Dipinti di Caravaggio. Biografia di Caravaggio Gli ultimi anni della vita di Caravaggio

Michelangelo Merisi da Caravaggio (1573-1610), soprannominato dalla località lombarda dove nacque, ricevette la sua formazione artistica a Milano. I biografi lo ritraggono come un uomo dal carattere burrascoso e litigioso, dal temperamento violento, insolitamente testardo nel raggiungere il suo obiettivo. Per tutta la vita è rimasto fedele alle sue convinzioni e all'indipendenza interna. Caravaggio è stato un artista di grande coraggio creativo. Conoscendo perfettamente la vita della gente comune, Caravaggio ne fece il suo eroe. I primi anni della vita dell'artista a Roma, dove arrivò intorno al 1590, furono duri. Per guadagnare denaro, ha dipinto fiori e frutti nei dipinti di altri artisti, quindi ha iniziato a creare autonomamente scene di genere e nature morte originali. Raffigurando ragazzi di strada, visitatori di pub, cesti di frutta, è stato uno dei primi ad affermare il diritto all'esistenza per questi generi. La cosa principale nelle opere di Caravaggio non è una narrazione, ma un tipo caratteristico.

Tra questi dipinti c'è "Giovane con liuto" (1595 circa, San Pietroburgo, Hermitage). Di fronte a lui sul tavolo ci sono un violino, note, frutti. Tutti questi oggetti sono dipinti con perfetta maestria nella loro densa rotondità, matericità, tangibilità. Il volto e la figura sono scolpiti con chiaroscuri, lo sfondo scuro sottolinea la saturazione dei toni chiari che sporgono in avanti, l'obiettività di tutto ciò che viene presentato. Caravaggio afferma la superiorità della riproduzione diretta della vita. All'eleganza morbosa del manierismo ancora diffuso e al pathos del barocco in via di sviluppo, contrappone la semplicità e la naturalezza della vita quotidiana. Riassumendo le forme, rivelando l'essenziale, conferisce significato e monumentalità agli oggetti più semplici. Le composizioni di Caravaggio con figure tagliate in vita sono costruite con precisione, hanno una rigorosa regolarità, integrità, isolamento, avvicinando Caravaggio ai maestri del Rinascimento. Ciò conferisce monumentalità e significato non solo alla sua vita quotidiana, ma anche a scene religiose, come, ad esempio, "L'incredulità di Tommaso" (circa 1603, Firenze, Uffizi; opzione - Potsdam, Galleria d'arte Sanssouci).

Incredibile concretezza e materialità delle forme contraddistinguono le opere religiose commissionate dall'artista, che gli hanno portato notorietà per la loro insolita vitalità e democrazia. Caravaggio interpreta con coraggio le immagini religiose, non temendo la maleducazione e la durezza, conferendo loro somiglianze con la gente comune. Trova i suoi eroi tra pescatori, artigiani, soldati: persone intere, dotate di forza di carattere. Con netti contrasti di chiaroscuro esalta la modellazione potente, quasi plastica delle forme, avvicinando le figure al primo piano del quadro, mostrandole da angolazioni complesse, sottolineandone il significato, la monumentalità.

Come scena di genere viene risolta la composizione “La vocazione dell'apostolo Matteo” (1599–1600, Roma, Cappella Contarelli nella chiesa di San Luigi dei Francesi), che raffigura due giovani in costumi alla moda per quei tempi, che guardano con curiosità per il Cristo che entra. Matteo volse lo sguardo a Cristo, mentre il terzo giovane, senza alzare la testa, continua a contare i soldi. Un raggio di luce splendente, penetrando attraverso la porta aperta, tira fuori dal buio della room living, figure dal carattere tagliente.Immagini.

Nelle opere di Caravaggio, i santi e i grandi martiri appaiono come persone forti e sincere: l'ingenuo, maleducato Matteo, i duri e ispirati Pietro e Paolo. Non c'è niente di insolito nelle loro figure plastico-tangibili. Gran parte della composizione “La conversione di Paolo” (1600–1601, Roma, Chiesa di Santa Maria del Popolo) è occupata dall'immagine di una mina, sotto gli zoccoli della quale la figura di un giovane Paolo prostrato, illuminata da un luce intensa, è visibile, presentata in uno scorcio insolitamente complesso. Utilizzando effetti ottici, l'artista raggiunge la monumentalità e la forza della soluzione complessiva.

