in un atto. Fokine ha creato balletti per il Mariinsky Stage Evnica, Notti egiziane scena Danze polovtsiane nell'opera di A. Borodin Principe Igor, balletto Padiglione di Armida NN Cherepnina (1907); Chopininana (silfidi) F. Chopin (1908), poi per le "stagioni russe" - Carnevale(1910) e farfalle, (1912) su musica di R. Schumann, poema sinfonico di MN Rimsky-Korsakov Sheherazade(1910), Visione di una rosa KM Weber (1911), Dafni e Cloe M.Ravel (1912). Importanza Fokin ha fornito la scenografia. Gli artisti dell'associazione "World of Art" (L.S. Bakst, A.N. Benois, N.K. Roerich, K.A. Korovin, A.Ya. Golovin), che hanno progettato le produzioni di Fokine, sono diventati i loro coautori a pieno titolo. Il successo dei suoi balletti è stato facilitato dal lavoro dei ballerini: A. Pavlova, T. Karsavina, Nijinsky, Mordkin, A. R. Bolm (1884–1951). Il numero del concerto è diventato un simbolo della coreografia dell'impressionismo cigno C. Saint-Saens (1907), composto da Fokine per Pavlova. Nonostante il suo enorme successo, l'impressionismo del balletto si è rivelato uno stile storicamente limitato: cercando di trasmettere le più sottili sfumature di umore in movimento, ha perso il suo contenuto. La collaborazione di Fokine con Pavlova e Karsavina si è rivelata di breve durata. Nel 1909, Pavlova creò la sua compagnia, "Queen Colombine" Karsavina tornò al balletto classico.

Stagioni di balletto di Diaghilev.

Dal 1909, il talentuoso uomo d'affari S.P. Diaghilev organizza il tour annuale del balletto russo a Parigi, chiamato Russian Seasons. Per le stagioni russe, Fokine ha trasferito le sue produzioni al Teatro Mariinsky a Parigi ( Chopininana chiamato nella versione parigina Silfidi,Notti egiziane - Cleopatra) e ha messo in scena i balletti di Stravinskij Uccello di fuoco(1910) e Prezzemolo(1911), che furono un clamoroso successo. Dopo la partenza di Fokine da Diaghilev, Nijinsky mise in scena altri due balletti di Stravinsky, ( Pomeriggio di un fauno, 1912; Primavera sacra). Come coreografo, Nijinsky si è rivolto per la prima volta alle forme espressioniste ( Primavera sacra) e senza trama ( Giochi C.Debussy; 1913) balletto. Possedendo un salto fenomenale, ha restituito la priorità alla danza maschile ( Visione di una rosa K. Weber). Nel 1911-1929, Diaghilev fondò la sua compagnia, il balletto russo di Diaghilev, che fece tournée in Europa e negli Stati Uniti. I coreografi di Diaghilev erano L. Myasin (ha messo in scena il balletto cubista Parata(1917) con decorazioni di P. Picasso e musiche di E. Satie su libretto di J. Cocteau, cappello a tre punte(1919) M. de Falla, balletto senza trama o si su musica di N. Nabokov (1928), Donne di buon umore D.Scarlatti, Racconti russi A. Lyadov); Bronislava Nijinska (ha messo in scena i balletti di Stravinskij Racconto sulla volpe (1922); nozze(1923); Pulcino(1920); Mercurio E . Satie (1924) Lani F . Poulenc, (1924), passo d'acciaio S. Prokof'ev, (1927). Nel 1924 Balanchine si unì alla compagnia, che si dedicò nuovamente alla musica di Stravinsky, componendo balletti Fuochi d'artificio, Canto dell'usignolo E Apollo Musagete, 1928, E Palla IN . Rieti, 1925, Gatto A. Sauge, 1927, balletto espressionista di Prokofiev Figliol prodigo , 1929. La musica di Stravinsky per i balletti fu un clamoroso successo. sorgente sacra, dipingendo immagini della Rus' pagana con le sue audaci armonie e ritmi. Nijinsky ha indovinato tema musicale Sorgenti, traducendolo in en dedans (posizione “chiusa” delle gambe: calzini e ginocchia sono accostati). dodecafonia Stravinskij aprì nuovo stadio nella musica mondiale. Nel 1916 continuò il tema Petrushka in Una bici su una volpe, un gallo, un gatto e una pecora. Dall'inizio degli anni '20, Stravinsky tornò al neoclassicismo ( Pulcino, 1919 su musiche di G. Pergolesi), dal 1950 la dodecafonia torna a prevalere nella sua musica ( Agon, 1957). Diaghilev ha ampliato il cerchio opere musicali eseguita come musica da balletto, tra cui Stravinsky, Prokofiev, musica dell'avanguardia francese (compositori dei cosiddetti "Sei": Satie, Fauré, Sauge, Auric, Orff, Poulenc).

Nonostante l'emigrazione di molti artisti eccezionali, le difficoltà della rivoluzione e della guerra civile, le compagnie di balletto di Mosca e San Pietroburgo conservarono il loro repertorio e continuarono a lavorare (E.V. Geltser, V.V. Kriger (1893–1978), E.P. Gerdt (1891 –1975 ), E.M. Lukom (1891-1968). Funzionarono anche le scuole di balletto. il libro Nozioni di base danza classica venerato come una bibbia del balletto. Il metodo di Vaganova, basato sullo studio delle reazioni naturali del corpo, richiede armonia e coordinazione dei movimenti, i suoi studenti si distinguevano per l'ampiezza dei movimenti, un salto impennato e una schiena forte, che permetteva loro di controllare il corpo anche in volo, elevazione a lungo termine, braccia flessibili espressive. Sebbene la stessa Vaganova abbia studiato con Ioganson, un rappresentante della scuola di coreografia danese, non ha incluso la scuola di Bournonville nel suo sistema. Tuttavia, la scuola sovietica, insieme a quella danese, è considerata la migliore nell'addestramento di ballerini maschi, caratterizzati da un potente salto impennato, rotazioni dinamiche, atletismo e capacità di eseguire sollevamenti superiori. Nel 1920, i teatri Mariinsky e Bolshoi ricevettero lo status di teatri accademici e furono ribattezzati GATOB e Teatro Bolshoi.

Gli anni '20 sono l'epoca delle avanguardie russe, degli esperimenti e delle ricerche in tutti i settori dell'arte. Si è dichiarata una nuova generazione di coreografi. Gorsky ha continuato a lavorare al Teatro Bolshoi ( Il lago dei cigni, 1920;Stenk Razin, 1918;Gisella, 1922;Fiori sempre vivi B. Asafiev, 1922). K.Ya Goleizovsky, che ha creato il Moscow Chamber Ballet, ha iniziato i suoi esperimenti ( Fauno C.Debussy, 1922). Nel 1925 mise in scena un balletto al Teatro Bolshoi Giuseppe il Bello S. N. Vasilenko nei costumi d'avanguardia di B. R. Erdman.

A Pietrogrado, la compagnia del Teatro Mariinsky era guidata da F.V. Lopukhov. Ha messo in scena una sinfonia da ballo La grandezza dell'universo sulla musica di Beethoven (1922), balletto allegorico rivoluzionario turbinio rosso VM Deshevy (1924), balletti di Stravinsky Pulcino (1926), Una storia su una volpe, un gallo, un gatto e una pecora (1927), SchiaccianociČajkovskij nello scenario costruttivista di V.V. Dmitriev (1929). Lopukhov è stato uno sperimentatore eccezionale e ha introdotto con coraggio un nuovo vocabolario: elementi di acrobazie e sport, rituali popolari e giochi. Ha introdotto il supporto superiore della ballerina su un braccio nella danza maschile. Questo elemento è diventato uno dei tratti distintivi dello stile sovietico nel balletto.

Nella Mosca democratica, sotto l'influenza della moderna danza Duncan, numerosi studi di danza plastica libera e ritmico-plastica di L.I. Lukin, V.V. Maya, I.S. Chernetskaya, N.S. Gremina e N.N. Rakhmanov, L.N. IN « Mastfore" di N. Foregger ha sperimentato "danze di macchina", gli studi "Geptakhor", "Young Ballet" di G. M. Balanchivadze (Balanchine) hanno lavorato a Pietrogrado. È stato creato un laboratorio coreologico presso l'Accademia statale di scienze artistiche (GAKhN), che ha affrontato i problemi teorici della danza libera.

AN Ermolaev, VM Chabukiani, AF Messerer sono diventati famosi nella danza maschile . Nella danza femminile, M.T. Semenova, O.V. Lepeshinskaya, T.M. Vecheslova (1910–1991), N.M. Dudinskaya erano in testa, G.S. Ulanova, K.M.Sergeev, M.M.

