Composizione in fotografia - nozioni di base e significato. Costruire una lezione di fotografia con cornice Composizione corretta

15 regole per principianti

Ognuno di noi almeno una volta nella vita ha tenuto in mano attrezzature fotografiche. Una fotocamera a pellicola, una "scatola di sapone" digitale, una fotocamera SLR o, almeno, un telefono cellulare con un sistema fotografico integrato. E ognuno di noi ha la propria visione e comprensione di come produrre fotografie. Per molti, l'algoritmo "ha visto (non importa cosa), ha puntato la fotocamera (non importa come), messo a fuoco (qualcosa ha emesso un segnale acustico / scoreggiato nella fotocamera) e premuto il grilletto (entrambi accesi, bella foto)" è sufficiente per molti. Molte meno persone pensano ad altri controlli della fotocamera oltre al pulsante di scatto e alle modalità di scatto automatiche, e a cosa è destinato tutto questo, in effetti. E un piccolissimo contingente di coloro che scattano foto non è costantemente soddisfatto del risultato, quindi cerca di trovare informazioni, leggere, scoprire, analizzare, provare a scattare, imparare a elaborare le immagini ... e solo dopo molti, molti tentativi e gli esperimenti, iniziano a godersi quello che hanno. E le loro immagini allo stesso tempo sono sorprendentemente diverse dalla disgrazia che hanno subito nella fase iniziale dell'apprendimento della tecnologia fotografica.

Questo articolo è destinato al secondo gruppo di quelli elencati, perché il primo gruppo è "incurabilmente felice" anche senza il nostro consiglio, e il terzo - ben fatto, hanno già ottenuto tutto da soli o leggono letteratura più professionale e competente di questa blog. Tuttavia, anche il secondo gruppo ha bisogno di un primo soccorso, un consiglio presentato il più semplicistico possibile, che non allontanerà gli utenti curiosi dell'attrezzatura fotografica, ma, al contrario, li indirizzerà sulla vera strada, e quindi avranno una grande possibilità di passare alla terza categoria di appassionati di fotografia curiosi.

Quindi l'argomento del post di oggi è fondamenti della composizione in fotografia. Cos'è la composizione? Per cominciare, passiamo alla nostra Wikipedia, che spesso viene letta da tutti;)

Composizione(dal latino compositio - piegatura, connessione, combinazione) - una delle principali categorie della creatività artistica. A differenza di un motivo, colore, linea, volume, lo spazio non è uno dei componenti forma d'arte e integrità artistico-figurativa, contenuto-formale - il tipo più complesso e perfetto di struttura in cui tutti gli elementi sono organicamente interconnessi. Tale integrità nell'architettura, nella pittura, nella grafica, nella scultura, nell'artigianato e nel design ha una natura irrazionale, viene raggiunta dall'artista in modo intuitivo, è originale e unica. In altre parole, l'unica, unica combinazione di elementi è l'essenza dell'integrità compositiva. Questa specifica integrità si basa sui seguenti principi: novità, chiarezza, integrità, sviluppo.

In parole povere, possiamo dire che la composizione, se presente nell'inquadratura, distingue una cornice ben costruita e artisticamente verificata dal clic sconsiderato dell'otturatore e da tonnellate di indecenza frastagliata gettate nel "Cesto" in seguito.

Tuttavia, anche se l'architetto L. B. Alberti nel suo trattato "Tre libri di pittura" (1435-1436) affermava che La composizione è composizione, invenzione, invenzione, come atto di libero arbitrio artistico. . Ma questo tipo creatività liberaè inaccessibile alla maggior parte delle persone che si uniscono alla fotografia, hanno bisogno di un algoritmo, una sequenza di azioni nella fase iniziale, alcune regole che ti permettano di raccogliere un'immagine significativa nell'inquadratura. Pertanto, oggi considereremo le basi della composizione sotto forma di uno studio coerente delle regole di base e più semplici che, in effetti, qualsiasi persona sana di mente può mettere in pratica.

La principale regola di composizione è considerata rapporto aureo(proporzione aurea, divisione in rapporto estremo e medio, divisione armonica). Il rapporto aureo è il rapporto di due valori b e a, a > b, quando a/b = (a+b)/a è vero. Un numero uguale al rapporto a / b è solitamente indicato con la lettera greca maiuscola Φ, in onore dell'antico scultore e architetto greco Fidia, meno spesso con la lettera greca τ. Un modello semplificato della sezione aurea è Regole di terzi.

Regola n. 1 . Regole di terzi- Questo è il principio di costruzione di una composizione basata su una regola semplificata della sezione aurea. La regola dei terzi si applica al disegno, alla fotografia e al design.
Quando si determinano i centri visivi, la cornice, di regola, è divisa da linee parallele ai suoi lati, in proporzioni di 3:5, 2:3 o 1:2 (vengono presi i numeri di Fibonacci consecutivi). L'ultima opzione prevede la divisione del telaio in tre parti uguali (terzi) lungo ciascuno dei lati.
Nonostante la notevole differenza tra le posizioni dei centri di attenzione ottenute dalla regola dei terzi e la sezione aurea, la semplicità e la chiarezza tecnologica hanno reso più popolare questo schema compositivo.
La griglia della regola dei terzi viene utilizzata nei mirini di alcune fotocamere per aiutarti a comporre lo scatto.

La norma prevede che l'immagine sia da considerarsi divisa in nove parti uguali da due linee orizzontali parallele equidistanti e due verticali parallele. Parti importanti della composizione dovrebbero trovarsi lungo queste linee, o alla loro intersezione, nei cosiddetti punti di potere. I fautori di questo principio sostengono che l'allineamento di parti importanti dietro questi punti e linee dà l'impressione di enfasi, più tensione, energia e più interesse per la composizione rispetto al semplice posizionamento del soggetto al centro dell'inquadratura.

