Plan de tesis originalidad nacional del realismo ruso. Características del realismo en la literatura rusa.

Los años 30-40 del siglo XIX fueron la época de la crisis de los conceptos educativos y subjetivo-románticos. Los ilustradores y los románticos están unidos por una visión subjetiva del mundo. La realidad no fue entendida por ellos como un proceso objetivo que se desarrolla según sus propias leyes, independientemente del papel de las personas. En la lucha contra el mal social, los pensadores de la Ilustración confiaron en el poder de la palabra, el ejemplo moral y los teóricos del romanticismo revolucionario, en la personalidad heroica. Tanto esos como otros subestimaron el papel del factor objetivo en el desarrollo de la historia.

Al revelar las contradicciones sociales, los románticos, por regla general, no vieron en ellas una expresión de los intereses reales de ciertos sectores de la población y, por lo tanto, no vincularon su superación con una lucha de clases social específica.

El movimiento revolucionario de liberación desempeñó un papel importante en el conocimiento realista de la realidad social. Hasta los primeros levantamientos poderosos de la clase obrera, la esencia de la sociedad burguesa, su estructura de clases, seguía siendo en gran parte un misterio. La lucha revolucionaria del proletariado hizo posible quitar el sello de misterio del sistema capitalista, exponer sus contradicciones. Por lo tanto, es bastante natural que fuera en los años 30 y 40 del siglo XIX cuando el realismo se afirmó en la literatura y el arte en Europa Occidental. Al exponer los vicios de la sociedad feudal y burguesa, el escritor realista encuentra la belleza en la realidad objetiva misma. Su héroe positivo no exaltado por encima de la vida (Bazarov en Turgenev, Kirsanov, Lopukhov en Chernyshevsky, etc.). Por regla general, refleja las aspiraciones e intereses del pueblo, las opiniones de los círculos avanzados de la intelectualidad burguesa y noble. El arte realista elimina la apertura del ideal y la realidad, que es característica del romanticismo. Por supuesto, en las obras de algunos realistas hay ilusiones románticas indefinidas donde estamos hablando de la encarnación del futuro ("El sueño de un hombre divertido" de Dostoievski, "¿Qué hacer?" Chernyshevsky ...), y en en este caso podemos hablar con razón de la presencia en su obra de tendencias románticas. El realismo crítico en Rusia fue el resultado de la convergencia de la literatura y el arte con la vida.

Los realistas del siglo XX empujaron ampliamente los límites del arte. Comenzaron a representar los fenómenos más ordinarios y prosaicos. La realidad entraba en sus obras con todos sus contrastes sociales, disonancias trágicas. Rompieron decisivamente con las tendencias idealizadoras de los karamzinistas y los románticos abstractos, en cuya obra incluso la pobreza, en palabras de Belinsky, aparecía "limpia y limpia".

El realismo crítico dio un paso adelante en el camino de la democratización de la literatura también en comparación con la obra de los ilustradores del siglo XVIII. Captó la realidad contemporánea mucho más amplia. La modernidad servidumbre entró en las obras de los realistas críticos no solo como la arbitrariedad de los señores feudales, sino también como el estado trágico de las masas populares: los siervos, la gente urbana indigente. En las obras de Fielding, Schiller, Diderot y otros escritores de la Ilustración, el hombre de clase media fue retratado principalmente como la encarnación de la nobleza, la honestidad y, por lo tanto, se opuso a los depravados aristócratas deshonestos. Se reveló a sí mismo sólo en la esfera de su elevada conciencia moral. Su vida cotidiana, con todas sus penas, sufrimientos y preocupaciones, quedó, en esencia, fuera de la narración. Sólo los sentimentalistas de mentalidad revolucionaria (Rousseau y especialmente Radishchev) y los románticos individuales (Su, Hugo y otros) desarrollan este tema.

En el realismo crítico se ha tendido a superar por completo la retórica y el didactismo que estaban presentes en la obra de muchos ilustradores. En las obras de Diderot, Schiller, Fonvizin, junto a las imágenes típicas que encarnan la psicología de las clases reales de la sociedad, había héroes que encarnaban los rasgos ideales de la conciencia ilustrada. La apariencia de lo feo no siempre está equilibrada en el realismo crítico, la imagen de lo propio, que es obligatoria para la literatura ilustrada del siglo XVIII. El ideal en el trabajo de los realistas críticos a menudo se afirma a través de la negación de los feos fenómenos de la realidad.

El arte realista cumple una función analítica no sólo al revelar las contradicciones entre opresores y oprimidos, sino también al mostrar la condicionalidad social del hombre. El principio de sociabilidad - la estética del realismo crítico. Los realistas críticos conducen en su trabajo a la idea de que el mal no tiene sus raíces en una persona, sino en la sociedad. Los realistas no se limitan a criticar las costumbres y la legislación contemporánea. Plantean la cuestión de la naturaleza inhumana de los fundamentos mismos de la sociedad burguesa y feudal.

En el estudio de la vida, los realistas críticos fueron más allá no solo de Xu, Hugo, sino también de los educadores del siglo XVIII Diderot, Schiller, Fieldini, Smolett. Desde posiciones realistas, criticaron agudamente la modernidad feudal, pero su crítica fue en una dirección ideológica. Denunciaron las manifestaciones de la servidumbre no en el campo económico, sino principalmente en el jurídico, moral, religioso y político.

En las obras de la Ilustración, un gran lugar lo ocupa la imagen de un aristócrata depravado que no reconoce ninguna restricción a sus deseos sensuales. La depravación de los gobernantes es retratada en la literatura ilustrada como producto de las relaciones feudales, en las que la nobleza aristocrática no conoce prohibición a sus sentimientos. La obra de los ilustradores reflejó la falta de derechos de los pueblos, la arbitrariedad de los príncipes que vendían a sus súbditos a otros países. Escritores del siglo XVIII critican duramente el fanatismo religioso (“La Monja” de Diderot, “Natán el Sabio” de Lessinia), se oponen a las formas prehistóricas de gobierno, apoyan la lucha de los pueblos por su independencia nacional (“Don Carlos” de Schiller, “ Egmant” de Goethe).

Así, en la literatura ilustrada del siglo XVIII, la crítica de la sociedad feudal procede principalmente en un plano ideológico. Los realistas críticos ampliaron el abanico temático del arte de la palabra. Una persona, sin importar a qué estrato social pertenezca, se caracteriza por ellos no solo en el ámbito de la conciencia moral, sino también en la actividad práctica cotidiana.

El realismo crítico caracteriza universalmente a una persona como una individualidad específica históricamente formada. Los héroes de Balzac, Saltykov-Shchedrin, Chéjov y otros son retratados no solo en los momentos más elevados de sus vidas, sino también en las situaciones más trágicas. Representan a una persona como un ser social, formado bajo la influencia de ciertas causas sociohistóricas. Caracterizando el método Balzac, G.V. Plekhanov señala que el creador de La comedia humana "tomó" las pasiones en la forma que les dio la sociedad burguesa de su época; observó con la atención de un naturalista cómo crecen y se desarrollan en un entorno social dado. Gracias a ello, se convirtió en un realista en el sentido mismo de la palabra, y sus escritos son una fuente indispensable para estudiar la psicología de la sociedad francesa durante la Restauración y Luis Felipe. Sin embargo, el arte realista es algo más que una reproducción de una persona en las relaciones sociales.

