Arkhip Ivanovich Kuindzhi, Boschetto di betulle. Ricordi di Kuindzhi Quando Kuindzhi dipinse l'immagine di un boschetto di betulle
Http://gallerix.ru Nel 1879, alla settima mostra dell'Associazione delle mostre d'arte itineranti, Kuindzhi mostrò il Birch Grove, che in seguito divenne famoso. La reazione di artisti e spettatori è stata unanime: Kuindzhi ha sorpreso tutti con l'insolita immagine. Ha continuato le tradizioni del paesaggio romantico russo.
In "Birch Grove" l'artista ha ottenuto un effetto decorativo e con questa tecnica, sconosciuta nel paesaggio russo, ha creato l'immagine di un mondo sublime, scintillante, radioso. Una giornata di sole gioiosa e languida è catturata nell'immagine con colori puri e sonori, la cui brillantezza è ottenuta da una giustapposizione contrastante di colori.
Gruppi di betulle sono posizionati sulla tela con precisa accuratezza. Le basi dei tronchi sono intenzionalmente appiattite, il che crea una certa convenzionalità. La decoratività si manifesta in modo statico: il fogliame sugli alberi sembra essersi congelato e l'aria è così trasparente che è ovvio: non c'è un solo soffio di brezza nella radura. Il boschetto in fondo all'immagine è privo di dettagli: è un muro verde scuro, progettato per mettere in risalto i contrasti di colore. Dopo aver tagliato le corone di betulle con il bordo superiore dell'immagine, Kuindzhi lascia al centro rami verdi separati che sono caduti nel campo visivo. Sono disegnati in uno schema chiaro sullo sfondo del verde più scuro degli alberi distanti, che esacerba ulteriormente la sensazione di luce solare intensa. Un'armonia insolita dà all'immagine il colore verde che penetra nell'azzurro del cielo, nel candore dei tronchi di betulla, nell'azzurro del ruscello. Il ruscello "conduce" in profondità nell'immagine, nella foresta (nella sua sagoma scura), perso in una foschia misteriosa, e dona una sensazione di freschezza, frescura. Si sente non solo il fascino del paesaggio circostante, ma anche la sua potente forza terrena. L'artista non evidenzia i dettagli della foresta, al contrario, generalizza le sagome in un'unica massa pesante, addensa il colore. Il dipinto è stato effettivamente dipinto da uno nel verde ed è costruito su un netto contrasto tra le macchie solari al centro e le ombre dense nelle profondità. La composizione simmetrica (un ruscello la divide quasi a metà), i piani spaziali chiaramente fissati danno origine all'effetto di uno sguardo abilmente composto: Kuindzhi ha lavorato a memoria, senza utilizzare studi sul campo. Forzando il contrasto tra luce e ombra, l'artista ottiene l'impressione di una luce solare abbagliante. La natura sembra essere immobile. Sembra essere incantata da una forza sconosciuta.
Kuindzhi, con la sua decoratività, semplificazione e uso innovativo del potere del colore, era per molti versi in anticipo sui tempi, e quindi non tutti accettarono immediatamente l'opera, sebbene fosse il Birch Grove a diventare la "vocazione" dell'artista carta".
Il dipinto è attualmente in Galleria Tretyakov A mosca.
Isaac Ilyich Levitan è un artista che si è giustamente guadagnato la reputazione di creatore del “paesaggio dell'umore”. La natura nelle sue pittoresche creazioni risplende della dolce luce dell'amore. Questa è l'immagine di Levitan "Birch Grove", che il maestro creò all'età di ventinove anni.
origini
La biografia dell'artista è avvolta nel mistero: non gli piaceva parlare dell'infanzia e della famiglia, durante la sua vita ha distrutto il suo intero archivio. Un fascio di lettere ritrovato dopo la sua morte conteneva un "avvoltoio": "Brucia senza leggere", cosa che fu fatta. Secondo le poche memorie dei contemporanei, si può stabilire che Levitan mostrò molto presto il dono di un disegnatore e si unì a questo tipo di arte. All'età di 13 anni divenne studente della Scuola di pittura, scultura e architettura di Mosca. I suoi insegnanti furono Polenov e Savrasov, i più famosi allora Artisti russi. Il dipinto di Levitan "Birch Grove" ci ricorda il legame inestricabile e profondo che unisce i nostri paesaggisti, che hanno sentito così profondamente la natura del meraviglioso
Un paesaggista che non ha eguali
Le foto degli insegnanti hanno catturato l'immaginazione del giovane Levitan. Era particolarmente affascinato dall'idea di incarnare sulla tela l'anima stessa della natura, i suoi molteplici stati d'animo. Isaak Ilyich ha parlato del suo insegnante A. Savrasov come di un pittore che ha saputo trovare nell'ordinario tratti profondamente intimi, insolitamente toccanti, così fortemente sentiti nel paesaggio russo. Le prime opere del giovane Levitan erano un po' come il modo di un insegnante. Umori elegiaci, ombre crepuscolari, oggetti cupi e pensierosi - paludi, stagni, cimiteri rurali abbandonati - hanno tutti dimostrato la vicinanza dell'estetica delle tele di Levitan al modo creativo di Savrasov.