Dal 1932, lo stile del realismo socialista è diventato l'unico possibile in tutte le forme d'arte. Una performance della trama in più atti è tornata al balletto ( Papavero rosso RM Glier diretto da VD Tikhomirov e LA Lashchilin, 1927). Il Teatro Bolshoi divenne il primo teatro di balletto del paese, la personificazione dello stile di balletto sovietico (danza eroica, a sbalzo, emotiva). Il Teatro dell'Opera e del Balletto di Leningrado (dal 1935 intitolato a S.M. Kirov) ha conservato le tradizioni accademiche del balletto classico. La richiesta di realismo nel balletto, la tendenza al centrismo letterario, portarono negli anni '30 alla rinascita del coreodramma o del balletto drammatico, dove la pantomima psicologizzata o danzata dominava la danza. Coreodramma sovietico degli anni '30 -'40 - una performance di trama con una predominanza di danza del personaggio, caratterizzato da uno splendore messo in scena. Tutto ciò che va oltre il realismo è dichiarato formalismo ( Flusso leggero Lopukhov-Shostakovich, 1935). I coreografi V. I. Vainonen, R. V. Zakharov, L. M. Lavrovsky hanno lavorato nel genere del balletto drammatico. I balletti più famosi Fontana Bakhchisarai, 1934; Illusioni perdute, 1935; Cavaliere di bronzo , 1949 diretto da Zakharov (l'apoteosi dello stile fu la scena dell'alluvione quando il palcoscenico del Bolshoi si trasformò in un lago); Prigioniero del Caucaso, 1938; Romeo e Giulietta, 1940; Cenerentola, 1949 S. Prokofiev diretto da Lavrovsky; Fiamme di Parigi, 1932 Vainonen; Laurencia, 1939 Chabukiani. I coreografi di Dramballet hanno abbandonato i grandi ensemble classici. I compositori-sinfonici hanno lavorato nel campo del coreodramma: B. Asafiev, R. Glier, A. Crane, A. Khachaturian. In connessione con il ruolo crescente della pantomima, negli anni '30 prese forma una nuova scuola di spettacolo, caratterizzata da talento recitativo, profondità psicologica, che raggiunse il suo apogeo nell'opera di Ulanova.

Negli anni '30 e '40 sorsero nuovi teatri di balletto: la compagnia del Musical Theatre intitolata a K.S. Stanislavsky e V.I. Teatro dell'Opera di Maly (MALEGOT) a Leningrado. Apparvero nuovi coreografi N.S. Kholfin (1903–1979), VP Burmeister (1904–1971), Mosca, BA Fenster (1916–1960), Leningrado. Un coreografo eccezionale era Burmeister, che ha lavorato nel 1941-1960, 1963-1970 nel teatro musicale di Mosca di Stanislavsky e Nemirovich-Danchenko ( Tatiana UN . Creina, 1947; Spiaggia della felicità A. Spadavecchia, 1948; edizione originale Il lago dei cigni, 1953; Esmeralda Puni, 1950; Straussiano, 1941; Vergine delle NeviČajkovskij, 1963). L'elemento di Fenster era il balletto comico e il balletto per bambini ( Lo sposo e la giovinezza immaginari MI Chulaki; 1949 Dottor Aibolit, I. Morozova, 1948, MALEGOTH). Apparve una nuova galassia di ballerini V.T.Bovt (1927–1995), MM –1998) e altri.

Dagli anni '20, i teatri musicali operano anche a Sverdlovsk, Perm, Saratov, Gorky, Kuibyshev, nonché nelle capitali delle repubbliche dell'Unione. Dalla metà degli anni '50, sono emerse scuole di balletto nei teatri di Perm e Sverdlovsk.

All'inizio degli anni '50, c'era bisogno di riforme del balletto. Nel 1956 ebbe luogo la prima tournée straniera della Bolshoi Ballet Company a Londra, che ebbe un enorme successo, ma allo stesso tempo rivelò che la coreografia sovietica era in ritardo rispetto alla coreografia occidentale.

I coreografi di Leningrado furono i primi a intraprendere la strada delle riforme: Yu.N. Grigorovich ( Fiore di pietra SS Prokofiev, 1957; La leggenda dell'amore A. Melikov, 1961 in GATOB loro. Kirov), I.D. Belsky (nato nel 1925) ha messo in scena balletti Riva della Speranza AP Petrova, 1959; Sinfonia di Leningrado DD Shostakovich, 1961; Il cavallino gobbo R.K. Shchedrin, 1963), L.V. Yakobson nel 1969 creò l'ensemble "Choreographic Miniatures". Hanno restituito la danzabilità al balletto, arricchito il vocabolario della danza con elementi acrobatici, ravvivato la danza di massa, generi precedentemente dimenticati di un atto unico, balletto sinfonico e ampliato i temi dei balletti.

F. Lopukhov e K. Goleizovsky sono tornati alla creatività. O.M. Vinogradov (nato nel 1937) ha lavorato nella nuova estetica ( Cenerentola, Romeo e Giulietta, 1964–1965; Assel V.A.Vlasova, 1967, Teatro dell'Opera e del Balletto di Novosibirsk; Goryanka musica di MM Kazhlaev, 1968; Jaroslavna musica di B.I.Tishchenko, 1974, MALEGOT), N.D.Kasatkina (nato nel 1934) e V.Yu.Vasilev (nato nel 1934), che ha creato il Moscow Classical Ballet Ensemble nel 1977, dal 1992 - il balletto classico del Teatro di Stato" ( Gayane Khachaturian, 1977; creazione del mondo Petrova, 1978; Romeo e Giulietta Prokofieva, 1998, ecc.); G.D. Aleksidze (nato nel 1941), sviluppando il genere delle sinfonie da ballo ( orestea, 1968; Suite scita Prokof'ev, 1969; Tema con variazioni Brahms; Concerto in fa maggiore Vivaldi; nel 1966-1968 per il Leningrad Chamber Ballet Theatre nel 1966-1967 ha creato programmi di balletto Aforismi alla musica Shostakovich; Metamorfosi Britten, poi fece rivivere il balletto Rameau India galante; Pulcino Stravinskij e Figliol prodigo Prokofiev, entrambi - 1978); B.Ya Eifman (nato nel 1946), sperimentato nei teatri Kirov e Maly Opera ( Uccello di fuoco Stravinskij, 1975, Idiota alla musica Sinfonia 6 di Čajkovskij, 1980; Maestro e Margherita Petrova, 1987; nel 1977 ha creato il Teatro del Balletto di Pietroburgo. Il coreografo di Leningrado D.A. Bryantsev (nato nel 1947), che ha iniziato la sua carriera al Kirov Theatre, nel 1985 ha diretto la compagnia di balletto del Musical Theatre. Stanislavskij e Nemirovich-Danchenko ( Una tragedia ottimista M. Bronner, 1985; Corsaro Adana, 1989; Otello A.Machavariani, 1991). Nel 1966, a Mosca, I.A. Moiseev organizzò il "Young Ballet" (dal 1971 - "Classical Ballet"), il primo ensemble di concerti coreografici nell'URSS.

Il leader della nuova ondata era Grigorovich, il maestro della metafora della danza nel soggetto del balletto. Con il suo arrivo al Teatro Bolshoi nel 1964, il teatro conobbe un decollo, il cui culmine furono le sue produzioni: Schiaccianoci, 1966 e Spartaco Khachaturian, 1968. Per il Teatro Bolshoi ha composto la versione originale Il lago dei cigni(1968), più edizioni bella addormentata, (1963, 1973), nel 1975 messo in scena un balletto Ivan groznyj, v 1979 – Romeo e Giulietta sia sulla musica . Prokofiev, Angara A.Eshpay, nel 1982 - l'età d'oro Shostakovich. Nei balletti di Grigorovich, i duetti di N.I. Bessmertnov - L.M. Lavrovsky (nato nel 1941), E.S. Maksimova - V.V. Vasilyev divennero famosi, il talento di M.E. Sorokina (nato nel 1942), N.V. All'inizio degli anni '80, le nuove esibizioni di Grigorovich apparivano sempre meno, mentre i balletti di altri registi (Plisetskaya, Kasatkina e Vasilev, Vasilyev, Vinogradov, A. Alonso ) si facevano strada sul palco con difficoltà. Infatti, il Teatro Bolshoi era in crisi a causa del monopolio di un coreografo, mentre tutti i teatri di balletto del Paese erano uguali al Bolshoi. Le tecniche innovative, diventate canoni immutabili, sono diventate un cliché. Se la coreografia straniera non è penetrata nel Teatro Bolshoi, allora il Teatro Kirov, con l'arrivo di O. Vinogradov (1977), è diventato più aperto alle tendenze mondiali. Sotto di lui, nel repertorio apparvero balletti di Balanchine, Robbins e Tudor, Macmillan, Neumeier, Bournonville, una serata di coreografie antiche di P. Lacotte si tenne da frammenti precedentemente sconosciuti di balletti di Perro, Taglioni, Saint-Leon, Petipa.

Nel 1960-1970 apparve nuova ondata ballerini di talento: Yu.V. A. Kolpakova (nata nel 1933), N. A. Dolgushin (nata nel 1938), A. E. Osipenko (nata nel 1932), F. S. Ruzimatov (nata nel 1963), A. I. Sizova ( nata nel 1939), Yu. V. Soloviev (1940–1977). M. Plisetskaya ha continuato a lavorare. Per lei, A. Alonso ha creato Suite Carmen, R. Petit- La morte della rosa Mahler, Bejart Isadora E Bolero. Come coreografa, ha messo in scena i balletti di R. Shchedrin: Anna Karenina, 1972; Gabbiano, 1980;Signora con un cane, 1984. V. Vasiliev si è esibito come coreografo: Anyuta, V.Gavrilina, 1986; Romeo e Giulietta, 1990; Macbeth K. Molchanova, 1980; Gisella, Il lago dei cigni, 1999.