Los realistas rusos del siglo XIX también describieron la sociedad en contradicciones y conflictos, en los que, reflejando el movimiento real de la historia, revelaron la lucha de ideas. Como resultado, la realidad apareció en su trabajo como una "corriente ordinaria", como una realidad que se mueve por sí misma. El realismo revela su verdadera esencia sólo a condición de que los escritores consideren el arte como un reflejo de la realidad. En este caso, los criterios naturales del realismo son la profundidad, la verdad, la objetividad al revelar las conexiones internas de la vida, personajes típicos que actúan en circunstancias típicas, y los determinantes necesarios de la creatividad realista son el historium, el pensamiento nacional del artista. El realium se caracteriza por la imagen de una persona en unidad con su entorno, la concreción social e histórica de la imagen, el conflicto, la trama, el uso generalizado de estructuras de género como novela, drama, cuento, cuento.

El realismo crítico se caracterizó por una difusión sin precedentes de la épica y la dramaturgia, que presionaron de manera notoria a la poesía. Entre los géneros épicos, la novela ganó la mayor popularidad. La razón de su éxito es principalmente que permite al escritor realista cumplir al máximo la función analítica del arte, exponer las causas del surgimiento del mal social.

El realismo crítico dio vida a un nuevo tipo de comedia, basada en un conflicto no tradicionalmente amoroso, sino social. Su imagen es la Inspectora General de Gogol, una aguda sátira sobre la realidad rusa de los años 30 del siglo XIX. Gogol nota la obsolescencia de la comedia con un tema amoroso. A su juicio, en la "época mercantil" tienen más "electricidad", "rango, dinero capital, matrimonio provechoso, que amor". Gogol encontró una situación tan cómica que le permitió penetrar en las relaciones sociales de la época, ridiculizar a los ladrones y sobornadores. “La comedia”, escribe Gogol, “debe tejer por sí misma, con toda su masa, en un gran nudo. La trama debe abarcar todas las caras, no solo una o dos: toca lo que emociona más o menos a los personajes. Todos los héroes están aquí".

Los realistas críticos rusos representan la realidad desde el punto de vista de un pueblo oprimido y sufriente, que actúa en sus obras como una medida de valoraciones morales y estéticas. La idea de nacionalidad es el principal determinante del método artístico del arte realista ruso del siglo XIX.

El realismo crítico no se limita a la denuncia de lo feo. También describe los aspectos positivos de la vida: la diligencia, la belleza moral, la poesía del campesinado ruso, el deseo de la intelectualidad noble y raznochintsy avanzada por actividades socialmente útiles, y mucho más. En los orígenes del realismo ruso del siglo XIX se encuentra A.S. Pushkin. Un papel importante en la evolución ideológica y estética del poeta lo jugó su acercamiento a los decembristas durante su exilio en el sur. Ahora encuentra apoyo para su creatividad en la realidad. El héroe de la poesía realista de Pushkin no está separado de la sociedad, no huye de ella, está entretejido en los procesos naturales y sociohistóricos de la vida. Su obra adquiere concreción histórica, intensifica la crítica a diversas manifestaciones de la opresión social, agudiza la atención sobre la difícil situación de las personas ("Cuando estoy pensativo en una ciudad, deambulo...", "Mi crítico rojizo..." y otros).

En las letras de Pushkin se pueden ver contemporáneos vida publica con sus contrastes sociales, búsquedas ideológicas, la lucha de los pueblos avanzados contra la arbitrariedad política y feudal. El humanismo y la nacionalidad del poeta, junto con su historicismo, son los determinantes más importantes de su pensamiento realista.

La transición de Pushkin del romanticismo al realismo se manifestó en Boris Godunov principalmente en una interpretación concreta del conflicto, en reconocimiento del papel decisivo de las personas en la historia. La tragedia está imbuida de un profundo historicismo.

Pushkin también fue el antepasado de la novela realista rusa. En 1836 completa " hija del capitan". Su creación fue precedida por el trabajo sobre la "Historia de Pugachev", que revela la inevitabilidad del levantamiento de los cosacos de Yaik: "Todo presagiaba una nueva rebelión: faltaba el líder". “Su elección recayó en Pugachev. No fue difícil para ellos persuadirlo”.

El mayor desarrollo del realismo en la literatura rusa se asocia principalmente con el nombre de N.V. Gogol. El pináculo de su trabajo realista es Dead Souls. El propio Gogol consideró su poema como una etapa cualitativamente nueva en su biografia creativa. En las obras de los años 30 (El inspector general y otros), Gogol describe fenómenos exclusivamente negativos de la sociedad. La realidad rusa aparece en ellos como su muerte, inmovilidad. La vida de los habitantes del interior se describe como desprovista de un comienzo razonable. No tiene movimiento. Los conflictos son de carácter cómico, no afectan las graves contradicciones de la época.

Gogol observó con alarma cómo todo lo verdaderamente humano desaparece bajo la "corteza de la tierra" en la sociedad moderna, cómo una persona se vuelve superficial, vulgarizada. Al ver en el arte una fuerza activa de desarrollo social, Gogol no imagina la creatividad que no esté iluminada por la luz de un elevado ideal estético.

Gogol en la década de 1940 fue crítico con la literatura rusa del período romántico. Él ve su inconveniente en que no dio una imagen real de la realidad rusa. Los románticos, en su opinión, a menudo se precipitaron "por encima de la sociedad", y si descendieron a él, solo para azotarlo con el flagelo de la sátira y no para pasar su vida como modelo para la posteridad. Gogol se incluye a sí mismo entre los escritores que critica. No está satisfecho con la orientación predominantemente acusatoria de su actividad literaria pasada. Gogol se propone ahora la tarea de una reproducción integral e históricamente concreta de la vida en su movimiento objetivo hacia el ideal. No está en absoluto en contra de la denuncia, pero solo en el caso en que aparece en combinación con la imagen de lo bello.

La continuación de las tradiciones de Pushkin y Gogol fue obra de I.S. Turgenev. Turgenev ganó popularidad después del lanzamiento de Hunter's Notes. Enormes logros de Turgenev en el género de la novela ("Rudin", " Nido noble”, “En la víspera”, “Padres e hijos”). En este ámbito, su realismo adquirió nuevos rasgos. Turgenev - novelista se centra en el proceso histórico.

El realismo de Turgenev se expresó más claramente en la novela Padres e hijos. La obra se distingue por un agudo conflicto. Entrelaza los destinos de personas de varios puntos de vista, varias posiciones en la vida. Los círculos nobles están representados por los hermanos Kirsanov, Odintsova, la intelectualidad raznochintsy - Bazarov. En la imagen de Bazarov, encarnaba las características de un revolucionario, opuesto a todo tipo de conversadores liberales como Arkady Kirsanov, que se aferraba al movimiento democrático. Bazarov odia la ociosidad, el sibarismo, las manifestaciones de nobleza. Considera insuficiente limitarse a la vestidura de los vicios sociales.

