Dr. escultor griego y fundidor 4 letras. Esculturas griegas antiguas

La antigua Grecia era uno de los estados más grandes del mundo. Durante su existencia y en su territorio se sentaron las bases del arte europeo. Los monumentos culturales que se conservan de ese período dan testimonio de los mayores logros de los griegos en el campo de la arquitectura, el pensamiento filosófico, la poesía y, por supuesto, la escultura. Han sobrevivido pocos originales: el tiempo no perdona ni siquiera las creaciones más singulares. Conocemos en gran medida la habilidad por la que eran famosos los escultores antiguos gracias a fuentes escritas y posteriores copias romanas. Sin embargo, esta información es suficiente para comprender la importancia de la contribución de los habitantes del Peloponeso a la cultura mundial.

Periodos

Escultores Antigua Grecia No siempre fueron grandes creadores. La era del apogeo de su habilidad fue precedida por el período arcaico (siglos VII-VI aC). Las esculturas que nos han llegado de aquella época se distinguen por su simetría y carácter estático. No tienen esa vitalidad y ese movimiento interno oculto que hace que las estatuas parezcan personas congeladas. Toda la belleza de estos obras tempranas expresado a través del rostro. Ya no es tan estático como el cuerpo: una sonrisa irradia un sentimiento de alegría y serenidad, dando un sonido especial a toda la escultura.

Tras el final del período arcaico, sigue la época más fructífera, en la que los antiguos escultores de la Antigua Grecia crearon sus más trabajos famosos. Se divide en varios períodos:

• Clásico temprano - principios del siglo V. antes de Cristo mi.;
• alto clásico - siglo V antes de Cristo mi.;
• Clásico tardío - siglo IV. antes de Cristo mi.;
• Helenismo - finales del siglo IV. antes de Cristo mi. — yo siglo norte. mi.

Tiempo de transición

Los Clásicos Tempranos son el período en el que los escultores de la Antigua Grecia comenzaron a alejarse de la posición estática del cuerpo y buscar nuevas formas de expresar sus ideas. Las proporciones se llenan de belleza natural, las poses se vuelven más dinámicas y los rostros se vuelven expresivos.

El escultor de la antigua Grecia Myron creó precisamente durante este período. En fuentes escritas, se caracteriza por ser un maestro en transmitir la estructura anatómicamente correcta del cuerpo, capaz de captar la realidad con gran precisión. Los contemporáneos de Myron también señalaron sus defectos: en su opinión, el escultor no supo dar belleza y vivacidad a los rostros de sus creaciones.

Las estatuas del maestro encarnan héroes, dioses y animales. Sin embargo, el escultor de la antigua Grecia Mirón dio mayor preferencia a la representación de los atletas durante sus logros en las competiciones. El famoso “Discobolus” es su creación. La escultura no ha sobrevivido hasta el día de hoy en su forma original, pero existen varias copias de ella. “Lanzador de discoteca” representa a un atleta preparándose para lanzar su proyectil. El cuerpo del atleta está magníficamente ejecutado: los músculos tensos indican la pesadez del disco, el cuerpo retorcido parece un resorte listo para desplegarse. Parece sólo un segundo y el deportista lanzará el proyectil.

También se consideran magníficamente ejecutadas por Mirón las estatuas "Atenea" y "Marsias", que también nos han llegado sólo en forma de copias posteriores.

Apogeo

Destacados escultores de la antigua Grecia trabajaron durante todo el período de los grandes clásicos. En este momento, los maestros en la creación de relieves y estatuas comprenden tanto los métodos de transmisión del movimiento como los conceptos básicos de la armonía y las proporciones. Los grandes clásicos son el período de formación de los fundamentos de la escultura griega, que más tarde se convirtieron en el estándar para muchas generaciones de maestros, incluidos los creadores del Renacimiento.

En esta época trabajaban el escultor de la antigua Grecia Policleto y el brillante Fidias. Ambos hicieron que la gente se admirara durante su vida y no fueron olvidados durante siglos.

Paz y harmonia

Policleto trabajó en la segunda mitad del siglo V. antes de Cristo mi. Es conocido como un maestro en la creación de esculturas que representan a atletas en reposo. A diferencia del "Disco Thrower" de Miron, sus atletas no están tensos, sino relajados, pero al mismo tiempo el espectador no tiene dudas sobre su poder y capacidades.

Policleto fue el primero en utilizar una posición corporal especial: sus héroes a menudo descansaban sobre un pedestal con una sola pierna. Esta postura creaba una sensación de relajación natural propia de una persona en reposo.

Canon

Se considera que la escultura más famosa de Policleto es "Doríforo" o "Lancero". La obra también se llama canon del maestro, ya que encarna algunos de los principios del pitagorismo y es un ejemplo de una forma especial de plantear una figura, el contrapposto. La composición se basa en el principio del movimiento transversal desigual del cuerpo: el lado izquierdo (la mano que sostiene la lanza y la pierna echada hacia atrás) está relajado, pero al mismo tiempo en movimiento, a diferencia del derecho tenso y estático. (la pierna de apoyo y el brazo estirados a lo largo del cuerpo).

Posteriormente Policleto utilizó una técnica similar en muchas de sus obras. Sus principios básicos están recogidos en un tratado de estética que no ha llegado hasta nosotros, escrito por el escultor y llamado “Canon”. Policleto dedicó un lugar bastante importante al principio, que también aplicó con éxito en sus obras, cuando este principio no contradecía los parámetros naturales del cuerpo.

genio reconocido

Todos los escultores antiguos de la Antigua Grecia durante el período alto clásico dejaron creaciones admirables. Sin embargo, el más destacado entre ellos fue Fidias, considerado legítimamente el fundador del arte europeo. Desafortunadamente, la mayoría de las obras del maestro han sobrevivido hasta nuestros días sólo como copias o descripciones en las páginas de tratados de autores antiguos.