Apparve una nuova generazione di compositori: RK Shchedrin, Petrov, MM Kazhlaev, NNNN Karetnikov, KS Khachaturian, ABBronner, Eshpai. Mosca, San Pietroburgo, la regione degli Urali (Perm, Ekaterinburg, Chelyabinsk) occupano un posto di primo piano nella geografia del balletto. A Perm si è sviluppata una forte scuola di danza classica. Diplomata alla Perm Choreographic School N.V. Pavlova (nata nel 1956) nel 1973, che ha ricevuto il Gran Premio del Concorso di balletto di Mosca, è diventata una delle principali ballerine liriche del Teatro Bolshoi, nel periodo post-sovietico, danza moderna originale le truppe apparvero a Perm e Chelyabinsk.

Il crollo dell'Unione Sovietica e la conseguente crisi economica portarono enormi disagi alle compagnie di balletto, fino ad allora generosamente sovvenzionate dallo Stato. Molti ballerini e insegnanti hanno lasciato il paese per stabilirsi negli Stati Uniti, in Inghilterra, in Germania e in altri paesi occidentali.

Con la fine dell'era di Grigorovich nel 1995, il Teatro Bolshoi ha vissuto una crisi associata al personale mal concepito e alla politica economica del teatro. Il balletto russo ha saltato diverse generazioni dell'evoluzione della coreografia europea e attualmente sta vivendo una carenza di idee di danza. Allo stesso tempo, il livello della scuola dello spettacolo è stato preservato. C'erano personalità brillanti come N.G.Ananiashvili, M.A.Aleksandrova, A.A.Antonicheva, D.V.Belogolovtsev, A.Yu.Bogatyrev, A.N.Vetrova, N.A.Gracheva, D.K. .Gudanov, S.Yu.Zakharova, Yu.V.Klevtsov, Ilze e Maris Liepa, NMTsiskaridze (Teatro Bolshoi); D.V. Vishnevaya, UV Lopatkina, IA Nioradze (Teatro Mariinsky); M.S.Drozdova, N.V.Ledovskaya, T.A.Chernobrovkina, V.Kirillov, A.Domashev, G.Smilevsky, V.Dik (teatro musicale intitolato a Stanislavsky e Nemirovich-Danchenko).

Dopo il 1991, il balletto russo ha iniziato a padroneggiare l'esperienza del balletto occidentale nel campo della plastica moderna, jazz e libera. Il Teatro Bolshoi sta attivamente mettendo in scena balletti di coreografi occidentali ( silfide a cura di EM von Rosen, Danimarca, 1994; Sinfonia in do maggiore,Agon,mozartiana Balanchine, 1998–1999; regina di spade alla musica della sesta sinfonia di Čajkovskij, Passacaglia Webern, 1998; Cattedrale di Notre Dame Piccolo, 2003; La figlia del faraone Lacotta, 2000; Una futile precauzione F. Ashton, 2002; Un sogno in una notte d'estate Neumeier, 2004). Anche prima, il Teatro Mariinsky si è rivolto ai balletti di Balanchine. Per mettere in scena un balletto Figliol prodigo Il teatro S. Prokofiev ha ricevuto il premio Golden Mask nel 2003. Nello stesso anno, per la prima volta, il teatro ha mostrato tre famosi balletti Forsyth: steptext alla musica di Bach Un vertiginoso rapimento di precisione alla musica di Schubert e Dove pendono le ciliegie dorate su musiche di T. Willems e L. Stuk. Ricostruzioni popolari di vecchie produzioni: bella addormentataČajkovskij, baiadera Minkus, 1991 al Teatro Bolshoi, Il lago dei cigni al Mariinskij Coppelia L. Delibes a Novosibirsk, L'esperienza di A. M. Liepa nel restauro dei balletti di Fokine, 1999 ( Prezzemolo, scena Danze polovtsiane,Sheherazade). D'altra parte, i classici russi e sovietici non solo vengono restaurati, ma sono sottoposti a interpretazioni modernizzate ( Don Chisciotte a cura di Fadeechev, 1999, Flusso leggero E Bullone Shostakovich nell'edizione di A. Ratmansky, rispettivamente, 2003 e 2005, Romeo e Giulietta R. Poliktaru, 2004, tutto - Teatro Bolshoi, Schiaccianoci K.A.Simonova, 2002, (regista e scenografo M.M.Shemyakin), Cenerentola Ratmansky, 2003, entrambi - Teatro Mariinsky, Romeo e Giulietta, 1997 E Schiaccianoci, 2000, al Teatro di Perm "E. Panfilov's Ballet".

La pratica del lavoro di ballerini e coreografi all'estero è stata legalizzata. Molti ballerini hanno fatto carriera internazionale (I. Mukhamedov, A. Asylmuratova, Ananiashvili, D. Vishneva, Malakhov, V. Derevianko, A. V. Fedotov, Yu. M. Posokhov, I. A. Zelensky, Ratmansky). V. Malakhov, diplomato all'Accademia di coreografia di Mosca, vincitore di concorsi di balletto, è stato nominato miglior ballerino del mondo nel 1997, lavora contemporaneamente in diverse compagnie di balletto straniere, dal 2002 è direttore dello Staatstheater di Berlino Unter den Linden , e si realizza come coreografo. D. Bryantsev continua a lavorare ( La bisbetica domata M. Bronner, 1996; balletti in un atto Bravo,Figaro 1985; Sciti E cowboy D.Gershvin, 1988; La voce solitaria di un uomo Vivaldi, N. Paganini e O. Kitaro, 1990; palla fantasma F. Chopin, 1995; Leggende bibliche, Sulamith V. Besedina e Salomè P.Gabriel, 1997–1998, dama con camelie Verdi, 2001), dal 1994 Bryantsev lavora contemporaneamente come capo coreografo della compagnia di balletto da camera di San Pietroburgo; Il Petersburg Ballet Theatre di B.Ya.Eifman ha acquisito lo status di accademico statale ( Amleto russo Beethoven-Mahler, 1999; Requiem Mozart 1998; Karamazov, 1995 su musiche di Rachmaninov, Wagner, Mussorgsky e canzoni gitane, Chaikovsky, 1995 ("Maschera d'oro"), Teresa Raquin Bach-Schnittke, Don Chisciotte di Minkus,Gisella Rossa alla musica Čajkovskij, La mia Gerusalemme, 1998, musicale Chi è chi, 2004.

Uno dei principali coreografi in Russia è stato Ratmansky (nato nel 1968), che Ananiashvili ha "scoperto" quando era ballerino al Royal Danish Ballet. Ha composto balletti per lei: Incantesimi del Manierismo alla musica di R. Strauss e Sogni sul Giappone ricevuto la Maschera d'Oro. Attualmente, pur continuando a vivere in Danimarca, lavora come direttore artistico del Bolshoi Theatre Ballet ( Flusso leggero Shostakovich, 2002). In scena al Teatro Mariinsky Cenerentola, nel Fadeyechev Dance Theatre - Il balletto di L. Bernstein Lei("Maschera d'oro" -2003). La stessa Ananiashvili ha diretto la propria impresa, nel 2004 è diventata direttrice artistica del Georgian National Ballet e direttrice della Tbilisi Choreographic School. V.Chabukiani. Il coreografo moldavo Radu Poliktaru, che si è diplomato alla Minsk Choreographic School e ha ricevuto il primo premio al concorso di ballerini dal nome. Serge Lifar a Kyiv, 2003, ha messo in scena una versione postmoderna al Teatro Bolshoi Romeo e Giulietta Prokof'ev (2004).