Ma ben presto lo studente ha dimostrato il proprio "linguaggio" pittorico, dal quale ormai tutti lo riconoscono inconfondibilmente.
Il dipinto di Levitan "Birch Grove": la storia della creazione
Erano gli anni del riavvicinamento con il notevole scrittore russo Anton Cechov. Insieme alla famiglia Cechov, Levitan si riposò vicino al villaggio di Babkino. Fu lì che nacque il magnifico dipinto di Levitan "Birch Grove". Il maestro lo creò per quattro anni, dopo aver completato il suo lavoro sul Volga. Oggi questo capolavoro è esposto alla Galleria Statale Tretyakov di Mosca.
Respiro della foresta russa
"Birch Grove" di Isaac Levitan dovrebbe iniziare con il fatto che il vero oggetto da cui l'artista ha dipinto alberi splendenti di perle e smeraldi era Plesskaya Grove.
L'atmosfera di gioia inspiegabile, freschezza e ottimismo trasuda questa immagine piccola ma espressiva. Come fa Levitan a raggiungere una tale forza emotiva? Naturalmente, qui c'è una fusione di abilità e armonia, che costituisce la base del mondo interiore dell'artista.
Il gioco di luci e ombre
Cosa è attraente per il dipinto di uno specialista Levitan "Birch Grove"? L'analisi della tecnica e delle tecniche utilizzate dall'artista consente di ripristinare le caratteristiche uniche del pennello del maestro. L'intero spazio dell'immagine è pieno solo di erba, in cui brillano scintille blu e gialle di fiori, tronchi, corone verde brillante: il cielo non è visibile, né un animale né un uccello sfarfallano da nessuna parte. Tuttavia, la foresta continua a vivere! Lo sentiamo alito fresco, sentiamo l'allegro fruscio del fogliame. L'artista trasmette abilmente il movimento dei raggi caldi, ispirando il paesaggio con tremante tenerezza e gioia. Due betulle in primo piano stupiscono con lirismo e plausibilità. Macchie rosa e marroni calde si adagiano dolcemente sui tronchi. L'immagine ricorda l'immediatezza e il ritmo leggero e puro dell'impressionismo.
I contemporanei affermano che l'amico di Levitan, Anton Pavlovich Cechov, ha detto all'autore che in questa immagine, come in nessun'altra, si può sentire il sorriso di un artista brillante.
Kuindzhi Arkhip Ivanovich (1842-1910)
Arkhip Ivanovich Kuindzhi nacque nel 1842 alla periferia di Mariupol nella famiglia di un calzolaio greco. Il cognome Kuindzhi deriva dal soprannome del nonno, che in tartaro significa "orafo". Nel 1845 suo padre, Ivan Khristoforovich, morì improvvisamente, subito dopo sua madre. Arkhip, di tre anni, viene allevato alternativamente dal fratello e dalla sorella del defunto Ivan Khristoforovich. Arkhip Ivanovich iniziò a imparare a leggere e scrivere con un insegnante greco, poi in una scuola cittadina. All'età di dieci anni, Kuindzhi smette di studiare: viene assegnato a un imprenditore edile. Da imprenditore edile, Kuindzhi va dal fornaio Amoretti come garzone di stanza.
La passione per il disegno lo ha portato a Feodosia da I.K. Aivazovsky. A quanto pare, Kuindzhi ricevette le sue prime lezioni di pittura non da Aivazovsky, ma da Fessler, un giovane pittore che lavorò e allo stesso tempo studiò con Aivazovsky. Ma presto Arkhip Ivanovich torna a Mariupol, dove va a lavorare come ritoccatore nello studio fotografico del fratello maggiore.
Nel 1866, Kuindzhi andò a San Pietroburgo per entrare all'Accademia delle arti. Ha superato due volte gli esami all'Accademia delle Arti ed entrambe le volte senza alcun risultato: la formazione artistica si è rivelata debole. Nel 1868, Kuindzhi presentò il dipinto “Tatar saklya” a una mostra accademica, per la quale ricevette il titolo di artista non di classe. Nello stesso anno fu accettato come volontario presso l'Accademia. All'Accademia, Kuindzhi fece amicizia con I. E. Repin e V. M. Vasnetsov, incontrò I. N. Kramskoy, M. M. Antokolsky, V. E. Makovsky. I futuri vagabondi determinarono in gran parte i suoi interessi artistici.