Fidias trabajó en la decoración del Partenón ateniense. Hoy en día se puede dar una idea de la habilidad del escultor a partir del relieve de mármol conservado, de 1,6 m de largo, que representa a numerosos peregrinos dirigiéndose hacia el Partenón, donde se perdieron el resto de las decoraciones. La misma suerte corrió la estatua de Atenea, instalada aquí y creada por Fidias. La diosa, hecha de marfil y oro, simbolizaba la ciudad misma, su poder y grandeza.

Maravilla del mundo

Puede que otros escultores destacados de la antigua Grecia fueran poco inferiores a Fidias, pero ninguno de ellos podía presumir de haber creado una maravilla del mundo. Olympic fue realizado por un maestro para la ciudad donde se celebraron los famosos Juegos. La altura del Trueno, sentado en un trono dorado, era asombrosa (14 metros). A pesar de tal poder, el dios no parecía formidable: Fidias creó un Zeus tranquilo, majestuoso y solemne, algo estricto, pero al mismo tiempo amable. Antes de su muerte, la estatua atrajo a muchos peregrinos que buscaban consuelo durante nueve siglos.

Clásico tardío

Con finales del siglo V. antes de Cristo mi. Los escultores de la Antigua Grecia no se secaron. Los nombres Scopas, Praxíteles y Lisipo son conocidos por todos los interesados ​​en el arte antiguo. Trabajaron en el siguiente período, llamado los clásicos tardíos. Las obras de estos maestros desarrollan y complementan los logros de la época anterior. Cada uno a su manera, transforman la escultura, enriqueciéndola con nuevos temas, formas de trabajar el material y opciones para transmitir emociones.

Pasiones hirviendo

A Skopas se le puede considerar innovador por varias razones. Los grandes escultores de la Antigua Grecia que le precedieron prefirieron utilizar el bronce como material. Skopas creó sus creaciones principalmente de mármol. En lugar de la tradicional calma y armonía que llenaban sus obras en la Antigua Grecia, el maestro optó por la expresión. Sus creaciones están llenas de pasiones y emociones, se parecen más a personas reales que a dioses imperturbables.

El friso del mausoleo de Halicarnaso se considera la obra más famosa de Skopas. Representa la Amazonomaquia, la lucha de los héroes de los mitos griegos con las guerreras amazonas. Las principales características del estilo inherente al maestro son claramente visibles en los fragmentos conservados de esta creación.

Suavidad

Otro escultor de este período, Praxíteles, es considerado el mejor maestro griego en cuanto a transmitir la gracia del cuerpo y la espiritualidad interior. Una de sus obras más destacadas, Afrodita de Cnidos, fue reconocida por los contemporáneos del maestro como la mejor creación jamás creada. La diosa se convirtió en la primera representación monumental del cuerpo femenino desnudo. El original no nos ha llegado.

Los rasgos del estilo característico de Praxíteles son plenamente visibles en la estatua de Hermes. Con la postura especial del cuerpo desnudo, la suavidad de las líneas y la suavidad de los medios tonos del mármol, el maestro logró crear un ambiente algo onírico que literalmente envuelve la escultura.

Atención a los detalles

Al final de la era clásica tardía, trabajó otro famoso escultor griego, Lisipo. Sus creaciones se distinguieron por un naturalismo especial, una cuidadosa elaboración de detalles y cierta alargamiento de proporciones. Lisipo se esforzó por crear estatuas llenas de gracia y elegancia. Perfeccionó sus habilidades estudiando el canon de Policleto. Los contemporáneos notaron que las obras de Lisipo, a diferencia de Doríforo, daban la impresión de ser más compactas y equilibradas. Según la leyenda, el maestro era el creador favorito de Alejandro Magno.

influencia oriental

A finales del siglo IV comienza una nueva etapa en el desarrollo de la escultura. antes de Cristo mi. Se considera que la frontera entre ambos períodos es la época de las conquistas de Alejandro Magno. Con ellos comienza realmente la era del helenismo, que fue una combinación del arte de la antigua Grecia y los países orientales.

Las esculturas de este período se basan en los logros de maestros de siglos anteriores. El arte helenístico dio al mundo obras como la Venus de Milo. Al mismo tiempo aparecieron los famosos relieves del Altar de Pérgamo. En algunas obras del helenismo tardío, hay una notable apelación a temas y detalles cotidianos. La cultura de la Antigua Grecia en esta época tuvo una fuerte influencia en el desarrollo del arte del Imperio Romano.

Finalmente

No se puede subestimar la importancia de la antigüedad como fuente de ideales espirituales y estéticos. Los antiguos escultores de la Antigua Grecia sentaron no sólo las bases de su propio oficio, sino también los estándares para comprender la belleza del cuerpo humano. Pudieron resolver el problema de representar el movimiento cambiando la postura y desplazando el centro de gravedad. Los antiguos escultores de la Antigua Grecia aprendieron a transmitir emociones y experiencias con la ayuda de la piedra procesada, a crear no solo estatuas, sino figuras prácticamente vivientes, listas para moverse en cualquier momento, suspirar, sonreír. Todos estos logros formarán la base para el florecimiento de la cultura durante el Renacimiento.

En la escultura monumental, que era propiedad de todo el colectivo de ciudadanos libres, en las esculturas que se encontraban en plazas o templos decorados, el ideal estético cívico se manifestaba más claramente. La escultura monumental tuvo un fuerte impacto social y educativo en la vida de las ciudades-estado griegas. Las obras de este tipo reflejan más claramente esa ruptura. principios artísticos, que acompañó la transición de lo arcaico a lo clásico. El contradictorio carácter transitorio de las obras escultóricas de esta época se manifiesta claramente en los conocidos grupos de frontones del templo de Atenea Afaya en la isla de Egina (ca. 490 a. C., restaurado por el escultor danés Thorvaldsen a principios del siglo XIX, Munich , Gliptoteca).