Apparvero compagnie e scuole private indipendenti di varie direzioni: il "Dance Theatre" sotto la direzione di Fadeyechev (un altro nome è "The Ballet Theatre di A. Ratmansky"), il "Imperial Ballet" di G. Taranda, una serie di danza postmoderna teatri (E.A. Panfilova, G.M. Abramova, A.Yu. Pepelyaev). Il primo teatro di balletto privato è stato l'E.Panfilov Experiment Theatre di Perm (1987), nel 2000 ha ricevuto lo status di stato e nome moderno: E.Panfilov's Perm Theatre. Panfilov (1956–2002) ha creato uno stile originale, combinando classico, moderno, jazz e folklore. Ha messo in scena 49 balletti e 70 miniature ( Correre alla musica AG Schnittke, 1988; Maestrale alla musica di K. Orff, 1993; L'uomo in nero, la donna in verde, alla musica Čajkovskij, 1994; Isola morta alla musica Rachmaninov, 1991; Fantasie in colore nero e focoso alla musica IV Mashukov, gruppi Enigma e M. Ravel, 1991; Visione di una rosa Webber, 1994; Gabbia per pappagalli alla musica da balletto Carmen Bizet-Shchedrin, Romeo e Giulietta, Prokof'ev, 1996; Visione di una rosa Webber, Gabbia per pappagalli alla musica dell'opera di Bizet Carmen, Abacuc ... Danza del mistero musica di V. Martynov, 1998; Vari tram, 2001, Blocco alla musica della sinfonia del blocco di D. Shostakovich, 2003). Il Teatro Panfilov è stato uno spettacolo del tutto originale, ha composto non solo la coreografia, ma anche la decorazione, i costumi e l'illuminazione. Oltre alla compagnia principale, a teatro sono state create numerose compagnie ausiliarie, composte non solo da ballerini professionisti ("Ballet of the Tolstoy", dal 1994, "Fight Club", dal 2000, "Belle corps de ballet" , dal 2004). Per uno spettacolo sulla guerra donne, anno 1945, eseguito dal Tolstoy Ballet, il teatro ha ricevuto il premio Golden Mask nella nomination per la migliore innovazione -2000. Panfilov, che morì prematuramente, un audace sperimentatore, fu chiamato il secondo Diaghilev e il coreografo del 21 ° secolo. Dal 2002, il direttore artistico del teatro è S.A. Raynik, uno dei principali ballerini della compagnia.

Da altri teatri di danza moderna (Contemporary Dance) - due volte vincitore del premio Golden Mask "Theatre of Modern Dance" sotto la direzione di V. e O. Pona, (Chelyabinsk, dal 1992; Film mania o c'è vita su Marte, 2001; La regina d'Inghilterra lo sa?, 2004), vincitore del concorso internazionale di danza a Parigi, gruppo "Provincial Dances" sotto la direzione di T. Baganova, (Ekaterinburg, dal 1990, nozze Stravinsky, 1999), Teatro di Mosca "Class of Experimental Plastics" di G. Abramov, coreografo del teatro A. A. Vasiliev, dal 1990, "A. Kukin's Dance Theatre" , dal 1991, il gruppo "Nota bene" di V. Arkhipov, coreografo del teatro "Satyricon", dal 1999. Uno dei teatri di danza più intellettuali della Russia - il gruppo di Mosca "PO.V.S. Dances" (balletto sul pavimento foglie del corpo alla musica elettronica, 2003).

TECNICA DI DANZA CLASSICA

Nella danza classica vengono adottate cinque posizioni delle gambe, eseguite in modo tale che le gambe siano, per così dire, rivolte verso l'esterno (da cui il termine "eversione"). Non si tratta di girare solo i piedi con le dita dei piedi in direzioni diverse, l'intera gamba dovrebbe essere girata a partire dall'articolazione dell'anca. Poiché ciò è possibile solo con sufficiente flessibilità, il ballerino deve esercitarsi quotidianamente e a lungo per imparare ad assumere senza sforzo la posizione richiesta.

Perché hai bisogno di ritrattazione.

In primo luogo, l'eversione consente di eseguire facilmente e con grazia tutti i movimenti laterali. Il ballerino può quindi spostarsi da un lato all'altro, rimanendo di fronte allo spettatore. In secondo luogo, quando si sviluppa la necessaria eversione, le gambe si muovono più facilmente, è possibile sollevare la gamba in aria molto più in alto senza disturbare l'equilibrio del corpo. Quando la gamba è distesa in posizione di eversione, i fianchi rimangono allo stesso livello orizzontale. Se il ballerino non ha l'eversione, allora deve alzare un fianco per dare alla gamba l'opportunità di alzarsi, e in questo caso l'equilibrio è disturbato. Pertanto, l'eversione offre la massima libertà di movimento con il massimo equilibrio. In terzo luogo, a causa dell'eversione, le linee del corpo e l'aspetto generale del ballerino diventano più attraenti.

Posizioni della danza classica.

Prima posizione: Piedi che si toccano con i talloni e le dita dei piedi rivolte verso l'esterno, formando una linea retta sul pavimento.

Seconda posizione simile al primo, ma i talloni delle gambe di eversione sono separati l'uno dall'altro dalla lunghezza del piede (cioè circa 33 cm).

terza posizione: i piedi sono adiacenti l'uno all'altro in modo tale che il tallone di un piede sia in contatto con la metà dell'altro piede (cioè un piede copre metà dell'altro). Questa posizione è ora usata raramente.

quarta posizione: I piedi che girano stanno paralleli l'uno all'altro a una distanza di circa un piede (33 cm). Il tallone di un piede dovrebbe essere direttamente davanti alla punta dell'altro; quindi il peso è distribuito uniformemente.

Quinta posizione simile al quarto con la differenza che i piedi si adattano perfettamente l'uno all'altro.

Tutti i passi della danza classica derivano da queste posizioni. Inizialmente, le posizioni vengono eseguite con entrambi i piedi sul pavimento e con le ginocchia tese. Quindi si presentano varie opzioni: puoi piegare una o entrambe le ginocchia (pliés), strappare uno o entrambi i talloni (quando sei in punta di piedi), sollevare una gamba in aria (il ginocchio può essere dritto o piegato), toglierlo dal terra, prendendo una delle posizioni in aria.

Conclusione.

Entro la fine del 20 ° secolo i problemi che deve affrontare l'arte del balletto sono diventati sempre più chiari. Negli anni '80, quando Balanchine, Ashton e Tudor morirono (negli anni '80) e Robbins si ritirò dal lavoro attivo, sorse un vuoto creativo. La maggior parte dei giovani coreografi che lavoravano alla fine del XX secolo non erano molto interessati a sviluppare le risorse della danza classica. Preferivano una miscela di diversi sistemi di danza, con la danza classica che appariva impoverita e la danza moderna priva di originalità nel rivelare le capacità corporee. Nel tentativo di trasmettere ciò che costituisce un essere vita moderna, i coreografi usano la tecnica delle dita come per enfatizzare i pensieri, ma ignorano i tradizionali movimenti delle mani (port de bras). L'arte del sostegno è stata ridotta a una sorta di interazione tra partner, quando una donna viene trascinata sul pavimento, lanciata, girata in cerchio, ma quasi mai sostenuta o ballata con lei.

La maggior parte delle compagnie costruisce il proprio repertorio per includere i classici del XIX secolo. ( silfide, Gisella, Il lago dei cigni, bella addormentata), i maestri di balletto più famosi del XX secolo. (Fokine, Balanchine, Robbins, Tudor e Ashton), produzioni popolari di Macmillan, Cranko, Tetley e Kilian e il lavoro di una nuova generazione di coreografi come Forsyth, Duato, Koudelki. Allo stesso tempo, i ballerini ricevono una formazione migliore, come ci sono insegnanti più esperti. Il campo relativamente nuovo della medicina della danza ha dato ai ballerini l'accesso alle tecniche per prevenire gli infortuni.

C'è un problema nell'introdurre i ballerini alla musica. La musica popolare diffusa non conosce la diversità degli stili, in molti paesi l'insegnamento dell'alfabetizzazione musicale è di basso livello, quando si mettono in scena danze, si usano costantemente fonogrammi - tutto ciò ostacola lo sviluppo della musicalità tra i ballerini.

nuovo fenomeno ultimi decenni iniziarono i concorsi di balletto, il primo dei quali si tenne a Varna (Bulgaria) nel 1964. Attirano non solo premi, ma anche l'opportunità di mostrarsi ai giudici che rappresentano le organizzazioni più prestigiose. A poco a poco ci furono più gare, almeno dieci in diversi paesi; alcuni offrono borse di studio invece di denaro. In connessione con la necessità di coreografi, sono sorti anche concorsi per coreografi.

I più famosi concorsi di balletto: Moscow International, Benois de la Dance, Grand Pas, European Festival of Contemporary Dance EDF, (Mosca); Maya, Vaganova prix, Mariinsky, Stars of the White Nights, Exercise Modern (Petersburg), Serge Lifar Ballet Masters Competition a Kiev. Competizioni internazionali balletti si tengono anche a Varna (Bulgaria), Parigi (Francia), Losanna (Svizzera), Osaka (Giappone), Rieti (Italia), Jackson (USA). Numerosi concorsi di danza contemporanea suscitano grande clamore pubblico (Biennale di Danza Contemporanea, Lione, Festival di Danza Contemporanea Pina Bausch (Wuppertal).

Elena Yaroshevich

Letteratura:

Krasovskaya V. , parte 1. Coreografi. L., 1970
Krasovskaya V. Teatro di balletto russo dell'inizio del XX secolo, parte 2. Ballerini. L., 1972
Karpa P. A proposito di balletto. M., 1974
Gaevskij V. Divertimento. Il destino del balletto classico. M., 1981
Krasovskaya V. Teatro di balletto dell'Europa occidentale dalle origini alla metà del XVIII secolo. L., 1983
Krasovskaya V. Teatro di balletto dell'Europa occidentale. Epoca noverre. L., 1983
Krasovskaya V. Teatro di balletto dell'Europa occidentale. preromanticismo. L., 1983
Krasovskaya V. Teatro di balletto dell'Europa occidentale. Romanticismo. L., 1996
Solway D. Rudolf Nureyev sul palco e nella vita. M., 2000



38 Kiseleva Maria. Robber Musil: corpo e parola come modo di conoscere gli eroi // Questioni di letteratura. 2009. N. 3. P. 350.