La scelta del punto o della linea giusti su cui si trova il soggetto principale consente di aumentare l'espressività dell'immagine. A parità di altre condizioni, vale quanto segue: se nell'immagine è presente un solo oggetto, è preferibile posizionarlo sul lato sinistro della cornice. La raccomandazione si basa sull'abitudine sviluppata dalla lettura di guardare le immagini da sinistra a destra (in modo simile per i lettori da destra a sinistra).

In questa immagine, la parte più espressiva della composizione sono gli occhi del serpente, si trovano all'intersezione di due linee di terzi, quella orizzontale in alto e quella verticale a destra.

Se nell'immagine sono presenti più oggetti, l'oggetto dominante deve essere posizionato nel punto in basso a destra. Questa tecnica è particolarmente utile quando si fotografano immagini con sfumature emotive. La raccomandazione si basa sul rafforzamento della percezione delle ultime informazioni ricevute. La regola dei terzi è una delle regole di composizione più semplici, ma esistono altre regole di composizione. Quindi, credeva il famoso fotografo sovietico e russo Alexander Lapin: "la cosiddetta regola dei terzi è stata inventata per i principianti che semplicemente non sanno come comporre uno scatto".

Regola n. 2 . Metodo diagonale(metodo delle diagonali) è una delle regole di composizione in fotografia, pittura e grafica. Il fotografo olandese Edwin Westhoff si è imbattuto per caso in questo metodo mentre stava sperimentando visivamente per indagare sul motivo per cui la regola dei terzi è così imprecisa. Dopo aver esaminato numerose fotografie, dipinti e stampe, ha scoperto che i dettagli delle immagini che ricevono maggiore attenzione si trovano sulla diagonale del quadrato.

Una cornice è un rettangolo con un rapporto di 4:3 o 3:2. Lo spettatore presta maggiore attenzione ai dettagli posti sulle quattro bisettrici che passano per gli angoli della cornice. I dettagli delle immagini che ricevono maggiore attenzione si trovano spesso, al millimetro più vicino, su una o più linee diagonali disposte ad un angolo di 45° e passanti per gli angoli dell'inquadratura. In contrasto con altre regole di composizione, come la regola dei terzi e rapporto aureo, il metodo diagonale non presta molta attenzione al punto in cui le linee si intersecano e si concentra su una posizione arbitraria che giace lungo la diagonale. Finché questi dettagli si trovano sulle linee diagonali che attraversano gli angoli della cornice, attirano l'attenzione. Tuttavia, il metodo diagonale richiede che questi dettagli dell'immagine si trovino esattamente in diagonale, con una deviazione massima di 1 mm sul formato A4. A differenza di altre regole di composizione, il metodo non viene utilizzato per migliorare la composizione stessa.

Edwin Westhoff ha scoperto che se si disegnano linee su un'immagine con un angolo di 45°, è possibile vedere quali dettagli l'artista voleva enfatizzare. Gli studi hanno dimostrato, ad esempio, che i dettagli più importanti dei dipinti e delle incisioni di Rembrandt van Rijn giacciono proprio lungo le diagonali: occhi, mani, oggetti per la casa.

Il metodo diagonale viene utilizzato solo per le immagini in cui alcuni dettagli devono essere enfatizzati o messi in evidenza: ad esempio un ritratto in cui alcune parti del corpo meritano più attenzione, o una foto pubblicitaria di un prodotto. Alcune fotografie di paesaggi hanno dettagli importanti, come persone, alberi isolati o un edificio, che possono trovarsi sulle diagonali, ma di solito nelle fotografie di paesaggi ed edifici, è necessario vedere il quadro generale, dove spesso altre linee determinano la costruzione dell'immagine, come l'orizzonte.
Alcuni esempi di foto scattate con il metodo diagonale: http://www.diagonalmethod.info/

Regola n. 3 . Simmetria. Le scene simmetriche sono ideali per una composizione centrata. Questo è uno strumento di composizione molto potente. Le cornici specchiate sono un altro modo per usare la simmetria.

In natura, un gran numero di immagini visive obbedisce alla legge di simmetria. Ecco perché la simmetria è facilmente percepibile nella composizione. A belle arti la simmetria si ottiene disponendo gli oggetti in modo tale che una parte della composizione sembri un'immagine speculare dell'altra. L'asse di simmetria passa per il centro geometrico. Una composizione simmetrica serve a trasmettere pace, stabilità, affidabilità, a volte maestà. Tuttavia, non vale la pena creare un'immagine assolutamente simmetrica. Dopotutto, niente è perfetto in natura.

Regola n. 4 . sfocatura. L'uso della profondità di campo, quando l'oggetto semantico principale del racconto fotografico è in nitidezza e il resto degli oggetti è sfocato. Questo è un ottimo modo per aggiungere un senso di profondità a una cornice. Le foto sono di natura bidimensionale e questa tecnica consente di ottenere un effetto tridimensionale. Un effetto simile può essere ottenuto decolorando lo sfondo, ma si tratta già di metodi di post-elaborazione software.

Regola #5 . Inquadratura. Un fotogramma all'interno di un fotogramma (o "fotogramma per fotogramma") è un altro modo efficace per rappresentare la profondità in una composizione. Prestare attenzione agli elementi come finestre, archi o rami sporgenti. Il "bordo" non deve circondare l'intero fotogramma per renderlo efficace. Questo è un altro modo di rappresentare la profondità e la prospettiva, conferendo alla cornice un aspetto tridimensionale.

