Sculture di uomini dell'antica Grecia. Scultura della grecia antica del periodo classico

Il V secolo nella storia della scultura greca del periodo classico può essere definito un "passo avanti". Lo sviluppo della scultura dell'antica Grecia in questo periodo è associato ai nomi di famosi maestri come Mirone, Poliklen e Fidia. Nelle loro creazioni le immagini diventano più realistiche, se si può dire addirittura “vive”, lo schematismo che era caratteristico delle diminuzioni. Ma i principali "eroi" sono gli dei e le persone "ideali".

Mirone, che visse a metà del V secolo. AVANTI CRISTO e, ci è noto da disegni e copie romane. Questo geniale maestro padroneggiava perfettamente la plasticità e l'anatomia, trasmetteva chiaramente la libertà di movimento nelle sue opere ("Disco Thrower"). Conosciuto anche il suo lavoro "Athena and Marsyas", che è stato creato sulla base del mito di questi due personaggi. Secondo la leggenda, Atena ha inventato il flauto, ma durante il gioco ha notato quanto brutta fosse cambiata la sua espressione, con rabbia lancia lo strumento e maledice tutti coloro che lo suoneranno. Era costantemente osservata dalla divinità della foresta Marsia, che aveva paura della maledizione. Lo scultore ha cercato di mostrare la lotta di due opposti: la calma di fronte ad Atena e la ferocia di fronte a Marsia. Gli intenditori d'arte moderna ammirano ancora il suo lavoro, le sue sculture di animali. Ad esempio, sono stati conservati circa 20 epigrammi per una statua in bronzo di Atene.

Polikleitos, che lavorò ad Argo, nella seconda metà del V sec. AVANTI CRISTO e, è un rappresentante di spicco della scuola del Peloponneso. La scultura del periodo classico è ricca dei suoi capolavori. Era un maestro della scultura in bronzo e un eccellente teorico dell'arte. Policlet ha preferito ritrarre gli atleti, in cui la gente comune ha sempre visto l'ideale. Tra le sue opere ci sono le statue di "Doryfor" e "Diadumen". La prima opera è un forte guerriero con una lancia, l'incarnazione della calma dignità. Il secondo è un giovane snello, con in testa una benda da vincitore in gare.

Fidia è un altro brillante rappresentante creatore di sculture. Il suo nome risuonava brillantemente durante il periodo di massimo splendore dell'arte classica greca. Le sue sculture più famose furono le statue colossali di Atena Parthenos e Zeus nel Tempio Olimpico realizzate in legno, oro e avorio, e Atena Promachos, realizzate in bronzo e situate sulla piazza dell'Acropoli di Atene. Questi capolavori d'arte sono irrimediabilmente perduti. Solo descrizioni e copie romane ridotte ci danno una vaga idea della magnificenza di queste sculture monumentali.

Atena Parthenos - una straordinaria scultura del periodo classico, fu costruita nel tempio del Partenone. Era una base di legno di 12 metri, il corpo della dea era ricoperto di lastre d'avorio e gli abiti e le armi stesse erano d'oro. Il peso approssimativo della scultura è di duemila chilogrammi. Sorprendentemente, le parti d'oro venivano rimosse e pesate nuovamente ogni quattro anni, poiché erano il fondo aureo dello stato. Fidia decorò lo scudo e il piedistallo con rilievi raffiguranti se stesso e Pericle in battaglia con le Amazzoni. Per questo fu accusato di sacrilegio e mandato in prigione, dove morì.

La statua di Zeus è un altro capolavoro della scultura del periodo classico. La sua altezza è di quattordici metri. La statua raffigura la suprema divinità greca seduta con la dea Nike in mano. La statua di Zeus, secondo molti storici dell'arte, è la più grande creazione di Fidia. È stato costruito utilizzando la stessa tecnica utilizzata per creare la statua di Atena Parthenos. La figura era di legno, raffigurata nuda fino alla vita e ricoperta di lastre d'avorio, e le vesti erano ricoperte di lamine d'oro. Zeus era seduto sul trono e nella mano destra teneva la figura della dea della vittoria, Nike, e nella mano sinistra c'era una verga, che era un simbolo di potere. Gli antichi greci percepivano la statua di Zeus come un'altra meraviglia del mondo.

Atena Promachos (circa 460 aC), una scultura in bronzo di 9 metri dell'antica Grecia fu costruita proprio tra le rovine dopo che i persiani distrussero l'Acropoli. Fidia "dà alla luce" un'Athena completamente diversa, nella forma di un guerriero, un importante e severo difensore della sua città. Ha una potente lancia nella mano destra, uno scudo nella sinistra e un elmo in testa. Atena in questa immagine rappresentava la potenza militare di Atene. Questa scultura dell'antica Grecia sembrava regnare sulla città, e tutti coloro che viaggiavano lungo il mare lungo la costa potevano contemplare la punta della lancia e la cresta dell'elmo della statua scintillante ai raggi del sole, ricoperto d'oro. Oltre alle sculture di Zeus e Atena, Fidia realizza immagini in bronzo di altre divinità nella tecnica crisoelefantina e partecipa a concorsi di scultori. Fu anche il capo di grandi lavori di costruzione, ad esempio la costruzione dell'Acropoli.

La scultura dell'antica Grecia mostrava la bellezza fisica e interiore e l'armonia dell'uomo. Già nel IV secolo, dopo le conquiste di Alessandro Magno in Grecia, si conoscono nuovi nomi di scultori di talento come Skopas, Prassitele, Lisippo, Timoteo, Leocar e altri. I creatori di questa era iniziano a prestare maggiore attenzione allo stato interno di una persona, al suo stato psicologico e alle sue emozioni. Sempre più spesso gli scultori ricevono ordini individuali da cittadini facoltosi, in cui chiedono di ritrarre personaggi famosi.

Un famoso scultore del periodo classico fu Scopas, vissuto a metà del IV secolo a.C. Innova rivelando il mondo interiore di una persona, cerca di rappresentare emozioni di gioia, paura, felicità nelle sculture. Questo persona talentuosa ha lavorato in molte città greche. Le sue sculture del periodo classico sono ricche di immagini di divinità ed eroi vari, composizioni e rilievi su temi mitologici. Non aveva paura di sperimentare e ritrarre persone in varie pose complesse, alla ricerca di nuove possibilità artistiche per rappresentare nuovi sentimenti su un volto umano (passione, rabbia, rabbia, paura, tristezza). La statua di Menade è un'eccellente creazione di arte plastica rotonda; ora è stata conservata la sua copia romana. Una nuova e sfaccettata opera di rilievo è l'Amazzonomachia, che adorna il Mausoleo di Alicarnasso in Asia Minore.

Prassitele fu un eccezionale scultore del periodo classico che visse ad Atene intorno al 350 a.C. Sfortunatamente, solo la statua di Hermes da Olimpia è pervenuta a noi e del resto delle opere sappiamo solo da copie romane. Prassitele, come Scopas, cercava di trasmettere i sentimenti delle persone, ma preferiva esprimere emozioni più "leggere" che fossero piacevoli per una persona. Ha trasferito le emozioni liriche, il sogno nelle sculture, ha cantato la bellezza del corpo umano. Lo scultore non forma figure in movimento. Tra le sue opere si segnalano "Il satiro riposante", "Afrodite di Cnido", "Ermete con il bambino Dioniso", "Apollo che uccide la lucertola".

L'opera più famosa è la statua di Afrodite di Cnido. È stato realizzato su ordinazione per gli abitanti dell'isola di Kos in due copie. Il primo - in abiti e il secondo nudo. Gli abitanti di Kos preferirono Afrodite in abito, mentre gli Cnidi ne acquistarono un secondo esemplare. La statua di Afrodite nel santuario di Cnidia rimase a lungo luogo di pellegrinaggio. Skopa e Prassitele furono i primi a osare di ritrarre Afrodite nuda. La dea Afrodite nella sua immagine è molto umana, si è preparata per il bagno. È un'eccellente rappresentante della scultura dell'antica Grecia. La statua della dea è stata un modello per molti scultori per più di mezzo secolo.

La scultura "Ermete con il bambino Dioniso" (dove intrattiene il bambino con una vite) è l'unica statua originale. I suoi capelli assumevano una sfumatura bruno-rossastra e la sua veste azzurro brillante, come quella di Afrodite, metteva in risalto il candore del suo corpo di marmo. Come le creazioni di Fidia, le opere di Prassitele erano collocate in templi e santuari aperti ed erano di culto. Ma l'opera di Prassitele non era personificata con la precedente forza e potenza della città e il valore dei suoi abitanti. Scopa e Prassitele influenzarono notevolmente i loro contemporanei. Il loro stile realistico è stato utilizzato da molti artigiani e scuole nel corso dei secoli.

Lisippo (seconda metà del IV secolo aC) fu uno dei i più grandi scultori periodo classico. Preferiva lavorare il bronzo. Solo le copie romane ci danno l'opportunità di conoscere il suo lavoro. Tra le opere famose ci sono "Hercules with a doe", "Apoxiomen", "Hermes Resting" e "Wrestler". Lisippo apporta modifiche in proporzione, raffigura una testa più piccola, un corpo più snello e gambe più lunghe. Tutte le sue opere sono individuali, anche il ritratto di Alessandro Magno è umanizzato.

INTRODUZIONE

Antico (dalla parola latina antiquariato - antico) era chiamato dagli umanisti italiani del Rinascimento cultura greco-romana, come la prima a loro nota. E questo nome è stato conservato fino ad oggi, sebbene da allora siano state scoperte culture ancora più antiche. Si è conservato come sinonimo di antichità classica, cioè del mondo in seno al quale è sorta la nostra civiltà europea. È stato preservato come un concetto che separa accuratamente la cultura greco-romana dai mondi culturali dell'Antico Oriente.

La creazione di un'immagine umana generalizzata, elevata a bella norma - l'unità della sua bellezza corporea e spirituale - è quasi l'unico tema dell'arte e la qualità principale cultura greca in genere. Ciò ha fornito alla cultura greca il potere artistico più raro e l'importanza chiave per la cultura mondiale in futuro.

La cultura greca antica ha avuto un enorme impatto sullo sviluppo della civiltà europea. Le conquiste dell'arte greca costituirono in parte la base delle idee estetiche delle epoche successive. Senza la filosofia greca, in particolare Platone e Aristotele, né lo sviluppo della teologia medievale né la filosofia del nostro tempo sarebbero stati possibili. Il sistema educativo greco ha raggiunto i nostri giorni nelle sue caratteristiche principali. La mitologia e la letteratura dell'antica Grecia hanno ispirato poeti, scrittori, artisti e compositori per molti secoli. È difficile sopravvalutare l'influenza della scultura antica sugli scultori delle epoche successive.

Il significato dell'antica cultura greca è così grande che non per niente chiamiamo i tempi del suo periodo di massimo splendore "l'età dell'oro" dell'umanità. E ora, dopo millenni, ammiriamo le proporzioni ideali dell'architettura, le creazioni insuperabili di scultori, poeti, storici e scienziati. Questa cultura è la più umana, dona ancora alle persone saggezza, bellezza e coraggio.

I periodi in cui è consuetudine suddividere la storia e l'arte del mondo antico.

periodo antico- Cultura egea: III millennio-XI secolo. AVANTI CRISTO e.

Periodo omerico e primo arcaico: XI-VIII sec AVANTI CRISTO e.

periodo arcaico: VII-VI sec. AVANTI CRISTO e.

periodo classico: dal V sec. fino all'ultimo terzo del IV sec. AVANTI CRISTO e.

periodo ellenistico: l'ultimo terzo del IV-1° sec. AVANTI CRISTO e.

Il periodo di sviluppo delle tribù d'Italia; Cultura etrusca: VIII-II sec. AVANTI CRISTO e.

Il periodo regio dell'antica Roma: VIII-VI sec. AVANTI CRISTO e.

Periodo repubblicano dell'antica Roma: VI secolo. AVANTI CRISTO e.

Periodo imperiale dell'antica Roma: IV-V secolo. n. e.

Nel mio lavoro, vorrei considerare la scultura greca del periodo arcaico, classico e tardo classico, la scultura del periodo ellenistico, così come la scultura romana.

ARCAICO

L'arte greca si sviluppò sotto l'influenza di tre correnti culturali molto diverse:

Egeo, apparentemente ancora in attesa vitalità in Asia Minore e il cui respiro leggero ha soddisfatto i bisogni spirituali degli antichi Elleni in tutti i periodi del suo sviluppo;

Dorico, aggressivo (generato dall'ondata dell'invasione dorica settentrionale), propenso a introdurre rigorosi aggiustamenti nelle tradizioni dello stile sorto a Creta, per moderare la libera fantasia e il dinamismo sfrenato dei cretesi motivo decorativo(già molto semplificato a Micene) dalla schematizzazione geometrica più semplice, caparbia, rigida e prepotente;

orientale, che ha portato il giovane Hellas, come prima a Creta, campioni della creatività artistica dell'Egitto e della Mesopotamia, la completa concretezza delle forme plastiche e pittoriche, la sua notevole abilità pittorica.

La creatività artistica dell'Hellas per la prima volta nella storia del mondo ha stabilito il realismo come norma assoluta dell'arte. Ma non realismo nell'esatta copiatura della natura, ma nel compimento di ciò che la natura non poteva compiere. Quindi, seguendo il disegno della natura, l'arte dovette tendere a quella perfezione, che ella ha solo accennato, ma che lei stessa non ha raggiunto.

Alla fine del VII-inizio del VI sec. AVANTI CRISTO e. C'è un famoso cambiamento nell'arte greca. Nella pittura vascolare, l'attenzione è su una persona e la sua immagine diventa sempre più realistica. L'ornamento senza trama perde il suo antico significato. Allo stesso tempo - e questo è un evento di grande significato - appare una scultura monumentale, il cui tema principale è ancora l'uomo.

Da quel momento in poi, l'arte greca intraprende saldamente la strada dell'umanesimo, dove era destinata a conquistare una gloria inesauribile.

In questo percorso l'arte acquisisce per la prima volta uno scopo speciale, unico. Il suo obiettivo non è riprodurre la figura del defunto per fornire un rifugio salvifico al suo “Ka”, non affermare l'inviolabilità del potere costituito nei monumenti che esaltino questo potere, non influenzare magicamente le forze della natura, incarnate dall'artista in immagini specifiche. Lo scopo dell'arte è la creazione della bellezza, che è equivalente al bene, equivalente alla perfezione spirituale e fisica dell'uomo. E se parliamo del valore educativo dell'arte, allora aumenta incommensurabilmente. Perché la bellezza ideale creata dall'arte suscita in una persona il desiderio di auto-miglioramento.

Citiamo Lessing: "Dove sono apparse belle statue grazie a belle persone, queste ultime, a loro volta, hanno impressionato le prime, e lo stato era debitore di belle statue di belle persone".

Le prime sculture greche pervenute fino a noi riflettono ancora chiaramente l'influenza dell'Egitto. Frontalità e dapprima timido superamento della rigidità dei movimenti - la gamba sinistra avanzata o la mano attaccata al petto. Queste sculture in pietra, il più delle volte in marmo, di cui l'Hellas è così ricca, hanno un fascino inspiegabile. Respiro giovanile, ispirato dall'impulso dell'artista, toccando la sua fede che attraverso uno sforzo persistente e scrupoloso, un costante miglioramento delle proprie capacità, si può padroneggiare completamente il materiale fornitogli dalla natura, trasparire in esso.

Su un colosso marmoreo (inizio VI secolo a.C.), alto quattro volte un essere umano, leggiamo un'iscrizione orgogliosa: "Tutto me, la statua e il piedistallo, sono stati rimossi da un blocco".

Chi sono le statue antiche?

Questi sono giovani uomini nudi (kuros), atleti, vincitori di competizioni. Queste sono kors - giovani donne in chitoni e mantelli.

Una caratteristica significativa: anche agli albori dell'arte greca, le immagini scultoree degli dei differiscono, e anche allora non sempre, dalle immagini di una persona solo per emblemi. Così nella stessa statua di un giovane, a volte siamo inclini a riconoscere o solo un atleta, o lo stesso Febo-Apollo, il dio della luce e delle arti.

...Quindi, le prime statue arcaiche riflettono ancora i canoni sviluppati in Egitto o in Mesopotamia.

Frontale e imperturbabile è l'alto kouros, o Apollo, scolpito intorno al 600 aC. e. (New York, Metropolitan Museum of Art). Il suo viso è incorniciato da lunghi capelli, sapientemente intrecciati, come una rigida parrucca, e ci sembra che sia sdraiato davanti a noi per mostrarsi, mettendo in mostra l'eccessiva larghezza delle spalle spigolose, l'immobilità rettilinea delle braccia e il ristrettezza liscia dei fianchi.

Statua di Hera dell'isola di Samo, eseguita probabilmente all'inizio del secondo quarto del VI secolo a.C. AVANTI CRISTO e. (Parigi, Louvre). In questo marmo veniamo affascinati dalla maestosità della figura, scolpita dal basso fino alla vita a forma di pilastro rotondo. Maestà gelida e calma. La vita è appena distinguibile sotto le pieghe rigorosamente parallele della tunica, sotto le pieghe disposte in modo decorativo del mantello.

Ed ecco cos'altro distingue l'arte dell'Hellas nel percorso loro aperto: la sorprendente velocità di perfezionamento dei metodi dell'immagine, insieme a un cambiamento radicale nello stile stesso dell'arte. Ma non come in Babilonia, e certamente non come in Egitto, dove lo stile cambiò lentamente nel corso dei millenni.

Metà del VI secolo AVANTI CRISTO e. Solo pochi decenni separano l'"Apollo di Tenea" (Monaco di Baviera, Gliptoteca) dalle statue già citate. Ma quanto è più viva e aggraziata la figura di questo giovane, già illuminato dalla bellezza! Non si è ancora mosso dal suo posto, ma si è già preparato per il movimento. Il contorno dei fianchi e delle spalle è più morbido, più misurato, e il suo sorriso è forse il più radioso, ingenuamente esultante nell'arcaico.

Il famoso "Moskhophoros" che significa portatore di vitelli (Atene, Museo Archeologico Nazionale). Questo è un giovane greco, che porta un vitello all'altare di una divinità. Le mani che premono le gambe di un animale appoggiato sulle sue spalle al petto, la combinazione cruciforme di queste braccia e queste gambe, il muso mite di un vitello destinato al macello, lo sguardo pensieroso del donatore pieno di un significato indescrivibile a parole - tutto questo crea un insieme molto armonioso, internamente inseparabile che ci delizia con la sua armonia finita, in una musicalità dal suono marmoreo.

"Testa di Rampen" (Parigi, Louvre), dal nome del suo primo proprietario (un busto in marmo senza testa trovato separatamente nel Museo di Atene, che sembra adattarsi alla testa del Louvre). Questa è l'immagine del vincitore del concorso, come dimostra la corona. Il sorriso è un po' forzato, ma giocoso. Acconciatura molto curata ed elegante. Ma la cosa principale in questa immagine è un leggero giro di testa: questa è già una violazione della frontalità, l'emancipazione nel movimento, un timido presagio di vera libertà.

Lo Strangford kouros della fine del VI secolo è magnifico. AVANTI CRISTO e. (Londra, British Museum). Il suo sorriso sembra trionfante. Ma non è forse perché il suo corpo è così snello e quasi liberamente ci appare davanti in tutta la sua coraggiosa e consapevole bellezza?

Siamo stati più fortunati con i Kora che con i Kouro. Nel 1886 gli archeologi hanno scavato nel terreno quattordici croste di marmo. Sepolto dagli Ateniesi durante la rovina della loro città da parte dell'esercito persiano nel 480 a.C. e., la corteccia ha mantenuto parzialmente il suo colore (variegato e per nulla naturalistico).

Nel loro insieme, queste statue ci danno una rappresentazione visiva della scultura greca della seconda metà del VI secolo a.C. AVANTI CRISTO e. (Atene, Museo dell'Acropoli).

Ora misteriosamente e penetrantemente, ora ingenuamente e persino ingenuamente, ora le croste sono chiaramente sorridenti con civetteria. Le loro figure sono snelle e maestose, le loro elaborate acconciature sono ricche. Abbiamo visto che le statue dei kouros ad esse contemporanee vengono gradualmente liberate dalla loro precedente costrizione: il corpo nudo è diventato più vivo e armonioso. Non meno significativi progressi si osservano nelle sculture femminili: le pieghe delle vesti sono disposte sempre più abilmente per trasmettere il movimento della figura, il brivido della vita del corpo drappeggiato.

Il miglioramento persistente del realismo è ciò che forse è più caratteristico dello sviluppo di tutta l'arte greca di quel tempo. La sua profonda unità spirituale ha superato gli stilemi caratteristici di varie regioni della Grecia.