Creato da Arkhip Ivanovich nel 1872, il dipinto “Autumn Thaw” era vicino nel suo orientamento realistico ai dipinti dei Wanderers. Sembra difficile trovare a quel tempo un'opera che riflettesse così noiosamente, così disperatamente, l'oscurità della vita russa. Kuindzhi non solo ha trasmesso una fredda giornata autunnale, una strada sbiadita con pozzanghere opache e lucenti, ma ha introdotto nel paesaggio una figura solitaria di una donna con un bambino, che cammina a malapena nel fango. Negli anni Novanta dell’Ottocento, l’artista ripeté il “Disgelo autunnale” in un’immagine speculare. Il dipinto, intitolato “Autunno. Nebbia”, rimasta incompiuta.
Nel 1870-1873, Kuindzhi visitò spesso l'isola di Valaam. Di conseguenza, apparvero i dipinti “Lago Ladoga” (1870) e “Sull’isola di Valaam” (1873). In "Lago Ladoga" Kuindzhi ha superato la tensione eccessiva nella trasmissione dello stato meteorologico, caratteristica delle opere dei tardo romantici. Il paesaggio è eseguito con grazia: sottili sfumature di luce, pittoresca integrità della scrittura tonale rimuovono i contrasti luminosi che, di regola, trasmettono una sensazione drammatica.
Nel dipinto “Sull'isola di Valaam”, l'artista racconta la natura dell'isola, con le sue coste granitiche bagnate da canali, con fitte foreste scure, alberi caduti. Il tono argento-bluastro dell'immagine conferisce uno speciale innalzamento emotivo. Nel 1873, il dipinto “Sull’isola di Valaam” fu completato ed esposto in una mostra accademica. Dopo la mostra, Kuindzhi ha parlato della stampa, notando il suo talento originale e grande. I. E. Repin ha scritto a P. M. Tretyakov sull'opera di Kuindzhi "Sull'isola di Valaam": "Piace terribilmente a tutti, e Kramskoy è venuto da me non più di oggi - è felicissimo di lei".
Sempre nel 1873, Kuindzhi espose il dipinto “Snow” alla Society for the Encouragement of Arts, per il quale nel 1874 mostra internazionale a Londra riceve una medaglia di bronzo.
Nel 1873 Kuindzhi viaggia per la Germania. Ha visitato Berlino, Dusseldorf, Colonia, Monaco. Lo scopo principale del viaggio all'estero è lo studio degli antichi maestri, particolarmente ben rappresentati nella Pinacoteca di Monaco. Oltre alla Germania, Kuindzhi ha visitato la Francia e Londra. Poi è tornato in Russia attraverso la Svizzera e Vienna.
Al suo ritorno in Russia, nel 1874, Kuindzhi dipinse il dipinto “Il villaggio dimenticato”, che, in termini di nitidezza del suono sociale, spietata verità dell'esposizione del villaggio russo, riecheggiava i dipinti dei Vagabondi. La miseria del villaggio russo è espressa nella foto con colori arrugginiti. La natura è percepita in connessione con l'esistenza cupa e devastata dell'uomo. L'abbandono della vita umana è enfatizzato dal cielo grigio opaco, dalle lunghe linee dell'orizzonte e dalla triste vista del villaggio deserto. Il dipinto non è stato esposto ad una mostra accademica, ma alla III mostra dell'Associazione dei Viandanti. A proposito del "Villaggio Dimenticato" i critici hanno scritto: "È così triste che afferra il cuore".
Il tema della realtà cupa e senza speranza Kuindzhi è continuato nel "tratto Chumatsky". L'artista ha raffigurato un flusso infinito di carri che si muovono lentamente in una giornata uggiosa attraverso la steppa autunnale. La sensazione di freddo e umidità è esaltata dalla combinazione di colori della tela. V. M. Garshin ha scritto del "Chumatsky Trakt": "Fango irraggiungibile, pioggia, strada, buoi bagnati e non meno creste bagnate, foresta bagnata, ululando diligentemente lungo la strada per il maltempo. Tutto questo in qualche modo fa male al cuore.
Nel 1875, in uno stato d'animo completamente diverso, furono scritti "La steppa di sera" e "La steppa in fiore". L'artista ha affermato in essi la bellezza della natura, ha ammirato il potere vivificante del calore solare. Questi lavori essenzialmente iniziano nuova fase creatività di un artista affermato.