39 Spengler Osvaldo. Tramonto d'Europa. Saggi sulla morfologia della storia del mondo. T. 1. Gestalt e realtà. M. : Pensiero, 1993. S. 231.

40 Manheim Carl. Ideologia e utopia // Karl Manheim. Diagnosi del nostro tempo. M.: Avvocato, 1994. S. 185.

41 Zamyatin Evg. Paradiso // Zamyatin E.I. Ho paura. Pagina 53.

42 Pozzi Herbert. Utopia moderna. 189.

* Abbiamo conservato questa parola solo sotto forma di metafora poetica: la composizione chimica di questa sostanza ci è sconosciuta.

43 Arendt Hanna. Persone in tempi bui. M. : Scuola di studi politici di Mosca, 2003.S. 21.

44 L'etimologia di Shklovsky è altamente dubbia. Come sai, il nome Mefistofele è possibile, greco. origine - "odiare la luce", da me - no, phos - luce e philos - amorevole; secondo un'altra versione, ebraica. origine - da mefitz - diffondere (portare) e tofel - sporcizia, peccato. Non compare nella Bibbia. Apparso, molto probabilmente, nel Rinascimento.

45 Shklovskij Viktor. Il soffitto di Yevgeny Zamyatin // Shklovsky V. B. Account di Amburgo: articoli, memorie, saggi (1914-1933). M. : Scrittore sovietico, 1990. S. 259.

46 Zamyatin Evgeny. A proposito di lacchè // Zamyatin E.I. Ho paura. Pagina 38.

47 Zamyatin EI HG Wells // Zamyatin EI Izbr. prod. : in 2 volumi T. 2. M .: Khudozh. lit., 1990, p.306.In una recente edizione, questo libro è stato tradotto come "Modern Utopia".

48 Il benefattore, che l'eroe paragona a Jehovah, i “guardiani”, cioè impiegati dei servizi speciali, che il narratore paragona agli angeli custodi. Gli stessi nemici del sistema prendono il nome di "Mephi".

49 Stepun F. A. Il significato religioso della rivoluzione // Stepun F. A. Vita e creatività. Scritti selezionati. M. : Astrel, 2009. S. 486.

50 Florovskij Georgy. Premesse metafisiche dell'utopismo // Georgy Florovsky. Dal passato del pensiero russo. M. : Agraf, 1998. S. 273.

51 Frank S. L. L'eresia dell'utopismo // Frank S. L. Oltre la destra e la sinistra. Parigi: YMCA-Press, 1972. pp. 86-87.

52 Vedi il mio articolo su questo: Dostoevskij, Nietzsche e la crisi del cristianesimo in Europa fine XIX- l'inizio del XX secolo // Questioni di filosofia. 2002. N. 9. S. 54-67.

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Natalya Alekseevna Terentyeva

Università pedagogica statale di Chelyabinsk

IL BALLETTO COME ARTE E FENOMENO DELLA CULTURA: CARATTERISTICHE ESSENZIALI E APPROCCI ALLA DEFINIZIONE

L'articolo rivela le principali caratteristiche essenziali del balletto come fenomeno culturale, analizza i principali approcci culturali necessari per rivelare l'essenza dell'arte del balletto; vengono determinate le specificità della lettura culturale del balletto come sistema socio-culturale.

Parole chiave: balletto, arte del balletto, sintesi delle arti, creatività, messa in scena, spettacolo.

© Terentyeva N.A., 2011.

Il balletto, sia il balletto in generale che uno specifico spettacolo di balletto, può essere definito un fenomeno vita culturale, che ha una lunga tradizione storica e culturale di esistenza, fungendo da fenomeno effettivo cultura artistica società. La meno controversa è la tradizione storica e culturale del balletto, incarnata in una galassia di nomi leggendari di interpreti, ballerini, insegnanti di balletto, coreografi, compositori, direttori e artisti. Per molto tempo, la componente imperiale del balletto russo l'ha considerata una forma speciale di "mistero estetico", accattivante per la sua vivida teatralità, la combinazione di talento di fiaba e realtà, una varietà di tecniche di danza originali, pantomima espressiva e chiara , il genio dell'accompagnamento musicale, i ritmi vivaci dell'azione scenica.

Non è un caso che il significato culturale del balletto in Russia come una sorta di marchio, un "biglietto da visita" estetico dell'arte russa (che è confermato dallo status speciale del Teatro Bolshoi; la definizione tradizionale del balletto come elemento di orgoglio). La parola "balletto" nella nostra mente è associata al teatro: palchi d'oro, file di sedie di velluto, un lampadario scintillante, una fossa dell'orchestra, un pesante sipario che, aprendosi, ci mostra una bellissima immagine del regno delle fate magiche , giovani principi e principesse, cigni incantati, eroi del bene e del male, a volte furbi, a volte tristi, ma sempre indimenticabili.

Considerando il balletto in questo articolo come un fenomeno culturale speciale, è necessario evidenziarne alcuni caratteristiche peculiari definendone la specificità. L'arte del balletto è sincretica e universale: il balletto (forma tradizionale, classica) è impossibile senza musica, inespressivo senza decorazione, povero senza fonte letteraria. L'universalismo del balletto si manifesta più chiaramente nella sua presenza culturale generale, nella facilità di penetrazione anche in quelle culture che non conoscevano analoghi nazionali (naturalmente, se rifratte nella mentalità nazionale, visione del mondo, tradizioni di espressione artistica). Il balletto è un'arte sintetica o "sintesi delle arti". Dopotutto, il balletto combina tre fondamenti - danza, musica e drammaturgia - e diverse arti "aggiuntive" (o "ausiliarie") - visive, letterarie, ecc. È chiaro che il cinema, l'arte teatrale e in parte l'architettura sono nella stessa posizione soprattutto non pratica, ma religiosa (edifici religiosi), che unisce anche la componente principale stessa - l'architettura con le belle arti, con la scultura, indirettamente - con la musica (poiché è difficile immaginare una chiesa cattolica o ortodossa "silenziosa", senza musica o liturgie, e anche in minuti di silenzio: questo scopo non ti fa dimenticare te stesso, poiché il tempio è progettato tenendo conto dei requisiti dell'acustica, cioè la funzione musicale e sonora è stata incorporata in esso fin dall'inizio ). Tuttavia, il balletto ha la sua essenza in questa serie: il centro della sua azione è la drammaturgia, e la danza e la musica sono i linguaggi in cui il balletto "parla" con il suo pubblico.

La performance del balletto ha una natura comunicativa dell'azione. È rappresentato da diversi aspetti: comunicazione tra ballerini che esprimono direttamente la trama e il contenuto del balletto, il suo sistema immagini artistiche; comunicazione tra individuo mezzi espressivi(musica, ballerini, ecc.); comunicazione tra gli artisti (compresi i musicisti) e il pubblico. I primi due tipi di comunicazione lasciano emergere il terzo tipo, che è il significato del balletto come spettacolo, cioè un'azione pubblica, comunicativa che trasmette i significati dell'azione.

L'arte del balletto - palcoscenico-pubblicamente - è un'opera che interessa non solo l'autore del balletto (coreografo, compositore, librettista, artista, artisti), ma anche

spettatori. L'arte fa parte della cultura spirituale di tutta l'umanità e il balletto come arte è il risultato dell'attività di tutta l'umanità. Il balletto, di regola, non si concentra sull'espressione di ragionamenti filosofici astratti, ha lo scopo di dimostrare le immagini più semplici e, quindi, le più complesse - immagini di esperienze sensuali ed emotive. L'arte del balletto è estremamente popolare in tutto il mondo. È unico a livello nazionale per ogni nazione, non richiede la traduzione in altre lingue ed è comprensibile a tutte le persone, indipendentemente dal luogo di residenza, cultura, attività e lingua parlata.

Quindi, possiamo dire che l'arte del balletto è democratica nella percezione, rimuove le barriere nazionali (sebbene la percezione del balletto nazionale di una cultura diversa richieda una certa formazione o familiarità con questa cultura). L'arte della danza nel teatro di balletto raggiunge il suo massimo sviluppo. Si combina qui con la drammaturgia, rivelando personaggi e relazioni, con la musica nelle sue più alte forme sinfoniche, con le belle arti nelle realizzazioni moderne. La natura sintetica del teatro di balletto unisce diverse arti in un unico insieme artistico.

Una caratteristica integrante del balletto è il suo spettacolo (dopotutto, è destinato principalmente non alla contemplazione meditativa, come gli oggetti arti visive o architettura), che si realizza attraverso la sua teatralità. Il lato spettacolare della danza è anche il suo disegno, ovvero il suo “motivo ornamentale”. Da qui nasce la necessità del suo design visivo e del suo costume. Il balletto nasce dove si costruisce uno spettacolo sulla base della danza, la coreografia diventa un fenomeno teatrale. La danza si sviluppa nel tempo ed è in grado di esprimere stati, fatti, azioni. La danza, che porta un contenuto efficace, acquista drammaturgia. La drammaturgia della danza costituisce il nucleo effettivo del balletto. L'unità della sceneggiatura e della musica determina la drammaturgia del balletto. La sceneggiatura (libretto) di un balletto di solito fornisce una breve presentazione verbale di idee, trama, conflitto, personaggi della performance futura. Parte della coreografia, insieme alla danza classica, è uno speciale mezzo di espressione del balletto: la pantomima.

