Dottor scultore e fonditore greco 4 lettere. Sculture dell'antica Grecia

L'antica Grecia era uno dei più grandi stati del mondo. Durante la sua esistenza e sul suo territorio furono gettate le basi dell'arte europea. I monumenti culturali sopravvissuti di quel periodo testimoniano le più alte conquiste dei greci nel campo dell'architettura, del pensiero filosofico, della poesia e, naturalmente, della scultura. Pochi originali sono sopravvissuti: il tempo non risparmia nemmeno le creazioni più uniche. Conosciamo in gran parte l'abilità per cui gli antichi scultori erano famosi grazie alle fonti scritte e alle successive copie romane. Tuttavia, queste informazioni sono sufficienti per comprendere l'importanza del contributo degli abitanti del Peloponneso alla cultura mondiale.

Periodi

Scultori Grecia antica non sono sempre stati grandi creatori. L'era del periodo di massimo splendore della loro abilità fu preceduta dal periodo arcaico (VII-VI secolo aC). Le sculture giunte fino a noi da quel periodo si distinguono per la loro simmetria e staticità. Non hanno quella vitalità e quel movimento interno nascosto che fa sembrare le statue persone congelate. Tutta la bellezza di questi primi lavori espresso attraverso il volto. Non è più statico come il corpo: un sorriso irradia una sensazione di gioia e serenità, donando un suono speciale all'intera scultura.

Dopo il completamento del periodo arcaico, segue il periodo più fruttuoso, in cui gli antichi scultori dell'Antica Grecia crearono le loro opere più opere famose. È suddiviso in più periodi:

primo classico - inizio del V secolo. AVANTI CRISTO e.;
alto classico - V secolo AVANTI CRISTO e.;
tardo classico - IV secolo. AVANTI CRISTO e.;
Ellenismo - fine del IV secolo. AVANTI CRISTO e. - I secolo N. e.

Tempo di transizione

I primi classici sono il periodo in cui gli scultori dell'antica Grecia iniziarono ad allontanarsi dalla posizione statica del corpo e cercare nuovi modi per esprimere le loro idee. Le proporzioni sono piene di bellezza naturale, le pose diventano più dinamiche e i volti diventano espressivi.

Lo scultore dell'antica Grecia Myron creò proprio in questo periodo. Nelle fonti scritte è caratterizzato come un maestro nel trasmettere la struttura anatomicamente corretta del corpo, capace di catturare la realtà con elevata precisione. Anche i contemporanei di Mirone sottolinearono i suoi difetti: secondo loro, lo scultore non sapeva come conferire bellezza e vivacità ai volti delle sue creazioni.

Le statue del maestro incarnano eroi, dei e animali. Tuttavia, lo scultore dell'antica Grecia Myron ha dato la massima preferenza alla rappresentazione degli atleti durante i loro successi nelle competizioni. Il famoso “Discobolus” è una sua creazione. La scultura non è sopravvissuta fino ad oggi nell'originale, ma ne esistono diverse copie. "Lanciatore di discoteche" raffigura un atleta che si prepara a lanciare il suo proiettile. Il corpo dell'atleta è di esecuzione superba: i muscoli tesi indicano la pesantezza del disco, il corpo contorto ricorda una molla pronta a dispiegarsi. Sembra solo un secondo e l'atleta lancerà il proiettile.

Di ottima esecuzione da Mirone sono considerate anche le statue “Atena” e “Marsia”, anch'esse pervenute a noi solo sotto forma di copie successive.

Heyday

Eccezionali scultori dell'antica Grecia hanno lavorato durante l'intero periodo degli alti classici. In questo momento, i maestri della creazione di rilievi e statue comprendono sia i metodi per trasmettere il movimento, sia le basi dell'armonia e delle proporzioni. Gli alti classici sono il periodo di formazione di quelle basi della scultura greca, che in seguito divennero lo standard per molte generazioni di maestri, compresi i creatori del Rinascimento.

In questo momento lavorarono lo scultore dell'antica Grecia Policleto e il geniale Fidia. Entrambi hanno fatto sì che le persone si ammirassero durante la loro vita e non furono dimenticati per secoli.

Pace e armonia

Policleto lavorò nella seconda metà del V secolo. AVANTI CRISTO e. È conosciuto come un maestro nella creazione di sculture raffiguranti atleti a riposo. A differenza del "Disco Thrower" di Miron, i suoi atleti non sono tesi, ma rilassati, ma allo stesso tempo lo spettatore non ha dubbi sulla loro potenza e capacità.

Policleto fu il primo a utilizzare una posizione del corpo speciale: i suoi eroi spesso riposavano su un piedistallo con una sola gamba. Questa posa ha creato una sensazione di rilassamento naturale caratteristica di una persona che riposa.

Canone

La scultura più famosa di Policleto è considerata "Doriphoros", o "Lanciere". L'opera è anche chiamata canone del maestro, poiché incarna alcuni principi del pitagorismo ed è un esempio di un modo speciale di posare una figura, contrapposto. La composizione si basa sul principio del movimento trasversale irregolare del corpo: il lato sinistro (la mano che tiene la lancia e la gamba arretrata) è rilassato, ma allo stesso tempo in movimento, in contrasto con il destro teso e statico. (la gamba portante e il braccio teso lungo il corpo).

Policleto in seguito utilizzò una tecnica simile in molte delle sue opere. I suoi principi fondamentali sono esposti in un trattato di estetica non pervenuto a noi, scritto dallo scultore e chiamato “Canone”. Policleto dedicò in esso un posto abbastanza ampio al principio, che applicò con successo anche nelle sue opere, quando questo principio non contraddiceva i parametri naturali del corpo.

Genio riconosciuto

Tutti gli antichi scultori dell'antica Grecia durante l'alto periodo classico hanno lasciato creazioni ammirevoli. Tuttavia, il più eccezionale tra loro fu Fidia, giustamente considerato il fondatore dell'arte europea. Purtroppo la maggior parte delle opere del maestro sono sopravvissute fino ad oggi solo come copie o descrizioni sulle pagine di trattati di autori antichi.