Regola #6 . linee. Le linee funzionano meglio come guide: l'occhio si aggrappa alla linea e la segue, da sinistra a destra e dal basso verso l'alto. Pertanto, la linea guida lo sguardo dello spettatore attraverso l'inquadratura, concentrandosi sul soggetto principale. Le linee guida non devono essere diritte. Le linee curve possono essere una caratteristica compositiva molto interessante.

In questa cornice, le linee di contorno del ponte e le linee immaginarie della luce della lampada su entrambi i lati del centro della cornice ci "conducono" al soggetto principale: il Tempio. In questa composizione viene applicato anche il metodo della simmetria.

Regola #7 . Geometria: triangoli e diagonali. Triangoli e diagonali aggiungono "tensione dinamica" al telaio. Questa è una delle tecniche compositive più efficaci: la composizione diagonale. La sua essenza è molto semplice: posizioniamo gli oggetti principali della cornice lungo la diagonale della cornice. Ad esempio, dall'angolo in alto a sinistra della cornice in basso a destra. Questa tecnica è buona perché una tale composizione guida continuamente l'occhio dello spettatore attraverso l'intera foto.

Regola #8 . Motivi e trame. I modelli in fotografia sono oggetti ripetuti che possono essere utilizzati per comporre uno scatto. Ci sono molti modelli intorno a noi, specialmente nel paesaggio urbano. La trama in sé non ha importanza. La luce che cade sulla texture gioca un ruolo e crea volume grazie alle ombre.

Regola #9 .Regola oggetto dispari. La regola è che un'immagine è visivamente più accattivante se nella cornice è presente un numero dispari di oggetti. Secondo questa teoria, un numero pari di elementi in una scena distrae perché lo spettatore non è sicuro su quale concentrare la propria attenzione. Un numero dispari di elementi è visto come più naturale e più facile per gli occhi. Ad essere onesti, ci sono molti casi in cui questo non è il caso, ma si applica sicuramente in determinate situazioni.

Regola n. 10 . Riempimento telaio. Riempire l'inquadratura con il soggetto, lasciando poco o nessun spazio intorno ad esso, può essere molto efficace in determinate situazioni. Questa tecnica aiuta a mettere a fuoco completamente il soggetto principale, il centro della composizione, senza distrazioni. Consente inoltre allo spettatore di esplorare dettagli che non sarebbero possibili se si fotografasse a distanza.

Regola n. 11 . Modifica dell'altezza del punto di rilevamento. La prospettiva è alla base di tutto. La fotocamera (rispettivamente, il punto di ripresa) deve essere spostata non solo orizzontalmente, ma anche verticalmente. Uno dei punti di ripresa più comuni è impostarlo all'altezza dell'occhio umano: allo stesso tempo, la forma dell'oggetto, i suoi volumi, il pattern prospettico e il rapporto con lo sfondo sono familiari all'occhio.
Tali punti di rilevamento sono chiamati normali in altezza. In questo caso, l'immagine non è quasi distorta. La maggior parte delle fotografie del mondo sono scattate da un punto di osservazione "normale". Ma, spesso, l'uso dei punti di ripresa superiori e inferiori aiuta a realizzare un'idea creativa.

Regola n. 12 . Più spazio libero nella cornice, o semplici sfondi. Lasciare molto spazio vuoto (o aria) attorno al soggetto si tradurrà in scatti molto attraenti, con un aspetto semplice e minimalista. Come riempire l'inquadratura, questo aiuta a mantenere lo spettatore concentrato sul soggetto principale senza distrazioni. Spesso le fotografie vengono scattate utilizzando sfondi semplici che non distraggono dal soggetto principale. Puoi anche creare una composizione semplice ingrandendo una parte del soggetto e concentrandoti su un dettaglio particolare.

Regola n. 13 . Direzione e spazio. Nella cornice, è necessario lasciare spazio al movimento immaginario degli oggetti che si muovono nella cornice. Questa regola può essere utilizzata anche quando si fotografano le persone. La regola della direzione e dello spazio suggerisce che il soggetto deve guardare nell'obiettivo o il suo sguardo deve cadere su qualcosa nell'inquadratura. Se la linea di vista immaginaria del soggetto cade fuori dall'inquadratura piuttosto rapidamente - sembra strano, l'inquadratura diventa non detta. In parole povere, se una persona nell'inquadratura si trova a sinistra, allora dovrebbe guardare nell'obiettivo oa destra, ma non a sinistra.

Nella foto a sinistra, la nave naviga da sinistra a destra e nella cornice viene lasciato un posto per il suo movimento immaginario, a destra della nave.

Regola n. 14 . Equilibrio. L'equilibrio o l'equilibrio è molto importante. Il trucco dell'equilibrio compositivo è che non esistono raccomandazioni singole corrette. Dovrai essere guidato non solo dalle regole, ma anche da un innato senso di equilibrio.
La prima linea guida compositiva è stata la “regola dei terzi”. Questo ovviamente significa che spesso posizioniamo il soggetto principale della foto lontano dal centro dell'inquadratura, lungo una delle linee verticali della griglia. Ma a volte può portare a uno squilibrio se si lascia una sorta di "vuoto" nel resto dell'inquadratura.
Per ovviare a questo, puoi scattare una foto in cui un oggetto di importanza (o dimensione) secondaria o minore sarà sull'altro lato dell'inquadratura. Questo equilibrerà la composizione senza distogliere troppa attenzione dal soggetto principale.