Di grande importanza per il balletto è la sua trama, espressa attraverso una specifica drammaturgia del balletto. La drammaturgia del balletto ha varie caratteristiche esterne e interne e dipende dall'idea del balletto, trama, conflitto, genere, stile dell'opera. Anche la base del balletto senza trama inizialmente impostata viene sempre eseguita in sequenza e ha le sue dinamiche interne.

Un'altra caratteristica del balletto è collegata al suo base letteraria, la testualità dell'azione. A nostro avviso, questa caratteristica conferisce al balletto una certa componente mitologica, una base verbale e simbolica dell'azione. La drammaturgia dello scenario collega il balletto con la letteratura, poiché la sceneggiatura di un balletto è una trama dichiarata verbalmente. Molto spesso, la sceneggiatura di un balletto viene creata sulla base di un'opera letteraria o di una fonte epica, un mito. Il grande J. J. Nover, coreografo, riformatore, teorico del balletto, nel suo libro Letters on Dance and Ballets ha sottolineato l'importanza della letteratura nel balletto. Le opere del XIX secolo conservate nel repertorio moderno - il balletto "Le Corsaire" di A. Adam, il balletto "Esmeralda" di C. Pugni, sono associate a eccezionali opere di letteratura romantica di D. Byron e V. Hugo. I famosi capolavori di P. I. Tchaikovsky hanno una base letteraria da favola ("La bella addormentata" di Ch. Perrault, "Lo schiaccianoci" di Hoffmann).

Allo stesso tempo, il balletto si basa in gran parte sull'eredità verbale classica della cultura, sullo strato culturale di base del testo sacro (classici) - familiarizzazione con il mondo dei grandi letteratura classica. The Fountain of Bakhchisarai di B. Asafiev (coreografo R. Zakharov), Romeo and Juliet di S. Prokofiev (coreografo L. Lavrovsky), Laurencia

A. Kreina (coreografo V. Chebukiani), "Taras Bulba" di V. Solovyov-Sedogo (coreografo B. Fenster), "The Bronze Horseman" R. Glier (coreografo R. Zakharov), "Mirandolina"

V. Vasilenko (coreografo V. Vayonen), “Seven Beauties” di K. Karavaev (coreografo P. Gusev), “Shurale” di F. Yarulin (coreografo L. Yakobson), “Spartacus” di A. Khachaturian (coreografo L. Yakobson) e molti altri spettacoli, dove le immagini di eccezionali opere letterarie vengono rivelate sul palco.

Un'altra caratteristica del balletto può essere definita canonicità (chiara aderenza al canone). Il "linguaggio" di uno spettacolo di balletto come "prova" è la danza classica. La danza classica è una danza “esemplare”, non c'è posto per nulla di superfluo, inutile, perché il suo sistema si è cristallizzato nel corso dei secoli. Tutti i movimenti (pas) portano un certo contenuto, ogni pas ha solo il suo immaginario intrinseco, che può essere rafforzato o indebolito, reso forte o piano, ma non può essere cambiato nel contrario. Alcuni movimenti sono di natura comica, altri sono lirici.

Considerando il balletto come un fenomeno culturale, sembra necessario fare riferimento alla correlazione del balletto con le categorie di "massa - élite". L'idea che solo uno spettatore appositamente addestrato possa percepire il balletto non è corretta. Preparato - sì, certo, ma preparato in che modo? Dopotutto, uno spettatore preparato alla percezione del balletto non è necessariamente un coreografo o un musicista; questa è una persona a cui si può parlare non nel testo diretto di un dramma classico, ma in immagini visive, pantomima, linguaggio del corpo. Sia il musicista che il ballerino, se non è pronto a percepire il balletto come una serie di immagini danzanti e musicali che si sostituiscono a vicenda, avranno bisogno di un libretto.

La capacità di percepire il balletto è un certo tipo di test per la "maturità" emotiva di una persona, la sua capacità di percepire e comprendere i sentimenti degli altri, espressi non nelle parole banali degli eroi delle soap opera, ma nell'immagine del movimento. Ecco perché le opere dedicate a questioni di attualità e private (balletti di D. Shostakovich, F. Krasny, ecc.), Che cercavano di esprimere in esse non l'idea dei sentimenti umani, ma l'ideologia della società comunista, non sono diventate classici del balletto. Pertanto, la natura sintetizzante dell'arte del balletto risiede anche nell'intreccio della componente di massa della cultura d'élite.

Infine, la dicotomia "nazionale - internazionale" nell'arte del balletto rimane una questione importante, in altre parole, il problema dell'introduzione di "altre componenti culturali" nel balletto. Pertanto, la scuola di balletto russa si è comunque sviluppata nell'ambito delle tradizioni teatrali, drammatiche, musicali e coreografiche paneuropee. Tuttavia, il moderno balletto russo (e mondiale) dimostra l'introduzione di un intero strato in questo cultura nazionale- musica nazionale e popolare, costumi, tradizioni di danza, ecc. Ciò non indica il degrado del balletto, la sua "irruzione" in classico e nazionale, ma che il balletto è diventato un fenomeno universale nazionale. Non è più una combinazione di alcune arti in una tradizione culturale, ma è diventato un fenomeno culturale globale che si manifesta anche in quelle culture che da sole non potrebbero far nascere il balletto.

Dal punto di vista dello studio del balletto come fenomeno culturale, possiamo anche identificare una serie di approcci culturali necessari per rivelare l'essenza dell'arte del balletto.

L'applicazione dell'approccio strutturale-funzionale allo studio dell'arte del balletto consiste nel presentare il balletto come un'istituzione vita artistica società, una complessa struttura di interazione tra creatori, distributori e consumatori d'arte. La componente funzionale è vista nella comprensione del balletto come fenomeno polifunzionale che interessa varie sfere della realtà sociale.

Un approccio sistematico viene utilizzato nello studio del balletto come sistema integrale di sintesi artistica, in cui tutte le parti sono interdipendenti e non sono sottosistemi chiusi.

steli, ma sono armoniosamente intrecciati in un tutto comune non per semplice sommatoria, ma per un'addizione ugualmente dipendente. Il balletto dovrebbe essere considerato come un'arte speciale, che, sebbene "composta" dai metodi della danza, della musica, dell'arte drammatica, è una e indivisibile. Il balletto in questo caso appare, da un lato, come un'unità dinamica delle sue parti (musica, drammaturgia, coreografia, scenografia) e, dall'altro, come un sottosistema di un certo metasistema - un unico campo dell'arte, un sottosistema della vita artistica.

L'approccio semiotico ci permette di considerare il balletto come una sorta di testo, fissando l'attenzione sulla sua componente simbolico-semiotica: il linguaggio coreografico. Nell'ambito di questo approccio, l'azione del balletto appare come un atto di comunicazione - il trasferimento di significati con l'aiuto di uno specifico sistema coreografico di segni.

L'approccio sinergico consiste nella comprensione dell'arte del balletto come un processo di dispiegamento organizzato in modo complesso in cui alcuni sottosistemi (tipi, generi, temi) vengono esaltati, altri si estinguono. L'arte del balletto si presenta come un sistema aperto, alternando nel suo sviluppo aree di relativa calma ed eccitabilità crescente (punti di biforcazione), come mutamento di stati di caos e ordine, entropia e suo superamento (cosa chiaramente confermata dallo studio delle vicende storiche e dinamiche culturali dello sviluppo del balletto dell'Europa occidentale e russo). Anche il rapporto tra le componenti principali del balletto come forma d'arte sembrava disomogeneo in epoche diverse: il rapporto tra danza e drammaturgia non è sostanzialmente cambiato durante l'intera esistenza del balletto, sebbene i mezzi di espressione siano cambiati molto seriamente, cosa che si è manifestata, naturalmente, nel dramma esterno dell'azione del balletto, il rapporto tra musica e danza.

Pertanto, sulla base della metodologia integrativa di comprensione del balletto come fenomeno culturale, possiamo evidenziare le specificità della sua interpretazione culturale, che, a nostro avviso, è associata al funzionamento del balletto come sistema socioculturale per la creazione, la diffusione e la percezione di valori artistici, spirituali, dipendenti da un complesso di condizioni culturali e storiche e dalle circostanze in cui esiste il sistema.

Daria Olegovna Usanova

Accademia statale di cultura e arte di Chelyabinsk

UNA REALTÀ VIRTUALE:

PROBLEMI DEL PRESENTE IN RETROSPETTIVA DEL PATRIMONIO FILOSOFICO E CULTURALE

Oggi, i problemi della realtà virtuale stanno attirando sempre più l'attenzione dei ricercatori di varie discipline. Il concetto di realtà virtuale è diventato così popolare e di moda che sembra difficile trovare una sfera dell'attività umana in cui non possa essere utilizzato. Sembra che accanto al mondo reale un nuovo mondo virtuale. Nell'ambito dell'articolo proposto, viene considerata la storia della formazione e dello sviluppo del concetto di "realtà virtuale", vengono evidenziati gli approcci degli scienziati moderni nell'interpretazione di questo termine.