Nelle ultime opere di Caravaggio si intensifica la drammaticità della visione del mondo e, allo stesso tempo, si manifesta un'inclinazione ancora maggiore alla monumentalizzazione. L'unità e l'intensità dell'azione, l'umore, la completezza e l'originalità delle costruzioni compositive, l'incredibile potere della modellazione di luci e ombre conferiscono loro il carattere di scene reali, piene di grandi sentimenti e pensieri. Di quadro in quadro cresce la forza tragica delle immagini di Caravaggio. Nel dipinto “La Deposizione” (1604, Roma, Pinacoteca Vaticana), su uno sfondo scuro e profondo, si staglia con una luce intensa un gruppo affiatato di persone vicine a Cristo, che calano il suo corpo nella tomba. Sono scortesi e sobri nei loro sentimenti, ma il movimento di ciascuno è caratterizzato da una compostezza speciale. E solo le mani di Maria alzate in un patetico sfogo di disperazione innescano il grave dolore degli altri personaggi, in contrasto con il peso opprimente del corpo senza vita di Cristo. La lastra tombale, sul cui bordo si fermavano i portatori del corpo, sottolinea la solidità statuaria dell'intero gruppo, assimilato a una sorta di monumento. La vista dal basso accresce l'impressione di maestosità.

L'artista raggiunge una grande emotività nella composizione "L'Assunzione di Maria" (1605–1606, Parigi, Louvre), la sincerità mozzafiato delle esperienze che si esprimono nelle pose, nei gesti, nei volti dei dolenti discepoli di Cristo, che circondavano il letto del defunto. Tutto qui è subordinato all'espressione della dolorosa coscienza della tragedia della vita, dell'inevitabilità della sua fine. In sostanza, si tratta di immagini di persone coraggiose del popolo, dotate di profondità di percezione, significato e, allo stesso tempo, immediatezza di espressione di complessi movimenti spirituali. La nitidezza delle osservazioni nella caratterizzazione di ogni personaggio si unisce alla monumentale brevità e alla tragica grandezza.

Il duro realismo dell'opera di Caravaggio non fu compreso dai suoi contemporanei, aderenti all '"arte alta". L'appello alla natura, di cui Caravaggio fece l'oggetto diretto dell'immagine nelle sue opere, e la veridicità della sua interpretazione provocarono molti attacchi all'artista da parte del clero e dei funzionari. Il carattere irascibile di Caravaggio e i continui scontri con gli altri hanno esacerbato le difficoltà della vita. Dopo aver ucciso il compagno durante una partita di pallone, fu costretto a fuggire da Roma. L'anno scorso la sua vita è stata trascorsa a vagare.

L'impatto del lavoro di Caravaggio sullo sviluppo del realismo nell'arte europea fu enorme. Nella stessa Italia c'erano molti dei suoi seguaci, chiamati caravagisti. Ma ancora più significativa fu la sua influenza fuori dall'Italia. Non un solo grande pittore di quel tempo passò dalla passione per il caravagismo, che fu una tappa importante nel percorso dell'arte realistica europea.

Michelangelo Merisi da Caravaggioè sempre stato un cattivo studente, un cattivo cristiano, un amico inaffidabile, un compagno disgustoso, un cattivo insegnante - insomma, è sempre stato una persona terribile. Morì emarginato come aveva vissuto in uno squallido ospedale di Porto Ercole con la febbre malarica. Non c'erano né amici né nemici vicino a lui al momento della morte. Nessuno tranne un vecchio prete, che prega pigramente per la salvezza dell'anima del pittore.

Elencare tutti i vizi di Caravaggio è un compito così noioso e laborioso che anche sei articoli non sono sufficienti per questo. A causa dei suoi omicidi, rapine, stupri, risse tra ubriachi, ma i suoi quadri adornano le pareti. migliori musei pace. Le persone più influenti del suo tempo erano pronte a prenderlo sotto tutela. Sarebbe diventato uno dei principali strumenti di propaganda della Chiesa cattolica. Ma invece della ricchezza, della vita lussuosa nei palazzi e dell'alto rango, l'artista ha sempre preferito i bassifondi sporchi. Ha visto la bellezza dove, secondo tutti i canoni, non poteva essere. E ora su tutto in ordine.