Las composiciones de ambos frontones están construidas sobre la base de la simetría especular, lo que les confiere características ornamentales. El frontón occidental, mejor conservado, representa la lucha entre griegos y troyanos por el cuerpo de Patroclo. En el centro está la figura de la diosa Atenea, patrona de los griegos. Tranquila y desapasionada, parece estar invisiblemente presente entre los combatientes. No hay una frontalidad arcaica en las figuras de los guerreros; sus movimientos son más reales y más variados que en los arcaicos, pero se desarrollan estrictamente a lo largo del plano del frontón. Cada figura individual es bastante realista, pero en los rostros de los guerreros combatientes y heridos, una sonrisa arcaica es un signo de convención, incompatible con la descripción de la tensión y el drama de la batalla.

Las esculturas del frontón oriental (la figura de Hércules) se distinguen por una mayor libertad de detalle y una precisión realista en la interpretación del cuerpo y la transmisión de movimientos, lo que se nota especialmente al comparar a los guerreros heridos de ambos frontones. Para la destrucción de las convenciones restrictivas del arte arcaico, fue de gran importancia la aparición de obras escultóricas dedicadas a determinados acontecimientos históricos. Tal es el grupo de tiranicidios Harmodio y Aristogeiton (c. 477 a. C., Nápoles, Museo Nacional) - Critias y Nesiota. Como la mayoría de las esculturas griegas, se perdió y ha sobrevivido hasta nuestros días en una copia romana de mármol. Aquí, por primera vez en la escultura monumental, se da la construcción de un grupo, unido por acción y trama. La dirección uniforme de los movimientos y gestos de los héroes que derrotan al tirano crea la impresión de integridad artística del grupo, su integridad compositiva y argumental. Sin embargo, los movimientos todavía se interpretan de forma bastante esquemática, los rostros de los personajes carecen de dramatismo.

La importancia social y educativa del arte de los primeros clásicos estaba inextricablemente fusionada con su encanto artístico. Una nueva comprensión de las tareas del arte se reflejó también en una nueva comprensión de la imagen humana y los criterios de belleza. El nacimiento del ideal de una persona desarrollada armoniosamente se revela en la imagen del “Auriga de Delfos” (c. 470 aC, Delfos, Museo). Esta es una de las pocas esculturas griegas antiguas auténticas que nos han llegado y forma parte de un gran grupo escultórico. La imagen de un ganador en los concursos se da de forma generalizada y sencilla. Está lleno de calma severa y grandeza de espíritu. Todos los detalles están ejecutados con gran vitalidad, subordinados a la estricta construcción del conjunto. El ideal heroico de los primeros clásicos quedó plasmado en la escultura de Zeus el Trueno (c. 460 a. C., Atenas, Museo Nacional). El problema del movimiento se resolvió en “Los victoriosos en la carrera” (segundo cuarto del siglo V a. C., Roma, Vaticano). En lugar de la agudeza angular de los primeros esculturas clasicas surge una unidad estrictamente armoniosa, que transmite la impresión de naturalidad y libertad: “Niño sacando una astilla” (segundo cuarto del siglo V a. C., Roma, Palacio Conservatori).

El tema mitológico sigue ocupando un lugar destacado en el arte, pero el lado fantástico del mito pasa a un segundo plano. En las imágenes mitológicas, en primer lugar, se revela el ideal de fuerza y ​​​​belleza de una persona real. Un ejemplo de repensar una trama mitológica es un relieve que representa el nacimiento de Afrodita (la diosa del amor y la belleza) de la espuma del mar, el llamado "Trono de Ludovisi" (c. 470 a. C., Roma, Museo Termal). A los lados del trono de mármol están representados: una niña desnuda tocando la flauta y una mujer vestida con ropa larga frente a un quemador de incienso. Estas figuras son inherentes a una clara armonía de formas y proporciones, una tranquila naturalidad de los movimientos.

En el lado central del Trono, dos ninfas sostienen a Afrodita emergiendo del agua. La austera belleza de su rostro es sorprendentemente realista. Las ropas mojadas que cubren el cuerpo de Afrodita forman una fina red de líneas onduladas, parecidas a corrientes de agua. Los guijarros marinos sobre los que descansan los pies de las ninfas indican el lugar de la acción. Aunque hay ecos del arte arcaico en la simetría de la composición, ya no pueden perturbar vitalidad y el asombroso encanto poético de este relieve. Integridad de los vivos imagen artística Aparece claramente en los grupos de frontones del Templo de Zeus en Olimpia (468-456 a. C., Olimpia, Museo), completando el período. búsquedas creativas primeros clásicos. Estas imágenes ampliadas representan la siguiente etapa en el desarrollo de la plasticidad de los frontones en comparación con los frontones del Templo de Egina con su composición decorativa convencional.

Al negarse a la completa subordinación de la imagen escultórica a las tareas de decoración de formas arquitectónicas, las esculturas de los frontones olímpicos establecieron conexiones más profundas entre las imágenes arquitectónicas y escultóricas, lo que condujo a su igualdad y enriquecimiento mutuo. Rompiendo con los principios de convención y simetría arcaicas, partieron de observaciones de la vida. La ubicación de las figuras en ambos frontones viene determinada por el contenido semántico. El frontón oriental del Templo de Zeus está dedicado al mito de la carrera de carros entre Pélope y Enómao, que supuestamente marcó el inicio de los Juegos Olímpicos. Los héroes están representados antes del inicio de la competición. La majestuosa figura de Zeus en el centro del frontón, la calma solemne de los participantes que se preparan para la competición dan a la composición del frontón una euforia festiva, detrás de la cual se puede sentir la tensión interna. Las cinco figuras centrales, de pie en poses libres, parecen corresponder al ritmo de las columnas sobre las que se elevan. Cada héroe actúa como un individuo, como un participante consciente en la acción general; tales son el "Auriga" y el "Joven que saca una espina", incluidos en los grupos laterales del frontón.