Parole chiave: virtualità, realtà virtuale, cultura virtuale, postmodernismo, simulacro, iperrealtà.

© Usanova D.O., 2011.

Il balletto è una forma d'arte in cui l'idea del creatore è incarnata per mezzo della coreografia. Uno spettacolo di balletto ha trama, tema, idea, contenuto drammatico, libretto. Solo in rari casi si svolgono balletti senza trama. Nel resto, con mezzi coreografici, i ballerini devono trasmettere i sentimenti dei personaggi, la trama, l'azione. Un ballerino è un attore che, con l'aiuto della danza, trasmette il rapporto dei personaggi, la loro comunicazione tra loro, l'essenza di ciò che sta accadendo sul palco.

La storia dell'emergere e dello sviluppo del balletto

Il balletto apparve in Italia nel XVI secolo. A quel tempo, le scene coreografiche erano incluse come un episodio in uno spettacolo musicale, un'opera. Successivamente, già in Francia, il balletto si sviluppò come una magnifica e sublime rappresentazione di corte.

Il 15 ottobre 1581 è considerato il compleanno del balletto in tutto il mondo. È stato in questo giorno in Francia che il coreografo italiano Baltazarini ha presentato al pubblico la sua creazione. Il suo balletto si chiamava Cercea o The Queen's Comedy Ballet. Lo spettacolo è durato circa cinque ore.

I primi balletti francesi erano basati su corte e danze popolari e melodie. Insieme al musical, c'erano scene di conversazione e drammatiche nella performance.

Sviluppo del balletto in Francia

L'aumento della popolarità e del fiorire dell'arte del balletto fu facilitato da Luigi XIV. I nobili di corte dell'epoca partecipavano con piacere agli spettacoli. Anche il radioso re ha ricevuto il soprannome di "Il re sole" per il ruolo che ha interpretato in uno dei balletti del compositore di corte Lully.

Nel 1661, Luigi XIV fondò la prima scuola di danza al mondo, la Royal Academy of Dance. Il capo della scuola era Lully, che determinò lo sviluppo del balletto per il secolo successivo. Poiché Lully era un compositore, decise la dipendenza dei movimenti di danza dalla costruzione di frasi musicali e la natura dei movimenti di danza - dalla natura della musica. In collaborazione con Molière e Pierre Beauchamp, l'insegnante di danza di Luigi XIV, furono create le basi teoriche e pratiche dell'arte del balletto. Pierre Beauchamp iniziò a creare la terminologia della danza classica. Fino ad oggi, i termini per designare e descrivere le principali posizioni e combinazioni di balletto sono usati in francese.

Nel 17 ° secolo, il balletto fu riempito con nuovi generi, come il balletto-opera, il balletto-commedia. Si stanno tentando di creare una performance in cui la musica si rifletta organicamente trama, e la danza, a sua volta, si è fusa organicamente nella musica. Così vengono poste le basi dell'arte del balletto: l'unità di musica, danza e drammaturgia.

A partire dal 1681, la partecipazione a spettacoli di balletto divenne disponibile per le donne. Fino a quel momento, solo gli uomini erano ballerini. Il balletto, come forma d'arte separata, ricevette la sua forma definitiva solo nella seconda metà del XVIII secolo grazie all'innovazione scenica del coreografo francese Jean Georges Nover. Le sue riforme nella coreografia assegnarono un ruolo attivo alla musica come base per uno spettacolo di balletto.

Sviluppo del balletto in Russia

La prima rappresentazione di balletto in Russia ebbe luogo l'8 febbraio 1673 nel villaggio di Preobrazhenskoye alla corte dello zar Alexander Mikhailovich. L'originalità del balletto russo è formata dal coreografo francese Charles-Louis Didelot. Afferma la priorità della parte femminile nella danza, accresce il ruolo del corpo di ballo, rafforza il legame tra danza e pantomima. Una vera rivoluzione nella musica da balletto è stata fatta da P.I. Čajkovskij nei suoi tre balletti: Lo schiaccianoci, Il lago dei cigni e La bella addormentata. Queste opere, e dietro di esse le performance, sono una perla insuperabile dei generi musicali e di danza, impareggiabili per la profondità del contenuto drammatico e la bellezza dell'espressione figurativa.

Nel 1783, Caterina II creò il Teatro Imperiale dell'Opera e del Balletto a San Pietroburgo e il Teatro Bolshoi Kamenny a Mosca. Maestri come M. Petipa, A. Pavlova, M. Danilova, M. Plisetskaya, V. Vasiliev, G. Ulanova e molti altri hanno glorificato il balletto russo sui palcoscenici di famosi teatri.

Il XX secolo è stato caratterizzato da innovazioni nella letteratura, nella musica e nella danza. Nel balletto, questa innovazione si è manifestata nella creazione della danza, una danza plastica libera dalla tecnica della coreografia classica. Uno dei fondatori del balletto moderno fu Isadora Duncan.

Caratteristiche della coreografia classica

Uno dei requisiti principali nella coreografia classica è l'eversione delle gambe. I primi interpreti di balletto erano aristocratici di corte. Tutti loro padroneggiavano l'arte della scherma, che utilizzava la posizione di eversione del piede, consentendo un migliore movimento in qualsiasi direzione. Dalla scherma, i requisiti dell'affluenza si sono trasformati in coreografia, cosa ovvia per i cortigiani francesi.

Un'altra caratteristica del balletto - l'esibizione sulle dita dei piedi - non apparve fino al XVIII secolo, quando Marie Taglioni utilizzò per la prima volta questa tecnica. Ogni scuola e ogni ballerino ha apportato le proprie caratteristiche all'arte del balletto, arricchendola e rendendola più popolare.

Inserito da copypaster il Mer, 15/08/2007 - 01:11

Il balletto è un'arte piuttosto giovane. Ha poco più di quattrocento anni, anche se la danza decora la vita umana fin dai tempi antichi.

Il balletto è nato nel nord Italia durante il Rinascimento. I principi italiani adoravano le magnifiche feste di palazzo, in cui la danza occupava un posto importante. I balli rurali non erano adatti a dame e signori di corte. Le loro vesti, come le sale dove ballavano, non permettevano movimenti disordinati. Insegnanti speciali - maestri di danza - hanno cercato di mettere le cose in ordine nei balli di corte. Hanno provato in anticipo singole figure e movimenti della danza con i nobili e hanno guidato gruppi di ballerini. A poco a poco la danza divenne sempre più teatrale.

Il termine "balletto" apparve alla fine del XVI secolo (dall'italiano balletto - ballare). Ma allora non significava un'esibizione, ma solo un episodio di danza che trasmette un certo stato d'animo. Tali "balletti" di solito consistevano in "uscite" poco correlate di personaggi - il più delle volte gli eroi dei miti greci. Dopo tali "uscite" è iniziata una danza comune: il "grande balletto".

La prima rappresentazione di balletto fu il Queen's Comedy Ballet, messo in scena in Francia nel 1581 dal coreografo italiano Baltazarini di Belgiojoso. Fu in Francia che ebbe luogo l'ulteriore sviluppo del balletto. Dapprima si trattava di balletti in maschera, poi pomposi balletti melodrammatici su trame cavalleresche e fantastiche, in cui gli episodi di danza venivano sostituiti da arie vocali e recitazione di poesie. Non essere sorpreso, a quel tempo il balletto non era solo uno spettacolo di danza.

Durante il regno di Luigi XIV, le esibizioni del balletto di corte raggiunsero uno splendore speciale. Lo stesso Louis amava partecipare ai balletti e ricevette il suo famoso soprannome di "Il re sole" dopo aver interpretato il ruolo del sole nel "Balletto della notte".

Nel 1661 creò la Royal Academy of Music and Dance, che comprendeva 13 importanti maestri di danza. Il loro compito era preservare le tradizioni della danza. Il direttore dell'accademia, l'insegnante di danza reale Pierre Beauchamp, ha individuato le cinque posizioni fondamentali della danza classica.

Presto fu aperta l'Opera di Parigi, il cui coreografo era lo stesso Beauchamp. Sotto la sua guida si formò una compagnia di balletto. All'inizio era composto solo da uomini. Le donne apparvero sul palcoscenico dell'Opera di Parigi solo nel 1681.

Il teatro ha messo in scena balletti d'opera del compositore Lully e commedie-balletti del drammaturgo Molière. All'inizio vi prendevano parte i cortigiani e le esibizioni quasi non differivano dalle esibizioni di palazzo. Si ballavano i già citati minuetti lenti, gavotte e pavane. Maschere, abiti pesanti e scarpe col tacco alto rendevano difficile per le donne eseguire movimenti complessi. Pertanto, le danze maschili si distinguevano allora per maggiore grazia e grazia.