Nello stesso anno Kuindzhi fa un secondo viaggio all'estero. All'arrivo a casa, Kuindzhi afferma di non essere affascinato dall'arte francese. Vide Fortuny ed era insoddisfatto della vacuità dei suoi colori. Kuindzhi non ha da nessuna parte una trascrizione letterale del metodo impressionistico. L'atteggiamento nei confronti della plasticità impressionistica era complesso e procedeva a ondate. Kuindzhi si rivelò vicino ai maestri francesi nelle ricerche plastiche degli anni Novanta dell'Ottocento. All'arrivo dalla Francia, ha cercato di padroneggiare la luce e l'aria dell'ambiente nel modo in cui gli consentiva la tradizione russa.
Nel 1876, Kuindzhi presentò la "Notte ucraina" alla quinta mostra itinerante. Con grande forza poetica si è rivelata la straordinaria bellezza della notte ucraina... Sulla riva di un piccolo fiume sono appollaiate capanne ucraine illuminate dalla luce della luna. I pioppi si precipitarono. Le stelle luminose brillano nel cielo blu, come se fossero fatte di velluto. Per trasmettere in modo così naturale ed espressivo il chiaro di luna, lo scintillio delle stelle, tutto nella foto è costruito sullo sviluppo virtuoso delle relazioni tonali, sulla ricchezza delle combinazioni di colori. Successivamente, M. V. Nesterov ha ricordato l'impressione lasciata dall'immagine: “Ero completamente perplesso, ero deliziato fino al languore, a una sorta di oblio di tutto ciò che vive dalla famosa “Notte ucraina” di Kuindzhi. E che spettacolo magico era, e quanto poco è rimasto ora di questa meravigliosa immagine! I colori sono cambiati mostruosamente!”. Nel 1878 la "Notte ucraina" fu presentata all'Esposizione Mondiale di Parigi. “Kuindzhi”, hanno scritto i critici francesi, “è senza dubbio il più interessante tra i giovani pittori russi. La nazionalità originaria si avverte in lui ancor più che negli altri.
Nel 1879 Kuindzhi scrisse "Nord" e nel 1881 "Dnepr al mattino". Il dipinto "Nord" ha continuato la serie di paesaggi settentrionali iniziata dal "Lago Ladoga". Questa immagine non può essere definita impressionista. Tuttavia, Kuindzhi raggiunge ancora la vibrazione cromatica dell'aria. Ciò si ottiene mediante i semitoni, le sfumature più fini dei colori rosa pallido e madreperla e la separazione di un tratto di colore. Allo stesso tempo, l'artista ottiene una visione panoramica della terra, che sfuma in distanze nebbiose. Nel "Nord" si avverte l'immobilità della terra, la cui statica è in contatto con il tremolante dinamico del cielo. Il dipinto "Nord" completò la trilogia, concepita nel 1872, e fu l'ultimo di questa serie. Lunghi anni poi Kuindzhi canta la natura della fascia meridionale e centrale della Russia.
Nel dipinto “Dnepr in the Morning”, Kuindzhi ha mostrato nuovamente interesse nel trasmettere l’ambiente cromatico. L'aria scolorisce il colore. Il tratto dell'artista non è sensibile come quello degli impressionisti, ma impetuoso e frazionario. La nebbia non nasconde i contorni del soggetto, come nel “disgelo autunnale”, ma è satura di colore, rappresentando una massa densa in movimento. Kuindzhi conserva una composizione panoramica, una prospettiva distante, che conferisce stabilità all'immagine, ma l'ambiente aereo scritto in modo intricato porta una leggera rinascita al lento sistema dei sentimenti.
Nel 1879, Kuindzhi espose "Birch Grove" e "After a Thunderstorm" in una mostra itinerante. Il paesaggio “After the Thunderstorm” è pieno di vita, movimento, una sensazione di freschezza della natura bagnata dalla pioggia. Ma il dipinto "Birch Grove" ha avuto il maggior successo alla mostra. Lavorando su questa immagine, Kuindzhi stava cercando, prima di tutto, la composizione più espressiva. Il primo piano è immerso nell'ombra: così viene enfatizzata la saturazione del prato verde con il sole. Una giornata di sole viene catturata nell'immagine con colori puri e sonori, la cui brillantezza è ottenuta per contrasto, giustapponendo colori, raffinati al candore. Una straordinaria armonia di colori è data dal colore verde, che penetra nell'azzurro del cielo, nel candore dei tronchi di betulla, nell'azzurro del ruscello su un prato pianeggiante. L'effetto del contrasto luce-colore, in cui il colore non è silenzioso, ma forzato, crea l'impressione di chiarezza del mondo. La natura sembra immobile, come incantata da una forza sconosciuta. Il paesaggio è lontano dalla quotidianità, il che gli conferisce una certa purezza.
