La cultura musicale del Rinascimento. Cultura musicale astratta del Rinascimento Periodizzazione ed evoluzione della musica rinascimentale
Nella cultura musicale del Rinascimento si possono distinguere diverse caratteristiche innovative determinanti.
In primo luogo, il rapido sviluppo dell'arte secolare, espresso nell'ubiquità di molti generi secolari di canto e danza. Questi sono italianifrottol ("canzoni popolari, da parole frottole - folla), villanelle ("canzoni del villaggio"),cacchia , canzone (letteralmente - canzoni) e madrigali, spagnolovillancico (da villa - villaggio), canzoni francesi chanson, tedescheMentito , Inglese ballate e altri. Tutti questi generi, glorificando la gioia di essere, interessati al mondo interiore di una persona, lottando per la verità della vita, riflettevano direttamente una visione del mondo puramente rinascimentale. Per il loro mezzi di espressione uso tipicamente esteso di intonazioni e ritmi della musica popolare.
Il culmine della linea secolare nell'arte del Rinascimento -madrigale . Il nome del genere significa "canzone nella lingua madre (cioè italiana)". Sottolinea la differenza tra il madrigale e la musica sacra eseguita in latino. Lo sviluppo del genere è passato da una semplice canzone da pastore a una voce a un brano vocale-strumentale a 5-6 voci con un testo lirico raffinato e raffinato. Tra i poeti che si sono rivolti al genere madrigale ci sono Petrarca, Boccaccio, Tasso. I compositori A. Willart, J. Arkadelt, Palestrina, O. Lasso, L. Marenzio, C. Gesualdo, C. Monteverdi furono notevoli maestri del madrigale. Originario dell'Italia, il madrigale si diffuse rapidamente in altri paesi dell'Europa occidentale.
Si chiama la versione francese della canzone polifonicacanzone . Si distingue dal madrigale per la sua maggiore vicinanza al reale, alla vita quotidiana, cioè al genere. Tra i creatori di chanson -Clemente Jeannequin , uno dei più famosi compositori francesi del Rinascimento.
In secondo luogo, la massima fioritura della polifonia corale, che divenne lo stile musicale principale dell'epoca. Maestoso e armonioso, si sposava perfettamente con la solennità della funzione religiosa. Allo stesso tempo, la polifonia polifonica era la forma di espressione dominante non solo nei generi spirituali, ma anche in quelli secolari.
Lo sviluppo della polifonia corale è stato associato principalmente al lavoro dei compositori della scuola olandese (francese-fiamminga): Guillaume Dufay, Johannes Okeghem, Jacob Obrecht, Josquin Despres, Orlando Lasso.
Orlando Lasso (circa 1532-1594) ha lavorato in molti paesi europei. Il suo talento, davvero fenomenale, ha conquistato e deliziato tutti. Nella vasta opera di Orlando Lasso sono rappresentati tutti i generi musicali del Rinascimento (con il predominio della musica profana su quella spirituale). Tra le sue opere più apprezzate c'è "Echo", scritta nel genere delle canzoni domestiche italiane. La composizione è costruita su una colorata giustapposizione di due cori, creando un effetto eco. Il testo appartiene allo stesso compositore.
Insieme a Orlando Lasso, il più grande rappresentante dell'Alto Rinascimento nella musica era l'italianoPalestina (nome completo Giovanni Pierlui gi da Palestrina, 1525-1594 circa). La maggior parte della vita di Palestrina fu trascorsa a Roma, dove fu costantemente associato al lavoro nella chiesa, in particolare diresse la cappella della Cattedrale di San Pietro. Peter. La parte principale della sua musica sono le opere sacre, principalmente messe (ce ne sono più di un centinaio, tra cui spicca soprattutto la famosa "Messa di Papa Marcello") e mottetti. Tuttavia, Palestrina compose volentieri anche musica profana: madrigali, canzonette. Composizioni di Palestrina per coro a sarreladivenne un classico esempio di polifonia rinascimentale.
Il lavoro dei compositori polifonici ha svolto un ruolo di primo piano nello sviluppo del genere principale della musica rinascimentale -masse . Originario del Medioevo, il genere della Messa inXIV- XVIPer secoli si è rapidamente trasformato, passando da campioni rappresentati da parti separate e disparate a composizioni di una forma ciclica armoniosa.
A seconda del calendario della chiesa, alcune parti sono state omesse nella musica della messa e altre parti sono state inserite. Ci sono cinque parti obbligatorie che sono costantemente presenti nel servizio della chiesa. INIO E v - « Kyrieeleison» ("Signore, abbi pietà") e« AgnusDei» (« Agnello di Dio") - è stata espressa una preghiera per il perdono e la misericordia. InII E IV - « Gloria"("Gloria") e " Santo» (« Santo") - lode e gratitudine. Nella parte centrale,Credo» (« Credo”), ha esposto i principali dogmi della fede cristiana.
In terzo luogo, il ruolo crescente della musica strumentale (con una netta predominanza dei generi vocali). Se il Medioevo europeo quasi non conosceva lo strumentalismo professionale, allora nel Rinascimento furono create molte opere per liuto (lo strumento musicale più comune dell'epoca), organo, viola, vihuela, virginale, flauti longitudinali. Seguono ancora schemi vocali, ma l'interesse per l'esecuzione strumentale è già stato determinato.
In quarto luogo, durante il Rinascimento ci fu una formazione attiva di scuole musicali nazionali (polifonisti olandesi, virginalisti inglesi, vihuelisti spagnoli e altri), il cui lavoro era basato sul folklore del loro paese.
Infine, la teoria della musica ha fatto un passo avanti, proponendo una serie di notevoli teorici. È franceseFilippo de Vitry , autore del trattato Arsnova» (« New Art”, dove viene data la fondatezza teorica del nuovo stile polifonico); ItalianoGiuseppe Carlino , uno dei creatori della scienza dell'armonia; svizzeroGlarean , il fondatore della dottrina della melodia.
Il Rinascimento, o Rinascimento, è un periodo nella storia della cultura dell'Europa occidentale e centrale, che copre approssimativamente i secoli XIV-XVI. Questo periodo ha preso il nome in connessione con il risveglio dell'interesse per arte antica, che è diventato un ideale per le figure culturali del nuovo tempo. Compositori e teorici musicali - J. Tinktoris, J. Tsarlino e altri - hanno studiato antichi trattati musicali greci; nelle opere di Josquin Despres, paragonato a Michelangelo, secondo i contemporanei, "riviveva la perfezione perduta della musica degli antichi greci": apparve tra la fine del XVI e l'inizio del XVII secolo. l'opera era guidata dalle leggi dell'antico dramma.
Lezioni di teoria musicale. Da un'incisione del XVI secolo.
J. P. Palestrina.
Lo sviluppo della cultura del Rinascimento è associato all'ascesa di tutti gli aspetti della società. Nacque una nuova visione del mondo: l'umanesimo (dal latino humanus - "umano"). L'emancipazione delle forze creative ha portato al rapido sviluppo della scienza, del commercio, dell'artigianato e nuove relazioni capitaliste hanno preso forma nell'economia. L'invenzione della stampa ha contribuito alla diffusione dell'istruzione. Le grandi scoperte geografiche e il sistema eliocentrico del mondo di N. Copernico hanno cambiato le idee sulla Terra e sull'Universo.