Il candore del marmo ci sembra inseparabile dall'ideale stesso di bellezza incarnato dalla scultura in pietra greca. Il calore del corpo umano risplende per noi attraverso questo candore, che rivela meravigliosamente tutta la morbidezza del modellamento e, secondo l'idea che si è radicata in noi, si armonizza perfettamente con il nobile ritegno interiore, la classica chiarezza dell'immagine di bellezza umana creata dallo scultore.

Sì, questo candore è accattivante, ma è generato dal tempo, che ha restituito al marmo il colore naturale. Il tempo ha cambiato l'aspetto delle statue greche, ma non le ha mutilate. Perché la bellezza di queste statue, per così dire, effonde dalla loro stessa anima. Il tempo ha solo illuminato questa bellezza in un modo nuovo, sottraendogli qualcosa e sottolineando qualcosa involontariamente. Ma rispetto a quelle opere d'arte che gli antichi elleni ammiravano, gli antichi rilievi e le statue pervenute fino a noi sono ancora privi di tempo in qualcosa di molto significativo, e quindi la nostra stessa idea di scultura greca è incompleta.

Come la natura stessa dell'Ellade, l'arte greca era luminosa e colorata. Luminoso e gioioso, brillava festosamente al sole in una varietà di accostamenti cromatici, riecheggiando l'oro del sole, il viola del tramonto, l'azzurro del mare caldo e il verde delle colline circostanti.

I dettagli architettonici e le decorazioni scultoree dei templi erano coloratissimi, il che dava all'intero edificio un aspetto elegante e festoso. La ricca colorazione esaltava il realismo e l'espressività delle immagini - anche se, come sappiamo, i colori non erano scelti esattamente secondo la realtà - attiravano e divertivano l'occhio, rendevano l'immagine ancora più chiara, comprensibile e vicina. E quasi tutta la scultura antica giunta fino a noi ha perso completamente questa colorazione.

Arte greca tra la fine del VI e l'inizio del V secolo. AVANTI CRISTO e. rimane essenzialmente arcaico. Anche il maestoso tempio dorico di Poseidone a Paestum, con il suo colonnato ben conservato, costruito in pietra calcarea già nel secondo quarto del V secolo, non mostra una completa emancipazione delle forme architettoniche. La massa e la tozza, caratteristiche dell'architettura arcaica, ne determinano l'aspetto complessivo.

Lo stesso vale per la scultura del tempio di Atena sull'isola di Egina, costruita dopo il 490 aC. e. I suoi famosi frontoni erano decorati con sculture in marmo, alcune delle quali pervenute fino a noi (Monaco di Baviera, Glyptothek).

Nei frontoni precedenti, gli scultori disponevano le figure in un triangolo, cambiando di conseguenza la loro scala. Le figure dei frontoni di Egina sono a scala singola (solo la stessa Atena è più alta delle altre), il che segna già un notevole progresso: quelle più vicine al centro stanno in tutta la loro altezza, quelle laterali sono raffigurate in ginocchio e sdraiate. Le trame di queste armoniose composizioni sono mutuate dall'Iliade. Le singole figure sono belle, come un guerriero ferito e un arciere che tira una corda dell'arco. Indubbio successo è stato ottenuto nell'emancipazione dei movimenti. Ma si sente che questo successo è stato dato con difficoltà, che questo è ancora solo un test. Un sorriso arcaico vaga ancora stranamente sui volti dei combattenti. L'intera composizione non è ancora abbastanza coerente, troppo enfaticamente simmetrica, non ispirata da un solo respiro libero.

GRANDE FIORITURA

Ahimè, non possiamo vantare una sufficiente conoscenza dell'arte greca di questo e del suo successivo, più brillante periodo. Dopotutto, quasi tutta la scultura greca del V secolo a.C. AVANTI CRISTO e. morto. Quindi, secondo le successive copie marmoree romane dagli originali perduti, principalmente in bronzo, siamo spesso costretti a giudicare l'opera di grandi geni, i cui eguali sono difficili da trovare nell'intera storia dell'arte.

Sappiamo, ad esempio, che Pitagora Regius (480-450 a.C.) fu uno scultore famosissimo. Con l'emancipazione delle sue figure, che comprendono, per così dire, due movimenti (quello iniziale e quello in cui parte della figura apparirà in un istante), contribuì potentemente allo sviluppo dell'arte realistica della scultura.

I contemporanei ammiravano le sue scoperte, la vitalità e la veridicità delle sue immagini. Ma, certo, le poche copie romane che ci sono pervenute dalle sue opere (come, ad esempio, Il ragazzo che tira fuori una scheggia. Roma, Palazzo Conservatorium) non sono sufficienti per apprezzare appieno l'opera di questo audace innovatore .

L'ormai famoso Auriga è un raro esempio di scultura in bronzo, un frammento di una composizione di gruppo realizzata per caso intorno al 450 aC. Un giovane snello, simile a una colonna che ha assunto sembianze umane (le pieghe rigorosamente verticali della sua veste esaltano ulteriormente questa somiglianza). La schiettezza della figura è alquanto arcaica, ma la sua generale nobiltà tardo esprime già l'ideale classico. Questo è il vincitore del concorso. Guida con sicurezza il carro, e tale è la potenza dell'arte che indovinamo le grida entusiaste della folla, che divertono la sua anima. Ma, pieno di coraggio e coraggio, è trattenuto nel suo trionfo: i suoi bei lineamenti sono imperturbabili. Un giovane modesto, anche se consapevole della sua vittoria, illuminato dalla gloria. Questa immagine è una delle più accattivanti dell'arte mondiale. Ma non conosciamo nemmeno il nome del suo creatore.

... Negli anni '70 del XIX secolo, gli archeologi tedeschi intrapresero gli scavi di Olimpia nel Peloponneso. Lì, nell'antichità, si svolgevano le competizioni sportive pangreche, i famosi Giochi Olimpici, secondo i quali i greci continuavano a contare. Gli imperatori bizantini bandirono i giochi e distrussero Olimpia con tutti i suoi templi, altari, portici e stadi.

Gli scavi furono grandiosi: per sei anni di seguito, centinaia di operai portarono alla luce una vasta area ricoperta da depositi secolari. I risultati hanno superato ogni aspettativa: centotrenta statue e bassorilievi in ​​marmo, tredicimila oggetti in bronzo, seimila monete / fino a mille iscrizioni, migliaia di cocciopeste sono state rimosse dal terreno. È gratificante che quasi tutti i monumenti siano stati lasciati al loro posto e, sebbene fatiscenti, ora ostentano sotto il loro solito cielo, sulla stessa terra dove sono stati creati.

Le metope e i frontoni del Tempio di Zeus ad Olimpia sono senza dubbio le sculture più significative pervenute fino a noi dal secondo quarto del V secolo a.C. AVANTI CRISTO e. Per comprendere l'enorme cambiamento avvenuto nell'arte in questo breve tempo - solo una trentina d'anni, basta confrontare, ad esempio, il frontone occidentale del tempio olimpico e i frontoni di Egina che abbiamo già considerato sono abbastanza simili in schema compositivo generale. Sia qua che là c'è un'alta figura centrale, ai lati della quale piccoli gruppi di combattenti sono equamente distanziati.

La trama del frontone olimpico: la battaglia dei Lapiti con i centauri. Secondo la mitologia greca, i centauri (metà umani-metà cavalli) tentarono di rapire le mogli degli abitanti di montagna dei Lapiti, ma salvarono le mogli e distrussero i centauri in una feroce battaglia. Questa trama è stata già più volte utilizzata dagli artisti greci (in particolare nella pittura vascolare) come personificazione del trionfo della cultura (rappresentata dai Lapiti) sulla barbarie, sullo stesso potere oscuro della Bestia sotto forma di finalmente sconfitto il centauro a calci. Dopo la vittoria sui Persiani, questa battaglia mitologica acquisì un suono speciale sul frontone olimpico.

Non importa quanto maciullate le sculture marmoree del frontone, questo suono ci raggiunge pienamente - ed è grandioso! Perché, a differenza dei frontoni di Egina, dove le figure non sono organicamente saldate tra loro, tutto qui è intriso di un unico ritmo, di un solo respiro. Insieme allo stile arcaico, il sorriso arcaico è completamente scomparso. Apollo regna sulla rovente battaglia, decidendone l'esito. Solo lui, il dio della luce, è calmo in mezzo a una tempesta che imperversa nelle vicinanze, dove ogni gesto, ogni volto, ogni impulso si completano a vicenda, formando un tutto unico, inscindibile, bello nella sua armonia e pieno di dinamismo.

Le maestose figure del frontone orientale e la metopa del tempio olimpico di Zeus sono anch'esse bilanciate internamente. Non si conoscono esattamente i nomi degli scultori (ce ne sarebbero stati, a quanto pare, diversi) che hanno creato queste sculture, in cui lo spirito di libertà celebra il suo trionfo sull'arcaico.

L'ideale classico si afferma vittoriosamente nella scultura. Il bronzo diventa il materiale prediletto dello scultore, perché il metallo è più remissivo della pietra ed è più facile dare alla figura qualsiasi posizione in esso, anche la più audace, istantanea, a volte anche “fittizia”. E questo non viola il realismo. Dopotutto, come sappiamo, il principio dell'arte classica greca è la riproduzione della natura, creativamente corretta e integrata dall'artista, che rivela in essa un po' più di ciò che l'occhio vede. Del resto, Pitagora di Regio non ha peccato contro il realismo, catturando due movimenti diversi in un'unica immagine!..

Il grande scultore Myron, che lavorò a metà del V secolo. AVANTI CRISTO. ad Atene, ha creato una statua che ha avuto un enorme impatto sullo sviluppo delle belle arti. Questo è il suo "Disco Thrower" in bronzo, a noi noto da diverse copie romane in marmo, così danneggiato che solo il loro totale

permesso di ricreare in qualche modo l'immagine perduta.

Un lanciatore di dischi (in altre parole un lanciatore di dischi) viene catturato nel momento in cui, dopo aver rigettato indietro la mano con un disco pesante, è già pronto a lanciarla in lontananza. Questo è il momento culminante, prefigura visibilmente quello successivo, quando il discus si alza in aria, e la figura dell'atleta si raddrizza in un sussulto: uno scarto istantaneo tra due potenti movimenti, come se connettesse il presente con il passato e il futuro. I muscoli del discolatore sono estremamente tesi, il corpo è curvo, eppure il suo giovane viso è completamente calmo. Meravigliosa audacia creativa! Un'espressione facciale tesa sarebbe probabilmente più credibile, ma la nobiltà dell'immagine sta in questo contrasto di impulso fisico e tranquillità.

“Come le profondità del mare restano sempre calme, per quanto il mare infuri in superficie, così le immagini create dai Greci rivelano un'anima grande e ferma in mezzo a tutta l'eccitazione della passione.” Così scriveva due secoli fa il famoso storico dell'arte tedesco Winckelmann, il vero fondatore dello studio scientifico del patrimonio artistico del mondo antico. E questo non contraddice quanto abbiamo detto degli eroi feriti di Omero, che riempivano l'aria dei loro lamenti. Ricordiamo i giudizi di Lessing sui limiti dell'arte nella poesia, le sue parole secondo cui "l'artista greco non ha rappresentato altro che la bellezza". E così è stato, ovviamente, nell'era della grande prosperità.

Ma ciò che è bello nella descrizione può sembrare brutto nell'immagine (gli anziani che guardano Elena!). E quindi, osserva anche, l'artista greco ha ridotto la rabbia alla severità: per il poeta, Zeus arrabbiato lancia un fulmine, per l'artista - è solo severo.

La tensione distorcerebbe i lineamenti del lanciatore di dischi, spezzerebbe la luminosa bellezza dell'immagine ideale di un atleta fiducioso nelle sue forze, un cittadino coraggioso e fisicamente perfetto della sua politica, come Myron lo presentava nella sua statua.

Nell'arte di Myron, la scultura ha dominato il movimento, non importa quanto difficile possa essere.

L'arte di un altro grande scultore - Polykleitos - stabilisce l'equilibrio di una figura umana a riposo o un passo lento con un'enfasi su una gamba e un braccio corrispondentemente sollevato. Un esempio di tale figura è il suo famoso

"Dorifor" - giovane portatore di lancia (copia romana in marmo da originale in bronzo. Napoli, Museo Nazionale). In questa immagine c'è un'armoniosa combinazione di bellezza fisica ideale e spiritualità: il giovane atleta, che, ovviamente, personifica anche un cittadino bello e valoroso, ci sembra approfondito nei suoi pensieri - e tutta la sua figura è piena di prettamente ellenico nobiltà classica.

Questa non è solo una statua, ma un canone nel senso esatto della parola.

Poliklet si proponeva di determinare con precisione le proporzioni della figura umana, coerenti con la sua idea di bellezza ideale. Ecco alcuni risultati dei suoi calcoli: la testa è 1/7 dell'altezza totale, il viso e la mano sono 1/10, il piede è 1/6, ma le sue figure sembravano già "quadrate" ai suoi contemporanei, troppo massicce . La stessa impressione, nonostante tutta la sua bellezza, ci lascia il suo "Dorifor".

Poliklet espose i suoi pensieri e le sue conclusioni in un trattato teorico (che non è pervenuto a noi), al quale diede il nome di "Canon"; lo stesso nome fu dato nell'antichità allo stesso “Doriforo”, scolpito in stretta conformità con il trattato.

Polikleitos ha creato relativamente poche sculture, tutte assorbite dai suoi lavori teorici. Nel frattempo studiò le "regole" che determinano la bellezza di una persona, il suo più giovane contemporaneo, Ippocrate, il più grande medico dell'antichità, dedicò tutta la sua vita allo studio della natura fisica dell'uomo.

Per rivelare pienamente tutte le possibilità dell'uomo: questo era l'obiettivo dell'arte, della poesia, della filosofia e della scienza di questa grande epoca. Mai prima d'ora nella storia del genere umano la coscienza è entrata così profondamente nell'anima che l'uomo è la corona della natura. Sappiamo già che il grande Sofocle, contemporaneo di Policleto e Ippocrate, proclamò solennemente questa verità nella sua tragedia Antigone.

L'uomo incorona la natura - questo è ciò che dicono i monumenti dell'arte greca del periodo di massimo splendore, raffiguranti l'uomo in tutto il suo valore e bellezza.

Voltaire definì l'era della più grande fioritura culturale di Atene "l'età di Pericle". Il concetto di "età" qui non va inteso alla lettera, perché stiamo parlando solo di pochi decenni. Ma nel suo significato questo breve periodo nella scala della storia merita una tale definizione.

La più alta gloria di Atene, lo splendore radioso di questa città nella cultura mondiale sono indissolubilmente legati al nome di Pericle. Si occupò della decorazione di Atene, patrocinò tutte le arti, attirò ad Atene i migliori artisti, fu amico e mecenate di Fidia, il cui genio segna probabilmente il livello più alto nell'intero patrimonio artistico del mondo antico.

Pericle decise anzitutto di restaurare l'Acropoli ateniese, distrutta dai Persiani, o meglio, sulle rovine della vecchia Acropoli, ancora arcaica, per crearne una nuova, che esprimesse l'ideale artistico dell'ellenismo completamente liberato.

L'Acropoli era in Hellas dove si trovava il Cremlino Antica Russia: una roccaforte urbana che racchiudeva all'interno delle sue mura templi e altre istituzioni pubbliche e fungeva da rifugio per la popolazione circostante durante la guerra.

La famosa Acropoli è l'Acropoli di Atene con i suoi templi del Partenone e dell'Eretteo e gli edifici dei Propilei, i più grandi monumenti dell'architettura greca. Anche nella loro forma fatiscente, fanno ancora oggi un'impressione indelebile.

Ecco come il famoso architetto domestico A.K. descrive questa impressione. Burov: "Ho scalato gli zigzag dell'approccio ... sono passato attraverso il portico - e mi sono fermato. Direttamente e un po' a destra, su una roccia screpolata di marmo blu fluttuante - il sito dell'Acropoli, come da onde bollenti, il Partenone crebbe e fluttuò verso di me. Non ricordo quanto tempo rimasi immobile... Il Partenone, rimanendo immutato, cambiava continuamente... Mi avvicinai, gli girai intorno ed entrai. Sono rimasto vicino a lui, in lui e con lui tutto il giorno. Il sole stava tramontando sul mare. Le ombre giacevano perfettamente orizzontali, parallele alle cuciture delle pareti marmoree dell'Eretteo.

Ombre verdi si infittivano sotto il portico del Partenone. Un bagliore rossastro scivolò per l'ultima volta e si spense. Il Partenone è morto. Insieme a Febo. Fino al giorno dopo".

Sappiamo chi ha distrutto la vecchia Acropoli. Sappiamo chi fece saltare in aria e chi rovinò quello nuovo, eretto per volontà di Pericle.

È terribile dire che questi nuovi atti barbarici, che aggravarono l'opera distruttiva del tempo, non furono affatto commessi in tempi antichi e nemmeno per fanatismo religioso, come, ad esempio, la selvaggia sconfitta di Olimpia.

Nel 1687, durante la guerra tra Venezia e la Turchia, che allora regnava sulla Grecia, una palla di cannone veneziana che volò sull'Acropoli fece saltare in aria una polveriera costruita dai Turchi nel... Partenone. L'esplosione provocò una terribile distruzione.

È positivo che tredici anni prima di questo disastro, un certo artista che accompagnò l'ambasciatore francese in visita ad Atene sia riuscito a disegnare la parte centrale del frontone occidentale del Partenone.

La granata veneziana colpì il Partenone, forse per caso. D'altra parte, proprio nel 1990, fu organizzato un attacco del tutto sistematico all'Acropoli di Atene inizio XIX secolo.

Questa operazione fu condotta dal "più illuminato" conoscitore d'arte, Lord Elgin, un generale e diplomatico che prestò servizio come inviato inglese a Costantinopoli. Corruppe le autorità turche e, approfittando della loro connivenza in terra greca, non esitò a danneggiare o addirittura distruggere famosi monumenti architettonici, pur di impossessarsi di decorazioni scultoree di particolare pregio. Provocò danni irreparabili all'Acropoli: rimosse quasi tutte le statue del frontone superstiti dal Partenone e fece esplodere parte del famoso fregio dalle sue mura. Allo stesso tempo, il frontone è crollato e si è schiantato. Temendo l'indignazione popolare, Lord Elgin portò di notte tutto il suo bottino in Inghilterra. Molti inglesi (in particolare Byron nel suo famoso poema "Childe Harold") lo condannarono severamente per il trattamento barbaro riservato ai grandi monumenti d'arte e per i metodi sconvenienti per acquisire tesori d'arte. Tuttavia, il governo britannico ha acquisito una collezione unica del suo rappresentante diplomatico - e le sculture del Partenone sono ora l'orgoglio principale del British Museum di Londra.

Avendo depredato il più grande monumento d'arte, Lord Elgin ha arricchito il lessico della storia dell'arte con un nuovo termine: tale vandalismo è talvolta chiamato "Elginismo".

Cosa ci sconvolge tanto nel grandioso panorama dei colonnati marmorei con fregi e frontoni spezzati, che si ergono sul mare e sopra le case basse di Atene, nelle sculture mutilate che ancora ostentano sulla roccia scoscesa dell'Acropoli o sono esposte in terra straniera come il valore museale più raro?

Il filosofo greco Eraclito, vissuto alla vigilia della più alta fioritura dell'Ellade, possiede il seguente famoso detto: “Questo cosmo, lo stesso per tutto ciò che esiste, non è stato creato da nessun dio e nessun uomo, ma è sempre stato, è e sarà un fuoco eternamente vivo, illuminato da misure, sbiadito da misure. E lui

Diceva che “ciò che è divergente conviene da sé”, che l'armonia più bella nasce dagli opposti e “tutto accade attraverso la lotta”.

L'arte classica dell'Hellas riflette accuratamente queste idee.

Non è nel gioco delle forze contrapposte che nasce l'armonia generale dell'ordine dorico (il rapporto tra la colonna e la trabeazione), così come le statue del Doriforo (le verticali delle gambe e dei fianchi rispetto alle orizzontali del spalle e muscoli dell'addome e del torace)?

La coscienza dell'unità del mondo in tutte le sue metamorfosi, la coscienza delle sue leggi eterne hanno ispirato i costruttori dell'Acropoli, che hanno voluto stabilire l'armonia di questo mondo increato e sempre giovane nella creatività artistica, dando un'unica e completa impressione di bellezza.

L'Acropoli ateniese è un monumento che proclama la fede di una persona nella possibilità di un'armonia così riconciliante non in un mondo immaginario, ma in un mondo molto reale, la fede nel trionfo della bellezza, nella chiamata di una persona a crearla e servirla in nome del bene. E quindi questo monumento è eternamente giovane, come il mondo, ci emoziona e ci attrae sempre. Nella sua inesauribile bellezza c'è sia consolazione nei dubbi che un luminoso richiamo: prova che la bellezza risplende visibilmente sui destini del genere umano.