El carácter realista de la escultura se revela especialmente claramente en la composición del frontón occidental, que representa la batalla de los lapitas con los centauros. La composición está llena de movimiento, libre de simetría, pero estrictamente equilibrada. En su centro está Apolo, a los lados hay un grupo de luchadores y centauros. Sin repetirse, los grupos están mutuamente equilibrados tanto en términos de masa total como de intensidad de movimientos. Las figuras de los luchadores están inscritas con precisión en el suave triángulo del frontón, y la tensión de los movimientos aumenta hacia las esquinas del frontón a medida que se alejan del Apolo, de pie tranquilamente y sobriamente imperioso, cuya figura destaca por su gran tamaño y es el centro dramático de esta composición compleja y al mismo tiempo fácilmente visible. El rostro de Apolo es armoniosamente hermoso, su gesto de guía es confiado. Aunque la batalla en el frontón todavía está en pleno apogeo, la victoria de la voluntad y la razón humanas sobre los centauros, que personifican las fuerzas elementales de la naturaleza, se percibe como claramente predeterminada. La imagen de un ciudadano, atleta y guerrero, se vuelve central en el arte de los clásicos. Las proporciones corporales y las diversas formas de movimiento se han convertido en los medios de caracterización más importantes. Poco a poco, el rostro de la persona representada se va liberando de la rigidez y la estática. Pero en ningún otro lugar se combina la generalización típica con la individualización de la imagen. La singularidad personal de una persona y su carácter no atrajeron la atención de los maestros de los primeros clásicos griegos. Al crear una imagen típica de un ciudadano humano, el escultor no se esforzó en revelar el carácter individual. Éstas fueron a la vez la fuerza y ​​las limitaciones del realismo de los clásicos griegos.

Mirón. La búsqueda de imágenes heroicas, típicamente generalizadas, caracteriza la obra de Mirón de Eleutera, que trabajó en Atenas a finales del segundo y principios del tercer cuarto del siglo V. antes de Cristo mi. Luchando por la unidad de lo armoniosamente bello y lo directamente vital, se liberó de los últimos ecos de las convenciones arcaicas. Las peculiaridades del arte de Mirón se manifestaron claramente en el famoso "Discobolus" (c. 450 aC, Roma, Museo de los Baños). Como muchas otras esculturas, Disco Thrower fue realizada en honor a una persona concreta, aunque no tiene carácter de retrato. El escultor representó en rápido movimiento a un joven hermoso de espíritu y cuerpo. El lanzador se muestra en el momento en que pone todas sus fuerzas en lanzar el disco. A pesar de la tensión que impregna la figura, la escultura da la impresión de estabilidad. Esto está determinado por la elección del momento del movimiento, su punto culminante.

Inclinándose, el joven echó hacia atrás la mano con el disco, y el cuerpo elástico, como un resorte, se enderezó rápidamente, la mano con fuerza, como un resorte, se enderezó rápidamente, la mano con fuerza arrojó el disco al espacio. Un momento de paz dará una estabilidad monumental a la imagen. A pesar de la complejidad del movimiento, la escultura “Discobolus” conserva el punto de vista principal, permitiendo ver inmediatamente toda su riqueza figurativa.

Tranquilo autocontrol, dominio sobre tus sentimientos. característica Visión del mundo clásica griega, que determina la medida del valor ético de una persona. La afirmación de la belleza de la voluntad racional, que restringe el poder de la pasión, encontró expresión en grupo escultórico“Atenea y Marsias (mediados del siglo V a. C., Frankfurt; Roma, Museo de Letrán), creada por Mirón para la Acrópolis de Atenas.

Planificación viaje a grecia, muchas personas están interesadas no sólo en hoteles confortables, sino también historia fascinante este país antiguo, una parte integral del cual son los objetos de arte.

Un gran número de tratados de famosos historiadores del arte están dedicados específicamente a la escultura griega antigua, como rama fundamental de la cultura mundial. Desafortunadamente, muchos monumentos de esa época no sobrevivieron en su forma original y se conocen por copias posteriores. Al estudiarlos, puedes rastrear la historia del desarrollo del griego. Artes visuales desde el periodo homérico hasta la época helenística, y resaltar las creaciones más llamativas y famosas de cada periodo.

Afrodita de Milo

La mundialmente famosa Afrodita de la isla de Milos se remonta al período helenístico del arte griego. En este momento, gracias a los esfuerzos de Alejandro Magno, la cultura de Hellas comenzó a extenderse mucho más allá de la península de los Balcanes, lo que se reflejó notablemente en las bellas artes: las esculturas, pinturas y frescos se volvieron más realistas, los rostros de los dioses en ellos. Tener rasgos humanos: poses relajadas, una mirada abstracta, una sonrisa suave.

Estatua de Afrodita Venus, o como la llamaban los romanos, está hecha de mármol blanco como la nieve. Su altura es ligeramente mayor que la altura humana y mide 2,03 metros. La estatua fue descubierta por casualidad por un marinero francés común y corriente, quien en 1820, junto con un campesino local, desenterró a Afrodita cerca de los restos de un antiguo anfiteatro en la isla de Milos. Durante el transporte y las disputas aduaneras, la estatua perdió sus brazos y su pedestal, pero se conservó una constancia del autor de la obra maestra indicada en ella: Agesandro, hijo de Ménidas, residente en Antioquía.