Ha raggiunto una prosperità senza precedenti arte, architettura, letteratura. Il nuovo atteggiamento si rifletteva nella musica e ne trasformava l'aspetto. Si allontana gradualmente dalle norme del canone medievale, lo stile è individualizzato, appare per la prima volta il concetto stesso di "compositore". La trama delle opere cambia, il numero di voci aumenta a quattro, sei o più (è noto, ad esempio, il canone a 36 voci, attribuito al più grande rappresentante della scuola olandese, J. Okegem). Le consonanze consonantiche dominano in armonia, l'uso delle dissonanze è strettamente limitato da regole speciali (vedi Consonanza e dissonanza). Si formano le scale maggiori e minori e il sistema ritmico dell'orologio, che sono caratteristici della musica successiva.
Tutti questi nuovi mezzi sono stati utilizzati dai compositori per trasmettere uno speciale sistema di sentimenti di un uomo del Rinascimento: sublime, armonioso, calmo e maestoso. La connessione tra testo e musica si fa più stretta, la musica inizia a trasmettere lo stato d'animo o, come si diceva allora, gli effetti del testo, singole parole, come "vita", "morte", "amore", ecc., sono spesso illustrate da speciali mezzi musicali.
La musica rinascimentale si sviluppò in due direzioni: ecclesiastica e secolare. I generi principali della musica sacra - messa e mottetto - sono opere polifoniche polifoniche per coro, non accompagnate o accompagnate da un ensemble strumentale (vedi Musica corale, Polifonia). Tra gli strumenti, la preferenza è stata data all'organo.
La crescita della musica amatoriale ha contribuito allo sviluppo della musica profana. La musica risuonava ovunque: per le strade, nelle case dei cittadini, nei palazzi dei nobili nobili. I primi virtuosi da concerto sono apparsi su liuto, clavicembalo, organo, viola viola, vari tipi di flauti longitudinali. Nelle canzoni polifoniche (madrigal - in Italia, chanson - in Francia), i compositori hanno parlato dell'amore, di tutto ciò che accade nella vita. Ecco i titoli di alcune delle canzoni: "Caccia al cervo", "Eco", "Battaglia di Marignano".
Nei secoli XV-XVI. aumenta l'importanza dell'arte della danza, compaiono numerosi trattati e guide pratiche sulla coreografia, raccolte di musica da ballo, che comprendono danze popolari dell'epoca - bass dance, branle, pavane, galliard.
Durante il Rinascimento si formarono le scuole nazionali di musica. La più grande di esse è la scuola polifonica olandese (francese-fiamminga). I suoi rappresentanti sono G. Dufay, K. Janequin, J. Okegem, J. Obrecht, Josquin Despres, O. Lasso. Tra le altre scuole nazionali ci sono quella italiana (J. P. Palestrina), spagnola (T. L. de Victoria), inglese (W. Byrd), tedesca (L. Senfl).
Il Rinascimento, o Rinascimento (fr. rinascimento), è un punto di svolta nella storia della cultura dei popoli europei. Le figure del Rinascimento riconoscevano una persona - il suo bene e il diritto al libero sviluppo della personalità - come il valore più alto. Tale visione del mondo era chiamata "umanesimo" Gli umanisti cercavano l'ideale di una persona armoniosa nell'antichità e l'antica arte greca e romana serviva da modello per la loro creatività artistica. Il desiderio di "far rivivere" la cultura antica ha dato il nome a un'intera epoca: il Rinascimento, il periodo tra il Medioevo e il New Age.- Musica del Rinascimento
Rinascita dell'arte e della scienza nei secoli XIV-XVI. fu un'epoca di grandi cambiamenti, che segnò il passaggio dallo stile di vita medievale al presente. Comporre ed eseguire musica durante questo periodo ha acquisito un significato speciale. Gli umanisti che hanno studiato le antiche culture della Grecia e di Roma hanno dichiarato che la scrittura della musica è un'occupazione utile e nobile. Si credeva che ogni bambino dovesse imparare a cantare e padroneggiare gli strumenti musicali. Per questo famiglie illustri accolsero nelle loro case musicisti per dare lezioni ai figli e intrattenere gli ospiti.
L'estetica musicale del Rinascimento è stata sviluppata da compositori e teorici intensamente come in altre forme d'arte. Del resto, come Giovanni Boccaccio riteneva che Dante, con la sua opera, contribuisse al ritorno delle muse e rianimasse la poesia morta, così come Giorgio Vasari parlava della rinascita delle arti, così Josephfo Zarlino scriveva nel suo trattato L'istituzione dell'Armonia (1588):
“Tuttavia, sia che la colpa sia del tempo insidioso o della negligenza umana, le persone hanno iniziato ad apprezzare poco non solo la musica, ma anche altre scienze. E sollevata alla massima altezza, cadde al massimo in basso; e, dopo che le fu dato un onore inaudito, fu considerata miserabile, insignificante e così poco onorata che persino gli scienziati la riconoscevano a malapena e non volevano darle il dovuto.
Già a cavallo tra il XIII e il XIV secolo fu pubblicato a Parigi il trattato "Musica" del maestro della musica John de Grohe, in cui rivedeva criticamente le idee medievali sulla musica. Ha scritto: “Chi è incline a raccontare favole ha detto che la musica è stata inventata dalle Muse che vivevano vicino all'acqua. Altri hanno detto che è stato inventato da santi e profeti. Ma Boezio, un uomo significativo e nobile, aderisce ad altri punti di vista ... Dice nel suo libro che Pitagora ha scoperto l'inizio della musica. La gente sembrava cantare fin dall'inizio, poiché la musica è per loro innata per natura, secondo Platone e Boezio, ma le basi del canto e della musica erano sconosciute fino ai tempi di Pitagora ... "
Tuttavia, con la divisione della musica in tre tipi di Boezio e dei suoi seguaci: world music, umana, strumentale, John de Groheo non è d'accordo, perché nessuno ha sentito l'armonia causata dal movimento dei corpi celesti, nemmeno il canto degli angeli; Infatti, «non è compito di un musicista parlare di canto angelico, a meno che non diventi solo un teologo o un profeta».
Diciamo, dunque, che la musica che circola tra i parigini può, apparentemente, essere ridotta a tre divisioni principali. Una sezione è musica semplice o civile (civilis), che chiamiamo anche folk; l'altra è musica complessa (composta - composita), o corretta (dotta - regularis), o canonica, che si chiama mensurale. E la terza sezione, che segue dalle due precedenti e in cui entrambe sono combinate in qualcosa di meglio, è la musica sacra, destinata a lodare il creatore.
John de Grohe era in anticipo sui tempi e non aveva seguaci. La musica, come la poesia e la pittura, acquisisce nuove qualità solo nel XV e soprattutto nel XVI secolo, a cui si accompagna la comparsa di sempre più trattati di musica.