L'Acropoli è una radiosa incarnazione della volontà umana creativa e della mente umana, che afferma un ordine armonioso nel caos della natura. E quindi l'immagine dell'Acropoli regna nella nostra immaginazione su tutta la natura, come regna sotto il cielo dell'Ellade, su un blocco di roccia informe.

... La ricchezza di Atene e la loro posizione dominante fornirono a Pericle ampie opportunità nella costruzione da lui progettata. Per decorare la famosa città, trasse fondi a sua discrezione dai tesori del tempio e persino dal tesoro generale degli stati dell'unione marittima.

Montagne di marmo bianco come la neve, estratte molto vicino, furono consegnate ad Atene. I migliori architetti, scultori e pittori greci consideravano un onore lavorare per la gloria della capitale dell'arte ellenica universalmente riconosciuta.

Sappiamo che diversi architetti furono coinvolti nella costruzione dell'Acropoli. Ma, secondo Plutarco, Fidia era responsabile di tutto. E sentiamo in tutto il complesso un'unità progettuale e un unico principio guida che ha segnato anche i dettagli dei monumenti più importanti.

Questa idea generale è caratteristica dell'intera visione del mondo greca, dei principi di base dell'estetica greca.

La collina, su cui sono stati eretti i monumenti dell'Acropoli, non è nemmeno di profilo, e il suo livello non è lo stesso. I costruttori non entrarono in conflitto con la natura, ma, accettata la natura così com'è, desiderarono nobilitarla e decorarla con la loro arte per creare un insieme artistico altrettanto luminoso sotto un cielo luminoso, chiaramente incombente sullo sfondo del montagne circostanti. L'insieme, nella sua armonia, è più perfetto della natura! Su una collina irregolare, l'integrità di questo insieme si percepisce gradualmente. Ogni monumento vive in esso la propria vita, è profondamente individuale, e la sua bellezza si rivela ancora in parti all'occhio, senza violare l'unità dell'impressione. Salendo sull'Acropoli, anche adesso, nonostante tutte le distruzioni, si percepisce chiaramente la sua divisione in sezioni ben delimitate; osservi ogni monumento, aggirandolo da tutti i lati, ad ogni passo, ad ogni svolta, scoprendo in esso qualche nuova caratteristica, una nuova incarnazione della sua armonia generale. Separazione e comunità; l'individualità più brillante del particolare, trasformandosi dolcemente in un'unica armonia del tutto. E il fatto che la composizione dell'insieme, obbedendo alla natura, non sia basata sulla simmetria, accresce ulteriormente la sua libertà interiore con un equilibrio impeccabile delle sue parti costitutive.

Quindi, Fidia ha smaltito tutto nella pianificazione di questo insieme, che è uguale in termini di valore artistico, forse, non era e non è presente in tutto il mondo. Cosa sappiamo di Fidia?

Nativo ateniese, Fidia nacque probabilmente intorno al 500 a.C. e morì dopo il 430. Il più grande scultore, senza dubbio il più grande architetto, poiché l'intera Acropoli può essere venerata come sua creazione, lavorò anche come pittore.

Creatore di enormi sculture, a quanto pare, è riuscito anche nella plastica di piccola forma, come altri famosi artisti dell'Hellas, non ha esitato a mostrarsi nelle forme d'arte più diverse, anche venerate da quelle minori: ad esempio, sappiamo che ha coniato figure di pesci, api e cicale.

Grande artista, Fidia fu anche grande pensatore, vero portavoce dell'arte del genio filosofico greco, delle più alte pulsioni dello spirito greco. Antichi autori testimoniano che nelle sue immagini riuscì a trasmettere una grandezza sovrumana.

Tale immagine sovrumana era, ovviamente, la sua statua di Zeus di tredici metri, creata per il tempio di Olimpia. Vi morì insieme a molti altri preziosi monumenti. Questa statua in avorio e oro era considerata una delle "sette meraviglie del mondo". Ci sono informazioni, apparentemente provenienti dallo stesso Fidia, che la grandezza e la bellezza dell'immagine di Zeus gli furono rivelate nei seguenti versi dell'Iliade:

Fiumi, e come segno di Zeus nero

dimena le sopracciglia:

Capelli rapidamente profumati

salì a Kronid

Intorno alla testa immortale, e tremava

L'Olimpo è multi-collinare.

... Come molti altri geni, Fidia non sfuggì alla malvagia invidia e alla calunnia durante la sua vita. Fu accusato di aver sottratto parte dell'oro destinato a decorare la statua di Atena nell'Acropoli - così gli oppositori del partito democratico cercarono di comprometterne la testa - Pericle, che incaricò Fidia di ricreare l'Acropoli. Fidia fu espulso da Atene, ma la sua innocenza fu presto provata. Tuttavia - come si diceva allora - dopo di lui ... la stessa dea del mondo Irina stessa "se ne andò" da Atene. Nella famosa commedia "Il mondo" del grande contemporaneo Fidia Aristofane, si dice in questa occasione che, ovviamente, la dea del mondo è vicina a Fidia e "perché è così bella da essergli imparentata".

... Atene, dal nome della figlia di Zeus Atena, era il centro principale del culto di questa dea. Nella sua gloria fu eretta l'Acropoli.

Secondo la mitologia greca, Atena emerse completamente armata dalla testa del padre degli dei. Era l'amata figlia di Zeus, a cui non poteva rifiutare nulla.

Dea eternamente vergine del cielo limpido e radioso. Insieme a Zeus, invia tuoni e fulmini, ma anche calore e luce. Una dea guerriera che devia i colpi dai suoi nemici. La patrona dell'agricoltura, gli incontri pubblici, la cittadinanza. L'incarnazione della pura ragione, la saggezza suprema; dea del pensiero, della scienza e dell'arte. Occhi chiari, viso tondo-ovale aperto, tipicamente attico.

Salendo sulla collina dell'Acropoli, gli antichi greci entrarono nel regno di questa dea multiforme, immortalata da Fidia.

Allievo degli scultori Egia e Agelade, Fidia padroneggiò tutte le conquiste tecniche dei suoi predecessori e andò anche oltre. Ma sebbene l'abilità dello scultore Fidia segni il superamento di tutte le difficoltà che gli sono sorte prima nella rappresentazione realistica di una persona, non si limita alla perfezione tecnica. La capacità di trasmettere il volume e l'emancipazione delle figure e il loro raggruppamento armonico in se stesse non danno ancora luogo ad un vero e proprio battito d'ali nell'arte.

Colui che «senza la frenesia mandata dalle Muse si avvicina alla soglia della creatività, nella certezza che grazie a una sola abilità diventerà un poeta giusto, è debole», e tutto ciò che ha creato «sarà eclissato dalle opere dei frenetici”. Così parlò uno dei più grandi filosofi del mondo antico: Platone.

... Sopra il ripido pendio del colle sacro, l'architetto Mnesicle eresse i famosi edifici in marmo bianco dei Propilei con diversi livelli Portici dorici collegati da un colonnato ionico interno. Colpendo l'immaginazione, la maestosa armonia dei Propilei - l'ingresso solenne all'Acropoli, ha immediatamente introdotto il visitatore nel mondo radioso della bellezza, affermato dal genio umano.

Sull'altro lato dei Propilei c'era una gigantesca statua in bronzo di Atena Promachos, che significa Atena la guerriera, scolpita da Fidia. L'impavida figlia del Tuono personificava qui, sulla piazza dell'Acropoli, la potenza militare e la gloria della sua città. Da questa piazza si aprivano allo sguardo vaste distanze, ei marinai, aggirando la punta meridionale dell'Attica, vedevano chiaramente l'alto elmo e la lancia della dea guerriera scintillare al sole.

Ora la piazza è vuota, perché da tutta la statua, che nell'antichità suscitava indescrivibile delizia, c'è traccia di un piedistallo. E a destra, dietro la piazza, c'è il Partenone, la più perfetta creazione di tutta l'architettura greca, o meglio, ciò che si è conservato del grande tempio, all'ombra del quale un tempo sorgeva un'altra statua di Atena, anch'essa scolpita da Fidia, ma non un guerriero, ma Atena la vergine: Atena Parthenos.

Come lo Zeus Olimpio, era una statua criso-elefantina: realizzata in oro (in greco - "chrysos") e avorio (in greco - "elephas"), inserita in una cornice di legno. In totale, sono stati prodotti circa milleduecento chilogrammi di metallo prezioso.

Sotto il caldo splendore dell'armatura e delle vesti dorate, l'avorio sul viso, sul collo e sulle mani della dea calma ma maestosa con una Nike alata (Vittoria) di dimensioni umane sul palmo teso si illuminava.

Le testimonianze di autori antichi, una copia ridotta (Athena Varvakion, Atene, Museo Archeologico Nazionale) e monete e medaglioni raffiguranti Atena Fidia ci danno un'idea di questo capolavoro.

Lo sguardo della dea era calmo e chiaro, ei suoi lineamenti erano illuminati dalla luce interiore. La sua pura immagine non esprimeva una minaccia, ma una gioiosa consapevolezza della vittoria, che portava prosperità e pace al popolo.

La tecnica crisoelefantina era venerata come l'apice dell'arte. L'imposizione di lastre d'oro e d'avorio su legno richiedeva la migliore maestria. La grande arte dello scultore si unì alla minuziosa arte del gioielliere. E di conseguenza - che splendore, che splendore nel crepuscolo della cella, dove l'immagine di una divinità regnava come la più alta creazione delle mani umane!

Il Partenone fu costruito (nel 447-432 aC) dagli architetti Iktin e Kallikrat sotto la supervisione generale di Fidia. In accordo con Pericle, volle incarnare l'idea di una democrazia trionfante in questo più grande monumento dell'Acropoli. Poiché la dea, guerriera e fanciulla, da lui glorificata, era venerata dagli Ateniesi come la prima cittadina della loro città; secondo antiche leggende, essi stessi scelsero questo celeste come patrona dello stato ateniese.

L'apice dell'architettura antica, il Partenone era già riconosciuto nell'antichità come il monumento più notevole dello stile dorico. Questo stile è estremamente migliorato nel Partenone, dove non c'è più traccia dello squat dorico, mole così caratteristica di molti dei primi templi dorici. Le sue colonne (otto sulle facciate e diciassette sui lati), più leggere e sottili in proporzione, leggermente inclinate verso l'interno con una leggera curvatura convessa delle linee orizzontali del basamento e del soffitto. Queste deviazioni dal canone, appena percettibili alla vista, sono di importanza decisiva. Senza cambiare le sue leggi fondamentali, l'ordine dorico qui, per così dire, assorbe l'eleganza disinvolta dello ionico, che crea, nel complesso, un accordo architettonico potente e pieno di voce della stessa chiarezza e purezza impeccabili dell'immagine vergine di Atena Parteno. E questo accordo assumeva una sonorità ancora maggiore grazie alla brillante colorazione delle decorazioni a metope a rilievo, che risaltavano armoniosamente sullo sfondo rosso e azzurro.

All'interno del tempio sorgevano quattro colonne ioniche (non pervenute fino a noi) e sulla parete esterna si stendeva un fregio ionico continuo. Così dietro il grandioso colonnato del tempio con le sue possenti metope doriche, si svelava al visitatore il nascosto nucleo ionico. Un'armoniosa combinazione di due stili che si completano a vicenda, ottenuta combinandoli in un unico monumento e, ancora più notevole, dalla loro fusione organica nello stesso motivo architettonico.

Tutto fa pensare che le sculture dei frontoni del Partenone e del suo fregio in rilievo siano state realizzate, se non completamente dallo stesso Fidia, quindi sotto l'influenza diretta del suo genio e secondo la sua volontà creativa.

I resti di questi frontoni e del fregio sono forse i più preziosi, i più grandi che siano sopravvissuti fino ad oggi di tutta la scultura greca. Abbiamo già detto che ora la maggior parte di questi capolavori adornano, ahimè, non il Partenone, di cui erano parte integrante, ma il British Museum di Londra.

Le sculture del Partenone sono un vero scrigno di bellezza, l'incarnazione delle più alte aspirazioni dello spirito umano. Il concetto di natura ideologica dell'arte trova in essi la sua espressione forse più sorprendente. Perché la grande idea qui ispira ogni immagine, vive in essa, determinandone tutto l'essere.

Gli scultori dei frontoni del Partenone lodarono Atena, affermando la sua posizione elevata nell'esercito di altri dei.

Ed ecco le figure sopravvissute. Questa è una scultura rotonda. Sullo sfondo dell'architettura, in perfetta sintonia con essa, spiccavano nella loro interezza le statue marmoree degli dei, misurate, senza alcuno sforzo, poste nel triangolo del frontone.

Un giovane disteso, un eroe o un dio (forse Dioniso), con la faccia picchiata, mani e piedi spezzati. Con quanta libertà, con quanta naturalezza si adagiò sulla sezione del frontone assegnatagli dallo scultore. Sì, questa è l'emancipazione completa, il trionfo vittorioso di quell'energia da cui nasce la vita e cresce una persona. Crediamo nel suo potere, nella libertà che ha guadagnato. E siamo incantati dall'armonia delle linee e dei volumi della sua figura nuda, siamo gioiosamente intrisi della profonda umanità della sua immagine, qualitativamente portata alla perfezione, che ci sembra davvero sovrumana.

Tre dee senza testa. Due sono seduti e il terzo è disteso, appoggiato sulle ginocchia di un vicino. Le pieghe delle loro vesti rivelano accuratamente l'armonia e la snellezza della figura. Si nota che nella grande scultura greca del V sec. AVANTI CRISTO e. il drappeggio diventa un "eco del corpo". Puoi dire - e "eco dell'anima". In effetti, nella combinazione delle pieghe, qui respira la bellezza fisica, rivelandosi generosamente in una foschia ondulata di paramenti, come l'incarnazione della bellezza spirituale.

Si può considerare il fregio ionico del Partenone, lungo centocinquantanove metri, sul quale erano raffigurate in bassorilievo più di trecentocinquanta figure umane e circa duecentocinquanta animali (cavalli, tori sacrificali e pecore) uno dei più notevoli monumenti d'arte creati nel secolo illuminato dal genio di Fidia.

La trama del fregio: Processione Panateneica. Ogni quattro anni, le ragazze ateniesi presentavano solennemente ai sacerdoti del tempio un peplo (mantello), ricamato da loro per Atena. Tutte le persone hanno partecipato a questa cerimonia. Ma lo scultore ha raffigurato non solo i cittadini di Atene: Zeus, Atena e altri dei li accettano alla pari. Sembra che non sia stata tracciata alcuna linea tra gli dei e le persone: entrambi sono ugualmente belli. Questa identità fu, per così dire, proclamata da uno scultore sulle pareti del santuario.

Non sorprende che il creatore di tutto questo splendore marmoreo si sentisse egli stesso uguale ai celesti da lui raffigurati. Nella scena della battaglia sullo scudo di Atena Parthenos, Fidia ha coniato la propria immagine nella forma di un vecchio che solleva una pietra con entrambe le mani. Tale audacia senza precedenti diede una nuova arma nelle mani dei suoi nemici, che accusarono il grande artista e pensatore di empietà.

I frammenti del fregio del Partenone sono il patrimonio più prezioso della cultura dell'Ellade. Riproducono nella nostra immaginazione l'intera processione panatenaica rituale, che nella sua infinita varietà è percepita come una solenne processione dell'umanità stessa.

I frammenti più famosi: "Riders" (Londra, British Museum) e "Girls and Elders" (Parigi, Louvre).

Cavalli con il muso all'insù (sono raffigurati in modo così veritiero che sembra di sentirne il nitrito sonoro). I giovani si siedono su di loro con le gambe tese e dritte, che, insieme al campo, formano un'unica linea, a volte diritta, a volte meravigliosamente curva. E questa alternanza di diagonali, simili ma non ripetitive nei movimenti, belle teste, musi di cavallo, gambe umane e di cavallo rivolte in avanti, crea un certo ritmo unico che cattura lo spettatore, in cui un costante impulso in avanti si unisce a una regolarità assoluta.

Le ragazze e gli anziani sono figure diritte di straordinaria armonia l'una di fronte all'altra. Nelle ragazze, una gamba leggermente sporgente rivela il movimento in avanti. Non si può immaginare una composizione più chiara e concisa delle figure umane. Le pieghe dei paramenti uniformi e accuratamente lavorate, come i flauti delle colonne doriche, conferiscono ai giovani ateniesi una maestosità naturale. Crediamo che questi siano degni rappresentanti della razza umana.

La cacciata da Atene, e poi la morte di Fidia, non diminuì lo splendore del suo genio. Riscaldò tutta l'arte greca dell'ultimo terzo del V secolo. AVANTI CRISTO. Il grande Policleto e un altro famoso scultore - Kresilao (l'autore del ritratto eroizzato di Pericle, una delle prime statue di ritratti greci) - furono influenzati da lui. Un intero periodo della ceramica attica porta il nome di Fidia. In Sicilia (a Siracusa) vengono coniate monete meravigliose, nelle quali riconosciamo chiaramente l'eco della perfezione plastica delle sculture del Partenone. E abbiamo trovato opere d'arte nella regione settentrionale del Mar Nero, che forse riflettono più chiaramente l'impatto di questa perfezione.

... A sinistra del Partenone, dall'altra parte del colle sacro, si erge l'Eretteo. Questo tempio, dedicato ad Atena e Poseidone, fu costruito dopo la partenza di Fidia da Atene. Il miglior capolavoro dello stile ionico. Sei snelle ragazze di marmo in peplo - le famose cariatidi - fungono da colonne nel suo portico meridionale. Il capitello, appoggiato sulle loro teste, ricorda un cesto in cui le sacerdotesse trasportavano i sacri oggetti di culto.

Il tempo e le persone non hanno risparmiato nemmeno questo piccolo tempio, depositario di molti tesori, che nel Medioevo fu trasformato in una chiesa cristiana e, sotto i turchi, in un harem.

Prima di salutare l'Acropoli, diamo un'occhiata al rilievo della balaustra del tempio di Nike Apteros, ad es. Vittoria senza ali (senza ali, tanto da non volare mai via da Atene), davanti ai Propilei (Atene, Museo dell'Acropoli). Eseguito negli ultimi decenni del V secolo, questo bassorilievo segna già il passaggio dall'arte coraggiosa e maestosa di Fidia a una più lirica, che richiede un sereno godimento della bellezza. Una delle Vittorie (ce ne sono diverse sulla balaustra) si slaccia il sandalo. Il suo gesto e la gamba sollevata scuotono la sua veste, che sembra umida, così avvolge delicatamente l'intero campo. Si può dire che le pieghe del drappo, ora dispiegate in larghi rivoli, ora correndo l'una sull'altra, diano vita nei luccicanti chiaroscuri del marmo a un accattivante poema di bellezza femminile.

Unica nella sua essenza, ogni autentica ascesa del genio umano. I capolavori possono essere equivalenti, ma non identici. Un'altra Nike simile non sarà più nell'arte greca. Ahimè, la sua testa è persa, le sue mani sono spezzate. E, guardando questa immagine ferita, diventa inquietante il pensiero di quante bellezze uniche, non protette o deliberatamente distrutte, siano morte per noi irrevocabilmente.

Tardo CLASSICO

Il nuovo tempo nella storia politica dell'Hellas non fu né luminoso né creativo. Se V c. AVANTI CRISTO. fu segnato dal fiorire della politica greca, poi nel IV secolo. il loro graduale decadimento ha avuto luogo insieme al declino dell'idea stessa di statualità democratica greca.

Nel 386 la Persia, nel secolo precedente completamente sconfitta dai Greci sotto la guida di Atene, approfittò della guerra intestina, che indebolì le città-stato greche, per imporre loro la pace, secondo la quale tutte le città dell'Asia La costa minore passò sotto il controllo del re persiano. Lo stato persiano divenne il principale arbitro nel mondo greco; non consentiva l'unificazione nazionale dei greci.

Le guerre internecine hanno dimostrato che gli stati greci non sono in grado di unirsi da soli.

Nel frattempo, l'unificazione era una necessità economica per il popolo greco. Per adempiere a questo compito storico risultò essere sotto il potere della vicina potenza balcanica - la Macedonia, che a quel tempo era diventata più forte, il cui re Filippo II sconfisse i greci a Cheronea nel 338. Questa battaglia decise il destino dell'Hellas: si rivelò unito, ma sotto il dominio straniero. E il figlio di Filippo II - il grande comandante Alessandro Magno guidò i Greci in una campagna vittoriosa contro i loro nemici primordiali - i Persiani.