Fidia lavorò alla decorazione del Partenone ateniese. Oggi un’idea dell’abilità dello scultore può essere ricavata dal rilievo marmoreo conservato, lungo 1,6 m, raffigurante numerosi pellegrini diretti al resto delle decorazioni del Partenone andate perdute. La stessa sorte toccò alla statua di Atena, qui installata e creata da Fidia. La dea, fatta di avorio e oro, simboleggiava la città stessa, il suo potere e grandezza.

Meraviglia del mondo

Altri eccezionali scultori dell'antica Grecia potrebbero essere stati leggermente inferiori a Fidia, ma nessuno di loro poteva vantarsi di aver creato una meraviglia del mondo. L'Olympic è stato realizzato da un maestro per la città in cui si sono svolti i famosi Giochi. L'altezza del Tuono, seduto su un trono d'oro, era sorprendente (14 metri). Nonostante tale potere, il dio non sembrava formidabile: Fidia creò uno Zeus calmo, maestoso e solenne, un po' severo, ma allo stesso tempo gentile. Prima della sua morte, la statua attirò per nove secoli numerosi pellegrini in cerca di conforto.

Tardo classico

Con la fine del V sec. AVANTI CRISTO e. Gli scultori dell'antica Grecia non si seccarono. I nomi Scopa, Prassitele e Lisippo sono noti a tutti coloro che sono interessati all'arte antica. Hanno lavorato nel periodo successivo, chiamato i classici tardivi. Le opere di questi maestri sviluppano e completano le conquiste dell'era precedente. Ognuno a modo suo trasforma la scultura, arricchendola con nuovi soggetti, modi di lavorare la materia e opzioni per trasmettere emozioni.

Passioni bollenti

Skopas può essere definito un innovatore per diversi motivi. I grandi scultori dell'Antica Grecia che lo hanno preceduto preferirono utilizzare come materiale il bronzo. Skopas ha creato le sue creazioni principalmente dal marmo. Invece della tradizionale calma e armonia che riempivano le sue opere nell'antica Grecia, il maestro scelse l'espressione. Le sue creazioni sono piene di passioni ed emozioni, somigliano più a persone vere che a divinità imperturbabili.

Il fregio del mausoleo di Alicarnasso è considerato l'opera più famosa di Skopas. Raffigura l'Amazzonomachia: la lotta degli eroi dei miti greci con le bellicose Amazzoni. Le caratteristiche principali dello stile insito nel maestro sono chiaramente visibili nei frammenti sopravvissuti di questa creazione.

Levigatezza

Un altro scultore di questo periodo, Prassitele, è considerato il miglior maestro greco in termini di trasmissione della grazia del corpo e della spiritualità interiore. Una delle sue opere eccezionali - Afrodite di Cnido - è stata riconosciuta dai contemporanei del maestro come la migliore creazione mai creata. dea divenne la prima rappresentazione monumentale del corpo femminile nudo. L'originale non ci è pervenuto.

I tratti dello stile caratteristico di Prassitele sono pienamente visibili nella statua di Hermes. Con la posa speciale del corpo nudo, la morbidezza delle linee e la morbidezza dei mezzitoni del marmo, il maestro è riuscito a creare un'atmosfera un po' sognante che avvolge letteralmente la scultura.

Attenzione ai dettagli

Alla fine dell'era tardo classica, lavorò un altro famoso scultore greco, Lisippo. Le sue creazioni si distinguevano per uno speciale naturalismo, un'attenta elaborazione dei dettagli e un certo allungamento delle proporzioni. Lisippo si sforzò di creare statue piene di grazia ed eleganza. Ha affinato le sue capacità studiando il canone di Policleto. I contemporanei notarono che le opere di Lisippo, a differenza di Doriforo, davano l'impressione di essere più compatte ed equilibrate. Secondo la leggenda, il maestro era il creatore preferito di Alessandro Magno.

Influenza orientale

Una nuova fase nello sviluppo della scultura inizia alla fine del IV secolo. AVANTI CRISTO e. Il confine tra i due periodi è considerato il periodo delle conquiste di Alessandro Magno. Con loro inizia effettivamente l'era dell'ellenismo, che era una combinazione dell'arte dell'antica Grecia e dei paesi orientali.

Le sculture di questo periodo si basano sulle conquiste dei maestri dei secoli precedenti. L'arte ellenistica ha regalato al mondo opere come la Venere di Milo. Allo stesso tempo apparvero i famosi rilievi dell'altare di Pergamo. In alcune opere del tardo ellenismo, c'è un notevole ricorso a soggetti e dettagli quotidiani. La cultura dell'antica Grecia in questo momento ebbe una forte influenza sullo sviluppo dell'arte dell'Impero Romano.

Finalmente

L'importanza dell'antichità come fonte di ideali spirituali ed estetici non può essere sopravvalutata. Gli antichi scultori dell'antica Grecia gettarono non solo le basi della propria arte, ma anche gli standard per comprendere la bellezza del corpo umano. Sono stati in grado di risolvere il problema della rappresentazione del movimento cambiando la posa e spostando il centro di gravità. Gli antichi scultori dell'antica Grecia impararono a trasmettere emozioni ed esperienze con l'aiuto della pietra lavorata, per creare non solo statue, ma figure praticamente viventi, pronte a muoversi in qualsiasi momento, sospirare, sorridere. Tutti questi risultati costituiranno la base per il fiorire della cultura durante il Rinascimento.