Glarean (1488 - 1563), autore dell'opera musicale "The Twelve Strings" (1547), è nato in Svizzera, ha studiato all'Università di Colonia presso il dipartimento artistico. Il Master of Liberal Arts è impegnato nell'insegnamento di poesia, musica, matematica, greco e latino a Basilea, che parla degli interessi vitali dell'epoca. Qui stringe amicizia con Erasmo da Rotterdam.
Glarean si avvicina alla musica, in particolare alla musica sacra, come artisti che hanno continuato a dipingere dipinti e affreschi nelle chiese, cioè la musica, come la pittura, dovrebbe, al di fuori della didattica e della riflessione religiosa, dare piacere prima di tutto, essere “la madre del piacere ”.
Glarean sostanzia i vantaggi della musica monodica rispetto alla polifonia, mentre parla di due tipi di musicisti: phonas e sinfonisti: i primi hanno una naturale tendenza a comporre una melodia, i secondi a sviluppare una melodia a due, tre o più voci.
Glarean, oltre a sviluppare la teoria della musica, considera anche la storia della musica, il suo sviluppo, come risulta, nell'ambito del Rinascimento, ignorando completamente la musica del Medioevo. Sostiene l'idea dell'unità di musica e poesia, esecuzione strumentale e testo. Nello sviluppo della teoria musicale, Glarean ha legalizzato, con l'uso di dodici toni, i modi eoliani e ionici, sostanziando così teoricamente i concetti di maggiore e minore.
Glarean non si limita allo sviluppo della teoria musicale, ma considera il lavoro dei compositori contemporanei Josquin Despres, Obrecht, Pierre de la Rue. Parla di Josquin Depres con amore ed entusiasmo, come Vasari di Michelangelo.
Giuseppefo Carlino (1517 - 1590), di cui conosciamo già l'affermazione, entrò per 20 anni nell'ordine francescano a Venezia con i suoi concerti musicali e il fiorire della pittura, che risvegliò la sua vocazione di musicista, compositore e teorico musicale. Nel 1565 diresse la cappella di S. Segno. Si ritiene che nella composizione "Stabilimento dell'armonia" Tsarlino abbia espresso in forma classica i principi fondamentali dell'estetica musicale del Rinascimento.
Carlino, che ha parlato del declino della musica, ovviamente, nel Medioevo, attinge all'estetica antica per sviluppare la sua dottrina della natura dell'armonia musicale. “Quanto la musica fosse glorificata e considerata sacra, lo testimoniano chiaramente gli scritti dei filosofi e specialmente dei Pitagorici, poiché credevano che il mondo fosse creato secondo leggi musicali, che il movimento delle sfere fosse la causa dell'armonia, e che la nostra anima è costruito secondo le stesse leggi, si risveglia da canti e suoni, e sembrano avere un effetto vivificante sulle sue proprietà.
Zarlino è propenso a considerare la musica la principale tra le arti liberali, così come Leonardo da Vinci lodava la pittura. Ma questa passione per certi tipi di arte non deve confonderci, perché stiamo parlando di armonia come categoria estetica complessiva.
“E se l'anima del mondo (come alcuni pensano) è armonia, non può la nostra anima essere causa di ogni armonia in noi e il nostro corpo non essere unito all'anima in armonia, soprattutto quando Dio creò l'uomo a somiglianza di un mondo più grande, chiamato dai greci il cosmo, cioè decorazione o abbellimento, e quando creò una parvenza di un volume minore, in contrasto con quello chiamato mikrokosmos, cioè un piccolo mondo? È chiaro che tale ipotesi non è priva di fondamento.
In Zarlino la teologia cristiana si trasforma in estetica antica. L'idea dell'unità del micro e macrocosmo fa nascere in lui un'altra idea: sulla proporzionalità dell'armonia oggettiva del mondo e dell'armonia soggettiva insita nell'anima umana. Evidenziando la musica come la principale delle arti libere, Zarlino parla dell'unità di musica e poesia, dell'unità di musica e testo, melodia e parola. A questo si aggiunge la "storia", che anticipa o giustifica la nascita dell'opera lirica. E se la danza, come accade a Parigi, assisteremo alla nascita del balletto.
Si ritiene che sia stato Tsarlino a dare la caratterizzazione estetica di maggiore e minore, definendo la triade maggiore gioiosa e luminosa, e la triade minore triste e malinconica. Definisce anche il contrappunto come "un insieme armonico contenente vari cambiamenti nei suoni o nelle voci cantanti in un certo schema di correlazione e con una certa misura di tempo, o che questa è una combinazione artificiale di vari suoni, portata a consistenza".
Josephfo Carlino, come Tiziano, con il quale fu associato, ottenne ampia fama, fu eletto membro dell'Accademia della Gloria di Venezia. L'estetica chiarisce lo stato delle cose nella musica durante il Rinascimento. Il fondatore della scuola musicale veneziana fu Adrian Willaert (tra il 1480/90 e il 1568), olandese di nascita. Tsarlino ha studiato musica con lui. La musica veneziana, come la pittura, si distingueva per lo splendore della sua tavolozza sonora, che presto acquisì tratti barocchi.
Oltre alla scuola veneziana, le più grandi e influenti furono quella romana e quella fiorentina. Il capostipite della scuola romana fu Giovanni Palestrina (1525 - 1594).
La comunità di poeti, umanisti, musicisti e melomani fiorentini si chiama Camerata. Fu guidata da Vincenzo Galilei (1533 - 1591). Pensando all'unità della musica e della poesia, e allo stesso tempo con il teatro, con l'azione sul palcoscenico, i membri della Camerata hanno creato un nuovo genere: l'opera.
Le prime opere sono "Dafne" di J. Peri (1597) ed "Euridice" su testi di Rinuccini (1600). Qui si è passati da uno stile polifonico a uno omofonico. Fu qui che furono eseguiti per la prima volta l'oratorio e la cantata.
La musica dei Paesi Bassi nei secoli XV-XVI è ricca di nomi di grandi compositori, tra cui Josquin Despres (1440-1524), di cui scrisse Zarlino e che prestò servizio alla corte francese, dove si sviluppò la scuola franco-fiamminga. Si ritiene che il risultato più alto dei musicisti olandesi sia stata la messa corale a cappella, corrispondente all'aspirazione verso l'alto delle cattedrali gotiche.
In Germania, l'arte dell'organo si sta sviluppando. In Francia furono create cappelle a corte e si tenevano festival musicali. Nel 1581 Enrico III approvò la carica di "capo intendente della musica" a corte. Il primo "direttore principale della musica" è stato il violinista italiano Baltazarini de Belgioso, che ha messo in scena il "balletto comico della regina", uno spettacolo in cui per la prima volta la musica e la danza sono date come azione scenica. È così che è nato il balletto di corte.
Clement Janequin (c. 1475 - c. 1560), eccezionale compositore del Rinascimento francese, è uno dei fondatori del genere della canzone polifonica. Queste sono opere a 4-5 voci, come canzoni fantasy. La canzone polifonica secolare - chanson - si è diffusa al di fuori della Francia.
Durante il Rinascimento, la musica strumentale fu ampiamente sviluppata. Tra i principali strumenti musicali chiamano liuto, arpa, flauto, oboe, tromba, organi di vario tipo (positivi, portatili), varietà di clavicembalo; il violino era uno strumento popolare, ma con lo sviluppo di nuovi strumenti ad arco a corda come la viola, è il violino che diventa uno dei principali strumenti musicali.