Questo fu l'ultimo periodo classico della cultura greca. Alla fine del IV sec. AVANTI CRISTO. il mondo antico entrerà in un'era che non si chiama più ellenica, ma ellenistica.

Nell'arte dei tardi classici riconosciamo chiaramente le nuove tendenze. In un'epoca di grande prosperità, l'immagine umana ideale era incarnata in un valoroso e bellissimo cittadino della città-stato.

Il crollo della politica ha scosso questa idea. L'orgogliosa fiducia nel potere conquistatore dell'uomo non scompare del tutto, ma a volte sembra oscurarsi. Sorgono riflessioni, che danno luogo ad ansia o tendenza al godimento sereno della vita. Cresce l'interesse per il mondo individuale dell'uomo; in definitiva segna un allontanamento dalla potente generalizzazione dei tempi precedenti.

La grandiosità della visione del mondo, incarnata nelle sculture dell'Acropoli, si riduce gradualmente, ma la percezione generale della vita e della bellezza si arricchisce. La pacata e maestosa nobiltà degli dei e degli eroi, come li ritrasse Fidia, lascia il posto all'identificazione nell'arte di complesse esperienze, passioni e impulsi.

Greco del V secolo AVANTI CRISTO. apprezzava la forza come base di un inizio sano e coraggioso, una forte volontà e un'energia vitale - e quindi la statua di un atleta, un vincitore nelle competizioni, personificava per lui l'affermazione del potere e della bellezza umana. Artisti del IV sec AVANTI CRISTO. attirare per la prima volta il fascino dell'infanzia, la saggezza della vecchiaia, il fascino eterno della femminilità.

La grande abilità raggiunta dall'arte greca nel V secolo è ancora viva nel IV secolo. aC, in modo che i monumenti artistici più ispirati del tardo classico sono contrassegnati dallo stesso marchio di altissima perfezione.

Il IV secolo riflette le nuove tendenze nella sua costruzione. L'architettura greca tardo classica è caratterizzata da una certa tensione sia per lo sfarzo, persino per la grandiosità, sia per la leggerezza e l'eleganza decorativa. La tradizione artistica prettamente greca si intreccia con influenze orientali provenienti dall'Asia Minore, dove le città greche sono soggette al dominio persiano. Insieme ai principali ordini architettonici - dorico e ionico, il terzo - corinzio, sorto successivamente, è sempre più utilizzato.

La colonna corinzia è la più magnifica e decorativa. La tendenza realistica supera in esso il primordiale schema astratto-geometrico del capitello, vestito dell'ordine corinzio nell'abito fiorito della natura: due file di foglie d'acanto.

L'isolamento delle politiche era obsoleto. Per il mondo antico stava arrivando un'era di potenti, anche se fragili, dispotismo schiavista. All'architettura furono assegnati compiti diversi rispetto all'età di Pericle.

Uno dei monumenti più grandiosi dell'architettura greca del tardo classico era la tomba nella città di Alicarnasso (in Asia Minore), il sovrano della provincia persiana di Carius Mausolus, che non è pervenuto a noi, da cui la parola " mausoleo" proveniva.

Tutti e tre gli ordini furono riuniti nel mausoleo di Alicarnasso. Era costituito da due livelli. Il primo ospitava una camera mortuaria, il secondo un tempio funerario. Sopra le gradinate c'era un'alta piramide coronata da un carro a quattro cavalli (quadriga). L'armonia lineare dell'architettura greca si è rivelata in questo monumento di enormi dimensioni (a quanto pare raggiungeva i quaranta-cinquanta metri di altezza), con la sua solennità che ricorda le strutture funerarie degli antichi regnanti orientali. Il mausoleo fu costruito dagli architetti Satiro e Pythius e la sua decorazione scultorea fu affidata a diversi maestri, tra cui Skopas, che probabilmente ebbe un ruolo di primo piano tra loro.

Skopa, Prassitele e Lisippo sono i più grandi scultori greci della tarda età classica. Per l'influenza che hanno avuto sull'intero sviluppo successivo dell'arte antica, l'opera di questi tre geni può essere paragonata alle sculture del Partenone. Ognuno di loro ha espresso la sua brillante visione del mondo individuale, il suo ideale di bellezza, la sua comprensione della perfezione, che, attraverso il personale, rivelato solo da loro, raggiunge le vette eterne - universali. E ancora, nel lavoro di ciascuno, questo personale è consono all'epoca, incarnando quei sentimenti, quei desideri dei contemporanei che più corrispondevano ai suoi.

Passione e impulso, ansia, lotta con alcune forze ostili, profondi dubbi ed esperienze tristi respirano nell'arte di Scopas. Tutto ciò era ovviamente caratteristico della sua natura e, allo stesso tempo, esprimeva vividamente certi umori del suo tempo. Per temperamento, Scopas è vicino a Euripide, quanto sono vicini nella percezione del doloroso destino dell'Ellade.

... Originario dell'isola di Paro, ricca di marmi, Skopas (c. 420 - c. 355 aC) lavorò in Attica, nelle città del Peloponneso e in Asia Minore. La sua creatività, estremamente vasta sia nel numero delle opere che nei soggetti, si spense quasi senza lasciare traccia.

Della decorazione scultorea del tempio di Atena in Tegea da lui realizzata o sotto la sua diretta supervisione (Scopas, che divenne famoso non solo come scultore, ma anche come architetto, fu anche costruttore di questo tempio), solo pochi frammenti è rimasta. Ma basta guardare almeno la testa storpia di un guerriero ferito (Atene, Museo Archeologico Nazionale) per sentire la grande potenza del suo genio. Per questa testa dalle sopracciglia arcuate, gli occhi rivolti al cielo e la bocca socchiusa, una testa in cui tutto - sofferenza e dolore - esprime, per così dire, la tragedia non solo della Grecia nel IV secolo. aC, lacerato dalle contraddizioni e calpestato da invasori stranieri, ma anche la tragedia primordiale dell'intero genere umano nella sua continua lotta, dove la vittoria è ancora seguita dalla morte. Così, ci sembra, poco rimane della luminosa gioia dell'essere, che un tempo illuminava la coscienza dell'ellenico.

Frammenti del fregio della tomba di Mausolo, raffigurante la battaglia dei Greci con le Amazzoni (Londra, British Museum)... Si tratta senza dubbio di opera di Scopas o della sua bottega. Il genio del grande scultore respira in queste rovine.

Confrontali con i frammenti del fregio del Partenone. Sia qui che là - emancipazione dei movimenti. Ma lì, l'emancipazione si traduce in una maestosa regolarità, e qui - in una vera tempesta: gli angoli delle figure, l'espressività dei gesti, gli abiti ampiamente svolazzanti creano un dinamismo violento che non si è ancora visto nell'arte antica. Lì, la composizione è costruita sulla graduale coerenza delle parti, qui - sui contrasti più netti.

Eppure il genio di Fidia e il genio di Scopas sono legati in qualcosa di molto significativo, quasi la cosa principale. Le composizioni di entrambi i fregi sono ugualmente snelle, armoniose e le loro immagini sono ugualmente concrete. Del resto, non per niente Eraclito diceva che l'armonia più bella nasce dai contrasti. Scopas crea una composizione la cui unità e chiarezza sono impeccabili come quelle di Fidia. Inoltre, nessuna figura si dissolve in essa, non perde il suo significato plastico indipendente.

Questo è tutto ciò che resta dello stesso Scopas o dei suoi studenti. Altri legati al suo lavoro, si tratta di copie romane successive. Tuttavia, uno di loro ci dà probabilmente l'idea più vivida del suo genio.

Pietra paria - Bacchante.

Ma lo scultore ha dato un'anima alla pietra.

E, come un ubriacone, balzando in piedi, si precipitò

lei sta ballando.

Avendo creato questa menade, in delirio,

con una capra morta

Hai fatto un miracolo con uno scalpello idolatra,

Scopa.

Così un ignoto poeta greco lodò la statua della Menade, o Baccante, che possiamo giudicare solo da una piccola copia (Museo di Dresda).

In primo luogo, notiamo una novità caratteristica, molto importante per lo sviluppo dell'arte realistica: in contrasto con le sculture del V secolo. BC, questa statua è completamente progettata per essere osservata da tutti i lati e devi girarci intorno per percepire tutti gli aspetti dell'immagine creata dall'artista.

Gettando la testa all'indietro e piegando tutto il corpo, la giovane donna si precipita in una danza tempestosa, veramente bacchica, alla gloria del dio del vino. E sebbene la copia in marmo sia anche solo un frammento, forse non c'è nessun altro monumento d'arte che trasmetta con tale forza il pathos disinteressato della furia. Questa non è un'esaltazione dolorosa, ma patetica e trionfante, sebbene in essa si sia perso il potere sulle passioni umane.

Così, nell'ultimo secolo dei classici, il potente spirito ellenico ha saputo conservare tutta la sua grandezza primordiale anche nella furia generata da passioni ribollenti e dolorose insoddisfazioni.

...Prassitel (un nativo ateniese, lavorò nel 370-340 aC) espresse un inizio completamente diverso nel suo lavoro. Sappiamo un po' di più su questo scultore che sui suoi fratelli.

Come Scopas, Prassitele trascurò il bronzo, creando le sue più grandi opere in marmo. Sappiamo che era ricco e godeva di una clamorosa fama che un tempo eclissava persino la gloria di Fidia. Sappiamo anche che amava Frine, la famosa cortigiana, accusata di blasfemia e assolta dai giudici ateniesi, che ne ammirava la bellezza, da loro riconosciuta degna del culto popolare. Frine servì da modello per le statue della dea dell'amore Afrodite (Venere). Lo studioso romano Plinio scrive della creazione di queste statue e del loro culto, ricreando vividamente l'atmosfera dell'epoca di Prassitele:

“... Soprattutto le opere non solo di Prassitele, ma in genere esistenti nell'Universo, è la Venere della sua opera. Per vederla, molti sono salpati per Knidos. Praxitel realizzò e vendette contemporaneamente due statue di Venere, ma una era ricoperta di vestiti: era preferita dagli abitanti di Kos, che avevano il diritto di scegliere. Prassitele fece pagare lo stesso prezzo per entrambe le statue. Ma gli abitanti di Kos hanno riconosciuto questa statua come seria e modesta; che rifiutarono, comprarono gli Cnidi. E la sua fama era incommensurabilmente più alta. Lo zar Nicomede in seguito volle acquistarla dagli Cnidi, promettendo di perdonare lo stato degli Cnidi per tutti gli enormi debiti che avevano. Ma gli Cnidi preferirono sopportare tutto piuttosto che separarsi dalla statua. E non invano. Dopotutto, Prassitele ha creato la gloria di Cnido con questa statua. L'edificio in cui si trova questa statua è tutto aperto, in modo che possa essere visto da tutti i lati. Inoltre, credono che la statua sia stata costruita con la favorevole partecipazione della stessa dea. E da un lato, la gioia che provoca non è da meno…”.

Prassitele è una cantante ispirata di bellezza femminile, tanto venerata dai greci del 4° secolo a.C. AVANTI CRISTO. In un caldo gioco di luci e ombre, come mai prima, la bellezza del corpo femminile brillava sotto il suo scalpello.

È passato molto tempo in cui una donna non era raffigurata nuda, ma questa volta Prassitele espose nel marmo non solo una donna, ma una dea, e questo dapprima causò un sorpreso rimprovero.

Cnidian Afrodite ci è nota solo da copie e prestiti. In due copie marmoree romane (a Roma e nella Gliptoteca di Monaco) è pervenuto a noi nella sua interezza, di modo che ne conosciamo l'aspetto generale. Ma queste copie di un pezzo non sono di prima classe. Alcuni altri, sebbene in rovina, danno un quadro più vivido di questa grande opera: la testa di Afrodite al Louvre di Parigi, con tratti così dolci e pieni di sentimento; i suoi torsi, sempre al Louvre e al Museo Napoletano, in cui si intuisce l'incantevole femminilità dell'originale, e addirittura una copia romana, tratta non dall'originale, ma dalla statua ellenistica, ispirata al genio di Prassitele, “ Venus Khvoshchinsky” (dal nome del russo che lo acquistò collezionista), in cui, ci sembra, il marmo irradia il calore del bel corpo della dea (questo frammento è l'orgoglio del dipartimento di antiquariato del Museo di Belle Arti Puskin ).

Cosa ammirava così tanto i contemporanei dello scultore in questa immagine della più affascinante delle dee, che, spogliandosi dei suoi vestiti, si preparava a tuffarsi nell'acqua?

Cosa ci delizia anche nelle copie rotte che trasmettono alcune caratteristiche dell'originale perduto?

Con la modellazione più fine, in cui ha superato tutti i suoi predecessori, ravvivando il marmo con riflessi di luce scintillante e conferendo a una pietra liscia un delicato vellutato con virtuosismo inerente solo a lui, Prassitele ha catturato nella levigatezza dei contorni e nelle proporzioni ideali del corpo del dea, nella toccante naturalezza del suo portamento, nel suo sguardo, “bagnato e lucente”, secondo gli antichi, quei grandi principi che Afrodite esprimeva nella mitologia greca, iniziarono eternamente nella coscienza e nei sogni del genere umano: Bellezza e Amore .

Prassitele è talvolta riconosciuto come il più grande brillante portavoce nell'antica arte di quella direzione filosofica, che vedeva nel piacere (qualunque esso fosse) il sommo bene e il fine naturale di tutte le aspirazioni umane, cioè edonismo. Eppure la sua arte annuncia già la filosofia che fiorì alla fine del IV secolo. AVANTI CRISTO. "nei boschi di Epicuro", come Pushkin chiamò quel giardino ateniese dove Epicuro radunava i suoi studenti ...

L'assenza di sofferenza, uno stato d'animo sereno, la liberazione delle persone dalla paura della morte e dal timore degli dei: queste erano, secondo Epicuro, le condizioni principali per il vero godimento della vita.

In effetti, con la sua stessa serenità, la bellezza delle immagini create da Prassitele, la gentile umanità degli dei da lui scolpiti, affermava la benefica di liberarsi da questa paura in un'epoca che non era affatto serena e non misericordiosa.

L'immagine di un atleta, ovviamente, non interessava Prassitele, così come non gli interessavano i motivi civici. Si sforzava di incarnare nel marmo l'ideale di un giovane fisicamente bello, non muscoloso come Polikleitos, molto snello e aggraziato, gioioso, ma leggermente sornione, non particolarmente impaurito da nessuno, ma non minaccioso, serenamente felice e pieno di coscienza dell'armonia di tutte le sue creature.

Un'immagine del genere, a quanto pare, corrispondeva alla sua visione del mondo e quindi gli era particolarmente cara. Ne troviamo una conferma indiretta in un divertente aneddoto.

La relazione d'amore tra il famoso artista e una bellezza così incomparabile come Frine era molto interessante per i suoi contemporanei. La mente vivace degli Ateniesi eccelleva nelle congetture su di loro. È stato riferito, ad esempio, che Frine chiese a Prassitele di regalarle la sua migliore scultura in segno d'amore. Lui acconsentì, ma lasciò a lei la scelta, nascondendo sornione quale delle sue opere considera la più perfetta. Quindi Phryne decise di superarlo in astuzia. Un giorno, uno schiavo da lei inviato corse a Prassitele con la terribile notizia che la bottega dell'artista era andata a fuoco ... "Se la fiamma ha distrutto Eros e Satiro, allora tutto è morto!" esclamò Prassitele addolorato. Quindi Phryne ha scoperto la valutazione dell'autore stesso ...

Conosciamo dalle riproduzioni queste sculture, che godettero di grande fama nel mondo antico. Ci sono pervenute almeno centocinquanta copie in marmo del Satiro che riposa (cinque di esse si trovano nell'Ermitage). Sono innumerevoli le statue antiche, le statuine in marmo, argilla o bronzo, le stele tombali e ogni genere di opera d'arte applicata, ispirata al genio di Prassitele.

Due figli e un nipote continuarono l'opera scultorea di Prassitele, figlio di uno scultore. Ma questa continuità familiare, ovviamente, è trascurabile rispetto alla generale continuità artistica che risale al suo lavoro.

In questo senso, l'esempio di Prassitele è particolarmente indicativo, ma tutt'altro che eccezionale.

Sia unica la perfezione di un vero grande originale, ma un'opera d'arte che è una nuova “variazione del bello” è immortale anche in caso di morte. Non abbiamo una copia esatta né della statua di Zeus ad Olimpia né dell'Athena Parthenos, ma la grandezza di queste immagini, che determinarono il contenuto spirituale di quasi tutta l'arte greca del periodo di massimo splendore, è chiaramente visibile anche nei gioielli in miniatura e nelle monete di quel tempo. Non sarebbero stati in questo stile senza Fidia. Così come non ci sarebbero statue di giovani sbadati pigramente appoggiati a un albero, o dee marmoree nude che affascinano per la loro lirica bellezza, in una grande varietà di decorazioni delle ville e dei parchi dei nobili in epoca ellenistica e romana, così come non essere uno stile prassiteleano, dolce beatitudine prassiteleana, così a lungo conservata nell'arte antica - non essere un vero "satiro a riposo" e un'autentica "Afrodite di Cnido", ora perduta Dio sa dove e come. Ripetiamolo: la loro perdita è irreparabile, ma il loro spirito sopravvive anche nelle opere più ordinarie di imitatori, vive, quindi, per noi. Ma se queste opere non fossero state preservate, questo spirito guizzerebbe in qualche modo nella memoria umana per risplendere di nuovo alla prima occasione.

Percependo la bellezza di un'opera d'arte, una persona si arricchisce spiritualmente. Il legame vivo delle generazioni non si rompe mai del tutto. L'antico ideale di bellezza fu decisamente respinto dall'ideologia medievale e le opere che lo incarnavano furono spietatamente distrutte. Ma la vittoriosa rinascita di questo ideale nell'età dell'umanesimo testimonia che non è mai stato completamente distrutto.

Lo stesso si può dire del contributo all'arte di ogni vero grande artista. Perché un genio, incarnando una nuova immagine di bellezza nata nella sua anima, arricchisce l'umanità per sempre. E così fin dai tempi antichi, quando quelle immagini animali formidabili e maestose furono create per la prima volta in una grotta paleolitica, da cui provenivano tutte le belle arti, e in cui il nostro lontano antenato ripose tutta la sua anima e tutti i suoi sogni, illuminati dall'ispirazione creativa.

I brillanti sviluppi artistici si completano a vicenda, introducendo qualcosa di nuovo che non muore più. Questo nuovo a volte lascia il segno su un'intera epoca. Così è stato con Fidia, così è stato con Prassitele.

Tutto, però, è perito da ciò che Prassitele stesso ha creato?

Secondo un autore antico, si sapeva che la statua di Prassitele "Ermete con Dioniso" si trovava nel tempio di Olimpia. Durante gli scavi nel 1877, vi fu trovata una scultura in marmo di queste due divinità relativamente leggermente danneggiata. All'inizio nessuno aveva alcun dubbio che questo fosse l'originale di Prassitele, e anche ora la sua paternità è riconosciuta da molti esperti. Tuttavia, un attento studio della stessa tecnica del marmo ha convinto alcuni studiosi che la scultura rinvenuta ad Olimpia è un'ottima copia ellenistica, in sostituzione dell'originale, probabilmente esportato dai romani.

Questa statua, citata da un solo autore greco, pare non fosse considerata il capolavoro di Prassitele. Tuttavia, i suoi pregi sono innegabili: modellazione straordinariamente fine, morbidezza delle linee, un meraviglioso gioco di luci e ombre puramente prassiteleano, una composizione molto chiara e perfettamente equilibrata e, soprattutto, il fascino di Hermes con il suo sguardo sognante e leggermente distratto e il fascino infantile del piccolo Dioniso. E, tuttavia, in questo fascino c'è una certa dolcezza, e sentiamo che in tutta la statua, anche nella figura sorprendentemente snella di un dio molto ben arricciato nella sua curva liscia, bellezza e grazia attraversano leggermente la linea oltre la quale bellezza e inizia la grazia. L'arte di Prassitele è molto vicina a questa linea, ma non la viola nelle sue creazioni più spirituali.

Il colore, a quanto pare, ha giocato un ruolo importante nell'aspetto generale delle statue di Prassitele. Sappiamo che alcuni di loro furono dipinti (sfregando colori a cera fusa che ravvivavano delicatamente il candore del marmo) lo stesso Nikias, un famoso pittore dell'epoca. L'arte sofisticata di Prassitele, grazie al colore, acquisì ancora maggiore espressività ed emotività. L'armonioso connubio delle due grandi arti è stato probabilmente realizzato nelle sue creazioni.

Aggiungiamo, infine, che nella nostra regione settentrionale del Mar Nero presso le foci del Dnepr e del Bug (ad Olbia) è stato ritrovato un piedistallo di una statua con la firma del grande Prassitele. Purtroppo, la statua stessa non era nel terreno.