Nel bosco di betulle l'artista contempla la bellezza. Pertanto, le vere ricchezze della natura, le sue molteplici attrattive sono presentate come un piano generale. L'immagine è sintetizzata nel colore: il prato si presenta come un piano piatto, come un tavolo, il cielo è un fondale altrettanto colorato, il boschetto è quasi una silhouette, i tronchi di betulla in primo piano sembrano uno scenario piatto. In assenza di dettagli distraenti, dettagli meschini, nasce un'impressione complessiva del volto della natura, di perfetta bellezza. La natura nel "Birch Grove" di Kuindzhi è reale e condizionale. "Birch Grove" non si adattava completamente alla plasticità del realismo sviluppato: gli elementi decorativi interferivano. Allo stesso tempo, l'immagine prefigurava debolmente trasformazioni romantiche. L’ottimismo dell’immagine sembrava esprimere quella sete di “piacevole”, che dopo qualche tempo fu chiaramente formulata da V. A. Serov e altri artisti del circolo dei Mammut.
Nell'opera dell'artista il colore è liberato dalla tonalità scura. In natura, Kuindzhi cattura le più belle gradazioni di colore. Nella pittura, l'artista varia liberamente illuminazione, mezzitoni, luminosità. Attiva deliberatamente, giustappone ad alta voce i colori complementari. Kuindzhi comprendeva alla perfezione la sottile conoscenza dell'armonia di colori, colore, tono. Questa sua capacità si manifestò pienamente nei dipinti del 1879 e nelle opere che li seguirono.
Alla fine degli anni '70 dell'Ottocento, i rapporti di Kuindzhi con i Vagabondi si deteriorarono drasticamente. Nel marzo 1880 lasciò l'Associazione delle mostre d'arte itineranti.
Nel 1880, Kuindzhi organizza una mostra di uno dei suoi dipinti presso la Società per l'incoraggiamento delle arti: "Notte al chiaro di luna sul Dnepr", questa mostra ebbe un enorme successo.
L'abilità di Kuindzhi nel trasmettere la luce della luna è il risultato dell'enorme lavoro dell'artista, di una lunga ricerca. Ha sperimentato molto, ha studiato le leggi dell'azione colori aggiuntivi, cercando il tono giusto, lo ha controllato con le relazioni cromatiche nella natura stessa. "Moonlight Night on the Dnieper" raffigurava non tanto una visione specifica quanto un vasto spazio celeste, l'universo. L'immagine si sintonizzava su riflessioni filosofiche sulla vita, sull'esistenza terrena, sul mondo celeste, come se si calmasse in una corrente lenta. Per Kuindzhi, una percezione contemplativa e filosofica del mondo diventa caratteristica, riempiendo una persona con la coscienza della grandezza dell'esistenza terrena.
La novità plastica dell'artista sta nel raggiungimento dell'illusione ultima della luce. Questo effetto è stato ottenuto grazie alla verniciatura a vetri multistrato, al contrasto di luci e colori. Kuindzhi ha utilizzato anche colori aggiuntivi in questa immagine. Il colore caldo della terra fa risaltare il freddo, smeraldo, come uno spettacolo fosforescente della luce lunare sulla superficie del Dnepr.
L'arte di Kuindzhi si distingueva nettamente sullo sfondo del realismo e dell'accademismo erranti ed era incomprensibile per i colleghi, causando sconcerto. I. N. Kramskoy era scoraggiato dalla luminosità decorativa dei dipinti di Kuindzhi, che, come gli sembrava, davano una riproduzione errata della realtà: “Qualcosa nei suoi principi di colore mi è completamente inaccessibile; forse questo è un principio pittorico completamente nuovo. […] Posso anche capire e perfino ammirare la sua “Foresta” come qualcosa di febbrile, una specie di sogno terribile, ma il suo sole che tramonta sulle capanne va decisamente oltre la mia comprensione. Sono un completo idiota di fronte a questa foto. Vedo che il colore stesso della capanna bianca è così vero, così vero, che per i miei occhi è altrettanto faticoso guardarlo quanto vivere la realtà: cinque minuti dopo mi fa male l'occhio, mi giro dall'altra parte, chiudo la occhi e non voglio più guardare. Questa è creatività? È un’impressione artistica?... In breve, non capisco bene Kuindzhi.”