Se la mentalità nuova era prima si risveglia nella poesia, riceve un brillante sviluppo nell'architettura e nella pittura, poi la musica, a partire da un canto popolare, permea tutte le sfere della vita. Anche la musica sacra è ora percepita in misura maggiore, come dipinti di artisti su temi biblici, non come qualcosa di sacro, ma qualcosa che dà gioia e piacere, di cui si sono presi cura gli stessi compositori, musicisti e cori.
In una parola, come nella poesia, nella pittura, nell'architettura, c'è stata una svolta nello sviluppo della musica, con lo sviluppo dell'estetica e della teoria musicale, con la creazione di nuovi generi, soprattutto forme sintetiche d'arte, come l'opera e il balletto, che dovrebbe essere percepito come Rinascimento, ha trasmesso secoli. La musica rinascimentale suona nell'architettura come un'armonia di parti e di tutto, inscritta nella natura, e negli interni dei palazzi, e nei dipinti in cui vediamo sempre uno spettacolo, un episodio interrotto, quando le voci tacciono, e i personaggi tutti ascolta la melodia che è risuonata, che noi come se sentissimo..
- Strumenti musicali
Per molto tempo il suono della viola è stato considerato un modello di raffinatezza musicale. Ci sono tre tipi principali nella famiglia viola. La viola da gamba è un grande strumento che l'esecutore ha posizionato verticalmente e pizzicato dai lati con i piedi (la parola italiana gamba significa "ginocchio"). Altre due varietà - viola da braccio (da esso. braccio - "avambraccio") e viol d "amour (fr. viole d" amour - "viola d'amore") erano orientate orizzontalmente e quando suonate venivano premute contro la spalla. La viola da gamba è vicina al violoncello in termini di gamma sonora, la viola da braccio è vicina al violino e la viol d'amour è vicina alla viola.
Tra gli strumenti a pizzico del Rinascimento, il liuto (polacco lutnia, dall'arabo "alud" - "albero") occupa il posto principale. Arrivò in Europa dal Medio Oriente alla fine del XIV secolo e all'inizio del XVI secolo esisteva un vasto repertorio per questo strumento; Prima di tutto, le canzoni venivano cantate con l'accompagnamento del liuto. Il liuto ha un corpo corto; parte in alto piatto, e quello inferiore ricorda un emisfero. Un manico è attaccato al collo largo, diviso da tasti, e la testa dello strumento è piegata all'indietro quasi ad angolo retto. Se lo desideri, puoi vedere la somiglianza con una ciotola a forma di liuto. Dodici corde sono raggruppate a coppie e il suono viene estratto sia con le dita che con un piatto speciale: un plettro.
Sorsero nei secoli XV e XVI diversi tipi tastiere. I principali tipi di tali strumenti - clavicembalo, clavicordo, cembalo, virginale - furono utilizzati attivamente nella musica del Rinascimento, ma il loro vero periodo di massimo splendore arrivò in seguito.
- Strumenti popolari
A quel tempo, a molte persone piaceva suonare il flauto dolce, i flauti e i corni. La musica più complessa è stata scritta per il clavicembalo di nuova creazione, il virginale (clavicembalo inglese, caratterizzato da piccole dimensioni) e l'organo. Allo stesso tempo, i musicisti non hanno dimenticato di comporre musica più semplice, che non richiedeva elevate capacità di esecuzione. Allo stesso tempo, ci furono cambiamenti nella scrittura musicale: i pesanti blocchi di stampa in legno furono sostituiti da lettere metalliche mobili inventate dall'italiano Ottaviano Petrucci. Le opere musicali pubblicate andarono rapidamente esaurite, sempre più persone iniziarono a unirsi alla musica.
Nel XVI sec. apparvero nuovi strumenti musicali. I più apprezzati erano quelli di loro, il gioco su cui veniva dato agli amanti della musica in modo facile e semplice, senza richiedere abilità speciali.
Le viole e le relative viole pizzicate divennero le più comuni. Il viola è stato il precursore del violino ed era facile da suonare grazie ai tasti (strisce di legno sulla tastiera) che ti aiutavano a colpire le note giuste. Il suono della viola era basso, ma suonava bene nelle piccole sale. Con l'accompagnamento di un altro strumento a corde pizzicate - il liuto - cantavano, come adesso con una chitarra.
A quel tempo, a molte persone piaceva suonare il flauto dolce, i flauti e i corni. La musica più complessa è stata scritta per il clavicembalo di nuova creazione, il virginale (clavicembalo inglese, caratterizzato da piccole dimensioni) e l'organo. Allo stesso tempo, i musicisti non hanno dimenticato di comporre musica più semplice, che non richiedeva elevate capacità di esecuzione. Allo stesso tempo, ci furono cambiamenti nella scrittura musicale: i pesanti blocchi di stampa in legno furono sostituiti da lettere metalliche mobili inventate dall'italiano Ottaviano Petrucci. Le opere musicali pubblicate andarono rapidamente esaurite, sempre più persone iniziarono a unirsi alla musica.
- Breve descrizione dell'era per paese
I Paesi Bassi sono una regione storica nel nord-ovest dell'Europa, che comprende i territori del moderno Belgio, Olanda, Lussemburgo e Francia nord-orientale. Entro il XV secolo I Paesi Bassi raggiunsero un alto livello economico e culturale e si trasformarono in un prospero paese europeo.
Fu qui che si formò la scuola polifonica olandese, uno dei più grandi fenomeni della musica rinascimentale. Per lo sviluppo dell'arte del XV secolo importanza c'era una comunicazione di musicisti di diversi paesi, l'influenza reciproca delle scuole creative. La scuola olandese ha assorbito le tradizioni dell'Italia, della Francia, dell'Inghilterra e degli stessi Paesi Bassi.
I suoi rappresentanti di spicco: Guillaume Dufay (1400-1474) (Dufay) (circa 1400 - 27/11/1474, Cambrai), compositore franco-fiammingo, uno dei fondatori della scuola olandese. Le basi della tradizione polifonica nella musica olandese furono poste da Guillaume Dufay (circa 1400-1474). È nato nella città di Cambrai nelle Fiandre (una provincia nel sud dei Paesi Bassi) e fin dalla tenera età ha cantato nel coro della chiesa. Parallelamente, il futuro musicista ha preso lezioni private di composizione. In gioventù, Dufay andò in Italia, dove scrisse le sue prime composizioni: ballate e mottetti. Nel 1428-1437. prestò servizio come cantore nella cappella papale a Roma; durante questi anni ha viaggiato in Italia e in Francia. Nel 1437 il compositore prese gli ordini sacri. Alla corte del duca di Savoia (1437-1439), compose musiche per cerimonie solenni e feste. Dufay era molto rispettato dai nobili: tra i suoi ammiratori c'erano, ad esempio, la coppia Medici (sovrani della città italiana di Firenze). [Lavorò in Italia e Francia. Nel 1428-37 fu cantore di cappelle papali a Roma e in altre città italiane, nel 1437-44 prestò servizio presso il duca di Savoia. Dal 1445 canonico e responsabile delle attività musicali della cattedrale di Cambrai. Maestro dei generi spirituali (messe a 3, 4 voci, mottetti) e profani (chanson francesi a 3, 4 voci, canzoni italiane, ballate, rondò) associati alla polifonia popolare e alla cultura umanistica del Rinascimento. L'arte di D., che ha assorbito le conquiste dell'arte musicale europea, ha avuto una grande influenza sull'ulteriore sviluppo della musica polifonica europea. Fu anche un riformatore della scrittura musicale (a D. va attribuita l'introduzione delle note con la testina bianca). Le opere complete di D. pubblicate a Roma (6 voll., 1951-66).] Dufay fu il primo tra i compositori a cominciare a comporre la Messa come composizione musicale integrale. Per creare musica sacra è richiesto un talento straordinario: la capacità di esprimere concetti astratti, intangibili, con mezzi concreti, materiali. La difficoltà sta nel fatto che una composizione del genere, da un lato, non lascia indifferente l'ascoltatore e, dall'altro, non distrae dall'adorazione, aiuta a concentrarsi più profondamente sulla preghiera. Molte delle messe di Dufay sono ispirate, piene di vita interiore; sembrano aiutare a sollevare per un momento il velo della rivelazione divina.