Regola n. 15 . Complemento/contrasto. La somiglianza o l'opposizione è uno strumento molto potente nella composizione fotografica. Questa tecnica significa l'inclusione nella cornice di due o più elementi che contrastano o si completano a vicenda. Entrambi gli approcci possono funzionare molto bene e svolgere un ruolo importante nella fotografia: aiutano a raccontare una storia.

In questa fotografia, sullo sfondo è il Moulin Rouge a Parigi, con nastri multicolori che sventolano nell'aria in primo piano, che si completano a vicenda con l'edificio del famoso cabaret francese, esaltando l'immagine della vacanza nella foto.

Tutte le foto - fotomatica

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Comprendere la composizione è qualcosa su cui ogni fotografo dovrebbe dedicare del tempo. Senza la necessità di investire in costose attrezzature, comprendere gli elementi di una buona composizione migliorerà sicuramente il tuo lavoro fotografico. Lo sviluppo della visione fotografica è naturale per alcuni, ma altri devono prendersi il tempo e gli sforzi per affinare le proprie capacità e abilità visive. Ecco una selezione di suggerimenti e consigli per aiutarti a valutare e comporre il tuo lavoro.

Se hai tempo, trova una scusa per concentrarti e mettere in pratica queste abilità, e cerca di tenerle a mente la prossima volta che scatti una foto, può aiutarti a sentire la differenza tra scattare una buona foto e una bella foto.

Passaggio 1: non cercare di essere perfetto

È importante capire che non esiste una composizione "perfetta". Poiché questa è una forma d'arte soggettiva, non arriverai mai al punto in cui otterrai lo scatto perfetto, ma è possibile avere scatti di composizione buoni e cattivi. Ci sono molti elementi della composizione fotografica, che tratterò in dettaglio in questo articolo. Ogni sezione è solo una semplice guida per aiutarti a ottenere immagini più forti e attraenti.

Passaggio 2: semplicità

Una delle cose principali a cui prestare attenzione è la posizione degli elementi nella cornice l'uno rispetto all'altro. Sulla base di ciò, dovrai decidere cosa includerai nella cornice e cosa rimuoverai da esso. Spesso si è tentati di riempire una cornice con il maggior numero possibile di oggetti interessanti, ma quando si tratta di composizione, è meglio essere selettivi su ciò che si include nella cornice e scegliere consapevolmente. Alcune delle fotografie più sorprendenti hanno una composizione molto semplice ma efficace, l'occhio segue l'immagine senza ostacoli e lo spettatore è attratto da una cornice chiara ed efficace.

Passaggio 3 - Regola dei terzi

Una delle regole di composizione più semplici è la regola dei terzi, che è diventata uno strumento molto comune sia per i fotografi dilettanti che per i professionisti. Il metodo consiste nel dividere il fotogramma in terzi, verticalmente e orizzontalmente (quindi in realtà sono noni) e utilizzare quelle linee per dividere efficacemente l'immagine e separare le aree dell'immagine. I punti in cui le linee si intersecano sono considerati aree chiave per gli oggetti principali nella cornice.

Questa regola, anche se molto semplice, funziona molto bene se applicata correttamente. Ad esempio, nelle fotografie di paesaggi, l'orizzonte può passare attraverso la cornice lungo la linea orizzontale inferiore e la parte superiore di una catena montuosa attraversa la linea orizzontale superiore. Allo stesso modo, con le cornici dei ritratti, gli occhi possono essere posizionati nei punti in cui la linea orizzontale superiore interseca le due linee verticali.

Passaggio 4: composizione del paesaggio

È estremamente importante utilizzare la composizione in modo efficace quando si lavora con i paesaggi. La componente drammatica di un ottimo scatto paesaggistico si basa sulla composizione e sulla struttura. Chiediti di cosa tratterà il tuo scatto. Di acqua, montagne in lontananza, orizzonte, tramonto o rocce in primo piano? Quali elementi vuoi mettere in evidenza nella cornice? Usando la regola dei terzi, cerca di assicurarti che la cornice sia diversi livelli, assicurati di avere un soggetto interessante in primo piano per aggiungere un senso di profondità e scala all'immagine e che il punto AF principale nell'inquadratura dia chiaramente la priorità.

Passaggio 5 - Linee

Le linee in un'immagine sono una delle più modi efficaci rendi la tua cornice più luminosa. Le linee orizzontali e verticali creano un'immagine ben strutturata, mentre le linee curve appaiono più rilassate. Considera dove inizia ogni linea nel frame e dove conduce. È molto efficace avere una linea nella cornice che conduce l'occhio, ad esempio, dall'angolo inferiore attraverso l'immagine all'angolo opposto. Sentieri, fiumi, binari e strade possono servire a questo scopo se usati correttamente.

Quando lavori con linee orizzontali e verticali in una cornice, assicurati che lo scatto sia nitido e che le linee siano diritte. Non crederai a quante foto che ho visto sono state segnate da una linea leggermente obliqua, come l'orizzonte. Certo, è possibile post-elaborare il fotogramma per correggere questi errori, ma è molto meglio esercitarsi e allinearlo correttamente già durante le riprese.

Passaggio 6: moduli

Una volta compreso il ruolo che le linee svolgono nella composizione di un'immagine, sarai in grado di apprezzare l'influenza delle forme. Cerca di distanziarti dal guardare attraverso il mirino un particolare soggetto e fai riferimento alla forma di ciascun elemento nell'inquadratura. È importante capire come i moduli interagiscono tra loro. Forme forti come triangoli e quadrati sono molto più facili da inquadrare rispetto a forme arrotondate più morbide, ma valutando come viene modellato ogni elemento, puoi avere un impatto molto potente presentando le forme e le loro interazioni come soggetto principale dello scatto.