Nella scultura monumentale, che era di proprietà dell'intero collettivo di liberi cittadini, nelle sculture che si ergevano in piazze o templi decorati, l'ideale estetico civico si manifestava più chiaramente. La scultura monumentale ha avuto un forte impatto sociale ed educativo sulla vita delle città-stato greche. Opere di questo tipo riflettevano chiaramente quel crollo principi artistici, che ha accompagnato il passaggio dall'arcaico al classico. La contraddittoria natura transitoria delle opere scultoree di questo periodo appare chiaramente nei noti gruppi di frontoni del Tempio di Atena Aphaia sull'isola di Egina (ca. 490 a.C., restaurato dallo scultore danese Thorvaldsen all'inizio del XIX secolo, Monaco di Baviera , Gliptoteca).

Le composizioni di entrambi i frontoni sono costruite sulla base della simmetria speculare, che conferisce loro caratteristiche ornamentali. Il frontone occidentale, meglio conservato, raffigura la lotta tra Greci e Troiani per il corpo di Patroclo. Al centro c'è la figura della dea Atena, protettrice dei Greci. Calma e impassibile, sembra essere invisibilmente presente tra i combattenti. Non c'è frontalità arcaica nelle figure dei guerrieri; i loro movimenti sono più reali e più vari che in quelli arcaici, ma si svolgono rigorosamente lungo il piano del frontone. Ogni singola figura è abbastanza realistica, ma sui volti dei guerrieri combattenti e feriti un sorriso arcaico è un segno di convenzione, incompatibile con la rappresentazione della tensione e del dramma della battaglia.

Le sculture del frontone orientale (la figura di Ercole) si distinguono per una maggiore libertà di dettaglio e accuratezza realistica nell'interpretazione del corpo e nella trasmissione dei movimenti, cosa particolarmente evidente se si confrontano i guerrieri feriti di entrambi i frontoni. Per la distruzione delle convenzioni vincolanti dell'arte arcaica, di grande importanza fu la comparsa di opere scultoree dedicate a determinati eventi storici. Tale è il gruppo dei tirannicidi Armodio e Aristogitone (477 a.C. circa, Napoli, Museo Nazionale) - Crizia e Nesiote. Come la maggior parte delle sculture greche, è andata perduta ed è sopravvissuta fino ai giorni nostri in una copia romana in marmo. Qui, per la prima volta nella scultura monumentale, viene data la costruzione di un gruppo, unito dall'azione e dalla trama. La direzione uniforme dei movimenti e dei gesti degli eroi che sconfiggono il tiranno crea l'impressione dell'integrità artistica del gruppo, della sua completezza compositiva e della trama. Tuttavia, i movimenti sono ancora interpretati in modo piuttosto schematico, i volti dei personaggi sono privi di drammaticità.

Il significato sociale ed educativo dell'arte dei primi classici era indissolubilmente fuso con il suo fascino artistico. Una nuova comprensione dei compiti dell'arte si rifletteva anche in una nuova comprensione dell'immagine umana e dei criteri di bellezza. La nascita dell'ideale di una persona armoniosamente sviluppata è rivelata nell'immagine dell '"Auriga delfico" (470 a.C. circa, Delfi, Museo). Si tratta di una delle poche autentiche sculture dell'antica Grecia giunte fino a noi e fa parte di un grande gruppo scultoreo. L'immagine di un vincitore nelle competizioni è data in modo generalizzato e semplice. È pieno di calma severa e grandezza di spirito. Tutti i dettagli sono eseguiti con grande vitalità, sono subordinati alla rigorosa costruzione dell'insieme. L'ideale eroico dei primi classici era incarnato nella scultura di Zeus il Tonante (460 a.C. circa, Atene, Museo Nazionale). Il problema del movimento è risolto ne “Il Vittorioso in fuga” (secondo quarto del V secolo a.C., Roma, Vaticano). Al posto della nitidezza angolare dei primi tempi sculture classiche ne deriva un'unità strettamente armoniosa, che trasmette l'impressione di naturalezza e libertà - “Ragazzo che tira fuori una scheggia” (secondo quarto del V secolo a.C., Roma, Palazzo Conservatori).

Il tema mitologico continua ad occupare un posto di primo piano nell'arte, ma il lato fantastico del mito passa in secondo piano. Nelle immagini mitologiche, prima di tutto, si rivela l'ideale di forza e bellezza di una persona reale. Un esempio di ripensamento di una trama mitologica è un rilievo raffigurante la nascita di Afrodite (la dea dell'amore e della bellezza) dalla schiuma del mare - il cosiddetto "Trono di Ludovisi" (470 a.C. circa, Roma, Museo Termale). Ai lati del trono marmoreo sono raffigurati: una ragazza nuda che suona il flauto e una donna in abiti lunghi davanti a un bruciatore di incenso. Queste figure sono caratterizzate da una chiara armonia di forme e proporzioni, la calma naturalezza dei movimenti.

Sul lato centrale del Trono due ninfe sostengono Afrodite che emerge dall'acqua. La bellezza austera del suo viso è sorprendentemente realistica. Gli abiti bagnati che ricoprono il corpo di Afrodite formano una sottile rete di linee ondulate, paragonate a corsi d'acqua correnti. I ciottoli marini su cui poggiano i piedi delle ninfe indicano il luogo dell’azione. Sebbene nella simmetria della composizione ci siano echi dell'arte arcaica, questi non possono più disturbare vitalità e lo straordinario fascino poetico di questo rilievo. Integrità dei vivi immagine artistica appare chiaramente nei gruppi frontonali del Tempio di Zeus ad Olimpia (468-456 a.C., Olimpia, Museo), completando il periodo ricerche creative primi classici. Queste immagini ingrandite rappresentano la fase successiva nello sviluppo della scultura del frontone rispetto ai frontoni del Tempio di Egina con la loro composizione decorativa convenzionale.