Entro la metà del XVIII secolo, il balletto stava guadagnando grande popolarità in Europa. Tutte le corti aristocratiche d'Europa cercarono di imitare il lusso della corte reale francese. Teatri d'opera aperti nelle città. Numerosi ballerini e insegnanti di danza trovarono facilmente lavoro.

Ben presto, sotto l'influenza della moda, il costume da balletto femminile divenne molto più leggero e libero, le linee del corpo furono indovinate sotto di esso. I ballerini hanno abbandonato le scarpe con i tacchi, sostituendole con scarpe leggere senza tacco. Anche il costume maschile divenne meno ingombrante: pantaloni attillati fino alle ginocchia e calze permettevano di vedere la figura del ballerino.

Ogni innovazione ha reso le danze più significative e la tecnica di danza più elevata. A poco a poco, il balletto si separò dall'opera e si trasformò in un'arte indipendente.

Sebbene la scuola di balletto francese fosse famosa per la sua grazia e plasticità, era caratterizzata da una certa freddezza e formalità di esecuzione. Pertanto, coreografi e artisti cercavano altri mezzi di espressione.

Alla fine del XVIII secolo nacque una nuova tendenza nell'arte: il romanticismo, che ebbe una forte influenza sul balletto. In un balletto romantico, il ballerino stava sulle scarpe da punta. Maria Taglioni è stata la prima a farlo, cambiando completamente le idee precedenti sul balletto. Nel balletto "La Sylphide" è apparsa come una fragile creatura dell'altro mondo. Il successo è stato sbalorditivo.

In quel momento apparvero molti meravigliosi balletti, ma, sfortunatamente, il balletto romantico fu l'ultimo periodo di massimo splendore. arte della danza nell'ovest. Dalla seconda metà del XIX secolo, il balletto, avendo perso il suo significato precedente, si trasformò in un'appendice dell'opera. Solo negli anni '30, sotto l'influenza del balletto russo, iniziò la rinascita di questa forma d'arte in Europa.

In Russia, il primo spettacolo di balletto - "Il balletto di Orfeo ed Euridice" - fu messo in scena l'8 febbraio 1673 alla corte dello zar Alexei Mikhailovich. I balli cerimoniali e lenti consistevano in un cambiamento di posture aggraziate, inchini e movimenti, alternati a canti e discorsi. Non ha svolto alcun ruolo significativo nello sviluppo della danza teatrale. Era solo un altro "divertimento" reale, che attirava con la sua insolita e novità.

Solo un quarto di secolo dopo, grazie alle riforme di Pietro I, la musica e la danza entrarono nella vita della società russa. L'addestramento obbligatorio alla danza fu introdotto nelle scuole nobiliari. Musicisti congedati dall'estero, artisti d'opera e compagnie di balletto iniziarono ad esibirsi a corte.

Nel 1738 fu aperta la prima scuola di balletto in Russia e tre anni dopo 12 ragazzi e 12 ragazze della servitù del palazzo divennero i primi ballerini professionisti in Russia. Dapprima si esibirono nei balletti di maestri stranieri come figuranti (come venivano chiamati i ballerini del corpo di ballo), e successivamente nelle parti principali. Il notevole ballerino di quel tempo, Timofey Bublikov, brillava non solo a San Pietroburgo, ma anche a Vienna.

IN inizio XIX secolo, l'arte del balletto russo ha raggiunto la maturità creativa. I ballerini russi hanno portato espressività e spiritualità alla danza. Sentendolo in modo molto accurato, A. S. Pushkin ha definito la danza della sua contemporanea Avdotya Istomina "un volo pieno di anima".

Il balletto a quel tempo occupava una posizione privilegiata tra gli altri tipi di arte teatrale. Le autorità vi hanno prestato grande attenzione, fornendo sussidi statali. Le compagnie di balletto di Mosca e San Pietroburgo si esibivano in teatri ben attrezzati e i diplomati delle scuole di teatro rifornivano ogni anno lo staff di ballerini, musicisti e decoratori.

Artù San Leon

Nella storia del nostro teatro di balletto ci sono spesso nomi di maestri stranieri che hanno svolto un ruolo significativo nello sviluppo del balletto russo. Prima di tutto, questi sono Charles Didelot, Arthur Saint-Leon e Marius Petipa. Hanno contribuito a creare la scuola di balletto russa. Ma i talentuosi artisti russi hanno anche permesso di rivelare i talenti dei loro insegnanti. Ciò attirava invariabilmente i più grandi coreografi d'Europa a Mosca e San Pietroburgo. In nessuna parte del mondo potevano incontrare una troupe così numerosa, talentuosa e ben addestrata come in Russia.

A metà del XIX secolo, il realismo arrivò alla letteratura e all'arte russa. I coreografi febbrilmente, ma senza successo, hanno cercato di creare spettacoli realistici. Non hanno tenuto conto del fatto che il balletto è un'arte condizionale e il realismo nel balletto differisce in modo significativo dal realismo nella pittura e nella letteratura. La crisi dell'arte del balletto è iniziata.

Una nuova tappa nella storia del balletto russo iniziò quando il grande compositore russo P. Tchaikovsky compose per la prima volta la musica per il balletto. Era il lago dei cigni. Prima di allora, la musica del balletto non veniva presa sul serio. Era considerata la forma più bassa di creatività musicale, solo un accompagnamento alla danza.

Grazie a Čajkovskij, la musica del balletto divenne un'arte seria insieme all'opera e alla musica sinfonica. In precedenza, la musica dipendeva completamente dalla danza, ora la danza doveva obbedire alla musica. Erano richiesti nuovi mezzi di espressione e un nuovo approccio alla creazione di una performance.

L'ulteriore sviluppo del balletto russo è legato al nome del coreografo di Mosca A. Gorsky, che, abbandonando le tecniche obsolete della pantomima, ha utilizzato le tecniche della regia moderna in uno spettacolo di balletto. Attribuendo grande importanza al design pittorico della performance, ha attirato i migliori artisti a lavorare.

Ma il vero riformatore dell'arte del balletto è Mikhail Fokin, che si ribellò alla costruzione tradizionale di uno spettacolo di balletto. Ha sostenuto che il tema della performance, la sua musica, l'era in cui si svolge l'azione, richiedono ogni volta diversi movimenti di danza, un diverso schema di danza. Durante la messa in scena del balletto "Egyptian Nights" Fokine si è ispirato alla poesia di V. Bryusov e agli antichi disegni egizi, e le immagini del balletto "Petrushka" sono state ispirate dalla poesia di A. Blok. Nel balletto Daphnis and Chloe, ha abbandonato la danza sulle punte e, con movimenti liberi e plastici, ha fatto rivivere antichi affreschi. La sua "Chopiniana" ha fatto rivivere l'atmosfera del balletto romantico. Fokin ha scritto che "sogna di creare un balletto drammatico dal balletto divertente, dalla danza - un linguaggio comprensibile e parlante". E ci è riuscito.

Anna Pavlova

Nel 1908 iniziarono le esibizioni annuali di ballerini russi a Parigi, organizzate dalla figura teatrale S. P. Diaghilev. I nomi dei ballerini russi - Vaslav Nijinsky, Tamara Karsavina, Adolf Bolm - sono diventati noti in tutto il mondo. Ma il primo di questa fila è il nome dell'incomparabile Anna Pavlova.

Pavlova - lirica, fragile, con linee del corpo allungate, occhi enormi - incisioni evocate raffiguranti ballerine romantiche. Le sue eroine trasmettevano un sogno puramente russo di una vita armoniosa e spiritualizzata o desiderio e tristezza per una vita insoddisfatta. The Dying Swan, creato dalla grande ballerina Pavlova, è un simbolo poetico del balletto russo all'inizio del XX secolo.

Fu allora, sotto l'influenza dell'abilità degli artisti russi, che il balletto occidentale si scosse e ottenne un secondo vento.

Dopo la Rivoluzione d'Ottobre del 1917, molte figure del balletto lasciarono la Russia, ma nonostante ciò la scuola di balletto russo sopravvisse. Il pathos del movimento verso una nuova vita, i temi rivoluzionari e, soprattutto, la possibilità di esperimenti creativi hanno ispirato i maestri di ballo. Il loro compito era avvicinare l'arte coreografica alla gente, renderla più vitale e accessibile.

È così che è nato il genere del balletto drammatico. Si trattava di spettacoli, solitamente basati sulle trame di famose opere letterarie, costruite secondo le leggi di uno spettacolo drammatico. Il contenuto in essi è stato presentato con l'aiuto della pantomima e della danza pittorica. A metà del XX secolo, il balletto drammatico era in crisi. I coreografi hanno tentato di preservare questo genere di balletto, esaltando lo spettacolo delle esibizioni con l'ausilio di effetti scenici, ma, purtroppo, invano.

Alla fine degli anni '50, arrivò una svolta. Coreografi e ballerini di una nuova generazione hanno fatto rivivere generi dimenticati: balletto in un atto, sinfonia di balletto, miniatura coreografica. E dagli anni '70 sono sorte compagnie di balletto indipendenti, indipendenti dai teatri dell'opera e del balletto. Il loro numero è in costante aumento, tra questi ci sono studi di danza libera e danza moderna.