Passaggio 7: contrasto

Quando si tratta del tuo argomento principale, consideralo nel contesto e in relazione a ciò che lo circonda. In che modo i colori, le forme, le trame e le tonalità del punto focale principale si abbinano allo spazio circostante? Se c'è una forte connessione tra i due, puoi giocarci e farlo risaltare nell'immagine con la composizione fondendo il soggetto con l'ambiente. Se il soggetto e l'ambiente sono molto diversi, prova a utilizzare tecniche di composizione per migliorare tali differenze.

Passaggio 8: inquadratura

Un'inquadratura efficiente è alla base di una composizione forte. Il desiderio naturale è quello di posizionare il punto focale principale esattamente al centro, ma questo spesso sembra strano e fuori contatto con l'ambiente circostante. Prova a posizionarlo più vicino a un lato o ad un angolo per vedere se riesci a creare contesto e relazioni. Vale la pena notare, tuttavia, che i ritratti spesso appaiono più luminosi quando il soggetto è centrato. Quindi vale la pena sperimentare, non prendere una sola decisione di composizione e fermarsi qui, esplorare tutte le tue possibilità.

Passaggio 9: spazio negativo

È importante tenere conto dello spazio negativo nell'immagine. Quando si lavora con soggetti piccoli, si tende a cercare di adattare l'intero punto di messa a fuoco all'inquadratura. In effetti, la composizione quando si riprende un soggetto macro diventa molto più luminosa se si riempie l'inquadratura con il soggetto, posizionandolo da vicino, o si utilizza lo spazio negativo intorno per consentire al soggetto di "respirare" e adattarsi armoniosamente all'ambiente.

Prova a sperimentare qualcosa di semplice come una conchiglia, o guarda come puoi cambiare la composizione se non inquadra lo scatto nel solito modo, ma prova a ingrandire o rimpicciolire.

Passaggio 10 - Angolo

Mentre lavori con il tuo soggetto, considera l'angolazione da cui stai riprendendo. La maggior parte delle volte, il modo più semplice è riprendere il soggetto dall'angolo in cui lo vedi, ma mentre lavori sull'inquadratura, esplora diverse angolazioni e approcci. Puoi trovare un modo più interessante per esprimere tema principale istantanea.

Passaggio 11: livelli

Proprio come con i livelli negli scatti di paesaggi, non dimenticare di includere alcuni elementi di profondità nelle tue immagini. Mettere un oggetto interessante davanti è il modo più semplice per farlo, ma anche l'uso di un oggetto a zigzag aggiungerà un senso di profondità e condurrà l'occhio più in profondità nell'immagine.

Passaggio 12 - Simmetria e modelli

Sfruttare efficacemente la simmetria e i modelli può creare uno scatto davvero potente, soprattutto quando si lavora con oggetti come l'architettura. Trascorri del tempo esplorando l'argomento e riconoscendo schemi e schemi (prestando attenzione a forme e linee). Trova il punto medio e posiziona la fotocamera esattamente perpendicolarmente al soggetto. Evita i dettagli che distraggono la simmetria o lo schema, cerca di massimizzare l'effetto desiderato.

Passaggio 13: ritagliare

In questa epoca di post-elaborazione, se torni improvvisamente a casa e scopri di non aver composto uno scatto nel modo desiderato, nulla è perduto. Quasi tutte le utilità di elaborazione delle immagini ora dispongono di uno strumento di ritaglio con il quale puoi ritagliare le parti extra di una foto. Puoi farlo con proporzioni fisse (la maggior parte delle foto oggi sono 3:2), oppure puoi ritagliare liberamente la cornice nella forma che desideri, come un quadrato, o creare uno scatto panoramico tagliando la parte inferiore e superiore livelli.

Passaggio 14: pratica, pratica e ancora pratica

Quindi, abbiamo appreso una serie di principi compositivi che possono davvero aiutarti nel tuo viaggio per creare immagini più forti e coinvolgenti. Non appena ne hai la possibilità, esercitati a usare questi suggerimenti. Qualunque cosa scatti: paesaggi, ritratti, macro: c'è sempre spazio per la sperimentazione per migliorare la tua composizione, un'opportunità per rendere il tuo scatto anche un po' più luminoso.

Ricorda solo che non ci sono soluzioni facili e veloci per creare scatti fantastici. Le tecniche di cui sopra possono aiutarti, ma non è nemmeno vietato scavalcarle. Quando pensi di aver capito come mettere in pratica questi principi in modo efficace, sentiti libero di iniziare a infrangere le regole e a filmare i tuoi soggetti nel modo creativo che ritieni sia il migliore per te.