Rifiutando la completa subordinazione dell'immagine scultorea ai compiti di decorazione delle forme architettoniche, le sculture dei frontoni olimpici stabilirono connessioni più profonde tra immagini architettoniche e scultoree, che portarono alla loro uguaglianza e al reciproco arricchimento. Rompendo con i principi della convenzione e della simmetria arcaiche, partirono dall'osservazione della vita. La posizione delle figure in entrambi i frontoni è determinata dal contenuto semantico. Il frontone orientale del Tempio di Zeus è dedicato al mito della corsa delle bighe tra Pelope ed Enomao, che presumibilmente segnò l'inizio dei Giochi Olimpici. Gli eroi sono raffigurati prima dell'inizio della competizione. La maestosa figura di Zeus al centro del frontone, la calma solenne dei partecipanti che si preparano alla competizione conferiscono alla composizione del frontone un'euforia festosa, dietro la quale si avverte la tensione interna. Le cinque figure centrali, in pose libere, sembrano corrispondere al ritmo delle colonne su cui si ergono. Ogni eroe agisce come individuo, come partecipante cosciente all'azione complessiva, come l'“Auriga” e il “Giovane che tira fuori una spina” inclusi nei gruppi laterali del frontone;

Il carattere realistico della scultura si rivela particolarmente chiaramente nella composizione del frontone occidentale, che rappresenta la battaglia dei Lapiti con i centauri. La composizione è piena di movimento, priva di simmetria, ma rigorosamente equilibrata. Al centro c'è Apollo, ai lati c'è un gruppo di combattenti e centauri. Senza ripetersi, i gruppi sono reciprocamente equilibrati sia in termini di massa totale che di intensità dei movimenti. Le figure dei combattenti sono inscritte con precisione nel delicato triangolo del frontone, e la tensione dei movimenti aumenta verso gli angoli del frontone man mano che si allontanano dall'Apollo in piedi calmo e sobriamente imperioso, la cui figura risalta per le sue grandi dimensioni e è il centro drammatico di questa composizione complessa e allo stesso tempo facilmente visibile. Il volto di Apollo è armoniosamente bello, il suo gesto guida è sicuro. Sebbene la battaglia sul frontone sia ancora in pieno svolgimento, la vittoria della volontà umana e della ragione sui centauri, personificando le forze elementali della natura, è percepita come chiaramente predeterminata. L'immagine di un cittadino, atleta e guerriero diventa centrale nell'arte dei classici. Le proporzioni del corpo e le diverse forme di movimento sono diventate i mezzi di caratterizzazione più importanti. A poco a poco, il volto della persona raffigurata si libera dalla rigidità e dalla staticità. Ma da nessun'altra parte la generalizzazione tipica è combinata con l'individualizzazione dell'immagine. L'unicità personale di una persona e il suo carattere non attirarono l'attenzione dei maestri dei primi classici greci. Creando un'immagine tipica di un cittadino umano, lo scultore non si è sforzato di rivelare il suo carattere individuale. Questa era sia la forza che i limiti del realismo dei classici greci.

Miron. La ricerca di immagini eroiche, tipicamente generalizzate, caratterizza l'opera di Mirone di Eleuthera, che lavorò ad Atene tra la fine del secondo e l'inizio del terzo quarto del V secolo. AVANTI CRISTO e. Lottando per l'unità dell'armoniosamente bello e del direttamente vitale, si liberò dagli ultimi echi delle convenzioni arcaiche. Le peculiarità dell'arte di Mirone si manifestano chiaramente nel famoso “Discobolo” (450 aC circa, Roma, Museo delle Terme). Come molte altre sculture, il Disco Thrower è stato eseguito in onore di una persona specifica, sebbene non sia di natura ritrattistica. Lo scultore ha raffigurato un giovane, bello nello spirito e nel corpo, in rapido movimento. Il lanciatore viene mostrato nel momento in cui mette tutta la sua forza nel lancio del disco. Nonostante la tensione che permea la figura, la scultura dà l'impressione di stabilità. Ciò è determinato dalla scelta del momento del movimento, il suo punto culminante.

Chinandosi, il giovane gettò indietro la mano con il disco e il corpo elastico, come una molla, si raddrizzò rapidamente, la mano con forza, come una molla, si raddrizzò rapidamente, la mano con forza lanciò il disco nello spazio. Un momento di pace darà stabilità monumentale all'immagine. Nonostante la complessità del movimento, la scultura “Discobolo” conserva il punto di vista principale, permettendo di coglierne immediatamente tutta la ricchezza figurativa.

Calmo autocontrollo, padronanza dei tuoi sentimenti - caratteristica Visione del mondo classica greca, che determina la misura del valore etico di una persona. L'affermazione della bellezza della volontà razionale, frenando il potere della passione, ha trovato espressione in gruppo scultoreo“Atena e Marsia (metà V secolo a.C., Francoforte; Roma, Museo Lateranense), realizzato da Mirone per l'acropoli di Atene.

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Un gran numero di trattati di famosi storici dell'arte sono dedicati specificamente alla scultura greca antica, come ramo fondamentale della cultura mondiale. Sfortunatamente, molti monumenti di quel tempo non sono sopravvissuti nella loro forma originale e sono conosciuti da copie successive. Studiandoli, puoi tracciare la storia dello sviluppo del greco arti visive dal periodo omerico all'era ellenistica, ed evidenziare le creazioni più sorprendenti e famose di ogni periodo.

Afrodite di Milo

La famosa Afrodite dell'isola di Milos risale al periodo ellenistico dell'arte greca. In questo momento, grazie agli sforzi di Alessandro Magno, la cultura dell'Hellas iniziò a diffondersi ben oltre la penisola balcanica, il che si rifletteva notevolmente nelle belle arti: sculture, dipinti e affreschi divennero più realistici, i volti degli dei su di essi avere caratteristiche umane: pose rilassate, uno sguardo astratto, un sorriso dolce.

Statua di Afrodite, o come la chiamavano i romani, Venere, è fatta di marmo bianco come la neve. La sua altezza è leggermente maggiore dell'altezza umana ed è di 2,03 metri. La statua fu scoperta per caso da un normale marinaio francese, che nel 1820, insieme a un contadino locale, dissotterrò Afrodite vicino ai resti di un antico anfiteatro sull'isola di Milos. Durante il trasporto e le controversie doganali, la statua perse le braccia e il piedistallo, ma fu conservata la testimonianza dell'autore del capolavoro indicato su di essa: Agesandro, figlio di Menida, residente ad Antiochia.