Kuindzhi propose nuovi principi dell’arte romantica, riducendo così all’estremo il divario tra il romanticismo accademico in dissolvenza e l’emergere della nuova arte romantica.
Nel 1881 l'artista creò il dipinto "Dnepr al mattino". Non ci sono giochi di luce, decorazioni luminose in esso, attrae con calma maestosità, potere interiore, la potente forza della natura. Una combinazione sorprendentemente sottile di puri toni rosa dorato, lilla, argentati e grigio-verdastri ti consente di trasmettere il fascino delle erbe in fiore, delle distanze infinite, delle prime mattine della steppa.
La mostra del 1882 fu l'ultima per l'artista. Il direttore delle mostre itineranti, Ya. D. Minchenkov, cita Kuindzhi: “... Un artista ha bisogno di esibirsi alle mostre purché, come un cantante, abbia una voce. E appena la voce si calma, devi andartene, non farti vedere, per non essere ridicolizzato. Così sono diventato Arkhip Ivanovich, noto a tutti, beh, va bene, e poi ho visto che non potevo più farlo, che la mia voce sembrava cominciare a calmarsi. Ebbene, diranno: Kuindzhi c'era e Kuindzhi non c'era più! Quindi non voglio che sia così, ma lasciare Kuindzhi solo per sempre. ”
Il periodo di "silenzio" è stato occupato da intenso lavoro creativo. Kuindzhi era alla ricerca di nuovi pigmenti e basi macinate che rendessero le vernici resistenti all'influenza dell'aria e mantenessero la loro luminosità originale, cercava anche soluzioni figurative espressive. Durante questo periodo furono realizzati circa cinquecento dipinti e trecento opere grafiche, alcune delle quali indicano l'area di nuovi interessi creativi, altre continuano e approfondiscono quelli antichi. Le ricerche plastiche di Kuindzhi si svilupparono parallelamente: il realismo coesisteva con il romanticismo, il decorativismo con la natura, l'impressionismo - accanto alla plasticità espressiva.
Tra gli schizzi di Kuindzhi, scritti in questo periodo, ci sono "Inverni" (1885-1890, 1890-1895, 1898-1908), che trasmettono sensibilmente lo stato del tempo: umidità, neve che si scioglie, fango o aria umida, dissolvendo i contorni di oggetti. Questi schizzi si distinguono per la loro facilità di esecuzione, sorprendente precisione e accuratezza nel trasmettere le sensazioni.
Nel 1901, Kuindzhi decise di mostrare "Serata in Ucraina", "Cristo nel giardino del Getsemani", "Dnepr" e "Bosco di betulle" a D. I. Mendeleev, scrittore E. P. Letkova, architetto N. V. Sultanov, scrittori I. I. Yasinsky e V. S. Krivenko. . “Serata in Ucraina” (1901) Kuindzhi lo espose in una forma leggermente rivista, dopo aver esposto il dipinto nel 1878 con il titolo “Sera”. Nel dipinto del 1901 l'effetto dei colori complementari è portato al limite: i lati in ombra della capanna bruciano di un colore turchese che contrasta con il cremisi ed esalta l'effetto bruciato. "Serata in Ucraina" è forse l'opera più significativa per il metodo creativo di Kuindzhi. Il sistema dei colori complementari è stato applicato anche nel dipinto “Cristo nel giardino del Getsemani”. L'effetto pittoresco della combustione fosforescente della veste bianca di Cristo, ravvivata in turchese, sullo sfondo della calda ombra marrone scuro degli alberi, conferisce all'immagine un'impressione sorprendentemente vivida. I. E. Repin, in una lettera a I. S. Ostroukhov, scrive: "Ma le voci su Kuindzhi sono completamente diverse: le persone sono stupite, alcuni addirittura piangono davanti ai suoi nuovi lavori - toccano tutti". Ma Kuindzhi era insoddisfatto di queste opere e non le presentò alla mostra.
"Notte" (1905-1908) - uno dei ultimi lavori ti fa ricordare i migliori dipinti di Kuindzhi dal periodo di massimo splendore del suo talento. Si sente anche un atteggiamento poetico nei confronti della natura, il desiderio di cantare la sua maestosa e solenne bellezza. Nella "Notte" si incarnavano i ricordi dell'infanzia e la dipendenza dalla contemplazione del cielo. L'eleganza, la tristezza lirica fanno risuonare in tonalità minore i pallidi colori dell'orizzonte, la distesa del fiume risplende languidamente.