El realismo de Turgenev se manifiesta no solo en la descripción de las contradicciones sociales de la época, los enfrentamientos de "padres" e "hijos". Consiste también en revelar las leyes morales que rigen el mundo, en afirmar el enorme valor social del amor, el arte...

El lirismo de Turgenev, el rasgo más característico de su estilo, está relacionado con la glorificación de la grandeza moral del hombre, su belleza espiritual. Turgenev es uno de los escritores más líricos del siglo XIX. Trata a sus personajes con ardiente interés. Sus penas, alegrías y sufrimientos son, por así decirlo, los suyos propios. Turgenev correlaciona a una persona no solo con la sociedad, sino también con la naturaleza, con el universo en su conjunto. Como resultado, la psicología de los héroes de Turgenev es la interacción de muchos componentes tanto de la serie social como de la natural.

El realismo de Turgenev es complejo. Muestra la concreción histórica del conflicto, el reflejo del movimiento real de la vida, la veracidad de los detalles, las "cuestiones eternas" de la existencia del amor, la vejez, la muerte - la objetividad de la imagen y la tendenciosidad, el lirio penetrante el alma.

Los escritores demócratas (I.A. Nekrasov, N.G. Chernyshevsky, M.E. Saltykov-Shchedrin, etc.) introdujeron muchas cosas nuevas en el arte realista. Su realismo fue llamado sociológico. Lo que tiene en común es la negación del sistema feudal existente, mostrando su ruina histórica. De ahí la agudeza de la crítica social, la profundidad del estudio artístico de la realidad.

Un lugar especial en el realismo sociológico lo ocupa "¿Qué hacer?" N.G. Chernyshevsky. La originalidad de la obra está en la promoción del ideal socialista, nuevas visiones sobre el amor, el matrimonio, en la promoción del camino hacia la reorganización de la sociedad. Chernyshevsky no solo revela la contradicción de la realidad contemporánea, sino que también ofrece un amplio programa para la transformación de la vida y la conciencia humana. El escritor dedica la mayor importancia al trabajo como medio para formar una nueva persona y crear nuevas relaciones sociales. Realismo "¿Qué hacer?" tiene rasgos que lo acercan al romanticismo. Tratando de imaginar la esencia del futuro socialista, Chernyshevsky comienza a pensar de manera típicamente romántica. Pero al mismo tiempo, Chernyshevsky se esfuerza por superar la ensoñación romántica. Lucha por la realización del ideal socialista basado en la realidad.

Nuevas facetas del realismo crítico ruso se revelan en las obras de F.M. Dostoievski. En el período temprano ("Pobres", "Noches blancas", etc.), el escritor continúa la tradición de Gogol, dibujando el trágico destino del "hombrecito".

Los motivos trágicos no solo no desaparecen, sino que, por el contrario, se intensifican aún más en la obra del escritor en los años 60-70. Dostoievski ve todos los problemas que el capitalismo ha traído consigo: depredación, estafas financieras, pobreza creciente, embriaguez, prostitución, delincuencia, etc. Percibía la vida principalmente en su esencia trágica, en un estado de caos y decadencia. Esto determina el agudo conflicto, intenso dramatismo de las novelas de Dostoievski. Le parecía que ninguna situación fantástica podría eclipsar la fantasía de la realidad misma. Pero Dostoievski busca una salida a las contradicciones de la modernidad. En la lucha por el futuro, espera una decidida reeducación moral de la sociedad.

Dostoievski considera que el individualismo, la preocupación por el propio bienestar es el rasgo más característico de la conciencia burguesa, por lo tanto, la desacreditación de la psicología individualista es la dirección principal en el trabajo del escritor. El pináculo de la representación realista de la realidad fue el trabajo de L. M. Tolstoi. La enorme contribución del escritor a la cultura artística mundial no es sólo fruto de su genialidad, es también consecuencia de su profunda nacionalidad. Tolstoi en sus obras describe la vida desde el punto de vista de "cien millones de personas agrícolas", como a él mismo le gustaba decir. El realismo de Tolstoi se manifestó principalmente en la divulgación de los procesos objetivos de desarrollo de la sociedad contemporánea, en la comprensión de la psicología de varias clases, el mundo interior de las personas de varios círculos sociales. El arte realista de Tolstoi se manifestó claramente en la novela épica Guerra y paz. Habiendo puesto el "pensamiento popular" como base del trabajo, el escritor criticó a aquellos que son indiferentes al destino de las personas, la patria y viven una vida egoísta. El historicismo de Tolstoi, que alimenta su realismo, se caracteriza no sólo por la comprensión de las principales tendencias del desarrollo histórico, sino también por el interés por la vida cotidiana de la gente más común, que sin embargo deja una huella notable en el proceso histórico.

Entonces, el realismo crítico, tanto en Occidente como en Rusia, es un arte que critica y afirma. Además, encuentra altos valores sociales y humanísticos en la realidad misma, principalmente en círculos de la sociedad democráticos y de mentalidad revolucionaria. Los héroes positivos en el trabajo de los realistas son buscadores de la verdad, personas asociadas con la liberación nacional o el movimiento revolucionario (Stendhal's Carbonari, Balzac's Neuron) o que resisten activamente la atención corruptora de la moralidad individualista (Dickens). El realismo crítico ruso creó una galería de imágenes de luchadores por los intereses populares (por Turgenev, Nekrasov). Esta es la gran originalidad del arte realista ruso, que determinó su importancia mundial.

Una nueva etapa en la historia del realismo fue obra de A.P. Chekhov. La novedad del escritor no está sólo en que es un maestro destacado de la forma ética menor. La atracción de Chéjov por el cuento, por la historia, tenía sus propias razones. Como artista, se interesó por las "pequeñas cosas de la vida", toda la vida cotidiana que rodea a una persona, influyendo en su conciencia. Representó la realidad social en su curso habitual y cotidiano. De ahí la amplitud de sus generalizaciones, a pesar de la aparente estrechez de su campo creativo.

Los conflictos en las obras de Chéjov no son el resultado de un enfrentamiento entre héroes que chocan entre sí por una u otra razón, surgen bajo la presión de la vida misma, reflejando sus contradicciones objetivas. Las características del realismo de Chéjov, destinadas a representar los patrones de la realidad que determinan el destino de las personas, encontraron una encarnación vívida en "El jardín de los cerezos". La obra es muy significativa en su contenido. Contiene motivos elegíacos asociados a la muerte del jardín, cuya belleza se sacrifica por intereses materiales. Así, el escritor condena la psicología del mercantilismo que trajo consigo el sistema burgués.