Oggi, dopo un accurato restauro, Afrodite è esposta al Louvre di Parigi, attirando ogni anno milioni di turisti con la sua bellezza naturale.

Nike di Samotracia

La creazione della statua della dea della vittoria Nike risale al II secolo a.C. La ricerca ha dimostrato che Nika è stata installata sopra la costa del mare su una ripida scogliera: i suoi vestiti di marmo svolazzano come dal vento e l'inclinazione del corpo rappresenta un costante movimento in avanti. Le pieghe più sottili degli abiti coprono il forte corpo della dea e le ali potenti sono spiegate nella gioia e nel trionfo della vittoria.

La testa e le braccia della statua non si sono conservate, anche se durante gli scavi del 1950 furono scoperti singoli frammenti. In particolare Karl Lehmann e un gruppo di archeologi ritrovarono la mano destra della dea. La Nike di Samotracia è oggi una delle opere più importanti del Louvre. La sua mano non è mai stata aggiunta all'esposizione generale; è stata restaurata solo l'ala destra, che è in gesso.

Laocoonte e i suoi figli

Una composizione scultorea raffigurante la lotta mortale di Laocoonte, sacerdote del dio Apollo e dei suoi figli, con due serpenti inviati da Apollo in vendetta per il fatto che Laocoonte non ascoltò la sua volontà e cercò di impedire al cavallo di Troia di entrare in città .

La statua era in bronzo, ma il suo originale non è sopravvissuto fino ad oggi. Nel XV secolo, una copia in marmo della scultura fu ritrovata nel territorio della “casa d'oro” di Nerone e, per ordine di papa Giulio II, fu installata in una nicchia separata del Belvedere Vaticano. Nel 1798 la statua di Laocoonte fu trasportata a Parigi, ma dopo la caduta del dominio di Napoleone gli inglesi la riportarono al suo posto originale, dove è conservata ancora oggi.

La composizione, raffigurante la disperata lotta morente di Laocoonte con la punizione divina, ispirò molti scultori del tardo Medioevo e del Rinascimento e diede origine a una moda per rappresentare i movimenti complessi e vorticosi del corpo umano nelle belle arti.

Zeus da Capo Artemision

La statua, trovata dai sommozzatori vicino a Capo Artemision, è in bronzo ed è una delle poche opere d'arte di questo tipo che sono sopravvissute fino ad oggi nella sua forma originale. I ricercatori non sono d'accordo sul fatto che la scultura appartenga specificamente a Zeus, ritenendo che possa raffigurare anche il dio dei mari, Poseidone.

La statua è alta 2,09 m e raffigura il dio supremo greco, che alzò la mano destra per scagliare un fulmine con giusta rabbia. Il fulmine stesso non è sopravvissuto, ma da numerose figure più piccole si può giudicare che avesse l'aspetto di un disco di bronzo piatto e molto allungato.

Dopo quasi duemila anni di permanenza sott'acqua, la statua è rimasta quasi intatta. Mancavano solo gli occhi, presumibilmente d'avorio e tempestati di pietre preziose. Puoi vedere quest'opera d'arte al Museo Archeologico Nazionale, che si trova ad Atene.

Statua del Diadumen

Una copia in marmo di una statua in bronzo di un giovane che si incorona con un diadema - un simbolo di vittoria sportiva, probabilmente adornava il luogo della competizione ad Olimpia o Delfi. Il diadema a quel tempo era una benda di lana rossa che, insieme alle corone di alloro, veniva assegnata ai vincitori dei Giochi Olimpici. L'autore dell'opera, Policleto, l'ha eseguita nel suo stile preferito: il giovane è in leggero movimento, il suo viso mostra completa calma e concentrazione. L'atleta si comporta come un meritato vincitore: non mostra stanchezza, sebbene il suo corpo abbia bisogno di riposo dopo il combattimento. Nella scultura, l'autore è riuscito a trasmettere in modo molto naturale non solo piccoli elementi, ma anche la posizione generale del corpo, distribuendo correttamente la massa della figura. La piena proporzionalità del corpo è l'apice dello sviluppo di questo periodo: il classicismo del V secolo.

Sebbene l'originale in bronzo non sia sopravvissuto fino ad oggi, le sue copie possono essere viste in molti musei in tutto il mondo: il Museo Archeologico Nazionale di Atene, il Louvre, il Metropolitan e il British Museum.

Afrodite Braschi

La statua in marmo di Afrodite raffigura la dea dell'amore che si spoglia prima di fare il bagno leggendario, spesso mitico, che le ripristina la verginità. Afrodite tiene nella mano sinistra i vestiti rimossi, che cadono dolcemente su una brocca lì vicino. Dal punto di vista ingegneristico, questa soluzione ha reso la fragile statua più stabile e ha dato la possibilità allo scultore di darle una posa più rilassata. L'unicità di Afrodite Brasca è che questa è la prima statua conosciuta della dea, il cui autore decise di raffigurarla nuda, cosa che un tempo era considerata un'audacia inaudita.

Ci sono leggende secondo le quali lo scultore Prassitele creò Afrodite a immagine della sua amata, l'etera Frine. Quando il suo ex ammiratore, l'oratore Eutia, lo venne a sapere, suscitò uno scandalo, a seguito del quale Prassitele fu accusato di imperdonabile blasfemia. Al processo, l'avvocato difensore, vedendo che le sue argomentazioni non soddisfacevano l'impressione del giudice, strappò i vestiti di Phryne per mostrare ai presenti che un corpo così perfetto della modella semplicemente non poteva nascondere un'anima oscura. I giudici, essendo aderenti al concetto di kalokagathia, sono stati costretti ad assolvere completamente gli imputati.