Aveva solo cinque anni quando la peste costò la vita a suo padre e suo nonno. Rimase solo la madre, una donna single che cercava di alimentare l'abisso dei bambini milanesi. Pochissime informazioni sono state conservate su questo periodo della vita di Caravaggio. La madre dell'artista, pensando solo a come nutrire i bambini, non poteva prestare loro la dovuta attenzione. Di conseguenza, il giovane genio ha trascorso la maggior parte del suo tempo per le strade della città: sono diventate la sua prima scuola.

Milano è sempre stata il centro del commercio nel nord Italia. La feccia della società di tutta Europa si è riunita qui, sognando di prendere la fortuna per la coda. Mercenari, prostitute, ladri, assassini: il loro motto era la frase "Nessuna speranza - Nessuna paura". Caravaggio ha imparato bene questa lezione. Prima di iniziare a studiare pittura, ha imparato l'arte che potrebbe essergli più utile nella vita: la scherma. All'età di 13 anni, il futuro artista è andato in prigione dopo una rissa in una taverna che è quasi finita con un omicidio. Poi la madre lo affidò alla bottega di un allievo di Peterzano.

Le sue speranze che le lezioni d'arte guidassero suo figlio sulla retta via alla fine non si concretizzarono. Serate che Michelangelo Caravaggio trascorreva nelle osterie. Risse tra ubriachi, scandali e prigionia si susseguirono. Ma, nonostante ciò, l'artista ha lavorato diligentemente in studio per sviluppare il suo talento. Oltre all'alcol, alle risse e alla pittura, non era interessato a nulla.

La svolta avvenne nel 1590. Poi morì la madre del pittore, che almeno in qualche modo cercò di frenare la natura esplosiva del figlio. Ora aveva i soldi che aveva ereditato, il che significa che c'erano ancora più notti di ubriachezza nella vita di Caravaggio. E così, in un'altra rissa da ubriaco, l'artista ha commesso un omicidio e, in fuga dalla giustizia, è fuggito da Milano. Ma dove poteva andare? Dove potrebbe essere richiesto il suo talento? La risposta, ovviamente, era una: Roma!

Alla fine del XVI secolo a Roma era in corso una vera e propria guerra religiosa ideologica e la pittura era lo strumento più potente della Chiesa cattolica nella lotta contro i protestanti. Erano i dipinti che avrebbero dovuto rivelare il vero significato del cristianesimo a un numero enorme di parrocchiani analfabeti, per mostrare loro quelle viste incredibilmente belle del Paradiso che li attendevano solo dopo la morte. Corpi ideali, privi di sporcizia, bruttezza. Felicità ottenuta attraverso la sofferenza sulla terra.

Ma l'arte di Michelangelo Merisi da Caravaggio è stata una sfida, una sorta di schiaffo al gusto del pubblico, ha seguito la sua strada e non ha accettato compromessi. Non voleva semplicemente copiare il lavoro dei grandi maestri del passato. Non credeva a tutte queste immagini attraenti. L'epidemia di peste che uccise suo padre e suo nonno insegnò a Caravaggio quanto sia fugace e fragile la vita umana. Non sorprende quindi che sia stato lui a realizzare la prima natura morta nella storia della pittura italiana.

Tu chiedi: "Cosa hanno in comune i frutti e la morte?". A prima vista, non c'è niente di speciale in questo lavoro, ma è proprio questo che riflette la visione del mondo dell'artista. Se vedessi un tale "cestino di frutta" nel mercato, molto probabilmente passeresti di lì. Su ciascuno dei frutti sono già visibili tracce di decomposizione, le foglie sono appassite. Questo è un momento ben catturato della transizione dalla vita alla morte, nessun abbellimento, solo la realtà con tutti i suoi momenti sgradevoli. Tuttavia, questo era solo l'inizio.