En el sentido estricto de la palabra, el concepto de "realismo" significa una tendencia histórica concreta en el arte del siglo XIX, que proclamó que la base de su programa creativo estaba en línea con la verdad de la vida. El término fue propuesto por primera vez por el crítico literario francés Chanfleurie en los años 50 del siglo XIX. Este término ha entrado en el léxico de personas de diferentes países en relación con diversas artes. Si, en un sentido amplio, el realismo es una característica común en el trabajo de artistas que pertenecen a diferentes movimientos y tendencias artísticas, entonces, en un sentido estricto, el realismo es una dirección separada, diferente de otras. Así, el realismo se opone al romanticismo anterior, en cuya superación, de hecho, se desarrolló. La base del realismo del siglo XIX fue una actitud marcadamente crítica hacia la realidad, por lo que se denominó realismo crítico. La peculiaridad de esta dirección es la puesta en escena y la reflexión en la obra artística de agudos problemas sociales, un deseo consciente de juzgar los fenómenos negativos de la vida social. El realismo crítico se centró en retratar la vida de los sectores desfavorecidos de la sociedad. El trabajo de los artistas de esta corriente es similar al estudio de las contradicciones sociales. Las ideas del realismo crítico se plasmaron más claramente en el arte de Francia en la primera mitad del siglo XIX, en el trabajo de G. Courbet y J.F. Millais ("Recolectores" 1857).

Naturalismo. En las artes visuales, el naturalismo no se presentó como una corriente claramente definida, sino que estuvo presente en forma de tendencias naturalistas: en el rechazo de la valoración social, la tipificación social de la vida y la sustitución de la autenticidad visual externa por revelar su esencia. Estas tendencias llevaron a características como la superficialidad en la descripción de los eventos y la copia pasiva de detalles menores. Estos rasgos aparecieron ya en la primera mitad del siglo XIX en la obra de P. Delaroche y O. Vernet en Francia. La copia naturalista de los aspectos dolorosos de la realidad, la elección de todo tipo de deformidades como temas determinaron la originalidad de algunas obras de artistas que gravitaban hacia el naturalismo.

El giro consciente de la nueva pintura rusa hacia el realismo democrático, la nacionalidad, la modernidad se marcó a finales de los años 50, junto con la situación revolucionaria del país, con la madurez social de la intelectualidad raznochintsy, con la ilustración revolucionaria de Chernyshevsky, Dobrolyubov , Saltykov-Shchedrin, con la poesía amante de la gente de Nekrasov. En "Ensayos sobre el período de Gogol" (en 1856), Chernyshevsky escribió: "Si la pintura se encuentra ahora en general en una posición bastante miserable, la razón principal Además, hay que considerar la alienación de este arte de las aspiraciones modernas.” La misma idea fue citada en muchos artículos de la revista Sovremennik.

Pero la pintura ya comenzaba a unirse a las aspiraciones modernas, primero en Moscú. La Escuela de Moscú no disfrutó ni una décima parte de los privilegios de la Academia de Artes de San Petersburgo, pero dependía menos de sus dogmas arraigados, la atmósfera en ella era más animada. Aunque los profesores de la Escuela son en su mayoría académicos, pero los académicos son secundarios y vacilantes, no reprimieron su autoridad como lo hicieron en la Academia F. Bruni, el pilar de la vieja escuela, que en un momento compitió con la pintura de Bryullov "El serpiente de cobre".

Perov, recordando los años de su aprendizaje, dijo que llegaron allí "de toda la gran y diversa Rusia. ¡Y cómo no podríamos tener estudiantes! ... Eran de la lejana y fría Siberia, de la cálida Crimea y Astrakhan, de Polonia, incluso de las islas Solovetsky y Athos, y en conclusión también había de Constantinopla. ¡Dios, qué multitud diversa, diversa solía reunirse dentro de los muros de la Escuela! .. ".

Los talentos originales que cristalizaron de esta solución, de esta abigarrada mezcla de "tribus, dialectos y estados", buscaron finalmente contar cómo vivían, lo que les era vitalmente cercano. En Moscú se inició este proceso, en San Petersburgo pronto estuvo marcado por dos puntos de inflexión que pusieron fin al monopolio académico en el arte. Primero: en 1863, 14 graduados de la Academia, encabezados por I. Kramskoy, se negaron a pintar un cuadro de graduación en la trama propuesta "Fiesta en Valhalla" y pidieron que se les diera una opción de tramas. Fueron rechazados, y desafiantes abandonaron la Academia, formando un artel independiente de artistas en el tipo de comunas descritas por Chernyshevsky en la novela ¿Qué hacer? Segundo evento - creación en 1870

Asociación de exposiciones itinerantes, cuyo alma era la misma Kramskoy.

La Asociación de los Caminantes, a diferencia de muchas de las asociaciones posteriores, prescindió de declaraciones y manifiestos. Sus estatutos solo establecían que los miembros de la Asociación deberían conducir sus asuntos materiales por sí mismos, sin depender de nadie a este respecto, así como organizar exposiciones ellos mismos y llevarlos a diferentes ciudades ("moverlos" alrededor de Rusia) para familiarizarse con el país con el arte ruso. Ambos puntos fueron de gran importancia, afirmando la independencia del arte de las autoridades y la voluntad de los artistas de comunicarse ampliamente con la gente no solo en la capital. El papel principal en la creación de la Asociación y el desarrollo de su carta perteneció, además de Kramskoy, Myasoedov, Ge - de San Petersburgo y de los moscovitas - Perov, Pryanishnikov, Savrasov.

El 9 de noviembre de 1863, un gran grupo de graduados de la Academia de las Artes se negó a escribir obras competitivas sobre el tema propuesto de la mitología escandinava y abandonó la Academia. Los rebeldes fueron dirigidos por Ivan Nikolaevich Kramskoy (1837-1887). Se unieron en un artel y comenzaron a vivir en una comuna. Siete años después se disolvió, pero para entonces nació la "Asociación de Insertos Móviles Artísticos", una asociación profesional y comercial de artistas que se ubicaban en posiciones ideológicas cercanas.

Los "Wanderers" se unieron en su rechazo al "academia" con su mitología, paisajes decorativos y pomposa teatralidad. Querían retratar la vida viva. El lugar principal en su trabajo lo ocuparon las escenas de género (cotidianas). El campesinado disfrutaba de una simpatía especial por los Wanderers. Mostraban su necesidad, sufrimiento, posición oprimida. En ese momento, en los años 60-70. Siglo XIX - el lado ideológico

se valoraba más el arte que la estética. Solo con el tiempo los artistas recordaron el valor inherente de la pintura.

Quizás el mayor tributo a la ideología lo dio Vasily Grigoryevich Perov (1834-1882). Basta recordar algunas de sus pinturas como "La llegada del oficial de policía para la investigación", "Beber té en Mytishchi". Algunas de las obras de Perov están imbuidas de una tragedia genuina ("Troika", "Old Parents at the Son's Grave"). Perov pintó una serie de retratos de sus famosos contemporáneos (Ostrovsky, Turgenev, Dostoievski).