... Lisippo lavorò nell'ultimo terzo del IV secolo. AVANTI CRISTO e., al tempo di Alessandro Magno. Il suo lavoro, per così dire, completa l'arte dei tardi classici.

Il bronzo era il materiale preferito di questo scultore. Non conosciamo i suoi originali, quindi possiamo giudicarlo solo dalle copie marmoree sopravvissute, che lungi dal riflettere tutta la sua opera.

Il numero di monumenti d'arte dell'antica Grecia che non sono pervenuti a noi è incommensurabile. Il destino del vasto patrimonio artistico di Lisippo ne è una terribile prova.

Lisippo era considerato uno dei maestri più prolifici del suo tempo. Dicono che abbia messo da parte la ricompensa per ogni ordine completato per una moneta: dopo la sua morte, ce n'erano fino a mille e mezzo. Nel frattempo, tra le sue opere c'erano gruppi scultorei, che contavano fino a venti figure, e l'altezza di alcune sue sculture superava i venti metri. Con tutto questo, le persone, gli elementi e il tempo hanno affrontato senza pietà. Ma nessuna forza poteva distruggere lo spirito dell'arte di Lisippo, cancellare la traccia che aveva lasciato.

Secondo Plinio, Lisippo disse che, a differenza dei suoi predecessori, che ritraevano le persone come sono, lui, Lisippo, cercava di ritrarle come sembrano. Con ciò affermò il principio del realismo, che aveva da tempo trionfato nell'arte greca, ma che voleva portare a compimento pieno secondo i principi estetici del suo contemporaneo, il più grande filosofo dell'antichità, Aristotele.

L'innovazione di Lisippo sta nel fatto che ha scoperto nell'arte di scolpire enormi possibilità realistiche che non erano state ancora utilizzate prima di lui. E infatti le sue figure non sono da noi percepite come create “per lo spettacolo”, non posano per noi, ma esistono da sole, poiché lo sguardo dell'artista le ha afferrate in tutta la complessità dei movimenti più diversi, riflettendone uno o un altro impulso spirituale. Il bronzo, che prende facilmente qualsiasi forma durante la fusione, era il più adatto per risolvere tali problemi scultorei.

Il piedistallo non isola le figure di Lisippo dall'ambiente, in esso vivono veramente, come se sporgessero da una certa profondità spaziale, in cui la loro espressività si manifesta altrettanto chiaramente, seppur in modi diversi, da qualsiasi lato. Sono, quindi, completamente tridimensionali, completamente liberati. La figura umana è costruita da Lisippo in modo nuovo, non nella sua sintesi plastica, come nelle sculture di Mirone o Polikleitos, ma in un certo aspetto fugace, esattamente come si presentava (sembrava) all'artista in un dato momento e cosa che non era ancora stata in precedenza e non sarà già in futuro.

L'incredibile flessibilità delle figure, la stessa complessità, a volte il contrasto dei movimenti: tutto questo è armoniosamente ordinato e questo maestro non ha nulla che, anche minimamente, assomigli al caos della natura. Trasmettendo prima di tutto un'impressione visiva, subordina questa impressione a un certo ordine, stabilito una volta per tutte secondo lo spirito stesso della sua arte. È lui, Lisippo, che viola il vecchio canone policletico della figura umana per crearne una sua, nuova, molto più leggera, più adatta alla sua arte dinamica, che rifiuta ogni immobilità interna, ogni pesantezza. In questo nuovo canone, la testa non è più 1,7, ma solo 1/8 dell'altezza totale.

Le ripetizioni marmoree delle sue opere pervenute fino a noi danno, in generale, un quadro chiaro delle realizzazioni realistiche di Lisippo.

Il famoso "Apoxiomen" (Roma, Vaticano). Questo giovane atleta, però, non è affatto lo stesso della scultura del secolo precedente, dove la sua immagine irradiava un'orgogliosa coscienza di vittoria. Lisippo ci ha mostrato l'atleta dopo la competizione, pulendo diligentemente il corpo da olio e polvere con un raschietto metallico. Non è dato affatto un movimento acuto e apparentemente inespressivo della mano nell'intera figura, conferendole una vitalità eccezionale. È esteriormente calmo, ma sentiamo che ha provato una grande eccitazione e nei suoi lineamenti si può vedere la stanchezza per lo sforzo estremo. Questa immagine, come strappata alla realtà mutevole, è profondamente umana, estremamente nobile nella sua completa disinvoltura.

"Ercole con un leone" (San Pietroburgo, Museo statale dell'Ermitage). Questo è un pathos appassionato della lotta non per la vita, ma per la morte, ancora una volta, come se l'artista fosse vista di lato. L'intera scultura sembra caricarsi di un movimento tempestoso e intenso, fondendo irresistibilmente potenti figure di uomo e bestia in un insieme armoniosamente bello.

Su quale impressione hanno fatto le sculture di Lisippo sui contemporanei, possiamo giudicare dalla storia seguente. Alessandro Magno amava così tanto la sua statuetta "Ercole in festa" (una delle sue ripetizioni è anche nell'Ermitage) che non se ne separò nelle sue campagne, e quando giunse la sua ultima ora, ordinò di metterla davanti a lui.

Lisippo fu l'unico scultore che il famoso conquistatore ritenesse degno di catturarne i lineamenti.

"La statua di Apollo è il più alto ideale d'arte tra tutte le opere sopravvissute dall'antichità." Questo è stato scritto da Winckelmann.

Chi era l'autore della statua che ha così deliziato l'illustre antenato di diverse generazioni di scienziati - "antiquariato"? Nessuno degli scultori la cui arte brilla più brillantemente fino ad oggi. Com'è e qual è l'equivoco qui?

L'Apollo di cui parla Winckelmann è il famoso "Apollo Belvedere": copia romana in marmo di un originale in bronzo di Leocharus (ultimo terzo del IV sec. aC), così chiamato dalla galleria dove fu a lungo esposto (Roma, Vaticano) . Questa statua una volta suscitò molto entusiasmo.

Riconosciamo nel Belvedere "Apollo" un riflesso dei classici greci. Ma è solo una riflessione. Conosciamo il fregio del Partenone, che Winckelmann non conosceva, e quindi, con tutta l'indubbia ostentazione, la statua di Leochar ci sembra internamente fredda, un po' teatrale. Sebbene Leochar fosse contemporaneo di Lisippo, la sua arte, perdendo il vero significato del contenuto, sa di accademici, segna un declino rispetto ai classici.

La gloria di tali statue a volte ha dato origine a un'idea sbagliata su tutta l'arte ellenica. Questa nozione non è svanita fino ad oggi. Alcuni artisti sono inclini a ridurre il significato del patrimonio artistico dell'Hellas ea rivolgere le loro ricerche estetiche a mondi culturali completamente diversi, a loro avviso, più consonanti con la visione del mondo della nostra epoca. (Basta dire che un così autorevole esponente dei più moderni gusti estetici occidentali come lo scrittore e teorico dell'arte francese Andre Malraux ha collocato nella sua opera “Museo Immaginario della Scultura Mondiale” la metà delle riproduzioni dei monumenti scultorei dell'antica Grecia rispetto al cosiddette civiltà primitive dell'America, dell'Africa e dell'Oceania!) Ma voglio ostinatamente credere che la maestosa bellezza del Partenone trionferà di nuovo nelle menti dell'umanità, affermando in esso l'ideale eterno dell'umanesimo.

Concludendo questa breve rassegna dell'arte classica greca, vorrei citare un altro notevole monumento custodito nell'Eremo. Questo è il vaso italiano famoso in tutto il mondo del 4° secolo. AVANTI CRISTO e. , rinvenuta nei pressi dell'antica città di Kuma (in Campania), denominata per la perfezione della composizione e la ricchezza della decorazione "Regina dei Vasi", e sebbene probabilmente non realizzata nella stessa Grecia, riflette le più alte realizzazioni della plastica greca. La cosa principale nel vaso laccato nero di Qom sono le sue proporzioni davvero impeccabili, il profilo snello, l'armonia generale delle forme e i rilievi a più figure di straordinaria bellezza (che conservano tracce di colori vivaci) dedicati al culto della dea della fertilità Demetra, i famosi misteri eleusini, dove le scene più oscure sono state sostituite da visioni iridescenti, a simboleggiare la morte e la vita, l'eterno appassimento e risveglio della natura. Questi rilievi sono echi della scultura monumentale dei più grandi maestri greci del V e IV secolo. AVANTI CRISTO. Quindi, tutte le figure in piedi assomigliano alle statue della scuola di Prassitele, e le figure sedute assomigliano a quelle della scuola di Fidia.

SCULTURA DEL PERIODO ELLENISMO

Con la morte di Alessandro Magno inizia l'era dell'ellenismo.

Il tempo per l'istituzione di un unico impero schiavista non era ancora giunto e l'Hellas non era destinato a governare il mondo. Il pathos della statualità non era la sua forza trainante, quindi anche essa stessa non è riuscita a unirsi.

La grande missione storica dell'Hellas era culturale. Dopo aver guidato i Greci, Alessandro Magno fu l'esecutore testamentario di questa missione. Il suo impero crollò, ma la cultura greca rimase negli stati sorti in Oriente dopo le sue conquiste.

Nei secoli precedenti, gli insediamenti greci hanno diffuso lo splendore della cultura ellenica in terre straniere.

Nei secoli dell'ellenismo non c'erano terre straniere, lo splendore dell'Ellade era totalizzante e totalizzante.

Un cittadino di una politica libera lasciò il posto a un "cittadino del mondo" (cosmopolita), le cui attività si svolgevano nell'universo, "ecumene", come era inteso dall'umanità di allora. Sotto la guida spirituale dell'Hellas. E questo, nonostante le sanguinose faide tra i "Diadochi" - gli insaziabili successori di Alessandro nella loro brama di potere.

È come questo. Tuttavia, i "cittadini del mondo" appena apparsi furono costretti a combinare la loro alta vocazione con il destino dei sudditi privati ​​dei diritti civili di governanti altrettanto appena apparsi, governando alla maniera dei despoti orientali.

Il trionfo dell'Ellade non fu più contestato da nessuno; nascondeva, tuttavia, profonde contraddizioni: lo spirito luminoso del Partenone si rivelò vincitore e vinto.

Architettura, scultura e pittura fiorirono nel vasto mondo ellenistico. La pianificazione urbana su scala senza precedenti nei nuovi stati che affermava il loro potere, il lusso delle corti reali, l'arricchimento della nobiltà proprietaria di schiavi nel fiorente commercio internazionale fornivano agli artisti grandi ordini. Forse, come mai prima d'ora, l'arte fu incoraggiata da chi era al potere. E in ogni caso, mai prima d'ora la creatività artistica è stata così vasta e varia. Ma come valutare questa creatività rispetto a quanto dato nell'arte dell'arcaico, del periodo di massimo splendore e del tardo classico, la cui continuazione fu l'arte ellenistica?

Gli artisti dovettero diffondere le conquiste dell'arte greca in tutti i territori conquistati da Alessandro con le loro nuove formazioni statali multitribali e allo stesso tempo, a contatto con le antiche culture dell'Oriente, mantenere integre queste conquiste, riflettendo la grandezza del Ideale artistico greco. I clienti - re e nobili - volevano decorare i loro palazzi e parchi con opere d'arte il più possibile simili a quelle che erano considerate la perfezione ai tempi del grande potere di Alessandro. Non sorprende che tutto ciò non abbia indotto lo scultore greco sulla via di nuove ricerche, spingendolo solo a “realizzare” una statua che non sembrerebbe peggiore dell'originale di Prassitele o di Lisippo. E questo, a sua volta, ha portato inevitabilmente a prendere in prestito una forma già trovata (con adattamento al contenuto interno che questa forma esprimeva dal suo creatore), cioè a quello che chiamiamo accademismo. O all'eclettismo, cioè una combinazione di caratteristiche individuali e reperti dell'arte di vari maestri, a volte impressionanti, spettacolari per l'elevata qualità dei campioni, ma privi di unità, integrità interna e non favorevoli alla creazione del proprio, ovvero del proprio - un'espressione espressiva e piena -linguaggio artistico a tutti gli effetti, il proprio stile.

Molte, moltissime statue del periodo ellenistico ci mostrano in misura ancora maggiore proprio le mancanze che l'Apollo del Belvedere aveva già prefigurato. L'ellenismo si espanse e, in una certa misura, completò le tendenze decadenti che apparvero alla fine dei tardi classici.

Alla fine del II sec. AVANTI CRISTO. uno scultore di nome Alessandro o Agesandro lavorò in Asia Minore: nell'iscrizione sull'unica statua della sua opera pervenuta fino a noi, non tutte le lettere sono state conservate. Questa statua, trovata nel 1820 sull'isola di Milos (nel Mar Egeo), raffigura Afrodite-Venere ed è ora conosciuta in tutto il mondo come "Venus Milos". Questo non è nemmeno solo un monumento ellenistico, ma tardo ellenistico, il che significa che è stato creato in un'epoca segnata da un certo declino dell'arte.

Ma questa "Venere" non può essere paragonata a molte altre statue di divinità e dee, contemporanee o addirittura precedenti, a testimonianza di una discreta perizia tecnica, ma non dell'originalità dell'idea. Tuttavia, non sembra esserci nulla di particolarmente originale in esso, tale da non essere già stato espresso nei secoli precedenti. Un'eco lontana di Afrodite Prassitele... E, tuttavia, in questa statua tutto è così armonioso e armonioso, l'immagine della dea dell'amore è allo stesso tempo così regale maestosa e così accattivante femminile, tutto il suo aspetto è così puro e il marmo meravigliosamente modellato brilla così dolcemente che ci sembra: uno scalpello lo scultore della grande epoca dell'arte greca non avrebbe potuto scolpire nulla di più perfetto.

Deve la sua fama al fatto che le più famose sculture greche, ammirate dagli antichi, sono irrimediabilmente perite? Statue come la Venere di Milo, orgoglio del Louvre di Parigi, probabilmente non erano uniche. Nessuno nell'allora "ecumene", né più tardi, in epoca romana, lo cantava in versi né in greco né in latino. Ma quante righe entusiaste, effusioni riconoscenti le sono dedicate

ormai in quasi tutte le lingue del mondo.

Non si tratta di una copia romana, ma di un originale greco, anche se non di epoca classica. Ciò significa che l'ideale artistico greco antico era così alto e potente che, sotto lo scalpello di un maestro dotato, prese vita in tutto il suo splendore anche in tempi di accademici ed eclettismo.

Gruppi scultorei così grandiosi come "Laocoonte con i suoi figli" (Roma, Vaticano) e "Toro Farnese" (Napoli, Museo Nazionale Romano), che hanno suscitato la sconfinata ammirazione di molte generazioni dei più illuminati rappresentanti della cultura europea, oggi, quando il la bellezza del Partenone è stata aperta, ci sembra eccessivamente teatrale, sovraccarica, schiacciata nei dettagli.

Tuttavia, probabilmente appartenente alla stessa scuola rodia di questi gruppi, ma scolpito da un artista a noi sconosciuto in un precedente periodo dell'ellenismo, il Nika di Samotracia (Parigi, Louvre) è uno dei pinnacoli dell'arte. Questa statua si ergeva sulla prua di una nave-monumento di pietra. In un'onda delle sue possenti ali, Nika-Victory si precipita in avanti in modo incontrollabile, tagliando il vento, sotto il quale la sua veste è rumorosamente (lo sentiamo un po') ondeggiare. La testa è battuta, ma la grandiosità dell'immagine ci raggiunge completamente.

L'arte della ritrattistica è molto comune nel mondo ellenistico. Si stanno moltiplicando le “persone eminenti” che sono riuscite al servizio dei governanti (Diadochi) o sono salite ai vertici della società grazie a uno sfruttamento più organizzato del lavoro schiavo rispetto all'ex Grecia frammentata: vogliono catturarne i lineamenti per i posteri. Il ritratto diventa sempre più individualizzato, ma allo stesso tempo, se abbiamo davanti a noi il più alto rappresentante del potere, allora viene enfatizzata la sua superiorità, l'esclusività della posizione che occupa.

Ed eccolo qui, il sovrano principale: Diadoch. La sua statua in bronzo (Roma, Museo delle Terme) è l'esempio più luminoso di arte ellenistica. Non sappiamo chi sia questo signore, ma a prima vista ci è chiaro che questa non è un'immagine generalizzata, ma un ritratto. Caratteristiche caratteristiche, nettamente individuali, occhi leggermente socchiusi, non un fisico ideale. Quest'uomo è catturato dall'artista in tutta l'originalità dei suoi lineamenti personali, pieno di coscienza del suo potere. Probabilmente era un abile sovrano che sapeva agire secondo le circostanze, sembra che fosse irremovibile nel perseguire l'obiettivo prefissato, forse crudele, ma forse a volte generoso, di carattere abbastanza complesso e governante nel mondo ellenistico infinitamente complesso, dove il il primato della cultura greca doveva essere unito al rispetto delle antiche culture locali.

È completamente nudo antico eroe o dio. Il giro del capo, così naturale, completamente liberato, e la mano levata in alto, appoggiata alla lancia, conferiscono alla figura una maestosità orgogliosa. Forte realismo e deificazione. La divinizzazione non è un eroe ideale, ma la più concreta, individuale deificazione del sovrano terreno, data alle persone dal... destino.

... La direzione generale dell'arte dei tardi classici sta alla base stessa dell'arte ellenistica. A volte sviluppa con successo questa direzione, anzi la approfondisce, ma, come abbiamo visto, a volte la schiaccia o la porta all'estremo, perdendo il beato senso delle proporzioni e l'impeccabile gusto artistico che hanno contraddistinto tutta l'arte greca del periodo classico.

Alessandria, dove si incrociavano le rotte commerciali del mondo ellenistico, è il centro dell'intera cultura dell'ellenismo, la "nuova Atene".

In questa grande città per quei tempi con una popolazione di mezzo milione di abitanti, fondata da Alessandro alla foce del Nilo, fiorirono le scienze, la letteratura e l'arte, patrocinate dai Tolomei. Fondarono il "Museo", divenuto per molti secoli il centro della vita artistica e scientifica, la famosa biblioteca, la più grande del mondo antico, che conta più di settecentomila rotoli di papiro e pergamena. Il faro di Alessandria di 120 metri con una torre rivestita di marmo, otto lati della quale erano posizionati nella direzione dei venti principali, con statue-banderuole, con una cupola coronata da una statua in bronzo del sovrano dei mari Poseidone, aveva un sistema di specchi che intensificava la luce del fuoco acceso nella cupola, in modo che fosse visto a una distanza di sessanta chilometri. Questo faro era considerato una delle "sette meraviglie del mondo". Lo sappiamo dalle immagini su monete antiche e da una dettagliata descrizione di un viaggiatore arabo che visitò Alessandria nel XIII secolo: cento anni dopo, il faro fu distrutto da un terremoto. È chiaro che solo eccezionali progressi nella conoscenza esatta hanno permesso di erigere questa grandiosa struttura, che ha richiesto i calcoli più complessi. Dopotutto, Alessandria, dove insegnava Euclide, era la culla della geometria a lui intitolata.

L'arte alessandrina è estremamente varia. Le statue di Afrodite risalgono a Prassitele (due dei suoi figli hanno lavorato come scultori ad Alessandria), ma sono meno maestose dei loro prototipi, enfaticamente graziose. Sul cammeo dei Gonzaga - immagini generalizzate ispirate ai canoni classici. Ma tendenze completamente diverse si manifestano nelle statue di anziani: il leggero realismo greco qui si trasforma in un naturalismo quasi schietto con il trasferimento più spietato di pelle flaccida, rugosa, vene gonfie, tutto irreparabile, introdotto dalla vecchiaia nell'aspetto di una persona. La caricatura fiorisce, esilarante ma a volte pungente. Il genere quotidiano (a volte con una propensione al grottesco) e il ritratto si stanno diffondendo sempre più. Appaiono rilievi con allegre scene bucoliche, affascinanti immagini di bambini, che talvolta fanno rivivere una grandiosa statua allegorica con un marito regalmente sdraiato, simile a Zeus e personificante il Nilo.

La diversità, ma anche la perdita dell'unità interna dell'arte, l'integrità dell'ideale artistico, che spesso riduce il significato dell'immagine. L'antico Egitto non è morto.

Esperti nelle politiche di governo, i Tolomei sottolinearono il loro rispetto per la sua cultura, presero in prestito molti costumi egiziani, eressero templi alle divinità egizie e ... essi stessi si classificarono tra la schiera di queste divinità.

E gli artisti egiziani non cambiarono il loro antico ideale artistico, i loro antichi canoni, anche nelle immagini dei nuovi sovrani stranieri del loro paese.