Spesso, durante la creazione di una messa, Dufay prendeva una nota melodia, alla quale aggiungeva la sua. Tali prestiti sono caratteristici del Rinascimento. Era considerato molto importante che la messa fosse basata su una melodia familiare che i fedeli potessero facilmente riconoscere anche in un brano polifonico. Spesso veniva usato un frammento di canto gregoriano; le opere secolari non erano escluse.
Oltre alla musica sacra, Dufay compose mottetti su testi profani. In essi ha utilizzato anche una complessa tecnica polifonica.
Josquin Despres (1440-1521). Rappresentante della scuola polifonica olandese della seconda metà del XV secolo. era Josquin Despres (circa 1440-1521 o 1524), che ebbe una grande influenza sul lavoro dei compositori della generazione successiva. In gioventù ha servito come chierichetto della chiesa a Cambrai; ha preso lezioni di musica da Okegyom. All'età di vent'anni, il giovane musicista venne in Italia, cantò a Milano con i Duchi Sforza (in seguito prestò servizio qui il grande artista italiano Leonardo da Vinci) e nella cappella papale a Roma. In Italia, Despres iniziò probabilmente a comporre musica. All'inizio del XVI secolo. si è trasferito a Parigi. A quel tempo, Despres era già noto e fu invitato al posto di musicista di corte dal re francese Luigi XII. Dal 1503 Despres si stabilì nuovamente in Italia, nella città di Ferrara, alla corte del Duca d'Este. Despres compose molto e la sua musica ottenne rapidamente riconoscimenti nei circoli più ampi: era amata sia dalla nobiltà che dal gente comune Il compositore ha creato non solo opere di chiesa, ma anche secolari, in particolare si è rivolto al genere della canzone popolare italiana - frottola (it. frottola, da frotta - "folla"), che è caratterizzata da un ritmo di danza e ritmo veloce Nella musica sacra, Despres ha portato le caratteristiche delle opere secolari: l'intonazione fresca "e vivace ha violato il rigoroso distacco ed ha evocato un sentimento di gioia e pienezza dell'essere. Tuttavia, il senso delle proporzioni non ha mai tradito il compositore. La tecnica polifonica di Despres non si distingue per la raffinatezza, le sue opere sono elegantemente semplici, ma in esse si sente il potente intelletto dell'autore, questo è il segreto della popolarità delle sue creazioni.
Johannes Okegem (1430-1495), Giacobbe Obrecht (1450-1505). I contemporanei più giovani di Guillaume Dufay erano Johannes (Jean) Okeghem (circa 1425-1497) e Jacob Obrecht. Come Dufay, Okegem era delle Fiandre. Per tutta la vita ha lavorato sodo; oltre a comporre musica, ha agito come capo della cappella. Il compositore ha creato quindici messe, tredici mottetti, più di venti chanson. Le opere di Okegyom sono caratterizzate da rigore, concentrazione e un lungo dispiegarsi di morbide linee melodiche. Ha prestato grande attenzione alla tecnica polifonica e si è adoperato affinché tutte le parti della messa fossero percepite nel loro insieme. Lo stile creativo del compositore si può vedere anche nelle sue canzoni: sono quasi prive di leggerezza secolare, il loro carattere ricorda più i mottetti e talvolta frammenti di messe. Johannes Okegem era rispettato sia in patria che all'estero (fu nominato consigliere del re di Francia). Jakob Obrecht è stato corista nelle cattedrali di varie città dei Paesi Bassi, ha guidato le cappelle; per diversi anni ha prestato servizio alla corte del duca d'Este a Ferrara (Italia). È autore di venticinque messe, venti mottetti, trenta chansons. Utilizzando i risultati dei suoi predecessori, Obrecht ha portato molte cose nuove a la tradizione polifonica La sua musica è piena di contrasti, audace, anche quando il compositore si rivolge a generi tradizionali della chiesa.
La versatilità e la profondità della creatività Orlando Lasso. La storia della musica rinascimentale olandese è completata dall'opera di Orlando Lasso (vero nome e cognome Roland de Lasso, circa 1532-1594), chiamato dai suoi contemporanei l'"Orfeo belga" e il "Principe della musica". Lasso è nato a Mons (Fiandre). Fin dall'infanzia ha cantato nel coro della chiesa, colpendo i parrocchiani con una voce meravigliosa. Gonzaga, duca della città italiana di Mantova, udì per caso un giovane cantante, lo invitò nella sua cappella. Dopo Mantova, Lasso lavorò per un breve periodo a Napoli, per poi trasferirsi a Roma, dove ricevette l'incarico di capo della cappella di una delle cattedrali. All'età di venticinque anni, Lasso era già noto come compositore e le sue composizioni erano richieste dagli editori musicali. Nel 1555 fu pubblicata la prima raccolta di opere, contenente mottetti, madrigali e chanson. Lasso ha studiato tutto il meglio che è stato creato dai suoi predecessori (compositori olandesi, francesi, tedeschi e italiani) e ha utilizzato la loro esperienza nel suo lavoro. Essendo una personalità straordinaria, Lasso ha cercato di superare la natura astratta della musica sacra, per darle individualità. A tal fine, il compositore utilizzava talvolta generi e motivi quotidiani (temi di canti popolari, danze), riunendo così tradizioni religiose e secolari. Lasso ha combinato la complessità della tecnica polifonica con una grande emotività. Ebbe particolare successo nei madrigali, nei cui testi si rivelava lo stato d'animo dei personaggi, ad esempio, Lacrime di San Pietro "(1593) ai versi del poeta italiano Luigi Tranzillo. Il compositore scriveva spesso per un gran numero di voci (da cinque a sette), quindi le sue opere sono difficili da eseguire.