Soprattutto, il talento di Michelangelo da Caravaggio, il suo desiderio di andare contro tutte le tradizioni esistenti, si è rivelato in un altro quadro dipinto nel 1597. Questa è la Maddalena penitente. Avendo vissuto per molti anni nei bassifondi, l'artista sapeva perfettamente che aspetto avesse una prostituta sofferente quando decise di rivolgersi alla fede.

Molti maestri si sono rivolti a questo popolare soggetto della pittura rinascimentale. La tela di Giampetrino assomiglia meno all'immagine di un peccatore pentito. No, è, al contrario, godersi la bellezza di un corpo giovane. Corrisponde a tutti gli ideali del Rinascimento. Come Giampetrino dipinge minuziosamente i ricci capelli rossi della Maddalena che le ricadono sul petto perfetto. C'è tanta ostentazione in questo, tanta civetteria e voglia di attirare l'attenzione maschile. No, è così che le prostitute non si pentono dei loro peccati, è così che ottengono nuovi clienti.

I dipinti di Tiziano, Luca Giordano si ripetono quasi esattamente l'un l'altro nel simbolismo e nel modo di rappresentare. E ancora, il pentimento su di loro sembra falso. Occhi rivolti al cielo, pieni di lacrime, spalle aperte (quale rimorso senza sessualità?), un teschio che ricorda la fragilità della vita, e un libro che porta alla salvezza, anche se non lo si guarda nemmeno dentro.

Tutto qui è intriso di teatralità, tutto qui parla di artificiosità. Questo è chiaramente uno scatto messo in scena e Caravaggio ha sempre voluto ritrarre solo vita reale e nient'altro.

E la sua Maddalena somiglia davvero a una peccatrice pentita. I suoi occhi sono bassi, il suo viso è un dolore premuroso, perché, avendo deciso di cambiare vita, una persona non si rivolge al cielo, si pone una domanda. Questo è già il finale della trasformazione, conseguenza di una tempesta di emozioni, testimoniata da gioielli costosi sparsi sul pavimento. Non c'è nemmeno l'ombra di civetteria in questa meretrice. È completamente vestita, non c'è niente di provocatorio nel suo vestito.

Inoltre, questo chiaramente non è abbigliamento dell'antichità, nemmeno una stilizzazione per esso. Così fecero i contemporanei di Caravaggio. L'artista sembra mostrare che le storie bibliche sono eterne, non esistono solo nel passato, ma si verificano nella nostra vita quotidiana. Non c'è una sola menzione classica della santità qui. Non c'è folla di putti nudi, nessuna croce, nessun cielo.

Davanti a noi c'è una stanza buia. In una tormentosa frenesia, come una febbre, Magdalena trascorse tutta la notte. E venne il mattino. La luce del sole è ancora molto debole, i suoi raggi morbidi sono visibili solo nell'angolo in alto a destra della tela. L'eroina non li vede ancora. Questo è il punto di svolta della sua vita, quando un ritorno al vecchio è impossibile e il futuro non è ancora del tutto chiaro. Quello stesso presentimento della catarsi, che sta per accadere quando la luce del sole cade sulla meretrice. È congelata tra due realtà. Il suo passato giace sul pavimento come gioielli strappati, e il futuro sta arrivando solo a lei.

Particolare attenzione dovrebbe essere prestata alla posizione delle mani della Maddalena. È così che una madre tiene suo figlio. E davanti a noi c'è una nascita, ma non un bambino, ma la nascita della fede.

Era una parola così nuova nella pittura che Caravaggio non poté fare a meno di notare. La tela fu acquistata dal banchiere vaticano Vincenzo Giustiniani per molto denaro. Tutta Roma parlava dell'artista! È la sensazione principale, è il futuro della guerra di religione. All'età di 26 anni, un milanese orfano e criminale conquistò la città eterna. Gli ordini arrivavano uno dopo l'altro. E lavorava come un posseduto, senza bozze e schizzi, realizzando a volte 5-6 tele di grandi dimensioni all'anno. Ma ogni vero genio ha bisogno di una sfida. Divennero una serie di due dipinti dedicati a S. Matteo. Ma di loro parleremo nel prossimo articolo.