Nonostante avesse lasciato l'Associazione delle mostre d'arte itineranti, era ancora amico di alcuni Vagabondi e partecipava ai loro incontri. Kuindzhi prese parte alla preparazione della riforma dell'Accademia delle arti nel 1893. Secondo il nuovo statuto gli fu conferito il titolo di accademico e nel 1895 divenne capo del laboratorio di paesaggio.
Nel 1897, per aver partecipato a una protesta studentesca contro il rettore dell'Accademia A. S. Tomishko, Kuindzhi fu imprigionato per due giorni agli arresti domiciliari e rimosso dalla cattedra. Ma ha continuato a dare lezioni private, ha aiutato a preparare lavori competitivi.
Nel 1901 donò 100.000 rubli all'Accademia per l'emissione di 24 premi annuali; nel 1909 donò 150.000 rubli e i suoi beni in Crimea alla società artistica con il suo nome e 11.700 rubli alla società per la promozione delle arti per un premio nella pittura di paesaggio.
Dipinti dell'artista
Boschetto di betulle. chiazze di sole
Boschetto di betulle
Boschetto di betulle 2
Serata in Ucraina
Veduta della Cattedrale di Sant'Isacco al chiaro di luna
Veduta di Mosca dalle Colline dei Passeri
Volga
Dalì. Crimea
Gola di Darial. Notte al chiaro di luna
Dnepr
villaggio dimenticato
Tramonto in inverno. Riva del mare
Inverno. Scongelare
Inverno. Macchie di luce selvaggia sui tetti delle capanne
Caucaso
Cipressi in riva al mare. Crimea
Tramonto rosso. Schizzo
Crimea. costa sud
Crimea
Tetti. Inverno
Lago Ladoga
Radura della foresta
Lago della foresta, nuvole
distanze forestali
Barca in mare. Crimea
Punto lunare nella foresta invernale
Mare con un veliero
Mare. Crimea
Mare
Mosca. Veduta del Cremlino da Zamoskvorechye
Mosca. Veduta del ponte Moskvoretsky, del Cremlino e della Cattedrale di San Basilio
Sull'isola di Valaam
Sullo sfondo del tramonto
Notte
Notte sul Dnepr
Notte
disgelo autunnale
Arkhip Ivanovich Kuindzhi è uno dei maestri paesaggisti russi riconosciuti. Ciascuno dei suoi dipinti stupisce lo spettatore con la profondità della riproduzione dei colori e il gioco dei colori. Posizionando con talento gli accenti, l'artista ha assicurato che i suoi dipinti trasudassero letteralmente luce. Le tele di Kuindzhi combinano romanticismo e realismo ingenuo, profondo significato filosofico e motivi naturali rustici. Ma ognuno dei suoi dipinti rappresenta una svolta, una nuova parola nell'arte del paesaggio.
Tra i dipinti del maestro spicca una delle sue prime opere: “Birch Grove”. Ora l'immagine è esposta alla Galleria Tretyakov e gli spettatori e i critici notano ancora la sua insolita vivacità e il suo fascino seducente.
L'immagine è stata dipinta nello spirito del romanticismo, tanto amato da Arkhip Ivanovich. Sulla tela puoi vedere un paesaggio russo piuttosto ordinario: una radura illuminata dal sole splendente, al centro di un boschetto di betulle. Un'immagine pastorale e luminosa piena di amore per la vita, la natura e la Patria. Con l'aiuto di olio e tela, Arkhip Ivanovich trasmette magistralmente l'atmosfera di una calda giornata estiva, quando la luce del sole inonda la radura della foresta, donando calore vivificante.
Ma grazie al netto contrasto dei verdi ricchi di tutti i colori e sfumature, dei toni chiari ricchi e dei tratti leggeri, l'immagine crea l'impressione di uno spazio enorme al suo interno. È come se nell'inquadratura fosse nascosto un mondo intero, con una vera foresta e alberi vivi. Il modo speciale di Kuindzhi crea l'illusione di una luce morbida e fluente emessa dal dipinto.
Sullo sfondo, le chiome scure degli alberi diventano verdi, stagliandosi luminose contro l'azzurro del cielo. Avvicinandosi allo spettatore, l'artista ha evidenziato i singoli alberi. Nella foto non sono visibili le corone, solo tronchi di betulla chiari e piccoli rami. L'autore ha raffigurato sia betulle molto giovani e sottili, sia alberi maturi, piegati dai venti. Il verde morbido dell'erba in basso contrasta con il verde scuro del boschetto.
La tela è divisa in due parti da un ruscello fangoso. A sinistra ci sono più ombre, questa parte del boschetto non è così illuminata, quindi contrasta con la metà destra, soleggiata e luminosa. Un ruscello ricoperto di lenticchie d'acqua, che sembra essere una continuazione del cielo, appoggiato al suo azzurro all'orizzonte, divide la foresta in due metà.