Hoy, después de una cuidadosa restauración, Afrodita se exhibe en el Louvre de París y atrae cada año a millones de turistas con su belleza natural.

Nike de Samotracia

La creación de la estatua de la diosa de la victoria Nike se remonta al siglo II a.C. Las investigaciones han demostrado que Nika estaba instalada sobre la costa del mar en un acantilado escarpado: su ropa de mármol ondea como impulsada por el viento y la inclinación de su cuerpo representa un movimiento constante hacia adelante. Los pliegues más finos de la ropa cubren el fuerte cuerpo de la diosa, y poderosas alas se extienden en alegría y triunfo de la victoria.

La cabeza y los brazos de la estatua no se conservaron, aunque se descubrieron fragmentos individuales durante las excavaciones de 1950. En particular, Karl Lehmann y un grupo de arqueólogos encontraron la mano derecha de la diosa. La Nike de Samotracia es ahora una de las piezas más destacadas del Louvre. Su mano nunca fue incluida en la exposición general; sólo se restauró el ala derecha, que está hecha de yeso.

Laocoonte y sus hijos

Una composición escultórica que representa la lucha mortal de Laocoonte, el sacerdote del dios Apolo y sus hijos, con dos serpientes enviadas por Apolo en venganza por el hecho de que Laocoonte no escuchó su voluntad y trató de impedir que el caballo de Troya entrara en la ciudad. .

La estatua estaba hecha de bronce, pero su original no ha sobrevivido hasta el día de hoy. En el siglo XV, se encontró una copia de mármol de la escultura en el territorio de la "casa dorada" de Nerón y, por orden del Papa Julio II, se instaló en un nicho separado del Belvedere del Vaticano. En 1798, la estatua de Laocoonte fue transportada a París, pero tras la caída del gobierno de Napoleón, los británicos la devolvieron a su lugar original, donde se conserva hasta el día de hoy.

La composición, que representa la desesperada lucha agonizante de Laocoonte contra el castigo divino, inspiró a muchos escultores de finales de la Edad Media y el Renacimiento, y dio lugar a una moda para representar los complejos y vertiginosos movimientos del cuerpo humano en bellas artes.

Zeus del Cabo Artemision

La estatua, encontrada por buzos cerca del cabo Artemision, está hecha de bronce y es una de las pocas obras de arte de este tipo que ha sobrevivido hasta nuestros días en su forma original. Los investigadores no están de acuerdo sobre si la escultura pertenece específicamente a Zeus, creyendo que también puede representar al dios de los mares, Poseidón.

La estatua tiene 2,09 m de altura y representa al dios griego supremo, que levantando su mano derecha para lanzar un rayo con justa ira. El rayo en sí no ha sobrevivido, pero por numerosas figuras más pequeñas se puede juzgar que tenía la apariencia de un disco de bronce plano y muy alargado.

Después de casi dos mil años de estar bajo el agua, la estatua casi no sufrió daños. Sólo faltaban los ojos, que presumiblemente estaban hechos de marfil y con incrustaciones de piedras preciosas. Puedes ver esta obra de arte en el Museo Arqueológico Nacional, que se encuentra en Atenas.

Estatua de Diadumen

Una copia en mármol de una estatua de bronce de un joven que se corona con una diadema, símbolo de la victoria deportiva, probablemente adornaba el lugar de la competición en Olimpia o Delfos. La diadema en ese momento era una venda de lana roja que, junto con las coronas de laurel, se otorgaba a los ganadores de los Juegos Olímpicos. El autor de la obra, Policleto, la interpretó en su estilo favorito: el joven está en ligeros movimientos, su rostro muestra total calma y concentración. El atleta se comporta como un merecido ganador: no muestra fatiga, aunque su cuerpo necesita descanso después de la pelea. En la escultura, el autor logró transmitir con mucha naturalidad no solo los pequeños elementos, sino también la posición general del cuerpo, distribuyendo correctamente la masa de la figura. La proporcionalidad total del cuerpo es el pináculo del desarrollo de este período: el clasicismo del siglo V.

Aunque el original de bronce no ha sobrevivido hasta el día de hoy, se pueden ver copias del mismo en muchos museos de todo el mundo: el Museo Arqueológico Nacional de Atenas, el Louvre, el Metropolitan y el Museo Británico.

Afrodita Braschi

La estatua de mármol de Afrodita representa a la diosa del amor desnudándose antes de tomar su baño legendario, a menudo mítico, que le devuelve la virginidad. Afrodita sostiene en su mano izquierda la ropa que se ha quitado, que cae suavemente sobre una jarra que hay cerca. Desde el punto de vista de la ingeniería, esta solución hizo que la frágil estatua fuera más estable y le dio al escultor la oportunidad de darle una postura más relajada. La singularidad de Afrodita Brasca es que se trata de la primera estatua conocida de la diosa, cuyo autor decidió representarla desnuda, lo que en un momento se consideró una audacia inaudita.

Hay leyendas según las cuales el escultor Praxíteles creó a Afrodita a imagen de su amada, la hetera Friné. Cuando su antiguo admirador, el orador Eutias, se enteró de esto, provocó un escándalo, a raíz del cual Praxíteles fue acusado de blasfemia imperdonable. En el juicio, el abogado defensor, al ver que sus argumentos no satisfacían la impresión del juez, arrancó la ropa de Phryne para mostrar a los presentes que un cuerpo tan perfecto de la modelo simplemente no podía ocultar un alma oscura. Los jueces, partidarios del concepto de kalokagathia, se vieron obligados a absolver completamente a los acusados.

La estatua original fue llevada a Constantinopla, donde murió en un incendio. Muchas copias de Afrodita han sobrevivido hasta el día de hoy, pero todas tienen sus propias diferencias, ya que fueron reconstruidas a partir de descripciones e imágenes verbales y escritas en monedas.