Per qualche tempo nella sua biografia, Caravaggio ha studiato a Milano. Poi nel 1592 Michelangelo venne a Roma, col tempo il cardinale Francisco del Monte divenne il suo mecenate. Per lui Caravaggio realizzò diverse tele, tra cui "Concerto di giovani" (Museo Metropolitano).

Alcune delle opere di genere dell'artista, come "Fortune Teller" (Louvre), sono state realizzate durante il suo soggiorno a Roma. Tuttavia, dopo aver completato Calling of St. Matteo", "Martirio di S. Matteo ”(1598 - 1599, Roma) Caravaggio si dedicò solo a opere con temi religiosi, oltre che a ritratti.

Un carattere acuto, uno stato d'animo mutevole lo hanno coinvolto in diversi litigi rumorosi. E nel 1606, nella biografia di Michelangelo Merisi da Caravaggio, vi fu un trasloco da Roma dopo l'assassinio giovanotto a un duello. Trascorse i successivi cinque anni a Napoli, Malta, Siracusa, Messina.

Rivoluzionario nell'arte, l'artista è stato accusato di copiare la natura. Nei temi religiosi, il suo uso dei vagabondaggi inferiori della vita era considerato irrispettoso. La forte tecnica del chiaroscuro di Caravaggio di figure parzialmente illuminate su uno sfondo scuro fu adottata dai suoi contemporanei. Nonostante il fatto che l'artista non avesse studenti, il suo contributo allo sviluppo dell'arte è enorme.

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L'eccezionale artista italiano Caravaggio (1571-1610) è noto non solo per essere stato il fondatore del realismo nella pittura. Fatto sta che al tramonto sorse, il cui rappresentante più in vista fu Michelangelo Merisi da Caravaggio (da non confondere con).

Ritratto di Caravaggio di Ottavio Leoni, 1621

Se ti piace Fatti interessanti, Poi breve descrizione la vita di un brillante maestro con le sue incredibili avventure, ti porterà sicuramente piacere.

Va detto subito che i dipinti di Caravaggio sono davvero impressionanti anche per chi non è forte nell'arte. Il fatto è che l'artista ha utilizzato la tecnica del "chiaroscuro", che consiste in una netta opposizione di luce e ombra. È grazie a questa tecnica che il maestro in modo speciale ha sottolineato le emozioni e le esperienze dei suoi personaggi.

Un fatto interessante è che Caravaggio, nella sua breve vita (e visse solo 38 anni), non lasciò un solo disegno o schizzo. In altre parole, ha realizzato tutte le sue idee, anche le più complesse, immediatamente sulla tela, senza fasi preliminari.

Giovane Caravaggio

Nato nella piccola città italiana di Caravaggio, che si trova vicino, Michelangelo Merisi, all'età di 13 anni, entra nella bottega di Peterzano. Lì conobbe l'arte della pittura e all'età di 20 anni il giovane artista Caravaggio mostrò grandi promesse.

Tuttavia, la sua natura estremamente schietta e irascibile gli impedisce di costruire una carriera. Costanti scandali, risse e prigionia lo hanno accompagnato per tutta la vita. Da Milano fu costretto a partire d'urgenza per Roma dopo che il gioco di carte finì con scandalo e omicidio.

La vita a Roma

Qui è molto notevole l'osservazione del sacerdote italiano Borromeo, che, avendo conosciuto Caravaggio, lo descrisse così:

"Un uomo rozzo e maleducato, che vaga sempre per le strade e dorme dove può, disegna vagabondi, mendicanti e ubriaconi, e sembra essere una persona completamente felice."

Le prime opere di Caravaggio furono realizzate sotto la notevole influenza di e. Un fatto interessante è che fu a Roma che Michelangelo Merisi ricevette il soprannome di "Caravaggio" dal nome della città in cui nacque. Da allora, nell'arte, è stato conosciuto proprio sotto di lui.

Dopo un altro litigio, Caravaggio finisce nuovamente in prigione, dove incontra Giordano Bruno. Nel 1593 fu sull'orlo della vita o della morte per diversi mesi, poiché si ammalò gravemente di febbre romana (malaria). Nella fase di guarigione, dipinge il suo primo autoritratto. Il dipinto si chiama "Bacco malato".