Algunos lienzos de los "Wanderers", pintados del natural o bajo la impresión de escenas reales, enriquecieron nuestras ideas sobre la vida campesina. La pintura de S. A. Korovin “Sobre el mundo” muestra una escaramuza en una reunión rural entre un hombre rico y un hombre pobre. V. M. Maksimov capturó la rabia, las lágrimas y el dolor de la división familiar. La festividad solemne del trabajo campesino se refleja en la pintura de G. G. Myasoedov "Mowers".

En el trabajo de Kramskoy, el retrato ocupó el lugar principal. Pintó a Goncharov, Saltykov-Shchedrin, Nekrasov. es dueño de uno de mejores retratos Lev Tolstoi. La mirada del escritor no abandona al espectador, desde cualquier punto que mire el lienzo. Una de las obras más poderosas de Kramskoy es la pintura "Cristo en el desierto".

La primera exposición de los Wanderers, que se inauguró en 1871, demostró de forma convincente la existencia de un nuevo rumbo que se había ido gestando a lo largo de la década de los 60. Tenía solo 46 exhibiciones (a diferencia de las voluminosas exhibiciones de la Academia), pero cuidadosamente seleccionadas, y aunque la exhibición no fue deliberadamente programática, el programa general no escrito se avecinaba con bastante claridad. Se presentaron todos los géneros: histórico, vida cotidiana, retratos de paisajes, y el público pudo juzgar lo que los "Wanderers" les aportaron. Solo la escultura tuvo mala suerte, e incluso entonces la escultura sin complicaciones de F. Kamensky), pero este tipo de arte fue "desafortunado" durante mucho tiempo, de hecho, toda la segunda mitad del siglo.

Sin embargo, a principios de los años 90, entre los jóvenes artistas de la escuela de Moscú, había quienes continuaron digna y seriamente la tradición cívica itinerante: S. Ivanov con su serie de pinturas sobre inmigrantes, S. Korovin, el autor de la pintura "Sobre el mundo", donde es interesante y se revelan cuidadosamente las colisiones dramáticas (¡realmente dramáticas!) De la aldea anterior a la reforma. Pero no fueron ellos quienes marcaron la pauta: el Mundo del Arte, que estaba igualmente distante de los Caminantes y de la Academia, se acercaba. ¿Cómo era la Academia en ese momento? Desaparecieron sus antiguas actitudes artísticas de rigor, ya no insistía en las estrictas exigencias del neoclasicismo, en la notoria jerarquía de los géneros, era bastante tolerante con el género cotidiano, solo prefería que fuera “bello” y no “mujik” (una ejemplo de obras no académicas "hermosas": escenas de la vida antigua del entonces popular S. Bakalovich). En su mayor parte, la producción no académica, como lo fue en otros países, era de salón burgués, su "belleza" era vulgar hermosura. Pero no se puede decir que no presentó talentos: G. Semiradsky, mencionado anteriormente, tenía mucho talento, V. Smirnov, que murió temprano (quien logró crear una pintura grande e impresionante "La muerte de Nerón"); no se pueden negar ciertos méritos artísticos de la pintura de A. Svedomsky y V. Kotarbinsky. Sobre estos artistas, considerándolos portadores del "espíritu helénico", Repin habló con aprobación en sus últimos años, impresionaron a Vrubel, al igual que Aivazovsky, también un artista "académico". Por otro lado, nada menos que Semiradsky, durante el período de reorganización de la Academia, se pronunció decisivamente a favor del género cotidiano, señalando a Perov, Repin y V. Mayakovsky como un ejemplo positivo. Así que había suficientes puntos de fuga entre los “Wanderers” y la Academia, y el entonces vicepresidente de la Academia I.I. Tolstoy, por cuya iniciativa fueron llamados a enseñar los principales "Wanderers".

Pero lo principal que no descarta por completo el papel de la Academia de las Artes, principalmente como una institución educativa, en la segunda mitad del siglo es el simple hecho de que muchos artistas destacados salieron de sus paredes. Estos son Repin, Surikov, Polenov, Vasnetsov y, más tarde, Serov y Vrubel. Además, no repitieron la "revuelta de los catorce" y, al parecer, se beneficiaron de su aprendizaje. Más precisamente, todos se beneficiaron de las lecciones de P.P. Chistyakov, que por lo tanto fue llamado el "maestro universal". Chistyakova merece una atención especial.

Incluso hay algo misterioso en la popularidad general de Chistyakov entre artistas muy diferentes en su individualidad creativa. El taciturno Surikov escribió largas cartas a Chistyakov desde el extranjero. V. Vasnetsov se dirigió a Chistyakov con las palabras: "Me gustaría ser llamado tu hijo en espíritu". Vrubel orgullosamente se llamó a sí mismo chistyakovista. Y esto, a pesar de que Chistyakov como artista era secundario, escribió poco. Pero como maestro era único. Ya en 1908, Serov le escribió: "Te recuerdo como un maestro y te considero el único (en Rusia) verdadero maestro de las leyes eternas e inquebrantables de la forma: eso es todo lo que puedes enseñar". La sabiduría de Chistyakov fue que entendió lo que podía y debía enseñarse como base de la habilidad necesaria, y lo que era imposible: lo que proviene del talento y la personalidad del artista, que debe respetarse y tratarse con comprensión y cuidado. Por tanto, su sistema de enseñanza del dibujo, la anatomía y la perspectiva no trababa a nadie, cada uno extraía de él lo que necesitaba para sí mismo, había lugar para los talentos y búsquedas personales, y se sentaba una base sólida. Chistyakov no dejó una presentación detallada de su "sistema", se reconstruye principalmente de acuerdo con las memorias de sus alumnos. Este era un sistema racionalista, su esencia era un enfoque analítico consciente para la construcción de la forma. Chistyakov enseñó a "dibujar con una forma". No contornos, no “dibujar” y no sombrear, sino construir una forma tridimensional en el espacio, yendo de lo general a lo particular. Dibujar, según Chistyakov, es un proceso intelectual, "derivar leyes de la naturaleza"; consideró que esto era la base necesaria del arte, sin importar cuál fuera la "manera" y el "tono natural" del artista. Chistyakov insistió en la prioridad del dibujo y, con su afición a los aforismos lúdicos, lo expresó así: “El dibujo es una parte masculina, un hombre; la pintura es una mujer.

El respeto por el dibujo, por la forma constructiva construida, tiene sus raíces en el arte ruso. Si Chistyakov con su "sistema" fue la causa aquí, o si la orientación general de la cultura rusa hacia el realismo fue la razón de la popularidad del método Chistyakov, de una forma u otra, los pintores rusos, incluidos Serov, Nesterov y Vrubel, honraron la “leyes eternas inquebrantables de la forma” y desconfiaban de la “dilución” o subyugación del colorido elemento amorfo, sin importar cuánto amen el color.

Entre los Wanderers invitados a la Academia se encontraban dos pintores de paisajes: Shishkin y Kuindzhi. Justo en ese momento, la hegemonía del paisaje comenzó en el arte tanto como un género independiente, donde reinaba Levitan, como un elemento igual de la pintura cotidiana, histórica y en parte de retrato. Contrariamente a las predicciones de Stasov, quien cree que el papel del paisaje disminuirá, en la década de 1990 aumentó como nunca antes. Prevaleció el "paisaje del estado de ánimo" lírico, liderando su linaje desde Savrasov y Polenov.