La statua originale fu portata a Costantinopoli, dove morì in un incendio. Molte copie di Afrodite sono sopravvissute fino ad oggi, ma tutte presentano le proprie differenze, poiché sono state ricostruite da descrizioni verbali e scritte e da immagini sulle monete.

Maratona giovanile

Statua giovanotto realizzato in bronzo, e raffigura presumibilmente il dio greco Hermes, sebbene non si osservino prerequisiti o attributi nelle mani o negli abiti del giovane. La scultura fu sollevata dal fondo della Baia di Maratona nel 1925 e da allora è stata aggiunta alla mostra del Museo Archeologico Nazionale di Atene. A causa del fatto che la statua è rimasta a lungo sott'acqua, tutte le sue caratteristiche erano molto ben conservate.

Lo stile in cui è stata realizzata la scultura rivela lo stile del famoso scultore Prassitele. Il giovane sta in una posizione rilassata, la sua mano è appoggiata al muro contro il quale è stata installata la figura.

Discobolo

La statua dell'antico scultore greco Mirone non è sopravvissuta nella sua forma originale, ma è ampiamente conosciuta in tutto il mondo grazie alle sue copie in bronzo e marmo. La scultura è unica in quanto è stata la prima a rappresentare una persona in movimento complesso e dinamico. Una decisione così coraggiosa da parte dell'autore è stata un esempio lampante per i suoi seguaci, che, con non meno successo, hanno creato opere d'arte nello stile di "Figura serpentinata" - una tecnica speciale che raffigura una persona o un animale in uno stato spesso innaturale e teso. , ma posa molto espressiva, dal punto di vista dell'osservatore.

Auriga delfico

La scultura in bronzo di un auriga fu scoperta durante gli scavi nel 1896 presso il Santuario di Apollo a Delfi ed è un classico esempio di arte antica. La figura raffigura un giovane greco antico che guida un carro durante Giochi pitici.

L'unicità della scultura sta nel fatto che è stato conservato l'intarsio degli occhi con pietre preziose. Le ciglia e le labbra del giovane sono decorate con rame, e la fascia è d'argento e presumibilmente aveva anche un intarsio.

Il momento della creazione della scultura, teoricamente, è all'incrocio tra l'arcaico e il primo classico: la sua posa è caratterizzata dalla rigidità e dall'assenza di qualsiasi accenno di movimento, ma la testa e il viso sono realizzati con un realismo piuttosto grande. Come nelle sculture successive.

Atena Parteno

Maestoso statua della dea Atena non è sopravvissuto fino ad oggi, ma ne esistono molte copie, restaurate secondo le antiche descrizioni. La scultura era realizzata interamente in avorio e oro, senza l'uso di pietra o bronzo, e si trovava nel tempio principale di Atene: il Partenone. Caratteristica distintiva dea: un elmo alto decorato con tre stemmi.

La storia della creazione della statua non è stata priva di momenti fatali: sullo scudo della dea, lo scultore Fidia, oltre a raffigurare la battaglia con le Amazzoni, ha posto il suo ritratto sotto forma di un vecchio debole che solleva un pesante pietra con entrambe le mani. Il pubblico di quel tempo valutò in modo ambiguo l'atto di Fidia, che gli costò la vita: lo scultore fu imprigionato, dove si tolse la vita con il veleno.

La cultura greca divenne la fondatrice dello sviluppo delle belle arti in tutto il mondo. Anche oggi, considerando alcuni dipinti moderni e le statue possono rilevare l'influenza di questa antica cultura.

Antica Grecia divenne la culla in cui fu attivamente coltivato il culto della bellezza umana nelle sue manifestazioni fisiche, morali e intellettuali. Residenti in Grecia di quel tempo non solo adoravano molti dei dell'Olimpo, ma cercavano anche di somigliargli il più possibile. Tutto ciò si riflette nelle statue in bronzo e marmo: non solo trasmettono l'immagine di una persona o di una divinità, ma le avvicinano anche l'una all'altra.

Sebbene molte statue non siano sopravvissute fino ai giorni nostri, le loro copie esatte possono essere viste in molti musei di tutto il mondo.

Salonicco in Grecia. Storia, attrazioni (sesta parte)

Controllo ottomano della città ultimi decenni Il dominio turco è stato il pilastro del suo sviluppo, soprattutto nelle infrastrutture. Un gran numero di nuovi edifici pubblici furono costruiti in uno stile eclettico per dare a Salonicco un volto europeo. Tra il 1869 e il 1889 le mura cittadine furono distrutte a seguito del previsto ampliamento della città. Nel 1888 iniziò il primo servizio della linea tranviaria e già nel 1908 le strade cittadine furono illuminate con lampade e pali elettrici. Dallo stesso anno la ferrovia collegava Salonicco con l'Europa centrale attraverso Belgrado, Monastir e Costantinopoli. La città ricominciò ad acquisire il suo "volto greco" nazionale solo dopo la partenza dei conquistatori turchi e l'ottenimento della libertà da parte dello stato. Tuttavia, gli eventi turbolenti del secolo scorso hanno lasciato il segno nell'immagine moderna della città. Attualmente, Salonicco svolge il ruolo di una metropoli con una popolazione piuttosto mista: qui vivono rappresentanti di oltre 80 nazioni, senza contare i gruppi etnici minori.

Eubea, o Evia in greco moderno, è la seconda isola più grande della Grecia: circa 3900 km2. Tuttavia, la posizione insulare di Eubea è piuttosto relativa: l'isola è separata dalla Grecia continentale dallo stretto stretto di Evripos (Evripos), la cui larghezza è di soli 40 m! Gli antichi greci collegavano l'Eubea al continente con un ponte lungo circa 60 m.