Soprattutto, è stato reso famoso dai dipinti su soggetti biblici. Non è chiaro come Caravaggio sia riuscito a collegarli con una vita sfrenata e continui scandali. Lanciava indiscriminatamente la sua spada contro chiunque parlasse male delle sue opere d'arte.

Volo da Roma

Nel 1606 il maestro fu bandito da papa Paolo V (il suo ritratto è sotto). E questo significava che chiunque poteva non solo ucciderlo, ma anche ricevere una ricompensa per questo. Certo, il Papa aveva ragioni per una decisione così grave.

Accadde così che durante il gioco della palla scoppiò una rissa tra le due società. Uno era guidato da Caravaggio e l'altro da Ranuccio Tomassoni. Alla fine, Ranuccio Tomassoni è stato ucciso e l'artista è stato accusato del crimine.

Dopo aver ceduto alla corsa, si nasconde nella tenuta Colonna, dove dipinge cupi quadri "San Francesco in meditazione" e "Cena in Emmaus".

Dopodiché, si trasferisce a Napoli, e un anno dopo - a. Ma qui viene nuovamente coinvolto in una sorta di scandalo e finisce di nuovo in prigione. Lo hanno messo nella cosiddetta borsa di pietra, ma in qualche modo è riuscito a scappare da lì.

Nel 1608 Caravaggio salpò per la Sicilia nella città di Siracusa. Girando per le città siciliane, scrive i suoi famosi quadri.

Morte e perdono

Dopo alcuni anni, il cardinale Gonzaga inizia a negoziare con papa Paolo V per perdonare Caravaggio. Sperando in una decisione positiva, l'artista progetta di trasferirsi segretamente più vicino a Roma.

Tuttavia, salpato da Napoli, scompare e non si sa nulla del suo ulteriore destino. Ci sono solo informazioni di cui non tutti gli storici si fidano che sarebbe stato detenuto nella fortezza di Palo, e poi si sarebbe recato a piedi a Porto Ercole.

Fu lì che il 18 luglio, per ragioni sconosciute, il maestro morì all'età di 38 anni. E già il 31 luglio fu emanato un decreto per perdonare Caravaggio. Parallelamente è stato pubblicato anche un messaggio sulla morte dell'artista.

Come abbiamo già detto, Caravaggio ha avuto un enorme impatto sull'arte in generale e sul lavoro di molti artisti eccezionali in particolare. Tuttavia, il suo carattere violento e incredibilmente irascibile è diventato sinonimo.

Testimoni oculari affermano che quando ha dipinto il dipinto "La risurrezione di Lazzaro", aveva bisogno di immagini reali. Essendo un fan del suo lavoro, ordinò che un uomo recentemente assassinato che era stato tirato fuori dalla tomba fosse portato in officina.

Due baby sitter si rifiutarono categoricamente di posare, insieme al cadavere che aveva cominciato a decomporsi. Senza pensarci due volte, Caravaggio estrasse un pugnale e li costrinse a sottomettersi alla sua volontà.

Dipinti di Caravaggio

Di seguito sono i più dipinti famosi Caravaggio. Presta attenzione al loro straordinario realismo, all'incredibile gioco di luci e ombre, nonché alla precisione nel trasmettere le più piccole emozioni. Sembra che gli eroi delle storie vivano la propria vita e solo per un momento si siano bloccati.

"Rounders" (1594)
"Ragazzo con un cesto di frutta"
"Bacco malato" (particolare) (1593)
"Indovino" (1594)
"Cesto di frutta" (1596)
Suonatore di liuto (Hermitage)
"La vocazione dell'apostolo Matteo" (1600)
"Il ragazzo morso dalla lucertola"
"Cupido il vincitore", (1603 circa) Ritratto di Papa Paolo V di Caravaggio. Lo stesso papà che ha messo fuori legge l'artista.

Michelangelo Caravaggio (1571-1610) è un artista italiano che ha abbandonato il modo di dipingere caratteristico della sua epoca e ha gettato le basi per il realismo. Le sue opere riflettono la visione del mondo dell'autore, il suo carattere instancabile. Michelangelo Caravaggio, la cui biografia è piena di momenti difficili, ha lasciato un'eredità impressionante che ispira ancora artisti di tutto il mondo.