I posti sbagliati e gli esempi sono strani (alcuni :),
ma nel complesso roba divertente.
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Di più lista completa tecniche compositive. sarò felice di commentare :)
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1. Composizione come composizione, connessione, composizione. Finestra di dialogo Elementi compositi.
2. Integrità.
3. Diversità.
4. Policentricità.
5. Saturazione.
6. Istantaneo.
7. Espressività.
8. Semplicità.
9. Armonia.
10. Unità di composizione.
11. SKT (trama e centro compositivo).
12. Studium e Punctum. Punctum come punto di inizio del centro semantico.
13. Il problema del grande e del piccolo. Contrasto di dimensioni. deformazione della scala.
14. Casa e ruolo secondario nella trama.
15. Dinamica di una cornice fotografica.
16. Migliorare la profondità prospettica dello spazio in una foto utilizzando prospettiva lineare. Linee guida e prospettiva lineare.
17. Rafforzare la profondità dello spazio di una foto utilizzando la prospettiva aerea.
18. Rafforzare la profondità dello spazio di una foto usando la prospettiva del colore.
19. Linee parallele nella composizione. Prevenzione dei parallelismi ai margini del campo visivo.
20. Sensuale e razionale nella composizione.
21. Regola dei tre terzi, sezione aurea, numeri di Fibonacci.
22. Una figura semplice come scheletro di base di una composizione.
23. EER (effetto cornice naturale). Rafforzare l'integrità della composizione con l'aiuto di un contorno attorno al perimetro di un'immagine fotografica.
24. Punti attivi geometrici e grafici della composizione.
25. Combinazioni inaspettate.
26. Contrasto di forme e strutture geometriche.
27. Contrasto della sagoma.
28. Contrasto di luci e ombre (contrasto tonale).
29. Contrasto di toni caldi e freddi.
30. Contrasto di colori complementari (complementari).
31. Dissonanza cromatica, contrasto di colori dissonanti.
32. Contrasto di linee morbide e spezzate.
33. Contrasto di elementi tridimensionali e bidimensionali, volume e piano.
34. Contrasto di vicino e lontano.
35. Il contrasto tra parti mobili e fisse della composizione.
36. Contrasti logici, semantici.
37. Contrasto funzionale dei dettagli primari e secondari della composizione.
38. Contrasto di stati, posizioni.
39. Contrasti di caratteri, emozioni, contrasti psicologici.
40. Contrasti di trama che formano una relazione causale.
41. Contrasto di scena e messa in scena.
42. Sovrapposizione (sovrapposizione). Rafforzare l'integrità della composizione grazie alla sovrapposizione di oggetti.
43. Contrasto temporale (combinazione in una fotografia di manifestazioni di ciò che è già accaduto, di ciò che sta accadendo e di ciò che accadrà).
44. Contrasti di stile.
45. Contrasti di carattere.
46. Riflessioni e ripetizioni.
47. Simmetria o apparente asimmetria della composizione.
48. Rima e ritmo.
49. Movimento nel telaio. Pubblicazione come mezzo per evidenziare l'oggetto principale o SCC.
50. Manipolazione di simboli e segni.
51. Testo stampato all'interno o all'esterno della cornice di una fotografia che ha un carico pittorico.
52. La trama e il concetto di fotografia.
53. Un'immagine fotografica (una fotografia o una serie di fotografie), che implica un racconto temporale, un racconto metaforico, un “racconto fotografico”.
54. Correlazione tra SCC e spazio libero. Relazione tra oggetto e vuoto. Lavorare con il vuoto Dintorni, inquadratura del SCC, oggetto principale della composizione.
55. Chiave ideologica, polarità semantica della fotografia.
56. Armonia apollinea e catarsi dionisiaca.
57. L'ambiguità e l'ambiguità della trama. Umorismo e ironia.
58. Natura morta, primo piano, macro - come mezzo di espressione fotografica.
59. Fascino, glamour, qualcosa di affascinante.
60. Romanticismo, erotica e sesso.
61. Uso di celebrità nella trama.
62. Usare l'effetto di déjà vu ("già visto").
63. Il principio di pari-dispari, yin-yang in una composizione olistica, continua e armoniosa.
64. Applicazione aggregata e complessa di tutte le leggi e regole di composizione per trovare l'ottimale soluzione compositiva secondo il principio tesi - antitesi - sintesi. La fotografia come arte della cattura spontanea di un momento armonico miracoloso unico.

La composizione è il "linguaggio" di comunicazione tra il fotografo e lo spettatore. Consideriamo 14 regole d'oro di composizione sugli esempi di fotografie dell'insegnante della KCF Dmitry Bogachuk.

La composizione è responsabile dell'integrità della cornice e subordina gli elementi della fotografia l'uno all'altro e all'idea dell'artista.

La soluzione compositiva nelle arti visive è soggetta al compito creativo dell'autore. Innanzitutto il fotografo risponde alle domande “Cosa vedo? Perché questa foto? Come trasmettere l'idea allo spettatore? E solo allora l'autore decide come utilizzare elementi di base della composizione della cornice come linee, forme, posizione nello spazio, trame, luce, colore e punto focale. Grazie a ciò, può controllare l'umore dello spettatore, attirare la sua attenzione su oggetti importanti nel piano dell'immagine e nascondere "elementi minori". Il linguaggio di composizione è un insieme di molte regole, ma parleremo solo di quelle più importanti.

Padroneggia la teoria e la pratica della composizione al corso fotografico "Composition in Photography" del fotografo d'arte Dmitry Bogachuk.

1. La regola della "sezione aurea" - la regola dei terzi

E 'stato descritto dal matematicamente grande Leonardo da Vinci. Potresti sentire parlare di questa regola a scuola, in una lezione di matematica. Ricordi questo disegno?

rapporto aureo- questa è la divisione del segmento C, in cui l'intero segmento C si riferisce alla parte maggiore di B allo stesso modo in cui la parte maggiore di B si riferisce alla A minore. La formula per questa espressione è la seguente: C:B=B:A=1.618. Questo rapporto è 1.618. Questo numero è anche chiamato il numero aureo. Luca Pacioli, contemporaneo e amico di Leonardo da Vinci, definì questa proporzione "proporzione divina".

Il termine "rapporto aureo" fu coniato da Martin Ohm nel 1835. Questo rapporto di segmenti può essere trasferito sul piano della fotografia. Questa griglia può essere vista spesso nel mirino delle fotocamere.