Il dipinto non ha acquisito immediatamente la sua vera forma, prima che l'artista abbia realizzato diversi schizzi, in cui le betulle sono seminascoste da una fitta ombra o, al contrario, illuminate dal sole senza alcun accenno di ombre. Solo luce brillante e scintillante.
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Alla parola Patria, ognuno comincia a pensare a qualcosa di proprio. Patria non significa sempre solo la città o il paese in cui vive una persona. Patria: molto spesso questo è il luogo in cui sei nato e hai iniziato a crescere.
L'artista russo A.I. Kuindzhi divenne noto al pubblico per i suoi paesaggi in stile romanticismo. Ma nessuna delle sue opere gli ha dato tanta fama quanto il suo dipinto "Birch Grove", creato nel 1879. Quest'opera ha innamorato così tanto il pubblico che per molto tempo dopo la sua prima apparizione in mostra, tutti i critici hanno parlato solo di questa tela, e del flusso di coloro che volevano guardare la “pura bellezza”, come quest'opera è stato chiamato, non si è prosciugato. L'artista è stato toccato da questo atteggiamento nei confronti del suo lavoro. estranei, all'inizio fu imbarazzato dalla fama nazionale che gli arrivò all'improvviso, ma in seguito fu particolarmente orgoglioso di questa foto. Tanto che ho deciso di scrivere molte delle sue opzioni in modo che tutti potessero vedere la tela. Ha anche scritto molti dipinti simili su questo argomento. La betulla è diventata parte integrante della maggior parte dei suoi dipinti.
L'autore non entra nei dettagli, non cerca di evidenziare ogni foglia su un albero o un fiore sul terreno. La cosa principale per l'artista è trasferire il contrasto tra luce e ombra, una certa lotta tra luce e oscurità. È il contrasto che crea l'atmosfera.
La maggior parte dei ricercatori si limita a notare l'atmosfera trasmessa dalla tela. Nell'arte, questo compito è molto più importante del semplice trasferimento delle caratteristiche: un'immagine chiara dei rami degli alberi, dei rami, dell'erba e di ogni fiore. La cosa principale è essere in grado di esprimere la sensazione che nasce esaminando la tela.
In effetti, Kuindzhi ha raffigurato solo un piccolo frammento di un boschetto di betulle, che poteva vedere con uno sguardo, senza guardarsi intorno, senza alzare la testa. Questi sono alcuni tronchi di betulla. Persino le loro corone non rientravano nel quadro. Per Kuindzhi non sono affatto necessari: crede che l'immaginazione del pubblico li presenterà. Qui è importante che l'artista sia in grado di trasmettere la vittoria della luce, di rappresentare come i raggi del sole splendente cambiano tutto intorno.
In primo piano è raffigurata una fitta vegetazione, sulla quale cade un'ombra. L'erba diventa letteralmente tutt'uno con l'acqua della stessa tonalità proveniente da un ruscello paludoso. Il serbatoio divide la tela in due parti uguali.
Il piano centrale dell'immagine è creato da tronchi di betulla sottili e leggeri. Dietro di loro c'è un prato riscaldato dai raggi del corpo celeste.
Sullo sfondo - direttamente un boschetto di betulle, che ha dato il nome all'opera. Un pezzo di cielo limpido è visibile sopra gli alberi.
Le betulle non si trovano una per una, come di solito accade, ma in piccoli gruppi. Sembra che queste amiche si siano allontanate in coppia per spettegolare sui segreti più intimi: si sono protese l'una verso l'altra per ascoltare meglio e sussurrare segreti.
Grazie alle linee chiaramente espresse nell'immagine, si ottiene un certo motivo geometrico. In effetti, la decoratività è una delle caratteristiche della creatività di Kuindzhi.
Inoltre, a volte sembra che l'autore sia andato troppo oltre con il numero di colori: questa immagine è così succosa e colorata. In effetti, l'autore ha utilizzato solo sfumature di verde e blu, oltre a colori contrastanti bianco e nero. Ma il gioco di luci e ombre permette al nostro sguardo di rifinire nella nostra mente altre sfumature che possono sorgere davanti allo sguardo di una persona che si ritrova in una soleggiata giornata estiva in un boschetto di betulle.
Guardando questa immagine, una persona vorrà sicuramente sorridere e iniziare a godersi una luminosa giornata di sole, anche se in realtà fuori dalla finestra soffia una bufera di neve e una bufera di neve ulula.