Segni dell'epoca

L'artista nacque nel 1571 in Lombardia. Il nome del paese (Caravaggio), in cui nacque Michelangelo, divenne il suo soprannome. Gli storici notano che l'Italia ha avuto molte prove all'epoca in cui Caravaggio viveva e lavorava. Il Paese è stato devastato da guerre e contraddizioni interne, complicate dalla crisi economica. Parte della libertà del Rinascimento fu sostituita da una reazione ecclesiastica. Tutto ciò non poteva che incidere sull'art.

Manierismo e accademismo

Negli anni in cui il pittore italiano Michelangelo Caravaggio iniziò a muoversi modo creativo, la pittura cominciò a riempirsi di soggetti mistici, lontani dalla realtà. Il manierismo sostenuto dalla chiesa, che ebbe origine a metà del XVI secolo, era una tendenza soggettiva, non tesa all'armonia delle componenti spirituali e fisiche.

Poco dopo, quasi alla fine del secolo, apparve la pittura accademica. È caratterizzato dalla semplicità della composizione e dalla monumentalità delle forme, opposte al manierismo. Gli artisti che preferivano l'accademismo si rivolgevano all'antichità con i suoi eroi e le sue immagini idealizzate, liquidando la realtà come non degna di attenzione.

Michelangelo Caravaggio - artista innovativo

La direzione creata da Caravaggio, chiamata dopo la sua morte "caravagismo", ha origine nelle tradizioni pittoriche del Nord Italia. Uno degli insegnanti di Michelangelo Merisi a Milano fu Simone Peterzano. Probabilmente fu da lui che l'artista imparò a usare il contrasto di luci e ombre, che in seguito divenne uno dei principali tratti distintivi di molte delle sue tele.

Michelangelo Caravaggio nel suo lavoro ha continuato le tradizioni dell'approccio realistico dei maestri del Nord Italia. Non divenne un seguace del manierismo o dell'accademismo, ma gettò le basi per una nuova tendenza, provocando spesso critiche sia da parte di altri pittori che della chiesa. Tuttavia, alcune figure religiose hanno patrocinato Caravaggio. Tra questi è degno di nota il cardinale del Monte, che favorì l'artista dal 1592 al 1594, quando Michelangelo visse e operò a Roma.

Provinciale

Michelangelo Caravaggio, la cui biografia, creatività e tutta la vita sono indissolubilmente legate alle città di provincia, raffigurate anche in tele a tema religioso persone normali. Gli eroi dei suoi dipinti sono lontani dagli antichi ideali, si possono trovare per le strade dei paesi italiani. L'artista ha creato molti dipinti di genere (ad esempio, "Indovino", "Giovane con liuto"), in modo realistico, trasmettendo la vita della gente comune. Nei suoi dipinti, raffiguranti varie scene delle Sacre Scritture, apparivano tutt'altro che dettagli canonici, rendendo ministri e martiri della chiesa non idoli, ma persone semplici e comprensibili. Tra questi dipinti si possono chiamare "Maddalena" e "Matteo Apostolo".

I tratti caratteristici delle opere di Michelangelo Caravaggio sono il realismo, che a volte raggiunge il naturalismo estremo, la composizione laconica, il gioco di luci e ombre e l'uso di colori sobri.

"La chiamata dell'apostolo Matteo"

Il celebre ciclo di opere per la chiesa di San Luigi dei Francesi, raffiguranti episodi della vita di San Matteo, l'artista realizzò nel ultimo decennio XVI secolo. Il migliore tra loro è spesso chiamato "La vocazione dell'apostolo Matteo". La composizione acquista un'espressività speciale grazie al contrasto di luci e ombre. Tutti i dettagli principali: - il dito di Cristo, il volto dell'apostolo - sono ben illuminati. L'ombra copre elementi minori della tela. La luce crea un movimento speciale dell'immagine, dirige l'occhio dello spettatore. L'artista in questa immagine ha trovato posto anche per il realismo e i dettagli tipici delle situazioni quotidiane. Ha raffigurato San Matteo, l'esattore delle tasse, che conta i soldi insieme agli aiutanti. Tutti gli eroi del quadro, ad eccezione di Cristo e dell'apostolo Pietro, sono vestiti con costumi moderni per Caravaggio. L'abilità dell'artista ha trovato espressione nella raffigurazione dei volti dei personaggi.