Un notevole monumento d'arte dell'Egitto tolemaico: una statua di basalto nero della regina Arsinoe II. Sapiente con la sua ambizione e bellezza di Arsinoe, che, secondo l'usanza reale egiziana, sposò suo fratello Tolomeo Filadelfo. Anche un ritratto idealizzato, ma non nel greco classico, ma in modo egiziano. Questa immagine risale ai monumenti del culto funebre dei faraoni, e non alle statue delle belle dee dell'Ellade. Bella anche Arsinoe, ma la sua figura, incatenata dalla tradizione antica, è frontale, sembra congelata, come nelle sculture-ritratti di tutti e tre i regni egizi; questa rigidità si armonizza naturalmente con il contenuto interno dell'immagine, che è completamente diverso da quello dei classici greci.

Sopra la fronte della regina ci sono cobra sacri. E forse la morbida rotondità delle forme del suo giovane corpo snello, che sembra completamente nudo sotto un abito leggero e trasparente, riflette in qualche modo con la sua beatitudine nascosta, forse, il respiro caldo dell'ellenismo.

La città di Pergamo, capitale del vasto stato ellenistico dell'Asia Minore, era famosa, come Alessandria, per la sua biblioteca più ricca (pergamena, in greco "pelle di Pergamo" - un'invenzione di Pergamo), per i suoi tesori artistici, per l'alta cultura e lo splendore. Gli scultori di Pergamo realizzarono meravigliose statue dei Galli uccisi. Queste statue risalgono a Skopas per ispirazione e stile. Anche il fregio dell'altare di Pergamo risale a Skopas, ma questa non è affatto un'opera accademica, ma un monumento d'arte, che segna un nuovo grande battito d'ali.

Frammenti del fregio furono scoperti nell'ultimo quarto del XIX secolo da archeologi tedeschi e portati a Berlino. Nel 1945 furono portati via dall'esercito sovietico dalla Berlino in fiamme, poi tenuti nell'Ermitage, e nel 1958 tornarono a Berlino e ora sono lì esposti nel Museo di Pergamo.

Un fregio scultoreo di centoventi metri delimitava la base di un altare in marmo bianco con leggere colonne ioniche e ampi gradini che si innalzavano al centro di un grande edificio a forma di lettera P.

Il tema delle sculture è la "gigantomachia": la battaglia degli dei con i giganti, raffigurante allegoricamente la battaglia degli Elleni con i barbari. Questa è una scultura in altorilievo, quasi rotonda.

Sappiamo che al fregio lavorò un gruppo di scultori, tra i quali non c'era solo Pergamo. Ma l'unità di intenti è chiara.

Si può dire senza riserve: in tutta la scultura greca non esisteva ancora un quadro così grandioso della battaglia. Una battaglia terribile e spietata non per la vita, ma per la morte. Una battaglia, davvero titanica - e perché i giganti che si sono ribellati agli dei, e gli stessi dei che li sconfiggono, sono di crescita sovrumana, e perché l'intera composizione è titanica nel suo pathos e nella sua portata.

La perfezione delle forme, i sorprendenti giochi di luci e ombre, l'armoniosa combinazione dei più netti contrasti, l'inesauribile dinamismo di ogni figura, ogni gruppo e l'intera composizione sono in sintonia con l'arte di Scopas, equivalente alle più alte realizzazioni plastiche di il 4° secolo. Questa è la grande arte greca in tutto il suo splendore.

Ma lo spirito di queste statue a volte ci porta via dall'Hellas. Le parole di Lessing secondo cui l'artista greco ha umiliato le manifestazioni delle passioni per creare immagini pacificamente belle non sono in alcun modo applicabili ad esse. È vero, questo principio era già stato violato nei tardi classici. Tuttavia, anche se piene dell'impulso più violento, le figure di guerrieri e amazzoni nel fregio della tomba di Mausolo ci sembrano trattenute rispetto alle figure della "gigantomachia" di Pergamo.

Non la vittoria di un inizio luminoso sulle tenebre degli inferi, da cui i giganti sono fuggiti, è il vero tema del fregio di Pergamo. Vediamo il trionfo degli dei, Zeus e Atena, ma siamo scossi da qualcos'altro che involontariamente ci cattura quando guardiamo tutta questa tempesta. L'estasi della battaglia, selvaggia, disinteressata: ecco cosa glorifica il marmo del fregio di Pergamo. In questa estasi, le gigantesche figure dei combattenti si cimentano freneticamente tra loro. I loro volti sono distorti, e ci sembra di sentire le loro urla, ruggiti furiosi o esultanti, urla e gemiti assordanti.

Era come se una forza elementare si riflettesse qui nel marmo, una forza selvaggia e indomabile che ama seminare orrore e morte. Non è quello che fin dall'antichità sembrava all'uomo la terribile immagine della Bestia? Sembrava che fosse finito con lui in Hellas, ma ora sta chiaramente risorgendo qui, nel Pergamo ellenistico. Non solo nello spirito, ma anche nell'apparenza. Vediamo museruole di leone, giganti con serpenti che si contorcono al posto delle gambe, mostri, come generati da un'accesa immaginazione dall'orrore risvegliato dell'ignoto.

Ai primi cristiani l'altare di Pergamo sembrava essere “il trono di Satana”!..

Nella realizzazione del fregio furono coinvolti artigiani asiatici, ancora soggetti alle visioni, ai sogni e alle paure dell'Antico Oriente? O gli stessi maestri greci li hanno imbevuti su questa terra? Quest'ultima ipotesi sembra più probabile.

E questo è l'intreccio dell'ideale ellenico di una forma armonica perfetta, veicolante mondo visibile nella sua maestosa bellezza, l'ideale di una persona che si è realizzata come coronamento della natura, con una visione del mondo completamente diversa, che riconosciamo nei dipinti delle grotte paleolitiche, che catturano per sempre una formidabile forza rialzista, e nei volti non riconosciuti degli idoli di pietra della Mesopotamia, e nelle targhe di "animali" sciti, trova, forse per la prima volta, un'incarnazione così integrale e organica in immagini tragiche Altare di Pergamo.

Queste immagini non consolano come le immagini del Partenone, ma nei secoli successivi il loro inquieto pathos sarà in sintonia con molte delle più alte opere d'arte.

Entro la fine del I sec AVANTI CRISTO. Roma afferma il suo dominio nel mondo ellenistico. Ma è difficile designare, anche condizionalmente, l'ultimo aspetto dell'ellenismo. In ogni caso, nel suo impatto sulla cultura di altri popoli. Roma adottò a suo modo la cultura dell'Ellade, essa stessa si rivelò ellenizzata. Lo splendore dell'Ellade non svanì né sotto il dominio romano né dopo la caduta di Roma.

Nel campo dell'arte per il Medio Oriente, in particolare per Bisanzio, l'eredità dell'antichità era in gran parte greca, non romana. Ma non è tutto. Lo spirito dell'Hellas risplende nell'antica pittura russa. E questo spirito illumina in Occidente grande epoca Rinascimento.

SCULTURA ROMANA

Senza le fondamenta poste dalla Grecia e da Roma, non ci sarebbe l'Europa moderna.

Sia i greci che i romani avevano la loro vocazione storica: si completavano a vicenda e la fondazione dell'Europa moderna è la loro causa comune.

Il patrimonio artistico di Roma ha significato molto nella fondazione culturale dell'Europa. Inoltre, questa eredità fu quasi decisiva per l'arte europea.

... Nella Grecia conquistata, i romani si comportarono dapprima come barbari. In una sua satira, Giovenale ci mostra un rude guerriero romano di quei tempi, "che non sapeva apprezzare l'arte dei Greci", che "come al solito" spezzò "tazze fatte da artisti gloriosi" in piccoli pezzi per decorare il suo scudo o conchiglia con loro.

E quando i romani seppero del valore delle opere d'arte, la distruzione fu sostituita da una rapina - all'ingrosso, a quanto pare, senza alcuna selezione. Dall'Epiro in Grecia, i Romani presero cinquecento statue, e dopo aver rotto gli Etruschi prima ancora, duemila da Vei. È improbabile che tutti questi fossero capolavori.

È generalmente accettato che la caduta di Corinto nel 146 aC. finisce il periodo greco della storia antica. Questa fiorente città sulle rive del Mar Ionio, uno dei principali centri della cultura greca, fu rasa al suolo dai soldati del console romano Mummio. Dai palazzi e dai templi bruciati, le navi consolari estrassero innumerevoli tesori artistici, tanto che, come scrive Plinio, letteralmente tutta Roma si riempì di statue.

I romani non solo portarono un gran numero di statue greche (inoltre, portarono anche obelischi egizi), ma copiarono originali greci su scala più ampia. E solo per questo, dovremmo essere loro grati. Quale fu, tuttavia, l'effettivo contributo romano all'arte della scultura? Intorno al tronco della colonna Traiana, eretta all'inizio del II secolo aC. AVANTI CRISTO e. sul foro di Traiano, sopra la stessa tomba di questo imperatore, un rilievo si snoda come un largo nastro, glorificando le sue vittorie sui Daci, il cui regno (l'attuale Romania) fu infine conquistato dai Romani. Gli artisti che realizzarono questo rilievo erano senza dubbio non solo talentuosi, ma anche molto esperti delle tecniche dei maestri ellenisti. Eppure è un'opera tipica romana.

Davanti a noi c'è il più dettagliato e coscienzioso narrazione. È una narrazione, non un'immagine generalizzata. Nel rilievo greco, la storia di eventi reali era presentata allegoricamente, solitamente intrecciata con la mitologia. Nel rilievo romano, dell'epoca della repubblica, si vede chiaramente la volontà di essere il più precisi possibile, più specificamente trasmettere il corso degli eventi nella sua sequenza logica insieme a caratteristiche peculiari persone che vi hanno partecipato. Nel rilievo della Colonna Traiana vediamo accampamenti romani e barbari, preparativi per una campagna, assalti alle fortezze, valichi, battaglie spietate. Tutto sembra essere davvero molto accurato: i tipi di guerrieri romani e Daci, le loro armi e vestiti, il tipo di fortificazioni - quindi questo rilievo può servire come una sorta di enciclopedia scultorea della vita militare di allora. Per la sua idea generale, l'intera composizione, piuttosto, ricorda le già note narrazioni in rilievo delle imprese abusive dei re assiri, tuttavia, con minore potenza pittorica, sebbene con una migliore conoscenza dell'anatomia e dai greci, la capacità di collocare figure più liberamente nello spazio. Il bassorilievo, senza identificazione plastica delle figure, potrebbe essere stato ispirato da dipinti non sopravvissuti. Le immagini dello stesso Traiano si ripetono almeno novanta volte, i volti dei soldati sono estremamente espressivi.

Sono queste stesse concretezza ed espressività che costituiscono il tratto distintivo di tutta la ritrattistica romana, in cui, forse, era più evidente l'originalità del genio artistico romano.

La quota prettamente romana, inclusa nel tesoro della cultura mondiale, è perfettamente definita (proprio in connessione con il ritratto romano) dal più grande conoscitore di arte antica O.F. Waldhauer: “...Roma esiste come individuo; Roma è in quelle forme rigorose in cui le immagini antiche furono ravvivate sotto il suo dominio; Roma è in quel grande organismo che ha sparso i semi della cultura antica, dando loro l'opportunità di fertilizzare nuovi popoli ancora barbari, e, infine, Roma è nel creare un mondo civile sulla base di elementi culturali ellenici e, modificandoli, in secondo nuovi incarichi, solo Roma e potrebbe creare... una grande epoca della scultura ritrattistica...».

Il ritratto romano ha uno sfondo complesso. È evidente il suo legame con il ritratto etrusco, oltre che con quello ellenistico. Anche la radice romana è abbastanza chiara: i primi ritratti romani in marmo o bronzo erano solo la riproduzione esatta di una maschera di cera prelevata dal volto del defunto. Non è ancora arte nel senso comune.

In epoche successive, l'accuratezza è stata preservata nel cuore del ritratto artistico romano. Precisione ispirata da ispirazione creativa e notevole maestria. L'eredità dell'arte greca qui, ovviamente, ha giocato un ruolo. Ma si può dire senza esagerare: l'arte di un ritratto brillantemente individualizzato, portato alla perfezione, esponendo completamente il mondo interiore di una determinata persona, è, in sostanza, un'impresa romana. In ogni caso, in termini di portata della creatività, in termini di forza e profondità della penetrazione psicologica.

In un ritratto romano, lo spirito dell'antica Roma ci si rivela in tutti i suoi aspetti e contraddizioni. Un ritratto romano è, per così dire, la storia stessa di Roma, raccontata nei volti, la storia della sua ascesa senza precedenti e della sua tragica morte: "L'intera storia della caduta romana è qui espressa da sopracciglia, fronti, labbra" (Herzen) .

Tra gli imperatori romani c'erano personalità nobili, i più grandi statisti, c'erano anche persone avide e ambiziose, c'erano mostri, despoti,

impazziti da un potere illimitato, e nella coscienza che tutto è loro permesso, versando un mare di sangue, erano cupi tiranni che, con l'assassinio del loro predecessore, raggiunsero il grado più alto e quindi distrussero tutti coloro che li ispiravano con il minimo sospetto. Come abbiamo visto, la morale nata dall'autocrazia divinizzata spingeva talvolta anche i più illuminati alle azioni più crudeli.

Durante il periodo di massima potenza dell'impero, un sistema schiavista strettamente organizzato, in cui la vita di uno schiavo non veniva riposta nel nulla e veniva trattato come un bestiame da lavoro, lasciò il segno nella moralità e nella vita non solo degli imperatori e nobili, ma anche semplici cittadini. E nello stesso tempo, incoraggiato dal pathos della statualità, aumentò il desiderio di snellire la vita sociale dell'intero impero alla maniera romana, con la piena fiducia che non poteva esserci sistema più stabile e benefico. Ma questa fiducia si è rivelata insostenibile.

Guerre continue, lotte intestine, sommosse provinciali, la fuga degli schiavi, la coscienza della mancanza di diritti ogni secolo minano sempre più le fondamenta del "mondo romano". Le province conquistate manifestarono la loro volontà in maniera sempre più decisa. E alla fine hanno minato il potere unificante di Roma. Le province distrussero Roma; Roma stessa si trasformò in una città di provincia, simile alle altre, privilegiata, ma non più dominante, cessando di essere il centro di un impero mondiale ... Lo stato romano si trasformò in una gigantesca macchina complessa esclusivamente per succhiare i succhi dei suoi sudditi.

Nuove tendenze provenienti dall'Oriente, nuovi ideali, la ricerca di una nuova verità hanno dato vita a nuove convinzioni. Stava arrivando il declino di Roma, il declino del mondo antico con la sua ideologia e struttura sociale.

Tutto questo si riflette nella scultura del ritratto romano.

Ai tempi della repubblica, quando i costumi erano più severi e semplici, l'accuratezza documentaria dell'immagine, il cosiddetto "verismo" (dalla parola verus - vero), non era ancora bilanciata dall'influenza nobilitante greca. Questa influenza si manifestò in età augustea, talvolta anche a scapito della veridicità.

La famosa statua a figura intera di Augusto, dove è rappresentato in tutto lo splendore del potere imperiale e della gloria militare (una statua proveniente da Prima Porto, Roma, Vaticano), nonché la sua immagine a forma di Giove stesso (l'Eremo ), ovviamente, ritratti cerimoniali idealizzati che equiparano il signore terreno ai celesti. Eppure mostrano i tratti individuali di Augusto, il relativo equilibrio e l'indubbio significato della sua personalità.

Vengono idealizzati anche numerosi ritratti del suo successore, Tiberio.

Diamo un'occhiata al ritratto scultoreo di Tiberio nella sua giovinezza (Copenaghen, Gliptoteca). Immagine nobilitata. E allo stesso tempo, ovviamente, individuale. Qualcosa di antipatico, odiosamente chiuso fa capolino attraverso i suoi lineamenti. Forse, posta in altre condizioni, questa persona esteriormente avrebbe vissuto la sua vita in modo abbastanza decente. Ma paura eterna e potere illimitato. E ci sembra che l'artista abbia catturato nell'immagine di lui qualcosa che nemmeno il perspicace Augusto ha riconosciuto, nominando Tiberio come suo successore.

Ma nonostante tutta la sua nobile moderazione, il ritratto del successore di Tiberio, Caligola (Copenaghen, Glyptothek), un assassino e torturatore, che alla fine fu pugnalato a morte dai suoi più stretti collaboratori, è già completamente rivelatore. Crepalo sguardo, e senti che non può esserci pietà da parte di questo giovanissimo sovrano (ha compiuto i suoi ventinove anni vita terribile) con le labbra serrate, a cui piaceva ricordare che può fare qualsiasi cosa: e con chiunque. Crediamo, guardando il ritratto di Caligola, tutte le storie sulle sue innumerevoli atrocità. “Ha costretto i padri a essere presenti all'esecuzione dei loro figli”, scrive Svetonio, “ha mandato una barella per uno di loro quando ha cercato di evadere per problemi di salute; subito dopo lo spettacolo dell'esecuzione, ne invitò un altro a tavola e costrinse ogni sorta di cortesie a scherzare ea divertirsi. E un altro storico romano, Dione, aggiunge che quando il padre di uno dei giustiziati "ha chiesto se poteva almeno chiudere gli occhi, ha ordinato che il padre fosse ucciso". E anche da Svetonio: “Quando il prezzo del bestiame, che era ingrassato da bestie feroci per gli spettacoli, salì, ordinò che fosse gettato in balia dei malfattori; e, girando per questo per il carcere, non guardò chi era da biasimare per cosa, ma ordinò direttamente, stando alla porta, di portare via tutti…”. Sinistro nella sua crudeltà è il volto basso di fronte di Nerone, il più famoso dei mostri incoronati dell'Antica Roma (marmo, Roma, Museo Nazionale).

Lo stile del ritratto scultoreo romano cambiò insieme all'atteggiamento generale dell'epoca. La veridicità documentaria, lo splendore, il raggiungimento della divinizzazione, il realismo più acuto, la profondità della penetrazione psicologica prevalevano alternativamente in lui e si completavano a vicenda. Ma mentre l'idea romana era viva, la potenza pittorica non si esauriva in lui.

L'imperatore Adriano meritava la gloria di un saggio sovrano; è noto che fu un illuminato conoscitore d'arte, un ardente ammiratore dell'eredità classica dell'Ellade. I suoi lineamenti scolpiti nel marmo, il suo sguardo pensieroso, insieme a un leggero tocco di tristezza, completano la nostra idea di lui, così come i suoi ritratti completano la nostra idea di Caracalla, cogliendo davvero la quintessenza della crudeltà bestiale, la più sfrenata, potere violento. Ma il vero “filosofo in trono”, pensatore pieno di nobiltà spirituale, è Marco Aurelio, che nei suoi scritti predicava lo stoicismo, la rinuncia ai beni terreni.

Immagini davvero indimenticabili nella loro espressività!

Ma il ritratto romano resuscita davanti a noi non solo le immagini degli imperatori.

Sostiamo all'Eremo davanti al ritratto di un ignoto romano, eseguito probabilmente alla fine del I secolo. Questo è un capolavoro indubbio, in cui l'accuratezza romana dell'immagine si combina con l'artigianato tradizionale ellenico, l'immagine documentaria - con la spiritualità interiore. Non sappiamo chi sia l'autore del ritratto - un greco che ha dato il suo talento a Roma con la sua visione del mondo e i suoi gusti, un romano o un altro artista, un soggetto imperiale ispirato ai modelli greci, ma saldamente radicato nel suolo romano - come gli autori sono sconosciuti (nella maggior parte, probabilmente, schiavi) e altre meravigliose sculture realizzate in epoca romana.

Questa immagine è già stata acquisita vecchio uomo, che ha visto molto nella sua vita e ha vissuto molto, in cui si intuisce una sorta di sofferenza dolorosa, forse da pensieri profondi. L'immagine è così reale, veritiera, strappata così tenacemente dal fitto dell'umano e così abilmente rivelata nella sua essenza che ci sembra di aver incontrato questo romano, di conoscerlo bene, è quasi esattamente così - anche se il nostro confronto è inaspettato - come sappiamo, ad esempio, gli eroi dei romanzi di Tolstoj.

E la stessa persuasività in un altro noto capolavoro dell'Ermitage, il ritratto marmoreo di una giovane donna, convenzionalmente chiamata "siriana" per il tipo del suo viso.

Siamo già nella seconda metà del II secolo: la donna raffigurata è contemporanea dell'imperatore Marco Aurelio.