Los Wanderers hicieron verdaderos descubrimientos en la pintura de paisajes. Alexey Kondratievich Savrasov (1830-1897) logró mostrar la belleza y el lirismo sutil de un paisaje ruso simple. Su pintura "Han llegado los grajos" (1871) hizo que muchos contemporáneos miraran de nuevo su naturaleza nativa.

Fyodor Alexandrovich Vasiliev (1850-1873) vivió una vida corta. Su obra, interrumpida desde el principio, enriqueció la pintura doméstica con una serie de paisajes dinámicos y apasionantes. El artista tuvo especial éxito en los estados de transición de la naturaleza: del sol a la lluvia, de la calma a la tormenta.

Ivan Ivanovich Shishkin (1832-1898) se convirtió en el cantante del bosque ruso, la latitud épica de la naturaleza rusa. Arkhip Ivanovich Kuindzhi (1841-1910) se sintió atraído por el pintoresco juego de luz y aire. La misteriosa luz de la luna en nubes raras, los reflejos rojos del amanecer en las paredes blancas de las chozas ucranianas, los rayos oblicuos de la mañana que atraviesan la niebla y juegan en los charcos en el camino fangoso: estos y muchos otros descubrimientos pintorescos se capturan en sus lienzos.

La pintura de paisajes rusa del siglo XIX alcanzó su punto máximo en "el trabajo del alumno de Savrasov, Isaac Ilyich Levitan (1860-1900). Levitan es un maestro de los paisajes tranquilos y silenciosos. Una persona muy tímida, tímida y vulnerable, solo podía relajarse solo con la naturaleza, imbuido del estado de ánimo de un paisaje que amaba.

Una vez vino al Volga para pintar el sol, el aire y las extensiones de los ríos. Pero no había sol, interminables nubes se arrastraban por el cielo y las lluvias se detuvieron. El artista estaba nervioso hasta que se sintió atraído por este clima y descubrió el encanto especial de los colores lilas del mal tiempo ruso. Desde entonces, el Alto Volga, la ciudad provincial de Ples, ha entrado firmemente en su obra. En esos lares creó sus obras "lluviosas": "Después de la lluvia", "Día sombrío", "Sobre la paz eterna". Allí también se pintaron paisajes nocturnos pacíficos: "Tarde en el Volga", "Tarde". Alcance dorado”, “Timbre vespertino”, “Morada tranquila”.

En los últimos años de su vida, Levitan llamó la atención sobre el trabajo de los artistas impresionistas franceses (E. Manet, C. Monet, C. Pizarro). Se dio cuenta de que tenía mucho en común con ellos, que sus búsquedas creativas iban en la misma dirección. Como ellos, prefería trabajar no en el estudio, sino al aire (al aire libre, como dicen los artistas). Como ellos, iluminó la paleta, desterrando los colores oscuros y terrosos. Como ellos, buscó captar la fugacidad del ser, transmitir los movimientos de la luz y el aire. En esto fueron más lejos que él, pero casi disolvieron formas tridimensionales (casas, árboles) en flujos de aire ligero. Él lo evitó.

“Las pinturas de Levitan requieren un examen lento”, escribió un gran conocedor de su obra, K. G. Paustovsky, “no aturden la vista. Son modestos y precisos, como las historias de Chéjov, pero cuanto más los miras, más dulce se vuelve el silencio de los asentamientos provinciales, los ríos familiares y los caminos rurales.

En la segunda mitad del siglo XIX. cuenta para florecimiento creativo I. E. Repin, V. I. Surikov y V. A. Serov.

Ilya Efimovich Repin (1844-1930) nació en la ciudad de Chuguev, en la familia de un colono militar. Se las arregló para ingresar a la Academia de las Artes, donde P. P. Chistyakov se convirtió en su maestro, quien educó a toda una galaxia de artistas famosos (V. I. Surikov, V. M. Vasnetsov, M. A. Vrubel, V. A. Serov). Repin también aprendió mucho de Kramskoy. En 1870, el joven artista viajó a lo largo del Volga. Numerosos bocetos traídos del viaje, los utilizó para la pintura "Transportistas de barcazas en el Volga" (1872). Ella causó una fuerte impresión en el público. El autor pasó inmediatamente a las filas de los maestros más famosos.

Repin fue un artista muy versátil. A su pincel pertenecen varias pinturas monumentales de género. Quizás no menos impresionante que los "transportadores de barcazas" es la "procesión religiosa en la provincia de Kursk". El cielo azul brillante, las nubes de polvo de la carretera atravesadas por el sol, el brillo dorado de las cruces y las vestimentas, la policía, la gente común y los lisiados: todo encaja en este lienzo: la grandeza, la fuerza, la debilidad y el dolor de Rusia.

En muchas de las pinturas de Repin, se tocaron temas revolucionarios ("Rechazo de la confesión", "No esperaron", "El arresto del propagandista"). Los revolucionarios en sus cuadros se mantienen con sencillez y naturalidad, evitando poses y gestos teatrales. En la pintura "Rechazo de la confesión", el condenado, como a propósito, escondió las manos en las mangas. El artista claramente simpatizaba con los héroes de sus pinturas.

Varias pinturas de Repin están escritas sobre temas históricos ("Iván el Terrible y su hijo Iván", "Cosacos redactando una carta al sultán turco", etc.). Repin creó una galería completa de retratos. Pintó retratos de - científicos (Pirogov y Sechenov), - escritores Tolstoy, Turgenev y Garshin, - compositores Glinka y Mussorgsky, - artistas Kramskoy y Surikov. A principios del siglo XX. recibió un pedido para la pintura "La reunión ceremonial del Consejo de Estado". El artista logró no solo colocar un número tan grande de los presentes en el lienzo, sino también dar una descripción psicológica de muchos de ellos. Entre ellos se encontraban figuras tan conocidas como S.Yu. Witte, K. P. Pobedonostsev, P.P. Semenov Tyan-Shansky. Apenas se nota en la imagen, pero Nicolás II está muy sutilmente escrito.

Vasily Ivanovich Surikov (1848-1916) nació en Krasnoyarsk, en una familia cosaca. El apogeo de su trabajo cae en los años 80, cuando creó tres de sus pinturas históricas más famosas: "La mañana de la ejecución de Streltsy", "Menshikov en Berezov" y "Boyar Morozova".

Surikov conocía bien la vida y las costumbres de épocas pasadas, sabía cómo dar vívidas características psicológicas. Además, era un excelente colorista (color master). Basta recordar la deslumbrante nieve fresca y brillante en la pintura "Boyar Morozova". Si te acercas al lienzo, la nieve, por así decirlo, se "desmorona" en trazos azules, azules y rosas. Esta técnica pictórica, cuando dos o tres trazos diferentes se fusionan a distancia y dan color deseado ampliamente utilizado por los impresionistas franceses.