Dal 1556 Orlando Lasso visse a Monaco (Germania), dove diresse la cappella. Alla fine della sua vita, la sua autorità nei circoli musicali e artistici era molto alta e la sua fama si diffuse in tutta Europa. La scuola polifonica olandese ha avuto una grande influenza sullo sviluppo della cultura musicale europea. I principi della polifonia sviluppati dai compositori olandesi sono diventati universali e i compositori del XX secolo hanno utilizzato molte tecniche artistiche nel loro lavoro.
Francia.
Per la Francia, i secoli XV-XVI divennero un'era di importanti cambiamenti: la Guerra dei Cent'anni (1337-1453) con l'Inghilterra terminò, alla fine del XV secolo. l'unificazione dello stato fu completata; nel XVI secolo il paese conobbe guerre di religione tra cattolici e protestanti. In uno stato forte con una monarchia assoluta, aumentò il ruolo delle celebrazioni di corte e delle feste popolari. Ciò ha contribuito allo sviluppo dell'arte, in particolare della musica, che ha accompagnato tali azioni. Cresce il numero degli ensemble vocali e strumentali (cappelle e consorti), che consistono in un numero significativo di esecutori. Durante le campagne militari in Italia, i francesi hanno conosciuto le conquiste della cultura italiana. Sentivano e accettavano profondamente le idee del Rinascimento italiano: l'umanesimo, il desiderio di armonia con il mondo esterno, il godimento della vita.
Se in Italia il Rinascimento musicale era associato principalmente alla messa, allora i compositori francesi, insieme alla musica sacra, prestavano particolare attenzione al canto polifonico secolare - chanson. L'interesse per esso in Francia sorse nella prima metà del XVI secolo, quando fu pubblicata una raccolta di opere musicali di Clement Janequin (circa 1485-1558). È questo compositore che è considerato uno dei creatori del genere.
Principali programmi corali di Clement Janequin (1475-1560). Da bambino, Janequin cantava in un coro della chiesa nella sua città natale di Châtellerault (Francia centrale). In futuro, come suggeriscono gli storici della musica, ha studiato con il maestro olandese Josquin Despres o con un compositore del suo entourage. Dopo aver ricevuto il sacerdozio, Janequin ha lavorato come reggente (direttore del coro) e organista; poi fu invitato a servire dal duca di Guisa. Nel 1555 il musicista divenne cantante della Cappella Reale e nel 1556-1557. - compositore di corte reale. Clement Janequin creò duecentottanta chanson (pubblicate tra il 1530 e il 1572); ha scritto musica sacra: messe, mottetti, salmi. Le sue canzoni erano spesso di natura pittorica. Davanti all'occhio della mente dell'ascoltatore ci sono le immagini della battaglia ("Battaglia di Marignano", "Battaglia di Rent", "Battaglia di Metz"), scene di caccia ("Caccia"), immagini della natura ("Canto degli uccelli", "Usignolo ", "Lark" ), scene quotidiane ("Chiacchiere di donne"). Sorprendentemente brillante, il compositore è riuscito a trasmettere l'atmosfera della vita quotidiana a Parigi nella chanson "Cries of Paris": ha introdotto nel testo le esclamazioni dei venditori ("Latte!" - "Torte!" - "Carciofi!" - " Pesce!" - "Fiammiferi!" - "Colombe!" - "Vecchie scarpe!" - "Vino!"). Janequin quasi non usava temi lunghi e fluidi per singole voci e dispositivi polifonici complessi, preferendo appelli, ripetizioni e onomatopee.
Un'altra direzione della musica francese è associata al movimento paneuropeo della Riforma.
Nelle funzioni religiose, i protestanti francesi (ugonotti) abbandonarono il latino e la polifonia. La musica sacra ha acquisito un carattere più aperto e democratico. Uno dei più brillanti rappresentanti di questa tradizione musicale fu Claude Goudimel (tra il 1514 e il 1520-1572), autore di salmi basati su testi biblici e canti protestanti.
Canson. Uno dei principali generi musicali del Rinascimento francese è chanson (fr. chanson - "canzone"). Le sue origini sono nell'arte popolare (i versi in rima dei racconti epici venivano messi in musica), nell'arte dei trovatori e trovatori medievali. In termini di contenuto e umore, la chanson poteva essere molto varia: c'erano canzoni d'amore, quotidiane, giocose, satiriche, ecc. I compositori hanno preso poesie popolari e poesie moderne come testi.
Italia.
Con l'inizio del Rinascimento in Italia si diffuse la musica quotidiana suonata su vari strumenti; sorsero circoli di amanti della musica. In campo professionale si formarono due delle scuole più forti: la romana e la veneziana.
Madrigale. Durante il Rinascimento, il ruolo dei generi secolari aumentò. Nel XIV sec. il madrigale è apparso nella musica italiana (dal tardo latino matricale - "una canzone nella lingua madre"). È stato formato sulla base di canzoni popolari (di pastore). I madrigali erano canti a due o tre voci, spesso senza accompagnamento strumentale. Sono stati scritti sui versi dei moderni poeti italiani, che raccontavano l'amore; c'erano canzoni su argomenti quotidiani e mitologici.
Durante il XV secolo, i compositori quasi non si sono rivolti a questo genere; l'interesse per esso fu ripreso solo nel XVI secolo. Un tratto caratteristico del madrigale del XVI secolo è lo stretto legame tra musica e poesia. La musica ha seguito in modo flessibile il testo, riflettendo gli eventi descritti nella fonte poetica. Nel tempo si sono sviluppati peculiari simboli melodici che denotano teneri sospiri, lacrime, ecc. Nelle opere di alcuni compositori il simbolismo era filosofico, ad esempio nel madrigale di Gesualdo di Venosa "Sto morendo, sfortunato" (1611).
Il periodo di massimo splendore del genere cade a cavallo tra il XVI e il XVII secolo. A volte, contemporaneamente all'esecuzione della canzone, veniva riprodotta la sua trama. Il madrigale divenne la base della commedia madrigale (una composizione corale basata sul testo di una commedia), che preparò l'apparizione dell'opera.
Scuola polifonica romana. Giovanni da Palestrina (1525-1594). Il capostipite della scuola romana fu Giovanni Pierluigi da Palestrina, uno dei più grandi compositori del Rinascimento. È nato nella città italiana di Palestrina, dopo di che ha ricevuto il suo cognome. Fin dall'infanzia Palestrina ha cantato nel coro della chiesa e, raggiunta l'età adulta, è stato invitato al posto di maestro di banda (capo del coro) nella Basilica di San Pietro a Roma; in seguito prestò servizio nella Cappella Sistina (la cappella di corte del Papa).
Roma, il centro del cattolicesimo, ha attratto molti importanti musicisti. IN tempo diverso Qui hanno lavorato i maestri polifonici olandesi Guillaume Dufay e Josquin Despres. La loro tecnica compositiva sviluppata a volte interferiva con la percezione del testo del servizio: si perdeva dietro lo squisito plesso di voci e le parole, infatti, non erano udibili. Pertanto, le autorità ecclesiastiche erano diffidenti nei confronti di tali opere e sostenevano il ritorno della monofonia basata sui canti gregoriani. La questione dell'ammissibilità della polifonia nella musica sacra fu discussa anche al Concilio di Trento della Chiesa Cattolica (1545-1563). Vicino al Papa, Palestrina convinse i vertici della Chiesa della possibilità di creare opere in cui la tecnica del compositore non interferisse con la comprensione del testo. A riprova, compose la "Messa di Papa Marcello" (1555), che combina una complessa polifonia con un suono chiaro ed espressivo di ogni parola. Pertanto, il musicista ha "salvato" la musica polifonica professionale dalla persecuzione delle autorità ecclesiastiche. Nel 1577 il compositore fu invitato a discutere la riforma del graduale, una raccolta di inni sacri della Chiesa cattolica. Negli anni '80. Palestrina prese gli ordini sacri e nel 1584 divenne membro della Società dei Maestri di Musica, un'associazione di musicisti direttamente subordinata al Papa.