Nei punti di intersezione e nelle linee di questa griglia, è consuetudine posizionare oggetti o linee importanti immagine fotografata. Ad esempio, allinea la linea dell'orizzonte con la linea della griglia inferiore se vuoi enfatizzare il cielo. Come in questa foto con un pino solitario sulla cima di Demerdzhi ...

Posiziona l'eroe della tua trama (albero, persona, fiore, edificio). uno dei quattro punti attivi griglia dei terzi. Usando la regola dei terzi, puoi concentrarti su oggetti importanti nella cornice.

2. Regola FORMATO

Quale sarà il tuo prossimo scatto: orizzontale o verticale? Decidilo prima di premere il pulsante. Le proporzioni determineranno il soggetto. Sparare a un albero alto o a una persona a tutta altezza– ruotare la fotocamera in verticale. Spesso vediamo foto in formati standard, con proporzioni 4:3, come orizzontale o orizzontale.

Ma il formato della foto può essere qualsiasi: quadrato, rotondo, triangolare e persino arbitrario, forma irregolare. Il formato contiene informazioni sui confini dell'immagine, nonché un carico semantico. Camminando tra i grattacieli, voglio mostrare allo spettatore la loro altezza. Quindi sceglierò un formato stretto, verticale e non standard. Il formato dell'immagine migliorerà la percezione della trama.

O, ad esempio, il formato quadrato. Il quadrato è una forma molto statica. Le nature morte sono spesso racchiuse in un quadrato. Non solo le scene di natura morta hanno un effetto calmante, ma il formato quadrato migliora anche la sensazione di pace e stabilità. Pensa sempre a quale formato è giusto per la tua storia.

3. Regola di equilibrio e simmetria

In una fotografia, sia i punti che i significati dovrebbero essere bilanciati. Se c'è molto significato concentrato in una piccola parte della foto, devi trovare qualcos'altro nel significato e posizionarlo nella parte opposta della cornice per bilanciare la trama.

I grafici simmetrici sono costruiti sulla base della regola dell'equilibrio. La simmetria è sempre piacevole alla vista. Spesso la composizione del paesaggio e dell'architettura si basa su riflessi simmetrici nell'acqua.

4. LINEE PRINCIPALI.

Usa linee naturali per guidare lo sguardo dello spettatore attraverso la foto verso un soggetto importante.

AL Yarbus nel libro "Il ruolo dei movimenti oculari nel processo di visione" ha mostrato che l'occhio umano si attacca a punti luminosi, lettere, volti e si muove lungo linee contrastanti. Esattamente questi linee guida, reali o immaginari, sono il percorso per gli occhi dello spettatore nel paesaggio. Le linee nel telaio avranno un carico sensuale diverso.

Orizzontale - linee di costanza, pace, serenità.
Verticale: linee di forza, stabilità, potenza.
Curve: una linea a forma di S nella composizione del paesaggio aggiungerà movimento, grazia, vivacità.
Diagonale - Queste linee evocano un senso di movimento, energia e possono enfatizzare la profondità della cornice. Le diagonali ascendenti e discendenti sono considerate come linee di sviluppo e declino, resistenza e facilità, partenza e ritorno.

5. DIAGONALI. Le linee diagonali sono un ottimo modo per trasmettere prospettiva e movimento in una foto.

6. CORNICE (inquadratura).

Usa cornici naturali come finestre e porte per incorniciare la cornice "eroe".

7. CONTRASTO oggetto e sfondo.

Qualsiasi contrasto tra il soggetto e lo sfondo migliorerà la bellezza dell'immagine: contrasto della trama, contrasto del colore, contrasto della scala. Trova uno sfondo contrastante per l'eroe della foto.

8. GRANDE PIANO.

Riempi la cornice. Avvicinati al tuo soggetto. Il primo piano è uno dei più modi semplici sbarazzarsi della spazzatura nella cornice e chiarire allo spettatore chi è l'eroe della cornice.

9. Le forme GEOMETRICHE nella composizione della cornice collegano gli oggetti in un unico insieme e quindi migliorano l'impressione.

Trova un tale angolo quando l'occhio vede tre forme di base nella cornice: un quadrato, un triangolo, un cerchio e i loro derivati: un ovale, un'ellisse, un trapezio, un rombo.

10. RITMI, schemi, ripetizioni, trame.

I dettagli ripetitivi portano piacere estetico ai nostri occhi. Ma idealmente, le ripetizioni dovrebbero essere interrotte con un oggetto contrastante.

11. PIANI. La profondità del campo visivo viene costruita selezionando gli oggetti in primo piano, sullo sfondo centrale.

12. SPAZIO NEGATIVO.

Lascia spazio libero davanti all'oggetto per il suo movimento speculativo. Ricorda che il movimento procede da sinistra a destra. Da sinistra a destra, i cacciatori dei cartoni animati vanno nella foresta e da destra a sinistra tornano a casa.

13. ANGOLO. Un angolo inaspettato attirerà sempre l'attenzione! Prova a scattare in un modo nuovo, non come gli altri.

14. LA SEMPLICITÀ è piacevole alla vista.

Semplifica la geometria dell'immagine, rimuovi tutto ciò che non è necessario se possibile. Il fotografo, come uno scultore che taglia il marmo, deve rimuovere dalla cornice tutto ciò che può distrarre l'attenzione dell'osservatore dall'oggetto principale.

Anche gli antichi artisti cinesi hanno attirato l'attenzione su questo e hanno iniziato a disegnare paesaggi molto laconici con inchiostro nero.