Sappiamo che fu un'epoca di rivalutazione dei valori, accresciute influenze orientali, nuovi stati d'animo romantici, maturando misticismo, che prefiguravano la crisi dell'orgoglio della grande potenza romana. “Il tempo della vita umana è un momento”, scriveva Marco Aurelio, “la sua essenza è un flusso eterno; sentirsi vago; la struttura di tutto il corpo è deperibile; l'anima è instabile; il destino è misterioso; la gloria è inaffidabile.

La contemplazione malinconica, caratteristica di molti ritratti di questo tempo, respira l'immagine della "donna siriana". Ma il suo pensieroso sognare ad occhi aperti - lo sentiamo - è profondamente individuale, e ancora una volta lei stessa ci sembra familiare da molto tempo, quasi anche cara, così il vitale scalpello dello scultore con un lavoro sofisticato estratto dal marmo bianco con una leggera sfumatura bluastra la sua incantevole e caratteristiche spiritualizzate.

Ed ecco di nuovo l'imperatore, ma un imperatore speciale: Filippo l'Arabo, venuto alla ribalta nel bel mezzo della crisi del 3° secolo. - sanguinosa "cavalletta imperiale" - dai ranghi della legione provinciale. Questo è il suo ritratto ufficiale. La severità dell'immagine del soldato è tanto più significativa: quello fu il momento in cui, nel tumulto generale, l'esercito divenne una roccaforte del potere imperiale.

Sopracciglia corrugate. Uno sguardo minaccioso, diffidente. Naso grosso e carnoso. Rughe profonde delle guance, che formano, per così dire, un triangolo con una linea orizzontale affilata di labbra spesse. Un collo potente e sul petto - un'ampia piega trasversale di una toga, che infine conferisce all'intero busto di marmo una massiccia imponenza, forza laconica e integrità davvero granitiche.

Ecco cosa scrive Waldgauer di questo meraviglioso ritratto, custodito anche nel nostro Hermitage: “La tecnica è semplificata all'estremo ... I lineamenti del viso sono elaborati da linee profonde, quasi ruvide, con un completo rifiuto della modellazione dettagliata della superficie. La personalità, in quanto tale, si caratterizza senza pietà con l'evidenziazione delle caratteristiche più importanti.

Un nuovo stile, un'espressività monumentale raggiunta in un modo nuovo. Non è forse l'influenza della cosiddetta periferia barbarica dell'impero, che sempre più penetra nelle province divenute rivali di Roma?

Nello stile generale del busto di Filippo l'Arabo, Waldhauer riconosce caratteristiche che saranno pienamente sviluppate nei ritratti scultorei medievali delle cattedrali francesi e tedesche.

L'antica Roma divenne famosa per gesta di alto profilo, realizzazioni che sorpresero il mondo, ma il suo declino fu cupo e doloroso.

Un'intera epoca storica è giunta al termine. Il sistema obsoleto doveva cedere il passo a uno nuovo, più avanzato; società schiavista - per rinascere in una società feudale.

Nel 313, il cristianesimo a lungo perseguitato fu riconosciuto nell'impero romano come religione di stato, che alla fine del 4° secolo. divenne dominante in tutto l'Impero Romano.

Il cristianesimo, con la sua predicazione dell'umiltà, dell'ascesi, con il suo sogno del paradiso non in terra, ma in cielo, creò una nuova mitologia, i cui eroi, gli asceti della nuova fede, che accettarono per essa la corona di un martire, presero il luogo che un tempo apparteneva agli dei e alle dee, personificando il principio di affermazione della vita, l'amore terreno e la gioia terrena. Si diffuse gradualmente, e quindi, ancor prima del suo trionfo legalizzato, la dottrina cristiana e i sentimenti pubblici che la preparavano minano radicalmente l'ideale di bellezza che un tempo brillava di piena luce sull'Acropoli ateniese e che fu accettato e approvato da Roma in tutto il mondo soggetto ad esso.

La Chiesa cristiana ha cercato di rivestire in una forma concreta di incrollabili credenze religiose una nuova visione del mondo, in cui l'Oriente, con i suoi timori per le forze irrisolte della natura, l'eterna lotta con la Bestia, risuonava con gli indigenti dell'intero mondo antico. E sebbene l'élite dominante di questo mondo sperasse di saldare il decrepito potere romano con una nuova religione universale, la visione del mondo, nata dalla necessità di una trasformazione sociale, scosse l'unità dell'impero insieme a quell'antica cultura da cui sorse lo stato romano.

Crepuscolo del mondo antico, crepuscolo del grande arte antica. Palazzi maestosi, fori, terme e archi di trionfo sono ancora in costruzione in tutto l'impero, secondo gli antichi canoni, ma queste sono solo ripetizioni di quanto realizzato nei secoli precedenti.

La testa colossale - circa un metro e mezzo - della statua dell'imperatore Costantino, che nel 330 trasferì la capitale dell'impero a Bisanzio, divenuta Costantinopoli - la "Seconda Roma" (Roma, Palazzo dei Conservatori). Il viso è costruito correttamente, armoniosamente, secondo i modelli greci. Ma la cosa principale in questo viso sono gli occhi: sembra che se li chiudessi, non ci sarebbe il viso stesso ... Il fatto che nei ritratti del Fayum o nel ritratto pompeiano di una giovane donna conferisse all'immagine un'espressione ispirata, qui è portata all'estremo, esausta l'intera immagine. L'antico equilibrio tra spirito e corpo è palesemente violato a favore del primo. Non un volto umano vivente, ma un simbolo. Un simbolo di potere, impresso nello sguardo, potere che soggioga tutto ciò che è terreno, impassibile, irremovibile e inaccessibile. No, anche se le caratteristiche del ritratto sono conservate nell'immagine dell'imperatore, questa non è più una scultura ritratto.

L'arco di trionfo dell'imperatore Costantino a Roma è impressionante. La sua composizione architettonica è rigorosamente sostenuta nello stile classico romano. Ma nella narrativa in rilievo che glorifica l'imperatore, questo stile scompare quasi senza lasciare traccia. Il rilievo è così basso che le piccole figure sembrano piatte, non scolpite, ma graffiate. Si allineano monotoni, aggrappandosi l'uno all'altro. Li guardiamo con stupore: questo è un mondo completamente diverso dal mondo dell'Ellade e di Roma. Nessun risveglio - e la frontalità apparentemente superata per sempre è resuscitata!

Una statua di porfido dei co-reggenti imperiali - i tetrarchi, che a quel tempo governavano parti separate dell'impero. Questo gruppo scultoreo segna sia la fine che l'inizio.

Il fine - perché viene definitivamente eliminato l'ideale ellenico di bellezza, morbida rotondità delle forme, armonia della figura umana, eleganza della composizione, morbidezza del modellamento. La rudezza e la semplificazione che davano particolare espressività al ritratto dell'Eremo di Filippo l'Arabo divennero qui, per così dire, fine a se stesso. Teste quasi cubiche, goffamente scolpite. Non c'è nemmeno un accenno di ritrattistica, come se l'individualità umana fosse già indegna dell'immagine.

Nel 395, l'Impero Romano si sciolse in quello occidentale - latino e orientale - greco. Nel 476 l'Impero Romano d'Occidente cadde sotto i colpi dei tedeschi. Una nuova epoca storica chiamato Medioevo.

Si è aperta una nuova pagina nella storia dell'arte.

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Architettura e scultura dell'antica Grecia

Le città del mondo antico di solito apparivano vicino a un'alta roccia, sulla quale era eretta una cittadella, in modo che ci fosse un posto dove nascondersi se il nemico fosse penetrato nella città. Tale cittadella era chiamata acropoli. Allo stesso modo, su una roccia che torreggiava a quasi 150 metri sopra Atene e che aveva servito a lungo come struttura difensiva naturale, la città alta si formò gradualmente sotto forma di fortezza (acropoli) con vari edifici difensivi, pubblici e religiosi.
L'Acropoli ateniese iniziò ad essere costruita nel II millennio a.C. Durante le guerre greco-persiane (480-479 aC) fu completamente distrutta, in seguito, sotto la guida dello scultore e architetto Fidia, ne iniziò il restauro e la ricostruzione.
L'Acropoli è uno di quei luoghi “di cui tutti dicono che sono magnifici, unici. Ma non chiedere perché. Nessuno può risponderti... Può essere misurato, anche tutte le sue pietre possono essere contate. Non è un grosso problema esaminarlo da un capo all'altro: ci vorranno solo pochi minuti. Le mura dell'Acropoli sono ripide e ripide. Quattro grandi creazioni si trovano ancora su questa collina dai pendii rocciosi. Un'ampia strada a zigzag corre dai piedi della collina all'unico ingresso. Si tratta dei Propilei, una porta monumentale con colonne doriche e un'ampia scalinata. Furono costruiti dall'architetto Mnesicle nel 437-432 a.C. Ma prima di entrare in queste maestose porte di marmo, tutti involontariamente girarono a destra. Lì, su un alto piedistallo del bastione che un tempo custodiva l'ingresso dell'acropoli, sorge il tempio della dea della vittoria Nike Apteros, decorato con colonne ioniche. Questa è l'opera dell'architetto Kallikrates (seconda metà del V secolo aC). Il tempio - leggero, arioso, straordinariamente bello - spiccava per il suo candore sullo sfondo azzurro del cielo. Questo fragile edificio, che sembra un elegante giocattolo di marmo, sembra sorridere da solo e fa sorridere affettuosamente i passanti.
Gli dei irrequieti, ardenti e attivi della Grecia erano come gli stessi greci. È vero, erano più alti, in grado di volare nell'aria, assumere qualsiasi forma, trasformarsi in animali e piante. Ma sotto tutti gli altri aspetti si comportavano come persone comuni: si sposavano, si ingannavano, litigavano, si riconciliavano, punivano i bambini...

Tempio di Demetra, costruttori sconosciuti, VI sec. AVANTI CRISTO. Olimpia

Tempio di Nike Apteros, architetto Kallikrates, 449-421 a.C Atene

Propilei, architetto Mnesicle, 437-432 a.C Atene

La dea della vittoria, Nike, era raffigurata come una bella donna con grandi ali: la vittoria è volubile e vola da un avversario all'altro. Gli Ateniesi la ritraevano senza ali in modo che non lasciasse la città, che aveva recentemente ottenuto una grande vittoria sui Persiani. Privata delle ali, la dea non poteva più volare e doveva rimanere per sempre ad Atene.
Il tempio di Nike sorge su una sporgenza di una roccia. È leggermente rivolto verso i Propilei e svolge la funzione di faro per le processioni che fanno il giro della roccia.
Immediatamente dietro i Propilei, troneggiava orgogliosamente Atena la Guerriera, la cui lancia salutava da lontano il viaggiatore e fungeva da faro per i marinai. L'iscrizione sul piedistallo di pietra diceva: "Gli Ateniesi si dedicarono dalla vittoria sui Persiani". Ciò significava che la statua era stata fusa con armi di bronzo sottratte ai persiani a seguito delle loro vittorie.
Sull'Acropoli c'era anche l'insieme del tempio dell'Eretteo, che (secondo il piano dei suoi creatori) avrebbe dovuto collegare tra loro diversi santuari situati a livelli diversi: la roccia qui è molto irregolare. Il portico settentrionale dell'Eretteo conduceva al santuario di Atena, dove era custodita una statua lignea della dea, presumibilmente caduta dal cielo. La porta del santuario si apriva in un piccolo cortile dove cresceva l'unico olivo sacro dell'intera Acropoli, sorto quando Atena toccò la roccia con la sua spada in questo luogo. Attraverso il portico orientale si poteva entrare nel santuario di Poseidone, dove, dopo aver colpito la roccia con il suo tridente, lasciò tre solchi con un mormorio d'acqua. Qui c'era il santuario di Eretteo, venerato alla pari di Poseidone.
La parte centrale del tempio è una stanza rettangolare (24,1 x 13,1 metri). Il tempio conteneva anche la tomba e il santuario del primo leggendario re dell'Attica, Kekrop. Sul lato sud dell'Eretteo si trova il famoso portico delle cariatidi: ai margini del muro, sei ragazze scolpite nel marmo sostengono il soffitto. Alcuni studiosi suggeriscono che il portico servisse da piattaforma per cittadini onorevoli, o che i sacerdoti si riunissero qui per cerimonie religiose. Ma l'esatto scopo del portico non è ancora chiaro, perché "portico" significa il vestibolo, e in questo caso il portico non aveva porte e da qui è impossibile entrare nel tempio. Le figure del portico delle cariatidi sono, infatti, supporti che sostituiscono un pilastro o una colonna, inoltre trasmettono perfettamente la leggerezza e la flessibilità delle figure fanciullesche. I turchi, che catturarono Atene ai loro tempi e non consentirono immagini di una persona a causa delle loro credenze musulmane, tuttavia, non iniziarono a distruggere queste statue. Si sono limitati solo al fatto che hanno tagliato i volti delle ragazze.

Eretteo, costruttori sconosciuti, 421-407 a.C Atene

Partenone, architetti Iktin, Kallikrat, 447-432 a.C Atene

Nel 1803, Lord Elgin, ambasciatore inglese a Costantinopoli e collezionista, con il permesso del sultano turco, ruppe una delle cariatidi nel tempio e la portò in Inghilterra, dove la offrì al British Museum. Interpretando in modo troppo ampio il firmano del Sultano turco, portò con sé anche molte sculture di Fidia e le vendette per 35.000 sterline. Firman ha detto che "nessuno dovrebbe impedirgli di portare via dall'Acropoli alcune pietre con iscrizioni o figure". Elgin ha riempito 201 scatole con tali "pietre". Come lui stesso ha affermato, ha preso solo quelle sculture che erano già cadute o rischiavano di cadere, apparentemente per salvarle dalla distruzione finale. Ma Byron lo ha anche definito un ladro. Successivamente (durante il restauro del portico delle cariatidi nel 1845-1847), il British Museum inviò ad Atene un calco in gesso della statua portata via da Lord Elgin. Successivamente, il calco è stato sostituito con una copia più durevole in pietra artificiale, prodotta in Inghilterra.
Alla fine del secolo scorso, il governo greco chiese all'Inghilterra di restituire i tesori che le appartenevano, ma ricevette la risposta che il clima londinese era per loro più favorevole.
All'inizio del nostro millennio, quando la Grecia fu ceduta a Bisanzio durante la divisione dell'Impero Romano, l'Eretteo fu trasformato in una chiesa cristiana. Successivamente, i crociati, che presero possesso di Atene, fecero del tempio un palazzo ducale, e durante la conquista turca di Atene nel 1458, fu allestito nell'Eretteo l'harem del comandante della fortezza. Durante la guerra di liberazione del 1821-1827, Greci e Turchi assediarono alternativamente l'Acropoli, bombardandone gli edifici, compreso l'Eretteo.
Nel 1830 (dopo la dichiarazione di indipendenza della Grecia), sul sito dell'Eretteo si trovavano solo fondamenta, oltre a decorazioni architettoniche giacenti a terra. I fondi per il restauro di questo complesso di templi (così come per il restauro di molte altre strutture dell'Acropoli) furono forniti da Heinrich Schliemann. Il suo più stretto collaboratore V.Derpfeld ha misurato e confrontato attentamente i frammenti antichi, alla fine degli anni '70 del secolo scorso aveva già in programma di restaurare l'Eretteo. Ma questa ricostruzione fu sottoposta a dure critiche e il tempio fu smantellato. L'edificio è stato nuovamente restaurato sotto la guida del famoso scienziato greco P. Kavadias nel 1906 e infine restaurato nel 1922.

"Venere di Milo" Agessander (?), 120 aC Louvre, Parigi

"Laocoonte" Agessander, Polydoro, Athenodorus, c.40 aC Grecia, Olimpia

"Ercole da Farnese" c. 200 a.C e., nazionale museo, Napoli

"Amazzone ferita" Policleto, 440 a.C Nazionale Museo Roma

Partenone - il tempio della dea Atena - il più grande edificio dell'Acropoli e la più bella creazione dell'architettura greca. Non sta al centro della piazza, ma un po' di lato, in modo da poter subito ammirare le facciate frontali e laterali, capire la bellezza del tempio nel suo insieme. Gli antichi greci credevano che il tempio con la statua di culto principale al centro fosse, per così dire, la casa di una divinità. Il Partenone è il tempio della Vergine Atena (Parthenos), e quindi al centro c'era una statua della dea crisoelefantina (fatta di avorio e lastre d'oro su base lignea).
Il Partenone fu eretto nel 447-432 a.C. architetti Iktin e Kallikrates dal marmo pentelico. Si trovava su una terrazza a quattro livelli, la dimensione della sua base è di 69,5 x 30,9 metri. Snelli colonnati circondano il Partenone su quattro lati, tra i loro tronchi di marmo bianco sono visibili fessure del cielo azzurro. Tutto permeato di luce, sembra arioso e leggero. Non ci sono motivi luminosi sulle colonne bianche, come si trova nei templi egizi. Solo le scanalature longitudinali (flauti) li coprono dall'alto verso il basso, il che fa sembrare il tempio più alto e ancora più snello. Le colonne devono la loro armonia e leggerezza al fatto che si assottigliano leggermente verso l'alto. Nella parte mediana del tronco, per nulla percepibili alla vista, si ispessiscono e sembrano elastici, più resistenti al peso dei blocchi di pietra. Iktin e Kallikrat, dopo aver pensato a ogni più piccolo dettaglio, hanno creato un edificio che colpisce per proporzioni sorprendenti, estrema semplicità e purezza di tutte le linee. Posto sulla piattaforma superiore dell'Acropoli, a un'altitudine di circa 150 metri sul livello del mare, il Partenone era visibile non solo da qualsiasi punto della città, ma anche da numerose navi in ​​partenza per Atene. Il tempio era un perimetro dorico circondato da un colonnato di 46 colonne.

"Afrodite e Pan" 100 aC, Delfi, Grecia

"Diana la Cacciatrice" Leohar, 340 aC circa, Louvre, Parigi, Francia

"Ermete a riposo" Lisippo, IV sec. AVANTI CRISTO e., Museo Nazionale, Napoli

"Ercole che combatte un leone" Lisippo, c. 330 a.C Eremo, San Pietroburgo

"Atlant di Farnese" c.200 aC, Nat. museo, Napoli

I maestri più famosi hanno partecipato alla decorazione scultorea del Partenone. Il direttore artistico della costruzione e della decorazione del Partenone fu Fidia, uno dei più grandi scultori di tutti i tempi. È titolare della composizione complessiva e dello sviluppo dell'intera decorazione scultorea, parte della quale ha completato lui stesso. L'aspetto organizzativo della costruzione fu curato da Pericle, il più grande statista di Atene.
Tutta la decorazione scultorea del Partenone aveva lo scopo di glorificare la dea Atena e la sua città - Atene. Il tema del frontone orientale è la nascita dell'amata figlia di Zeus. Sul frontone occidentale, il maestro dipinse la scena della contesa tra Atena e Poseidone per il predominio sull'Attica. Secondo il mito, Atena vinse la contesa, regalando agli abitanti di questo paese un ulivo.
Gli dei della Grecia si radunarono sui frontoni del Partenone: Zeus Tonante, il potente sovrano dei mari Poseidone, la saggia guerriera Atena, la Nike alata. La decorazione scultorea del Partenone era completata da un fregio, sul quale veniva presentata una solenne processione durante la Grande festa panatenaica. Questo fregio è considerato uno degli apici dell'arte classica. Con tutta l'unità compositiva, ha colpito per la sua diversità. Delle oltre 500 figure di giovani uomini, anziani, ragazze, a piedi ea cavallo, l'una ripetuta l'altra, i movimenti di persone e animali erano veicolati con sorprendente dinamismo.
Le figure del rilievo scultoreo greco non sono piatte, hanno il volume e la forma del corpo umano. Si differenziano dalle statue solo per il fatto che non sono lavorate da tutti i lati, ma, per così dire, si fondono con lo sfondo formato dalla superficie piatta della pietra. Colori chiari ravvivavano il marmo del Partenone. Lo sfondo rosso enfatizzava il candore delle figure, le strette sporgenze verticali che separavano una lastra del fregio dall'altra spiccavano nettamente in azzurro, e la doratura brillava brillantemente. Dietro le colonne, su un nastro marmoreo che circondava tutte e quattro le facciate dell'edificio, era raffigurato un corteo festoso. Non ci sono quasi divinità qui e le persone, per sempre impresse nella pietra, si spostavano lungo i due lati lunghi dell'edificio e si univano sulla facciata orientale, dove una solenne cerimonia di consegna al sacerdote di una veste tessuta da ragazze ateniesi per la dea ha avuto luogo. Ogni figura è caratterizzata dalla sua bellezza unica, e tutte insieme riflettono fedelmente la vera vita e le usanze della città antica.