Il lavoro di Palestrina è intriso di una brillante visione del mondo. Le opere da lui create impressionarono i suoi contemporanei sia per la massima abilità che per quantità (più di cento messe, trecento mottetti, cento madrigali). La complessità della musica non è mai stata una barriera alla sua percezione. Il compositore ha saputo trovare il giusto mezzo tra la raffinatezza delle composizioni e la loro accessibilità all'ascoltatore. Palestrina ha visto il principale compito creativo nello sviluppo di un integrale ottimo lavoro. Ogni voce nei suoi canti si sviluppa indipendentemente, ma allo stesso tempo forma un tutt'uno con il resto, e spesso le voci formano combinazioni di accordi che colpiscono per la loro bellezza. Spesso la melodia della voce superiore sembra librarsi sopra il resto, delineando la "cupola" della polifonia; tutte le voci sono fluide e sviluppate.
L'arte di Giovanni da Palestrina era considerata esemplare e classica dai musicisti della generazione successiva. Molti eccezionali compositori del XVIII e XVIII secolo studiarono sulle sue composizioni.
Un'altra direzione della musica rinascimentale è associata al lavoro dei compositori della scuola veneziana, il cui fondatore fu Adrian Villaart (circa 1485-1562). Suoi allievi furono l'organista e compositore Andrea Gabrieli (tra il 1500 e il 1520 - dopo il 1586), il compositore Cipriano de Pope (1515 o 1516-1565) e altri musicisti. Se le opere di Palestrina sono caratterizzate da chiarezza e rigore rigoroso, allora Willart ei suoi seguaci svilupparono un magnifico stile corale. Per ottenere un suono surround, un gioco di timbri, hanno utilizzato diversi cori nelle composizioni, situati in diversi punti del tempio. L'uso degli appelli tra i cori ha permesso di riempire lo spazio della chiesa con effetti inediti. Questo approccio rifletteva gli ideali umanistici dell'epoca nel suo insieme - con la sua allegria, libertà e la stessa tradizione artistica veneziana - con il suo desiderio di tutto ciò che è luminoso e insolito. Nell'opera dei maestri veneziani anche il linguaggio musicale si è fatto più complesso: si è riempito di audaci accostamenti di accordi, armonie inaspettate.
Una figura eclatante del Rinascimento fu Carlo Gesualdo di Venosa (circa 1560-1613), principe della città di Venosa, uno dei più grandi maestri del madrigale laico. Ha guadagnato fama come filantropo, suonatore di liuto e compositore. Il principe Gesualdo era amico del poeta italiano Torquato Tasso; sono rimaste le lettere più interessanti in cui entrambi gli artisti discutono questioni di letteratura, musica e belle arti. Gesualdo di Venosa ha messo in musica molte delle poesie del Tasso: è così che sono apparsi numerosi madrigali altamente artistici. Come rappresentante del tardo Rinascimento, il compositore sviluppò un nuovo tipo di madrigale, in cui i sentimenti erano in primo luogo: burrascosi e imprevedibili. Pertanto, le sue opere sono caratterizzate da fluttuazioni di volume, intonazioni simili a sospiri e persino singhiozzi, accordi dal suono acuto e contrastanti cambiamenti di tempo. Queste tecniche davano alla musica di Gesualdo un carattere espressivo, un po' bizzarro, che colpiva e allo stesso tempo attraeva i contemporanei. Il patrimonio di Gesualdo di Venosa è costituito da sette raccolte di madrigali polifonici; tra le composizioni spirituali - "Inni sacri". Ancora oggi la sua musica non lascia indifferente l'ascoltatore.
Sviluppo di generi e forme di musica strumentale. La musica strumentale è anche contrassegnata dall'emergere di nuovi generi, in particolare il concerto strumentale. Violino, clavicembalo, organo si sono gradualmente trasformati in strumenti solisti. La musica scritta per loro ha permesso di mostrare talento non solo per il compositore, ma anche per l'esecutore. Prima di tutto veniva valorizzato il virtuosismo (la capacità di far fronte alle difficoltà tecniche), che gradualmente divenne fine a se stesso e valore artistico per molti musicisti. I compositori dei secoli XVII-XVIII di solito non solo componevano musica, ma anche virtuosi suonavano gli strumenti e si dedicavano ad attività pedagogiche. Il benessere dell'artista dipendeva in gran parte dal cliente specifico. Di norma, ogni musicista serio cercava di ottenere un posto alla corte di un monarca o di un ricco aristocratico (molti membri della nobiltà avevano le proprie orchestre o teatri d'opera) o in un tempio. Inoltre, la maggior parte dei compositori combinava facilmente la produzione di musica sacra con il servizio di un mecenate secolare.
Inghilterra.
La vita culturale dell'Inghilterra durante il Rinascimento era strettamente connessa con la Riforma. Nel XVI secolo il protestantesimo si diffuse in tutto il paese. La Chiesa cattolica perse la sua posizione dominante, la Chiesa anglicana divenne lo Stato, che rifiutò di riconoscere alcuni dogmi (disposizioni fondamentali) del cattolicesimo; la maggior parte dei monasteri cessò di esistere. Questi eventi hanno avuto un impatto sulla cultura inglese, inclusa la musica. Furono aperti dipartimenti di musica nelle università di Oxford e Cambridge. Nei salotti della nobiltà suonavano strumenti a tastiera: virginale (un tipo di clavicembalo), un organo portatile (piccolo), ecc. Le piccole composizioni destinate alla riproduzione di musica domestica erano popolari. Il rappresentante più importante della cultura musicale di quel tempo era William Byrd (1543 o 1544-1623) - editore musicale, organista e compositore. Bird divenne l'antenato del madrigale inglese. Le sue opere si distinguono per la loro semplicità (evitava complessi dispositivi polifonici), l'originalità della forma che segue il testo e la libertà armonica. Tutti i mezzi musicali sono chiamati ad affermare la bellezza e la gioia della vita, in contrasto con il rigore e la moderazione medievali. Nel genere madrigale, il compositore aveva molti seguaci.
Bird ha anche creato opere spirituali (messe, salmi) e musica strumentale. Nelle composizioni per il virginale, ha usato i motivi di canti e balli popolari.
Il compositore voleva davvero che la musica che scriveva "portasse felicemente almeno un po 'di tenerezza, relax e divertimento", ha scritto William Byrd nella prefazione a una delle sue raccolte musicali.