Valentin Alexandrovich Serov (1865-1911), el hijo del compositor, pintó paisajes, lienzos sobre temas históricos, trabajó como artista de teatro. Pero la fama le trajo, sobre todo, retratos.

En 1887, Serov, de 22 años, estaba de vacaciones en Abramtsevo, la casa de campo cerca de Moscú del filántropo S. I. Mamontov. Entre sus muchos hijos, el joven artista fue su hombre, un participante en sus juegos. Una vez, después de la cena, dos personas se quedaron accidentalmente en el comedor: Serov y Verusha Mamontova, de 12 años. Estaban sentados en una mesa en la que habían dejado melocotones, y durante la conversación Verusha no se percató de cómo la artista comenzaba a esbozar su retrato. El trabajo se alargó durante un mes y Verusha estaba enfadada porque Anton (como llamaban a Serov en casa) la obligaba a sentarse en el comedor durante horas.

A principios de septiembre, se terminó La chica de los melocotones. A pesar de su pequeño tamaño, la pintura, pintada en tonos oro rosa, parecía muy "espaciosa". Había mucha luz y aire en él. La niña, que se sentó a la mesa como por un minuto y fijó su mirada en el espectador, encantada de claridad y espiritualidad. Sí, y todo el lienzo estaba cubierto de una percepción puramente infantil de la vida cotidiana, cuando la felicidad no es consciente de sí misma, y ​​queda toda una vida por delante.

Los habitantes de la casa "Abramtsevo", por supuesto, entendieron que un milagro había ocurrido ante sus ojos. Pero sólo el tiempo da estimaciones finales. Puso a "La chica de los melocotones" entre los mejores retratos del arte ruso y mundial.

Al año siguiente, Serov logró casi repetir su magia. Pintó un retrato de su hermana Maria Simonovich ("La niña iluminada por el sol"). El nombre quedó un poco inexacto: la niña está sentada a la sombra y el claro en el fondo está iluminado por los rayos del sol de la mañana. Pero en el cuadro está todo tan unido, tan unido -mañana, sol, verano, juventud y belleza- que es difícil pensar en un nombre mejor.

Serov se convirtió en un retratista de moda. Famosos escritores, artistas, artistas, empresarios, aristócratas, incluso reyes posaron frente a él. Aparentemente, no a todos los que escribió, su alma yacía. Algunos retratos de la alta sociedad, con técnica de filigrana, resultaron fríos.

Durante varios años, Serov enseñó en la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú. Era un profesor exigente. Opositor de las formas congeladas de la pintura, Serov, al mismo tiempo, creía que las búsquedas creativas debían basarse en un sólido dominio de la técnica del dibujo y la escritura pictórica. Muchos maestros destacados se consideraron alumnos de Serov. Esta es M.S. Saryan, K. F. Yuon, P. V. Kuznetsov, K. S. Petrov-Vodkin.

Muchas pinturas de Repin, Surikov, Levitan, Serov, "Wanderers" terminaron en la colección de Tretyakov. Pavel Mikhailovich Tretyakov (1832-1898), representante de una antigua familia de comerciantes de Moscú, era una persona inusual. Delgado y alto, con una barba poblada y una voz tranquila, parecía más un santo que un comerciante. Comenzó a coleccionar pinturas de artistas rusos en 1856. La afición se convirtió en el negocio principal de su vida. A principios de los 90. la colección alcanzó el nivel de un museo, absorbiendo casi toda la fortuna del coleccionista. Más tarde pasó a ser propiedad de Moscú. Galería Tretiakov se convirtió en un museo mundialmente famoso de pintura, gráficos y esculturas rusas.

En 1898, en San Petersburgo, en el Palacio Mikhailovsky (la creación de K. Rossi), se inauguró el Museo Ruso. Recibió obras de artistas rusos del Hermitage, la Academia de las Artes y algunos palacios imperiales. La apertura de estos dos museos, por así decirlo, coronó los logros de la pintura rusa del siglo XIX.

USDK 82.02 Yu.M. Proskurin

LA ORIGINALIDAD DEL REALISMO RUSO A MEDIADOS DEL SIGLO XIX

Literatura rusa de la década de 1850 considerada como una nueva etapa en el desarrollo del realismo. Los escritores parten de los principios de la escuela natural, prestan mayor atención a la psicología y problemas morales. Los personajes fuertes pueden soportar las circunstancias sociales. El cambio en el concepto de personalidad da lugar a la transformación del sistema de estilo de género del realismo.

Palabras clave: desarrollo del realismo, personajes y circunstancias, tradiciones, género, lirismo, carácter nacional.

Las relaciones dialógicas (sucesivas y polémicas) subyacen tanto al surgimiento de corrientes literarias como al cambio de etapas en el curso de la evolución de cada una de ellas. Además, los períodos cercanos en el desarrollo de una dirección a veces difieren más entre sí que los remotos.

La escuela natural se desarrolla en una nueva etapa en la corriente realista a finales de los años 40 y 50, cuando comienzan a escucharse voces dentro de ella contra la solución unilateral de la "fórmula" básica del realismo y las consecuencias asociadas a ella. Entonces, P. Annenkov en 1849 en las páginas de Sovremennik expresa su descontento con la adicción de la escuela natural "a una persona insignificante, asesinada por las circunstancias", que no encuentra "en sí mismo ninguna fuerza para salir de una situación de estrechez". La tesis antirromántica sobre la dependencia de los personajes de las circunstancias deja de ser relevante, ya que el propio romanticismo, gracias a la escuela natural, se vuelve, según N. Chernyshevsky, no tanto peligroso como ridículo. El patetismo trágico de muchas obras de la escuela natural, como consecuencia del condicionamiento fatal de una persona por el medio ambiente, no es aprobado por A. Druzhinin, el autor de "Cartas de un suscriptor no residente ...". “Nosotros”, declara en 1850, “no queremos melancolía, no queremos obras basadas en un estado de ánimo enfermizo”. En este momento, los principales escritores de la escuela natural declaran un cambio en sus puntos de vista, el comienzo de un diálogo consigo mismos. En 1849, Herzen habló de la necesidad de “predicar una nueva visión del mundo”, escribió Dostoievski a su hermano en relación con su arresto: “Ahora, cambiando mi vida, renaceré en una nueva forma. Renaceré para mejor". En 1852, Turgenev informó a Annenkov de su intención de "separarse para siempre de la 'vieja manera' y tomar un camino diferente en el arte". Dos años después, Dudyshkin confirma el deseo del autor de "Dos amigos" de "salir de su forma anterior". Ap. Grigoriev observa con satisfacción el colapso de la escuela natural, a la que reprocha la "copia servil" de los fenómenos de la realidad, "una mezcla de suciedad y sentimentalismo".