Infatti, una volta ogni cinque anni, in uno dei caldi giorni di mezza estate ad Atene, si svolgeva una festa nazionale in onore della nascita della dea Atena. Si chiamava la Grande Panatenaica. Vi hanno partecipato non solo cittadini dello stato ateniese, ma anche molti ospiti. La celebrazione consisteva in una solenne processione (pompo), la consegna di un'ecatombe (100 capi di bestiame) e un pasto comune, gare sportive, equestri e musicali. Il vincitore ha ricevuto una speciale anfora panatenaica piena d'olio e una corona di foglie dell'olivo sacro che cresce sull'Acropoli.

Il momento più solenne della festa è stata una processione nazionale all'Acropoli. Cavalieri a cavallo si muovevano, statisti, guerrieri in armatura e giovani atleti camminavano. Preti e nobili camminavano con lunghe vesti bianche, gli araldi lodavano ad alta voce la dea, i musicisti riempivano l'aria ancora fresca del mattino di suoni gioiosi. Animali sacrificali scalarono l'alta collina dell'Acropoli lungo la strada panatenaica a zigzag, calpestati da migliaia di persone. Ragazzi e ragazze portavano un modello della sacra nave panatenaica con un peplo (velo) attaccato all'albero maestro. Una leggera brezza agitava il tessuto luminoso della veste giallo porpora, portata in dono alla dea Atena dalle nobili ragazze della città. Per un anno intero l'hanno tessuta e ricamata. Altre ragazze innalzavano vasi sacri per i sacrifici in alto sopra le loro teste. A poco a poco il corteo si avvicinò al Partenone. L'ingresso al tempio non era fatto dal lato dei Propilei, ma dall'altro, come se tutti potessero prima fare il giro, esaminare e apprezzare la bellezza di tutte le parti del bellissimo edificio. A differenza delle chiese cristiane, quelle greche antiche non erano destinate al culto al loro interno, le persone rimanevano fuori dal tempio durante le attività di culto. Nelle profondità del tempio, circondata su tre lati da colonnati a due ordini, si ergeva orgogliosa la famosa statua della vergine Atena, realizzata dal famoso Fidia. I suoi vestiti, l'elmo e lo scudo erano d'oro puro e scintillante, e il suo viso e le sue mani brillavano del candore dell'avorio.

Sul Partenone sono stati scritti molti volumi di libri, tra questi ci sono monografie su ciascuna delle sue sculture e su ogni fase di graduale declino da quando, dopo il decreto di Teodosio I, divenne un tempio cristiano. Nel XV secolo i turchi ne fecero una moschea e nel XVII secolo un deposito di polvere da sparo. La guerra turco-veneziana del 1687 lo trasformò in rovine finali, quando un proiettile di artiglieria lo colpì e in un momento fece ciò che il tempo divorante non poteva fare in 2000 anni.

Ci sono molti fatti storici relativi alle statue greche (che non entreremo in questa raccolta). Tuttavia, non è necessario possedere una laurea in storia per ammirare l'incredibile maestria di queste magnifiche sculture. Veramente opere d'arte senza tempo, queste 25 statue greche più leggendarie sono capolavori di proporzioni variabili.

Atleta fanese

Conosciuto con il nome italiano L'atleta di Fano, Giovinezza vittoriosa è una scultura in bronzo greca che è stata trovata nel mare di Fano, sulla costa adriatica dell'Italia. Il Fano Athlete fu costruito tra il 300 e il 100 aC ed è attualmente nelle collezioni del J. Paul Getty Museum in California. Gli storici ritengono che la statua facesse parte un tempo di un gruppo di sculture di atleti vittoriosi ad Olimpia e Delfi. L'Italia vuole ancora restituire la scultura e contesta la sua rimozione dall'Italia.

Poseidone da Capo Artemision
Un'antica scultura greca che è stata trovata e restaurata in riva al mare a Cape Artemision. Si ritiene che l'Artemisione in bronzo rappresenti Zeus o Poseidone. C'è ancora qualche dibattito su questa scultura perché i suoi fulmini mancanti escludono la possibilità che sia Zeus, mentre il suo tridente mancante esclude anche la possibilità che sia Poseidone. La scultura è sempre stata associata agli antichi scultori Myron e Onatas.

Statua di Zeus ad Olimpia
La statua di Zeus ad Olimpia è una statua di 13 metri, con una figura gigante seduta su un trono. Questa scultura è stata creata da uno scultore greco di nome Fidia ed è attualmente nel Tempio di Zeus ad Olimpia, in Grecia. La statua è realizzata in avorio e legno e raffigura il dio greco Zeus seduto su un trono di cedro ornato di oro, ebano e altre pietre preziose.

Atena Partenone
Atena del Partenone è una gigantesca statua in oro e avorio della dea greca Atena, scoperta nel Partenone ad Atene. Realizzato in argento, avorio e oro, è stato creato dal famoso scultore greco antico Fidia ed è considerato oggi il simbolo iconico più famoso di Atene. La scultura fu distrutta da un incendio avvenuto nel 165 a.C., ma fu restaurata e collocata nel Partenone nel V secolo.

Signora di Auxerre
La Dama di Auxerre di 75 cm è una scultura cretese attualmente conservata al Louvre di Parigi. Raffigura una dea greca arcaica durante il VI secolo, Persefone. Un curatore del Louvre di nome Maxime Collignon ha trovato una mini statua nella volta del Musée Auxerre nel 1907. Gli storici ritengono che la scultura sia stata creata durante il VII secolo durante il periodo di transizione greco.

Antinoo Mondragone
La statua in marmo alta 0,95 metri raffigura il dio Antinoo tra un massiccio gruppo di statue di culto costruite per adorare Antinoo come un dio greco. Quando la scultura fu ritrovata a Frascati nel XVII secolo, fu identificata dalle sopracciglia striate, dall'espressione seria e dallo sguardo rivolto verso il basso. Questa creazione fu acquistata nel 1807 per Napoleone ed è attualmente in mostra al Louvre.

Apollo Strangford
Un'antica scultura greca in marmo, l'Apollo Strangford fu costruito tra il 500 e il 490 a.C. e fu creato in onore del dio greco Apollo. Fu scoperto sull'isola di Anafi e prese il nome dal diplomatico Percy Smith, 6° visconte Strangford e il vero proprietario della statua. L'Apollo è attualmente ospitato nella stanza 15 del British Museum.

Kroisos di Anavyssos
Scoperto in Attica, Kroisos di Anavyssos è un kouros di marmo che un tempo fungeva da statua tombale per Kroisos, un giovane e nobile guerriero greco. La statua è famosa per il suo sorriso arcaico. Alta 1,95 metri, Kroisos è una scultura autoportante costruita tra il 540 e il 515 a.C. ed è attualmente esposta al Museo Archeologico Nazionale di Atene. L'iscrizione sotto la statua recita: "fermati e piangi sulla lapide di Kroisos, ucciso dal furioso Ares quando era in prima fila".

Beaton e Cleobis
Create dallo scultore greco Polymidis, Bython e Cleobis sono una coppia di statue greche arcaiche create dagli Argivi nel 580 a.C. per adorare due fratelli legati da Solone in una leggenda chiamata Storie. La statua si trova ora nel Museo Archeologico di Delfi, in Grecia. Originariamente costruita ad Argo, nel Peloponneso, a Delfi sono state rinvenute una coppia di statue con iscrizioni sulla base che le identificano come Cleobis e Byton.

Hermes con il bambino Dioniso
Creato in onore del dio greco Hermes, Hermes Praxiteles rappresenta Hermes che trasporta un altro personaggio popolare nella mitologia greca, il neonato Dioniso. La statua è stata realizzata in marmo pario. Gli storici ritengono che sia stato costruito dagli antichi greci nel 330 a.C. Oggi è conosciuto come uno dei capolavori più originali del grande scultore greco Prassitele ed è attualmente conservato nel Museo Archeologico di Olimpia, in Grecia.

Alessandro Magno
Una statua di Alessandro Magno è stata scoperta nel Palazzo di Pella in Grecia. Rivestita in marmo e realizzata in marmo, la statua fu costruita nel 280 a.C. in onore di Alessandro Magno, un popolare eroe greco che divenne famoso in diverse parti del mondo e combatté battaglie contro gli eserciti persiani, in particolare a Granisus, Issus e Gaugamela. La statua di Alessandro Magno è ora esposta tra le collezioni d'arte greca del Museo Archeologico di Pella in Grecia.

Kora in Peplo
Restaurato dall'Acropoli di Atene, il Peplos Kore è una rappresentazione stilizzata della dea greca Atena. Gli storici ritengono che la statua sia stata creata per servire come offerta votiva in tempi antichi. Realizzata durante il periodo arcaico della storia dell'arte greca, Kore è caratterizzata dalla posa rigida e formale di Atena, dai suoi maestosi riccioli e dal sorriso arcaico. La statua originariamente appariva in una varietà di colori, ma oggi si possono vedere solo tracce dei suoi colori originali.

Efebo di Antikythera
Realizzato in bronzo pregiato, l'Efebo di Antikythera è una statua di un giovane uomo, dio o eroe che tiene un oggetto sferico nella mano destra. Essendo una creazione della scultura in bronzo del Peloponneso, questa statua è stata restaurata nell'area di un naufragio vicino all'isola di Antikythera. Si ritiene che sia una delle opere del famoso scultore Ephranor. Ephebe è attualmente in mostra al Museo Archeologico Nazionale di Atene.

Auriga delfico
Meglio conosciuto come Heniokos, l'Auriga di Delfi è una delle statue più popolari sopravvissute all'antica Grecia. Questa statua in bronzo a grandezza naturale raffigura un autista di carro che fu restaurato nel 1896 presso il Santuario di Apollo a Delfi. Qui fu originariamente eretto nel IV secolo per commemorare la vittoria della squadra dei carri negli sport antichi. Originariamente parte di un imponente gruppo scultoreo, l'Auriga di Delfi è oggi esposto al Museo Archeologico di Delfi.

Armodio e Aristogitone
Armodio e Aristogitone furono creati dopo l'instaurazione della democrazia in Grecia. Create dallo scultore greco Antenore, le statue erano realizzate in bronzo. Queste furono le prime statue in Grecia ad essere pagate con fondi pubblici. Lo scopo della creazione era quello di onorare entrambi gli uomini, che gli antichi ateniesi accettavano come simboli eccezionali della democrazia. Il luogo di installazione originale era Kerameikos nel 509 d.C., insieme ad altri eroi della Grecia.

Afrodite di Cnido
Conosciuta come una delle statue più popolari create dall'antico scultore greco Prassitele, Afrodite di Cnido fu la prima rappresentazione a grandezza naturale di un'Afrodite nuda. Prassitele costruì la statua dopo essere stato incaricato da Kos di creare una statua raffigurante la bellissima dea Afrodite. Oltre al suo status di immagine di culto, il capolavoro è diventato un punto di riferimento in Grecia. La sua copia originale non è sopravvissuta al massiccio incendio avvenuto un tempo nell'antica Grecia, ma la sua replica è attualmente esposta al British Museum.

Vittoria Alata di Samotracia
Creato nel 200 a.C. La Vittoria Alata di Samotracia raffigurante la dea greca Nike è considerata oggi il più grande capolavoro della scultura ellenistica. Attualmente è esposta al Louvre tra le statue originali più celebri al mondo. Fu creato tra il 200 e il 190 a.C., non per onorare la dea greca Nike, ma per celebrare una battaglia navale. La Vittoria Alata fu istituita dal generale macedone Demetrio, dopo la sua vittoria navale a Cipro.

Statua di Leonida I alle Termopili
La statua del re spartano Leonida I alle Termopili fu eretta nel 1955, in memoria dell'eroico re Leonida, che si distinse durante la battaglia contro i Persiani nel 480 a.C. Il cartello è stato posto sotto la statua, che recita "Vieni a prenderlo". Questo è ciò che Leonida disse quando il re Serse e il suo esercito chiesero loro di deporre le armi.

Achille ferito
Achille ferito è l'immagine dell'eroe dell'Iliade chiamato Achille. Questo antico capolavoro greco raffigura la sua agonia prima della sua morte, ferito da una freccia mortale. Realizzata in pietra di alabastro, la statua originale si trova attualmente presso la residenza Achilleion della regina Elisabetta d'Austria a Kofu, in Grecia.

Gallia morente
Conosciuta anche come la morte di Galaziano, o il gladiatore morente, la Gallia morente è un'antica scultura ellenistica creata tra il 230 a.C. e il 230 a.C. e 220 aC per Attalo I di Pergamo per celebrare la vittoria del suo gruppo sui Galli in Anatolia. Si ritiene che la statua sia stata realizzata da Epigono, scultore della dinastia degli Attalidi. La statua raffigura un guerriero celtico morente disteso sul suo scudo caduto accanto alla sua spada.

Laocoonte e i suoi figli
La statua, attualmente conservata nei Musei Vaticani a Roma, Laocoonte e i suoi figli, è anche conosciuta come Gruppo di Laocoonte ed è stata originariamente realizzata da tre grandi scultori greci dell'isola di Rodi, Agesender, Polydoro e Athenodoros. Questa statua in marmo a grandezza naturale raffigura un sacerdote troiano di nome Laocoonte, insieme ai suoi figli Timbreo e Antifante, che viene strangolato da serpenti marini.

Il Colosso di Rodi
Una statua raffigurante un Titano greco di nome Helios, il Colosso di Rodi fu eretto per la prima volta nella città di Rodi tra il 292 e il 280 a.C. Riconosciuta oggi come una delle sette meraviglie del mondo antico, la statua fu costruita per celebrare la vittoria di Rodi sul sovrano di Cipro durante il 2° secolo. Conosciuta come una delle statue più alte dell'antica Grecia, la statua originale fu distrutta dal terremoto che colpì Rodi nel 226 a.C.

Discobolo
Costruito da uno dei migliori scultori dell'antica Grecia nel V secolo, Myron, il Discus Thrower era una statua originariamente collocata all'ingresso dello Stadio Panathinaikon di Atene, in Grecia, dove si svolse il primo evento dei Giochi Olimpici. La statua originale, realizzata in pietra di alabastro, non è sopravvissuta alla distruzione della Grecia e non è mai stata restaurata.

diadume
Trovato al largo dell'isola di Tilos, il Diadumen è un'antica scultura greca creata nel V secolo. La statua originale, restaurata a Tilos, fa ora parte delle collezioni del Museo Archeologico Nazionale di Atene.

cavallo di Troia
Realizzato in marmo e rivestito con uno speciale rivestimento in bronzo, il cavallo di Troia è un'antica scultura greca costruita tra il 470 a.C. e il 460 a.C. per rappresentare il cavallo di Troia nell'Iliade di Omero. Il capolavoro originale è sopravvissuto alla devastazione dell'antica Grecia ed è attualmente nel Museo Archeologico di Olimpia, in Grecia.

Tra la varietà di capolavori del patrimonio culturale dell'antica Grecia, occupa un posto speciale. Nelle statue greche, l'ideale dell'uomo, la bellezza del corpo umano, è incarnato e glorificato con l'ausilio di mezzi pittorici. Tuttavia, non solo la grazia e la levigatezza delle linee distinguono le sculture greche antiche: l'abilità dei loro autori è così grande che anche in una pietra fredda sono riusciti a trasmettere l'intera gamma delle emozioni umane e dare alle figure un significato speciale e profondo, come se infondessero loro vita e dotassero ciascuno di quel mistero incomprensibile che ancora attrae e non lascia indifferente il contemplatore.

Come altre culture, l'antica Grecia ha attraversato vari periodi del suo sviluppo, ognuno dei quali ha introdotto alcuni cambiamenti nel processo di formazione di tutti i tipi, a cui appartiene anche la scultura. Ecco perché è possibile ripercorrere le fasi della formazione di questo tipo di arte caratterizzandone brevemente i tratti scultura greca antica Antica Grecia dentro periodi diversi suo sviluppo storico.
PERIODO ARCHAICO (VIII-VI secolo aC).

Le sculture di questo periodo sono caratterizzate da una certa primitività delle figure stesse dovuta al fatto che le immagini che vi si incarnavano erano troppo generalizzate e non differivano per varietà (le figure dei giovani erano chiamate kouros, e le ragazze erano chiamate cor). La scultura più famosa di diverse dozzine sopravvissute ai nostri tempi è la statua di Apollo dalle ombre, realizzata in marmo (Apollo stesso ci appare davanti come un giovane con le mani abbassate, le dita serrate a pugni e gli occhi sbarrati , e il suo volto riflette un tipico sorriso scultoreo arcaico di quel tempo). Le immagini di ragazze e donne si distinguevano per abiti lunghi, capelli mossi, ma soprattutto erano attratte dalla morbidezza e dall'eleganza delle linee: l'incarnazione della grazia femminile.

PERIODO CLASSICO (V-IV sec. aC).
Una delle figure di spicco tra gli scultori di questo periodo può essere chiamata Pitagora Regius (480-450). Fu lui a dare vita alle sue creazioni e renderle più realistiche, sebbene alcune sue opere fossero considerate innovative e troppo audaci (ad esempio una statua intitolata The Boy Taking Out A Splinter). Talento insolito e prontezza d'animo gli hanno permesso di studiare il significato dell'armonia con l'aiuto di metodi di calcolo algebrici, che ha svolto sulla base della scuola filosofica e matematica da lui fondata. Utilizzando tali metodi, Pitagora esplorò armonie di natura diversa: l'armonia musicale, l'armonia del corpo umano o una struttura architettonica. La scuola pitagorica esisteva sul principio del numero, che era considerato la base del mondo intero.

Oltre a Pitagora, il periodo classico diede alla cultura mondiale eminenti maestri come Mirone, Poliklet e Fidia, le cui creazioni erano accomunate da un principio: mostrare un'armoniosa combinazione di un corpo ideale e un'anima altrettanto bella racchiusa in esso. Fu questo principio a costituire la base per la creazione di sculture di quel tempo.
Il lavoro di Mirone ebbe una grande influenza sull'arte educativa del V secolo ad Atene (basti pensare al suo famoso lanciatore di dischi in bronzo).

Nelle creazioni di Polikleitos, l'abilità di cui era incarnata era la capacità di bilanciare la figura di un uomo in piedi su una gamba con il braccio alzato (un esempio è la statua di Doriforo, un giovane armato di lancia). Nelle sue opere, Policlet ha cercato di combinare dati fisici ideali con bellezza e spiritualità. Questo desiderio lo spinse a scrivere e pubblicare il suo trattato Canon, che, purtroppo, non è sopravvissuto fino ad oggi. Fidia può essere giustamente definito il grande creatore della scultura del V secolo, perché riuscì a padroneggiare perfettamente l'arte della fusione del bronzo. 13 figure scultoree fuse da Fidia adornavano il Tempio di Apollo a Delfi. Tra le sue opere c'è anche una statua di venti metri di Atena la Vergine nel Partenone, realizzata in oro zecchino e avorio (questa tecnica di statue è chiamata criso-elefantina). La vera fama arrivò a Fidia dopo aver realizzato la statua di Zeus per il tempio di Olimpia (la sua altezza era di 13 metri).

PERIODO ELLENISTICO. (IV-I secolo aC).
La scultura in questo periodo di sviluppo dell'antico stato greco aveva ancora il suo scopo principale di decorare le strutture architettoniche, sebbene riflettesse i cambiamenti avvenuti nella pubblica amministrazione. Inoltre, nella scultura, come una delle principali forme d'arte, sorsero molte scuole e tendenze.
Skopas divenne una figura di spicco tra gli scultori di questo periodo. La sua abilità era incarnata nella statua ellenistica di Nike di Samotracia, così chiamata in memoria della vittoria della flotta di Rodi nel 306 aC e montata su un piedistallo, che nel design ricordava la prua di una nave. Le immagini classiche divennero esempi delle creazioni degli scultori di quest'epoca.

Nella scultura ellenistica è ben visibile la cosiddetta gigantomania (il desiderio di incarnare l'immagine desiderata in una statua di enormi dimensioni): un vivido esempio di ciò è la statua del dio Helios realizzata in bronzo dorato, che si elevava per 32 metri a l'ingresso al porto di Rodi. Per dodici anni l'allievo di Lisippo, Chares, lavorò instancabilmente a questa scultura. Quest'opera d'arte ha giustamente preso il posto d'onore nell'elenco delle meraviglie del mondo. Dopo la presa dell'antica Grecia da parte dei conquistatori romani, molte opere d'arte (comprese collezioni multi-volume di biblioteche imperiali, capolavori di pittura e scultura) furono portate fuori dai suoi confini, inoltre, molti rappresentanti del campo della scienza e dell'istruzione furono catturati. Pertanto, elementi della cultura greca sono stati intrecciati nella cultura dell'antica Roma e hanno avuto un impatto significativo sul suo ulteriore sviluppo.

Diversi periodi dello sviluppo dell'antica Grecia, ovviamente, hanno apportato le proprie modifiche al processo di formazione di questo tipo di belle arti,