Juventud maratón

Estatua hombre joven hecho de bronce, y presumiblemente representa al dios griego Hermes, aunque no se observan requisitos previos ni atributos del mismo en las manos o ropa del joven. La escultura fue levantada desde el fondo de la Bahía de Maratón en 1925 y desde entonces ha sido añadida a la exposición del Museo Arqueológico Nacional de Atenas. Debido a que la estatua estuvo mucho tiempo bajo el agua, todas sus características se conservaron muy bien.

El estilo en el que se realizó la escultura revela el estilo del famoso escultor Praxíteles. El joven se encuentra en una posición relajada, con la mano apoyada en la pared contra la que estaba instalada la figura.

Lanzador de disco

La estatua del antiguo escultor griego Myron no se conserva en su forma original, pero es ampliamente conocida en todo el mundo gracias a sus copias de bronce y mármol. La escultura es única porque fue la primera en representar a una persona en un movimiento complejo y dinámico. Una decisión tan audaz del autor sirvió como un ejemplo sorprendente para sus seguidores, quienes, con no menos éxito, crearon obras de arte al estilo de la "Figura serpentinata", una técnica especial que representa a una persona o un animal en una forma tensa y a menudo antinatural. Pose, pero muy expresiva, desde el punto de vista del observador.

Auriga de Delfos

La escultura de bronce de un auriga fue descubierta durante las excavaciones realizadas en 1896 en el Santuario de Apolo en Delfos y es un ejemplo clásico de arte antiguo. La figura representa a un joven griego antiguo conduciendo un carro durante Juegos Píticos.

La singularidad de la escultura radica en el hecho de que se ha conservado la incrustación de piedras preciosas de los ojos. Las pestañas y los labios del joven están decorados con cobre, y la diadema es de plata y presumiblemente también tenía incrustaciones.

El momento de creación de la escultura, teóricamente, se sitúa en la confluencia entre lo arcaico y lo clásico temprano: su postura se caracteriza por la rigidez y la ausencia de cualquier indicio de movimiento, pero la cabeza y el rostro están hechos con bastante realismo. Como en esculturas posteriores.

Atenea Partenos

Majestuoso estatua de la diosa Atenea No ha sobrevivido hasta el día de hoy, pero hay muchas copias restauradas de acuerdo con descripciones antiguas. La escultura estaba hecha enteramente de marfil y oro, sin el uso de piedra ni bronce, y se encontraba en el templo principal de Atenas, el Partenón. Rasgo distintivo diosa: un casco alto decorado con tres crestas.

La historia de la creación de la estatua no estuvo exenta de momentos fatales: en el escudo de la diosa, el escultor Fidias, además de representar la batalla con las Amazonas, colocó su retrato en forma de un anciano débil que levanta un pesado piedra con ambas manos. El público de esa época evaluó ambiguamente el acto de Fidias, que le costó la vida: el escultor fue encarcelado, donde se quitó la vida con veneno.

La cultura griega se convirtió en la fundadora del desarrollo de las bellas artes en todo el mundo. Incluso hoy, considerando algunos pinturas modernas y las estatuas pueden detectar la influencia de esta antigua cultura.

Antigua Grecia se convirtió en la cuna en la que se cultivó activamente el culto a la belleza humana en sus manifestaciones físicas, morales e intelectuales. Residentes de Grecia de esa época no sólo adoraban a muchos dioses olímpicos, sino que también intentaban parecerse a ellos lo más posible. Todo esto se refleja en las estatuas de bronce y mármol: no solo transmiten la imagen de una persona o una deidad, sino que también las acercan entre sí.

Aunque muchas de las estatuas no han sobrevivido hasta nuestros días, sus copias exactas se pueden ver en muchos museos de todo el mundo.

Salónica en Grecia. Historia, lugares de interés (sexta parte)

Control otomano de la ciudad en últimas décadas El dominio turco fue el pilar de su desarrollo, especialmente en infraestructura. Se construyó un gran número de nuevos edificios públicos en un estilo ecléctico para darle a Salónica una cara europea. Entre 1869 y 1889 las murallas de la ciudad fueron destruidas como consecuencia de la ampliación prevista de la ciudad. En 1888 comenzó el primer servicio de la línea de tranvía y ya en 1908 las calles de la ciudad estaban iluminadas con lámparas y postes eléctricos. A partir del mismo año, el ferrocarril unió Salónica con Europa Central a través de Belgrado, Monastir y Constantinopla. La ciudad volvió a adquirir su “rostro griego” nacional sólo después de la partida de los conquistadores turcos y la obtención de la libertad del Estado. Sin embargo, los turbulentos acontecimientos del siglo pasado dejaron su huella en la imagen moderna de la ciudad. Actualmente, Salónica desempeña el papel de una metrópoli con una población bastante mixta: aquí viven representantes de más de 80 naciones, sin contar los grupos étnicos menores.

Eubea, o Evia en griego moderno, es la segunda isla más grande de Grecia: unos 3.900 km2. Sin embargo, la posición insular de Eubea es bastante relativa: la isla está separada de la Grecia continental por el estrecho de Evripos, ¡cuya anchura es de sólo 40 m! Los antiguos griegos conectaban Eubea con el continente mediante un puente de unos 60 m de largo.

Navidad en Athos. Romería en Navidad

Se le llama el destino terrenal de la Madre de Dios y el principal lugar santo para todos los cristianos. Este es el Monte Athos, alrededor del cual existen muchas leyendas y historias increíbles curación increíble. El Monte Athos es sagrado no sólo para los griegos, sino también para cientos de miles de cristianos en todo el mundo. Nunca una mujer ha puesto un pie en la tierra de este monasterio monástico excepto el pie de la Madre de Dios, como la misma Madre de Dios legó.