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La fase successiva nello sviluppo della tradizione musicale europea è il Rinascimento, o Rinascimento, che durò 14-16 secoli. Questo è un periodo significativo per lo sviluppo della cultura europea nel suo insieme. La musica durante il Rinascimento divenne una forma d'arte a tutti gli effetti, con le proprie tendenze, leggi di sviluppo e caratteristiche nazionali.
La rinascita iniziò in Italia, quindi il periodo del XIV secolo vide l'apogeo dello sviluppo della musica italiana. Nel XV secolo il Rinascimento conquistò l'Olanda, e poi tutta l'Europa: la Francia e, a seguire, l'Inghilterra e la Germania.
Organo e viola
Dal Medioevo, la cultura rinascimentale ereditò il suo principale strumento musicale: l'organo. Ad esso si aggiungono via via molti altri strumenti a corda ea fiato.
Organo
Fu nel Rinascimento che apparve: un rappresentante della famiglia degli archi con un numero uguale di corde principali e risonanti. Dà un suono vellutato e molto spesso assoli. La viola non era praticamente utilizzata nell'orchestra a causa delle difficoltà di accordatura. È la viola, a quanto pare, il precursore del violino, della viola, del violoncello e di altri strumenti a violino.
Viola
Liuto
Il secondo tipo di strumento musicale comune durante il Rinascimento è lo strumento a pizzico. Tra questi spicca il liuto, il cui nome deriva o dalla parola polacca lutnia, o dall'arabo alud, che significa albero. Il liuto è caratterizzato da piccole dimensioni, forma emisferica della parte inferiore e parte superiore piatta. Il collo è abbastanza largo, con la testa piegata ad angolo retto. Ha dieci paia di corde e due modi per estrarre il suono: con l'aiuto delle dita o di un piatto speciale, plettro.
Liuto
Il liuto ha radici orientali ed è comparso in Europa solo nel XV secolo, diventando rapidamente uno degli strumenti più popolari. Un repertorio separato è stato creato appositamente per questo, che includeva non solo melodie strumentali, ma anche canzoni.
Clavicembalo e altri strumenti a tastiera rinascimentali
Clavicembalo
La terza famiglia di strumenti musicali, che ebbe origine nel Rinascimento, - il loro prototipo era un organo, in cui le chiavi erano sostituite da leve larghe e scomode. Dopo l'organo sono apparsi altri strumenti, il cui suono viene estratto utilizzando i tasti. Questo è un clavicembalo, un clavicembalo, un virginale, un clavicordo, una spinetta, un muselar… Il Rinascimento diede loro un inizio di vita, ma il periodo della loro massima prosperità sarà già nell'epoca barocca.
rinascita(Francese Rinascimento) - un'era nella vita culturale e storica dell'Europa occidentale nei secoli XV-XVI. (in Italia - secoli XIV-XVI). Questo è il periodo dell'emergere e dello sviluppo delle relazioni capitaliste, della formazione di nazioni, lingue e culture nazionali. Il Rinascimento è il tempo delle grandi scoperte geografiche, dell'invenzione della stampa, dello sviluppo della scienza.
L'era prende il nome rinascita interessato a antico arte, che divenne un ideale per le figure culturali dell'epoca. Compositori e teorici musicali - J. Tinktoris, J. Tsarlino e altri - hanno studiato antichi trattati musicali greci; nelle opere musicali di Josquin Despres, che viene paragonato a Michelangelo, "la perfezione perduta degli antichi greci è aumentata"; apparve tra la fine del XVI e l'inizio del XVII secolo. l'opera è orientata agli schemi del dramma antico.
L'arte rinascimentale era basata su umanesimo(dal latino "humanus" - umano, filantropico) - una visione che proclama una persona valore più alto, difende il diritto di una persona alla propria valutazione dei fenomeni della realtà, propone il requisito conoscenza scientifica e un'adeguata riflessione nell'arte dei fenomeni della realtà. Gli ideologi del Rinascimento si opposero alla teologia del Medioevo con un nuovo ideale di uomo intriso di sentimenti e interessi terreni. Allo stesso tempo, le caratteristiche dell'era precedente furono mantenute nell'arte del Rinascimento (essendo essenzialmente secolare, utilizzava immagini dell'arte medievale).
Il Rinascimento fu anche un periodo di ampi movimenti religiosi antifeudali e anticattolici (l'hussitismo nella Repubblica Ceca, il luteranesimo in Germania, il calvinismo in Francia). Tutti questi movimenti religiosi sono uniti dal concetto comune" protestantesimo" (O " riforma»).
Durante il Rinascimento l'arte (compresa la musica) godette di grande prestigio pubblico e divenne estremamente diffusa. Belle arti (L. da Vinci, Raffaello, Michelangelo, Jan van Eyck, P. Bruegel e altri), architettura (F. Brunelleschi, A. Palladio), letteratura (Dante, F. Petrarca, F. Rabelais, M. Cervantes , W. Shakespeare), musica.
Tratti caratteristici della cultura musicale del Rinascimento:
sviluppo rapido secolare musica (ampia diffusione di generi secolari: madrigali, frottoli, villanelle, "chansons" francesi, canti polifonici inglesi e tedeschi), il suo assalto all'antica cultura musicale ecclesiastica che esisteva parallelamente a quella secolare;
realistico tendenze nella musica: nuove trame, immagini corrispondenti a visioni umanistiche e, di conseguenza, nuovi mezzi di espressione musicale;
popolare melodico come l'inizio principale di un brano musicale. Canzoni folk sono usati come cantus firmus (la melodia tenore principale e immutabile nelle opere polifoniche) e nella musica polifonica (compresa la musica sacra). La melodia diventa più liscia, più flessibile, melodiosa, perché è un'espressione diretta delle esperienze umane;
potente sviluppo polifonico musica, incl. E " stile rigoroso" (Altrimenti - " polifonia vocale classica", Perché incentrato sull'esecuzione vocale e corale). Lo stile rigoroso implica l'adesione obbligatoria alle regole stabilite (le rigide norme di stile sono state formulate dall'italiano J. Carlino). I maestri dello stile rigoroso padroneggiavano la tecnica del contrappunto, dell'imitazione e del canone. La scrittura rigorosa era basata su un sistema di modalità diatoniche della chiesa. Le consonanze dominano in armonia, l'uso delle dissonanze era strettamente limitato da regole speciali. Vengono aggiunti i modi maggiore e minore e il sistema dell'orologio. La base tematica era il canto gregoriano, ma venivano utilizzate anche melodie profane. Il concetto di uno stile rigoroso non copre tutta la musica polifonica del Rinascimento. Si concentra principalmente sulla polifonia di Palestrina e O. Lasso;
la formazione di un nuovo tipo di musicista - professionale, che ha ricevuto un'educazione musicale speciale completa. Appare per la prima volta il concetto di "compositore";
la formazione di scuole nazionali di musica (inglese, olandese, italiana, tedesca, ecc.);
comparsa dei primi interpreti liuto, viola, violino, clavicembalo, organo; fioritura della musica amatoriale;
la nascita della tipografia.
Principali generi musicali del Rinascimento
Principali teorici musicali del Rinascimento:
Giovanni Tinctoris (1446 - 1511),
Glareano (1488 - 1563),
Giuseppefo Carlino (1517 - 1590).