Natale sull'Athos. Pellegrinaggio a Natale

È chiamato il destino terreno della Madre di Dio e il principale luogo santo per tutti i cristiani. Questo è il Monte Athos, attorno al quale ci sono molte leggende e storie incredibili guarigione sorprendente. Il Monte Athos è sacro non solo per i greci, ma anche per centinaia di migliaia di cristiani in tutto il mondo. Mai una donna ha messo piede sul suolo di questo monastero monastico se non il piede della Madre di Dio, come la Madre di Dio stessa ha lasciato in eredità.

Alessandropoli

Molte persone non sono estranee al desiderio di andare da qualche parte a sud in estate. Anche se vanno in Grecia, vogliono comunque rilassarsi nella sua parte meridionale. Ti suggerisco di visitare la città tracia di Alessandropoli, situata nel nord-est dell'Ellade. La città fu fondata dal grande comandante e conquistatore Alessandro Magno nel 340 a.C. e.

Mini Albergo

Mini-hotel, ILIAHTIADA Apartments è un piccolo hotel moderno, costruito nel 1991, situato in Calcidica, sulla penisola di Kassandra, nel villaggio di Kriopigi, a 90 km dall'aeroporto Macedonia di Salonicco. L'hotel offre camere spaziose e un'atmosfera accogliente. Questo è un posto eccellente per una vacanza economica in famiglia. L'hotel è situato su un'area di 4500 mq. M.

Abbiamo già parlato delle ORIGINI. La linea tratteggiata prevista è stata interrotta per ragioni oggettive, ma voglio comunque continuare. Lascia che ti ricordi che ci siamo fermati nella storia profonda - nell'arte dell'antica Grecia. Cosa ricordiamo del curriculum scolastico? Di norma, tre nomi rimangono saldamente nella nostra memoria: Mirone, Fidia, Policleto. Poi ricordiamo che c'erano anche Lisippo, Scopa, Prassitele e Leochares... Quindi vediamo di cosa si tratta. Quindi, il tempo dell'azione è 4-5 secoli a.C., il luogo dell'azione è l'antica Grecia.

PITAGORO DI REGIA
Pitagora di Regio (V secolo a.C.) è un antico scultore greco del primo periodo classico, le cui opere sono conosciute solo attraverso menzioni di autori antichi. Sono sopravvissute diverse copie romane delle sue opere, inclusa la mia preferita “Il ragazzo che tira fuori una spina”. Quest'opera diede origine alla cosiddetta scultura da giardino.

Pitagora di Regio Ragazzo che rimuove una scheggia intorno alla metà del V secolo a.C. copia originale del Museo Capitolino

MIRON
Miron (Μύρων) - scultore della metà del V secolo. AVANTI CRISTO e. Scultore dell'epoca immediatamente precedente la massima fioritura dell'arte greca (fine VI - inizi V secolo). Gli antichi lo caratterizzano come il più grande realista ed esperto di anatomia, il quale però non sapeva dare vita ed espressione ai volti. Raffigurava divinità, eroi e animali e con amore speciale riproduceva pose difficili e fugaci. La sua opera più famosa è “Il Disco Lanciatore”, un atleta intento a lanciare il disco, statua giunta fino ai giorni nostri in più copie, di cui la migliore è in marmo e si trova a Palazzo Massimi a Roma.

Discobolo.
FIDIA.
Uno dei fondatori dello stile classico è l'antico scultore greco Fidia, che decorò con le sue sculture sia il Tempio di Zeus ad Olimpia che il Tempio di Atena (Partenone) nell'acropoli ateniese. Frammenti del fregio scultoreo del Partenone sono ora al British Museum (Londra).

Frammenti del fregio e del frontone del Partenone. British Museum, Londra.

Le principali opere scultoree di Fidia (Atena e Zeus) sono andate perdute da tempo, i templi furono distrutti e saccheggiati.

Partenone.

Esistono molti tentativi di ricostruire i templi di Atena e Zeus. Puoi leggerlo qui:
Le informazioni sullo stesso Fidia e sulla sua eredità sono relativamente scarse. Tra le statue esistenti non ce n'è una che sia appartenuta senza dubbio a Fidia. Tutta la conoscenza della sua opera si basa sulle descrizioni di autori antichi, sullo studio di copie successive, nonché sulle opere sopravvissute attribuite a Fidia con più o meno certezza.

Maggiori informazioni su Fidia http://biography-peoples.ru/index.php/f/item/750-fidij
http://art.1september.ru/article.php?ID=200901207
http://www.liveinternet.ru/users/3155073/post207627184/

Bene, riguardo al resto dei rappresentanti della cultura greca antica.

POLICLETO
Scultore greco della seconda metà del V secolo. AVANTI CRISTO e. Creatore di numerose statue, comprese quelle vincitrici giochi Sportivi, per i centri religiosi e sportivi di Argo, Olimpia, Tebe e Megalopoli. L'autore del canone di rappresentazione del corpo umano nella scultura, noto come “Canone di Policleto”, secondo il quale la testa è 1/8 della lunghezza del corpo, il viso e le palme sono 1/10, e il il piede è 1/6. Il canone è stato osservato fino alla fine nella scultura greca, la cosiddetta. epoca classica, cioè fino alla fine del IV secolo. AVANTI CRISTO e., quando Lisippo stabilì nuovi principi. La sua opera più famosa è "Doriphoros" (Lanciere). Questo viene dall'enciclopedia.

Policleto. Doriforo. Museo Puškin. Copia in gesso.

PRASSITEL

AFRODITE DI CNIDO (copia romana da originale IV secolo a.C.) Roma, Musei Nazionali (testa, braccia, gambe, panneggio restaurati)
Una delle opere più famose della scultura antica è Afrodite di Cnido, la prima scultura greca antica (altezza - 2 m), raffigurante una donna nuda prima del bagno.