Alejandrópolis

Muchas personas no son ajenas al deseo de viajar en verano a algún lugar del sur. Incluso si van a Grecia, todavía quieren relajarse en su parte sur. Te sugiero visitar la ciudad tracia de Alejandrópolis, situada en el noreste de Hellas. La ciudad fue fundada por el gran comandante y conquistador Alejandro Magno en el año 340 a.C. mi.

Minihotel

Mini-hotel, ILIAHTIADA Apartments es un pequeño hotel moderno, construido en 1991, ubicado en Chalkidiki, en la península de Kassandra, en el pueblo de Kriopigi, a 90 km del aeropuerto de Macedonia en Tesalónica. El hotel ofrece amplias habitaciones y un ambiente acogedor. Este es un lugar excelente para unas vacaciones familiares económicas. El hotel está ubicado en un área de 4500 metros cuadrados. metro.

Ya hemos hablado de ORÍGENES. La línea de puntos prevista se interrumpió por motivos objetivos, pero aún así quiero continuar. Permítanme recordarles que nos detuvimos en la historia profunda: en el arte de la antigua Grecia. ¿Qué recordamos del plan de estudios escolar? Como regla general, tres nombres permanecen firmemente en nuestra memoria: Mirón, Fidias, Policleto. Luego recordamos que también estuvieron Lisipo, Escopas, Praxíteles y Leocares... Entonces, veamos qué es qué. Entonces, el tiempo de acción es 4-5 siglos antes de Cristo, el lugar de acción es la Antigua Grecia.

PITÁGORO DE REGIA
Pitágoras de Regio (siglo V a. C.) es un escultor griego antiguo del período clásico temprano, cuyas obras se conocen únicamente por menciones de autores antiguos. Han sobrevivido varias copias romanas de sus obras, incluida mi favorita, “El niño sacando una espina”. Esta obra dio origen a la llamada escultura de jardín.

Pitágoras de Rhegium Boy quitando una astilla ca. copia original del museo capitolino

MIRON
Miron (Μύρων) - escultor de mediados del siglo V. antes de Cristo mi. Escultor de la época que precedió inmediatamente al mayor florecimiento del arte griego (finales del siglo VI - principios del siglo V). Los antiguos lo caracterizan como el mayor realista y experto en anatomía, que, sin embargo, no supo dar vida y expresión a los rostros. Representaba dioses, héroes y animales, y con especial amor reproducía posturas difíciles y fugaces. Su obra más famosa es “El lanzador de disco”, un atleta que intenta lanzar un disco, una estatua que ha llegado hasta nuestros días en varios ejemplares, de los cuales el mejor es de mármol y se encuentra en el Palacio Massimi de Roma.

Lanzador de disco.
FIDIAS.
Uno de los fundadores del estilo clásico es el escultor griego Fidias, que decoró con sus esculturas tanto el Templo de Zeus en Olimpia como el Templo de Atenea (Partenón) en la Acrópolis de Atenas. Fragmentos del friso escultórico del Partenón se encuentran ahora en el Museo Británico (Londres).




Fragmentos del friso y frontón del Partenón. Museo Británico, Londres.

Las principales obras escultóricas de Fidias (Atenea y Zeus) se perdieron hace mucho tiempo, los templos fueron destruidos y saqueados.


Partenón.

Hay muchos intentos de reconstruir los templos de Atenea y Zeus. Usted puede leer sobre ello aquí:
La información sobre el propio Fidias y su legado es relativamente escasa. Entre las estatuas existentes no hay ni una sola que sin duda perteneciera a Fidias. Todo el conocimiento sobre su obra se basa en descripciones de autores antiguos, en el estudio de ejemplares posteriores, así como en obras supervivientes que se atribuyen a Fidias con mayor o menor certeza.

Más sobre Fidia http://biography-peoples.ru/index.php/f/item/750-fidij
http://art.1september.ru/article.php?ID=200901207
http://www.liveinternet.ru/users/3155073/post207627184/

Bueno, sobre el resto de representantes de la cultura griega antigua.

POLICLETO
Escultor griego de la segunda mitad del siglo V. antes de Cristo mi. Creador de muchas estatuas, incluidas las de los ganadores. juegos Deportivos, para los centros religiosos y deportivos de Argos, Olimpia, Tebas y Megalópolis. El autor del canon de representación del cuerpo humano en escultura, conocido como el “Canon de Policleto”, según el cual la cabeza mide 1/8 de la longitud del cuerpo, la cara y las palmas miden 1/10 y el el pie es 1/6. El canon se observó en la escultura griega hasta el final, el llamado. época clásica, es decir, hasta finales del siglo IV. antes de Cristo e., cuando Lisipo estableció nuevos principios. Su obra más famosa es "Doriphoros" (Lancero). Esto es de la enciclopedia.

Policleto. Doríforo. Museo Pushkin. Copia en yeso.

PRAXITEL

AFRODITA DE CNIDO (Copia romana del original del siglo IV a. C.) Roma, Museos Nacionales (cabeza, brazos, piernas y ropajes restaurados)
Una de las obras más famosas de la escultura antigua es Afrodita de Cnidos, la primera escultura griega antigua (altura: 2 m), que representa a una mujer desnuda antes de bañarse.