Andare verso l'obiettivo, qualunque cosa accada

Testardo, irrefrenabile e pieno di energia ribollente: così lo descrivono gli storici dell'arte Michelangelo Merisi. Ha costantemente sviluppato il realismo, nonostante le critiche e l'opposizione della chiesa. L'artista ha creato le sue opere più significative nel 1600-1606. Questi includono i dipinti "Visione di Saulo", "Martirio dell'apostolo Pietro", "Assunzione" e altri. Questi dipinti hanno causato disapprovazione da parte della chiesa a causa della deviazione dal modo di raffigurazione accettato, inutile, secondo i dignitari cattolici, realismo e materialismo.

Gloria e fuga da Roma

"The Entombment" è uno dei dipinti di Michelangelo Caravaggio, la cui foto accompagna invariabilmente la descrizione della biografia dell'artista. L'effetto emotivo insolitamente forte prodotto dalla tela è stato ottenuto dal maestro con l'aiuto del contrasto di luci e ombre. L'opera è stata realizzata per la chiesa di Santa Maria in Vallicella nella Città Eterna. La trama drammatica della posizione nella tomba del corpo del Salvatore è scritta dall'artista nei toni del bianco, del rosso e del blu, il cui teso confronto moltiplica l'effetto del gioco di luci e ombre. Questa tela è stata riconosciuta come un capolavoro non solo dagli ammiratori e dai seguaci del maestro, ma anche dai suoi nemici.

Ed è stato proprio nel momento in cui Michelangelo Caravaggio ha raggiunto la fama che il destino ha preparato un'altra prova per l'artista. Nel 1606 dovette fuggire da Roma dopo un duello. Una lite durante una partita di pallone ebbe conseguenze fatali: Caravaggio uccise l'avversario e fu costretto a lasciare la città.

L'anno scorso

Nascondendosi dalla giustizia, l'artista ha continuato a lavorare, anche se le sue condizioni di vita a volte sono diventate insopportabilmente difficili. A Napoli scrisse "Madonna col rosario", "Sette opere di misericordia". L'ultima immagine di questi è una combinazione di diversi soggetti diversi. Nonostante la complessa composizione, la tela non si sfalda in parti separate. L'artista è riuscito a organizzare le trame in un unico insieme.

A Malta, dopo aver litigato con un nobile, Caravaggio fu imprigionato e poi fuggì in Sicilia. Le opere dell'ultimo periodo della vita del maestro sono mal conservate. Le immagini relative a questo periodo sono piene di drammaticità. Questi includono la sepoltura di S. Lucia", "La decapitazione di Giovanni Battista", "L'Adorazione dei pastori". Questi dipinti sono uniti dallo spazio notturno, che fa da sfondo all'azione principale e si separano con riluttanza, mostrando gli eroi della tela.

Gli ultimi anni di Caravaggio trascorsi girovagando per la Sicilia. Poco prima di morire si recò a Roma, dove gli fu promesso aiuto per ottenere il perdono dal papa. Tuttavia, anche qui il destino non era disposto ad incontrarlo a metà strada. Sulla strada per la Città Eterna, l'artista si ammalò. Morì a Porto d'Ercole nel 1610 per una febbre.

L'artista italiano Michelangelo Caravaggio, le cui fotografie adornano tutte le opere sulla storia dell'arte del XVII secolo, ha avuto un'enorme influenza sullo sviluppo della pittura. È difficile immaginare quanti altri capolavori avrebbe potuto creare il maestro se la sua vita non fosse finita all'età di 38 anni. Tuttavia, il fatto che l'artista sia riuscito a creare lo ha reso uno dei maestri più venerati del passato. Essendo diventato l'antenato del realismo, ha ispirato molti famosi pittori dell'Europa occidentale a creare capolavori. Rubens, Rembrandt, Velasquez e molti altri appartengono al loro numero. I seguaci di Michelangelo Merisi in Italia iniziarono a definirsi caravagisti, rendendo omaggio al pioniere del genere.