Afrodite di Cnido, (Afrodite dei Braschi) copia romana, I secolo. AVANTI CRISTO. Gliptoteca, Monaco

Afrodite di Cnido. Marmo a grana media. Torso - Copia romana del II secolo. N. Copia egissa del Museo Pushkin
Secondo Plinio la statua di Afrodite per il santuario locale fu ordinata dagli abitanti dell'isola di Kos. Prassitele eseguì due versioni: una dea nuda e una dea vestita. Prassitele fece pagare lo stesso prezzo per entrambe le statue. I clienti non hanno corso rischi e hanno scelto la versione tradizionale, con la figura drappeggiata. Le sue copie e descrizioni non sono sopravvissute ed è caduto nell'oblio. E l'Afrodite di Cnido, rimasta nella bottega dello scultore, fu acquistata dagli abitanti della città di Cnido, il che fu favorevole allo sviluppo della città: i pellegrini iniziarono ad affluire a Cnido, attratti dalla famosa scultura. Afrodite si trovava in un tempio a cielo aperto, visibile da tutti i lati.
Afrodite di Cnido godeva di tale fama e veniva copiata così spesso che su di lei si raccontava persino un aneddoto, che costituì la base dell'epigramma: “Vedendo Cipride a Cnido, Cipride disse timidamente: “Guai a me, dove Prassitele mi ha visto nudo? "
Prassitele creò la dea dell'amore e della bellezza come personificazione della femminilità terrena, ispirandosi all'immagine della sua amata, la bella Frine. In effetti, il volto di Afrodite, sebbene creato secondo il canone, con lo sguardo sognante di languidi occhi in ombra, porta con sé un tocco di individualità che rimanda a un originale specifico. Creando un'immagine quasi ritratto, Prassitele guardò al futuro.
È stata conservata una leggenda romantica sulla relazione tra Prassitele e Frine. Si dice che Frine abbia chiesto a Prassitele di darle il suo miglior lavoro. Accettò, ma si rifiutò di dire quale delle statue considerasse la migliore. Quindi Frine ordinò al servitore di informare Prassitele dell'incendio nell'officina. Il maestro spaventato esclamò: "Se la fiamma ha distrutto sia Eros che Satiro, allora tutto è morto!" Frine apprese così che tipo di lavoro poteva chiedere a Prassitele.

Prassitele (presumibilmente). Hermes con il bambino Dioniso, IV secolo. AVANTI CRISTO. Museo di Olimpia
La scultura “Hermes con il bambino Dioniso” è caratteristica del periodo tardo classico. Non personifica la forza fisica, come era consuetudine in precedenza, ma la bellezza e l'armonia, la comunicazione umana sobria e lirica. La rappresentazione dei sentimenti, la vita interiore dei personaggi è un fenomeno nuovo arte antica, non tipico degli alti classici. La mascolinità di Hermes è enfatizzata dall'aspetto infantile di Dioniso. Le linee curve della figura di Hermes sono aggraziate. Il suo corpo forte e sviluppato manca dell'atletismo caratteristico delle opere di Policleto. L'espressione del viso, sebbene priva di tratti individuali, è dolce e pensierosa. I capelli erano tinti e tenuti in posizione con una benda d'argento.
Prassitele ottenne una sensazione di calore corporeo modellando finemente la superficie del marmo e con grande abilità trasmise nella pietra il tessuto del mantello di Hermes e degli abiti di Dioniso.

SCOPA

Museo di Olimpia, Skopas Menade Copia romana in marmo ridotta dall'originale del 1° terzo del IV secolo
Skopas - antico scultore e architetto greco del IV secolo. AVANTI CRISTO e., rappresentante del tardo classico. Nato sull'isola di Paro, lavorò a Teges (ora Piali), Alicarnasso (ora Bodrum) e in altre città della Grecia e dell'Asia Minore. Come architetto partecipò alla costruzione del tempio di Atena Aley a Tegea (350-340 a.C.) e del mausoleo di Alicarnasso (metà del IV secolo a.C.). Tra le opere originali di S. giunte fino a noi, la più importante è il fregio del mausoleo di Alicarnasso con l'immagine dell'Amazzonomachia (metà del IV secolo a.C.; insieme a Briaxis, Leocharo e Timoteo; frammenti si trovano nel British Museum, Londra; vedi illustrazione). Numerose opere di S. sono note da copie romane (“Pothos”, “Giovane Ercole”, “Meleagro”, “Menade”, vedi illustrazione). Avendo abbandonato l'arte caratteristica del V secolo. armoniosa tranquillità dell'immagine, S. si è rivolto alla trasmissione di forti esperienze emotive e alla lotta delle passioni. Per realizzarli S. si avvale di una composizione dinamica e di nuove tecniche di interpretazione dei dettagli, in particolare dei tratti del viso: occhi infossati, pieghe sulla fronte e bocca aperta. Satura di pathos drammatico, la creatività di S. ebbe una grande influenza sugli scultori della cultura ellenistica (vedi Cultura ellenistica), in particolare sulle opere dei maestri del III e II secolo che lavorarono nella città di Pergamo.

LISIPPO
Lisippo nacque intorno al 390 a Sicione sul Peloponneso e la sua opera rappresenta già la parte successiva, ellenica, dell'arte dell'antica Grecia.

Lisippo. Ercole con un leone. Seconda metà del IV secolo. AVANTI CRISTO e. Copia romana in marmo da originale in bronzo. San Pietroburgo, Ermitage.

LEOCCAR
Leochares - antico scultore greco del IV secolo. AVANTI CRISTO e., che negli anni '50 lavorò con Skopas alla decorazione scultorea del Mausoleo di Alicarnasso.

Leochar Artemis di Versailles (copia romana del I-II secolo dall'originale del 330 a.C. circa) Parigi, Louvre

Leohar. Apollo Belvedere Questo sono io con lui in Vaticano. Scusate le libertà, ma è più facile non caricare la copia in gesso.

Bene, allora c'era l'ellenismo. Lo conosciamo bene dalla Venere (in “greco” Afrodite) di Milo e dalla Nike di Samotracia, conservate al Louvre.

Venere di Milo. Intorno al 120 a.C Louvre.

Nike di Samotracia. OK. 190 a.C e. Louvre