Afrodita de Cnido, (Afrodita de Braschi) Copia romana, siglo I. ANTES DE CRISTO. Gliptoteca de Múnich

Afrodita de Cnidos. Mármol de grano medio. Torso - Copia romana del siglo II. norte. copia de la égida del Museo Pushkin
Según Plinio, la estatua de Afrodita para el santuario local fue encargada por los habitantes de la isla de Kos. Praxíteles realizó dos opciones: una diosa desnuda y una diosa vestida. Praxíteles cobró el mismo precio por ambas estatuas. Los clientes no se arriesgaron y optaron por la opción tradicional, con figura drapeada. Sus copias y descripciones no han sobrevivido y ha caído en el olvido. Y la Afrodita de Knidos, que permaneció en el taller del escultor, fue comprada por residentes de la ciudad de Knidos, lo que fue favorable para el desarrollo de la ciudad: los peregrinos comenzaron a acudir en masa a Knidos, atraídos por la famosa escultura. Afrodita estaba en un templo al aire libre, visible desde todos lados.
Afrodita de Cnido disfrutó de tal fama y fue copiada con tanta frecuencia que incluso contaron una anécdota sobre ella, que formó la base del epigrama: “Al ver a Cipris en Cnido, Cipris dijo tímidamente: “¡Ay de mí, dónde me vio Praxíteles desnudo? "
Praxíteles creó a la diosa del amor y la belleza como la personificación de la feminidad terrenal, inspirándose en la imagen de su amada, la bella Friné. De hecho, el rostro de Afrodita, aunque creado según el canon, con la mirada soñadora de ojos lánguidos y ensombrecidos, tiene un toque de individualidad que apunta a un original específico. Al crear una imagen casi de retrato, Praxíteles miró hacia el futuro.
Se ha conservado una leyenda romántica sobre la relación entre Praxíteles y Friné. Dicen que Friné le pidió a Praxíteles que le entregara su mejor trabajo. Estuvo de acuerdo, pero se negó a decir cuál de las estatuas consideraba la mejor. Entonces Friné ordenó al sirviente que informara a Praxíteles sobre el incendio en el taller. El maestro asustado exclamó: “¡Si la llama destruyó tanto a Eros como a Sátiro, entonces todo murió!” Entonces Friné aprendió qué tipo de trabajo podía pedirle a Praxíteles.

Praxíteles (presumiblemente). Hermes con el niño Dioniso, siglo IV. ANTES DE CRISTO. Museo en Olimpia
La escultura “Hermes con el niño Dioniso” es típica del período clásico tardío. Ella no personifica la fuerza física, como antes era costumbre, sino la belleza y la armonía, la comunicación humana sobria y lírica. La representación de los sentimientos, la vida interior de los personajes es un fenómeno nuevo en arte antiguo, no típico de los grandes clásicos. La masculinidad de Hermes se ve enfatizada por la apariencia infantil de Dioniso. Las líneas curvas de la figura de Hermes son elegantes. Su cuerpo fuerte y desarrollado carece del atletismo característico de las obras de Policleto. La expresión facial, aunque desprovista de rasgos individuales, es suave y pensativa. El cabello estaba teñido y sujeto con una venda plateada.
Praxíteles logró una sensación de calor corporal modelando finamente la superficie del mármol y con gran habilidad transmitió en piedra la tela del manto de Hermes y la ropa de Dioniso.

ESCOPAS

Museo de Olimpia, Skopas Maenad Copia romana reducida en mármol del original del primer tercio del siglo IV.
Skopas: antiguo escultor y arquitecto griego del siglo IV. antes de Cristo e., representante del Clásico Tardío. Nacido en la isla de Paros, trabajó en Teges (hoy Piali), Halicarnaso (hoy Bodrum) y otras ciudades de Grecia y Asia Menor. Como arquitecto, participó en la construcción del templo de Atenea Aley en Tegea (350-340 a. C.) y del mausoleo en Halicarnaso (mediados del siglo IV a. C.). Entre las obras originales de S. que nos han llegado, la más importante es el friso del mausoleo de Halicarnaso con la imagen de la Amazonomaquia (mediados del siglo IV a. C.; junto con Briaxis, Leocharo y Timoteo; fragmentos se encuentran en el Museo Británico, Londres; ver ilustración). Se conocen numerosas obras de S. a partir de copias romanas ("Pothos", "Joven Hércules", "Meleagro", "Ménade", ver ilustración). Habiendo abandonado el arte característico del siglo V. Tranquilidad armoniosa de la imagen, S. recurrió a la transmisión de fuertes experiencias emocionales y la lucha de pasiones. Para realizarlos, S. utilizó una composición dinámica y nuevas técnicas de interpretación de los detalles, especialmente los rasgos faciales: ojos hundidos, pliegues de la frente y boca abierta. Saturada de patetismo dramático, la creatividad de S. tuvo una gran influencia en los escultores de la cultura helenística (ver Cultura helenística), en particular en las obras de los maestros de los siglos III y II que trabajaron en la ciudad de Pérgamo.

LISIPO
Lisipo nació alrededor del año 390 en Sikyon, en el Peloponeso, y su obra ya representa la parte helénica posterior del arte de la antigua Grecia.

Lisipo. Hércules con un león. Segunda mitad del siglo IV. antes de Cristo mi. Copia romana en mármol de un original en bronce. San Petersburgo, Hermitage.

LEOCHAR
Leocares: antiguo escultor griego del siglo IV. antes de Cristo BC, quien en la década de 350 trabajó con Skopas en la decoración escultórica del Mausoleo de Halicarnaso.

Leochar Artemisa de Versalles (copia romana del siglo I-II del original alrededor del siglo 330 a. C.) París, Louvre

Leohar. Apollo Belvedere Este soy yo con él en el Vaticano. Perdón por las libertades, pero es más fácil no cargar la copia en yeso.

Bueno, luego estaba el helenismo. Lo conocemos bien por la Venus (en griego Afrodita) de Milón y Nike de Samotracia, que se conservan en el Louvre.

Venus de Milo. Alrededor del 120 a.C. Lumbrera.

Nike de Samotracia. DE ACUERDO. 190 aC mi. Lumbrera