9 Regole per la composizione in fotografia di Steve McCurry, fotoreporter del National Geographic di fama mondiale

Video rivista online Cooperativa di Fotografia, racconta come il fotografo Steve McCurry usa le regole della composizione quando scatta ritratti o fotografie di genere. Qui illustra le regole di composizione sull'esempio dei ritratti. Ad esempio, afferma: “Centra l'occhio dominante nel ritratto. Posiziona l'occhio dominante al centro della foto. Questa tecnica dona un'espressione speciale agli occhi che ti seguono.

Altre foto di Dmitry Bogachuk nell'articolo "Un capolavoro del paesaggio Le Plat Pays"

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Infrangere le regole di composizione...

Ha sostanziato in dettaglio le tecniche di violazione artistica delle regole di composizione nel suo libro "The Mythology of Composition in Photography (download in public domain) Andrey Zeigarnik, fotografo e ricercatore dell'impatto di un'immagine sullo spettatore.

“All'insieme delle regole di ripresa e composizione: la regola della sezione aurea, la regola dell'otto, la regola della simmetria dinamica, la regola del bilanciamento dell'immagine, la regola delle diagonali, la regola dello spazio libero (aria) davanti dell'oggetto, la regola della direzione di movimento desiderata (da sinistra a destra), la regola "avvicinati" e così via. ci sono un numero enorme di esempi che confutano queste regole ", afferma Dmitry Chernyshev nel libro" How a person sees "(scarica).

"Ricorda! La composizione è importante, ma le regole sono fatte per essere infrante. La cosa più importante è divertirsi e girare con il proprio stile", afferma Steve McCurry.

Nell'articolo 10 miti sulla regola dei terzi Imparare la composizione e l'inglese allo stesso tempo, Tavis Glover parla di una graziosa violazione della regola dei terzi e suggerisce di utilizzare i rettangoli delle radici nella costruzione di una composizione a cornice, ad es. griglia più complessa. Questo è ciò che usa Annie Leibovitz per creare i suoi armoniosi ritratti di gruppo.

Creare una composizione interessante e accattivante è la chiave per un'illustrazione attraente.. I dipinti con una potente composizione di elementi cattureranno l'attenzione del pubblico e li manterranno fino a quando ogni piccolo dettaglio per cui hai lavorato così scrupolosamente non sarà apprezzato.
A sua volta, un'immagine mal assemblata dal punto di vista compositivo può rovinare l'aspetto anche degli oggetti raffigurati più magnificamente, creando la sensazione che qualcosa non vada bene in essa. Molti non capiranno nemmeno perché, ma l'immagine sarà meno attraente e sarà più difficile capirne il significato. Più avanti in questo tutorial ho delineato 20 punti che, secondo me, sono alcune delle regole base di una buona composizione, le regole su cui mi affido sempre quando prendo in mano un pennello.

1. Punto focale
Ogni dipinto con un potente carico compositivo ha un oggetto dominante, o punto focale, che è il centro dell'intero quadro. Tutti gli altri elementi dell'immagine dovrebbero completare o incorniciare questo oggetto. Il punto focale può essere qualsiasi cosa, da un grattacielo in lontananza a un bicchiere di carta in piedi sul davanzale che domina l'intera città. È molto importante che il punto focale si adatti all'immagine. Ci sono molti modi per evidenziare il punto focale - la "Regola di un terzo" o la "Regola del rapporto aureo" - ma non approfondirò questo problema, perché. per me è più importante sentire l'immagine, senza regole.

2. Posizionamento di altri oggetti
Tutti gli altri oggetti dovrebbero essere in armonia con il punto focale e quindi migliorare l'effetto dell'intera composizione. Gli elementi ben posizionati dell'immagine contribuiranno, aggiungendo in definitiva profondità, equilibrio e realismo. Presta attenzione all'immagine "Nimbus" ("Nimbus"), che raffigura un paesaggio che dirige lo sguardo dello spettatore in lontananza; o su piccoli dettagli, come un'auto, vicino a una nave ormeggiata nel dipinto "Prometheus" ("Prometheus").

3. Unità degli oggetti
È molto importante che tutti gli elementi dell'immagine appaiano appropriati, sottolineando che le forme e le strutture degli oggetti in lontananza sono dettate dalle condizioni esterne tra loro e lo spettatore; o che tutti gli oggetti e le strutture riflettano correttamente la luce e proiettino ombre. Con questo approccio, la composizione vincerà. Torniamo all'immagine "Prometheus" ("Prometheus") - nota come la nave proietta ombre sul molo e sugli edifici che la circondano, aggiungendo molto realismo a questo momento.

4. Inquadratura
Nei dipinti con una composizione complessa, può essere utile una tecnica come l'inquadratura, che aiuterà a guidare lo sguardo dello spettatore intorno all'immagine e a mantenerlo su di essa. Ciò può essere ottenuto semplicemente aggiungendo linee morbide o sagome chiare per guidare l'occhio esattamente nel punto che deve essere evidenziato, più spesso questo è il punto focale. Ancora una volta, presta attenzione all'immagine "Prometheus" ("Prometheus") - perché. questo è molto chiaramente visibile su di esso - dove ho incorniciato il centro dell'immagine con un grande molo rivolto in avanti.

5. Evita le linee tangenti
Possono influenzare negativamente l'intero quadro e, ovviamente, dovrebbero essere evitati. Le tangenti sono linee provenienti da singoli elementi dell'immagine, che si intersecano alla fine. Ad esempio, linee elettriche che convergono proprio all'angolo di un edificio. Allontanando queste linee elettriche dall'edificio, spostandole un po' più in alto o più in basso, si può evitare il problema visivo della percezione.