Tales declaraciones dieron origen a muchos investigadores la idea de los años 50. como en el momento en que "todos los grandes testamentos de Belinsky fueron olvidados", cuando la tradición fue "interrumpida por la fuerza". Solovyov (Andreevich), aunque no compartió opiniones extremadamente nihilistas sobre la literatura de los llamados siete años sombríos, sin embargo, negó la originalidad de este período en el desarrollo del realismo: “Los años 50: generalmente se les llama un lugar vacío en la literatura rusa. Esto es una exageración, por supuesto, pero realmente estos años han creado muy poco propio, original. No tienen rostro propio". En la crítica literaria soviética, existe una opinión según la cual "a principios de los años cincuenta, los liberales adoptaron una posición hostil hacia el realismo".

De hecho, el movimiento progresivo del realismo no se detuvo. Después de todo, muchos realistas de los años 50, como A. Herzen, D. Grigorovich, N. Nekrasov, I. Turgenev, comenzaron su manera creativa en una escuela natural, “salió” de ella, por lo que valoraron su experiencia. La escuela natural también enseñó a aquellos escritores que, como L. Tolstoy, debutaron en la década de 1950. o se hizo famoso en ese momento (A. Ostrovsky, A. Pisemsky). No es casualidad que el joven Tolstoi dedicó la publicación de la revista “Cortando el bosque” (1855) al autor de las Notas del cazador. Sin embargo, la actitud hacia la escuela natural se complicó por la oposición: asimilación-superación, repensar su experiencia, que fue provocada no solo por el cambio de situación social ("Siete años sombríos"), sino también por las necesidades del movimiento literario. Autodesarrollo.

en los años 50 Tanto los liberales como los demócratas expresaron diferentes interpretaciones del contenido y las tareas del arte realista, pero recordaron la tesis de Belinsky: “La realidad es la contraseña y el eslogan de nuestro arte”.

siglo". Siguiendo a Belinsky, Chernyshevsky ve el objetivo del arte en la reproducción de la realidad; Druzhinin aconseja a los escritores: "Sed fieles a la realidad"; Ap. Grigoriev expresa su satisfacción por el hecho de que "la realidad está en primer plano en la literatura moderna". Dudyshkin aclara: “La fidelidad a la realidad puede ser doble: creativa, que consiste en la reproducción vívida de los rasgos distintivos y característicos de cada persona, y daguerrotipo, que consiste en un registro cuidadoso e indiferente de todo lo que se ve y se escucha”.

Las figuras literarias de esos años, al darse cuenta de que la "conciliación de la realidad" no excluye la pertenencia del escritor al "pseudorrealismo", otorgan gran importancia a la "forma de pensar" (Chernyshevsky), "ángulo de visión" (Druzhinin) , "visión de las cosas" (Dudyshkin), "visión del mundo" (Grigoriev): así llaman a la posición del autor, de la que dependen la elección y los métodos para representar un objeto. Por eso, les interesa la pregunta: “¿Qué tipo de vida expresa el arte?” (Ap. Grigoriev), "¿A qué tipo de realidad es fiel el escritor?" (Druzhinin), “¿cómo debe entenderse la realidad?” (Chernyshevski).

Ap. Grigoriev, admirando la "nueva palabra" del dramaturgo Ostrovsky, aconseja a los escritores que no pasen por alto los "fundamentos religiosos de la moralidad", "juzguen ... una vida que se ha desviado del ideal" desde el punto de vista del "radical ruso". cosmovisión”. Druzhinin, teniendo en cuenta la experiencia de "autores observadores" como Pisemsky y Kokorev, aboga por la descripción cotidiana de los "aspectos reconfortantes" de la vida cotidiana rusa. Annenkov, en su artículo "Sobre novelas e historias de la vida común" (1854), recomienda dibujar vida campesina desde las posiciones de un dibujante concienzudo, y en su obra “Sobre el pensamiento en las obras de buena literatura” (1855), apoyándose en la obra de Tolstoi y Turgenev, considera necesario describir psicológicamente los diversos estratos de la sociedad. Chernyshevsky cree que la literatura está interesada tanto en la "poesía del sentimiento" como en la "poesía del pensamiento". Dudyshkin comenta sobre esto: “¿No es más cierto. decir que todas las ideas sonoras que puede dar la vida también pueden ser ideas de relatos sobre la vida. Así, si Belinsky centró la escuela naturalista en una reproducción veraz de la realidad, entonces la crítica de los años 50. discutió sobre los aspectos y métodos de representar la vida, revelando, según Annenkov, "una fragmentación de conceptos y una variedad de puntos de vista".

Pero todos ellos, siguiendo la escuela natural, reconocieron el significado estético de la vida ordinaria de la gente común. Según Chernyshevsky, "en todas partes, el héroe permanece solo en novelas crepitantes: Dickens, Thackeray no tienen héroes, pero hay personas muy comunes a las que todos ... han conocido docenas en su vida". V. Krestovsky (N. Khvoshchinskaya) fundamenta en detalle en la novela The Trial (1854) el atractivo de los escritores en prosa de esos años para representar la vida cotidiana de la gente común: "¿Esta masa no es gente? .. Y casi todo el mundo se compone de tales personas. No hay otro nombre para ellos que "ordinarios". Pero toda la vida social está hecha de las relaciones y enfrentamientos de estas personas. S. Aksakov en The Family Chronicle (1856) se refiere a sus personajes: “No son grandes héroes, ni personalidades ruidosas, pasaron su carrera terrenal en silencio y oscuridad. pero fuisteis personas, y vuestra vida exterior e interior también está llena de poesía. Druzhinin aconseja a los escritores de ficción que muestren "poesía en los temas más comunes". Chernyshevsky ve una cierta parte de la poesía "en la persona más prosaica". Razonar sobre la poesía de lo ordinario no es sólo un reconocimiento de su valor estético, sino también de su significado espiritual y ético.

Atención a lo ordinario entre los realistas de los años 50. perseguía objetivos algo diferentes a los de los escritores de la escuela natural: no tanto sociales como morales y psicológicas. Las figuras literarias de esos años insisten en la posibilidad de confrontación moral del individuo con circunstancias desfavorables. “La independencia moral de una persona”, proclama Herzen, “es la misma verdad y realidad inmutable que su dependencia del medio ambiente”. Chernyshevsky afirma categóricamente: "Depende de la persona misma hasta qué punto su vida está llena de belleza y grandeza". L. Tolstoy escribe en su diario de 1853: "Cuanto más difíciles y difíciles sean las circunstancias, más necesaria será la firmeza, la actividad, la determinación y la apatía más dañina". Según Dudyshkin, la literatura de los años 50. tiende a retratar a “un hombre de carácter fuerte. que es capaz de llevar las circunstancias más difíciles sobre sus hombros. Entre estas personas persistentes y de voluntad fuerte se encuentran el plebeyo Gleb Savinov ("Pescadores" de Grigorovich - 1853), y el plebeyo Kayutin ("Tres países del mundo" de Nekrasov y Panaeva - 1848 - 1849), y

escudero Bagrov ("Crónica familiar" de S. Aksakov). “En todas las clases de la sociedad”, dice Chernyshevsky por boca de uno de sus héroes en la historia inacabada “Teoría y práctica” (1849 - 1850), “incluso en todas las etapas del desarrollo mental encontrarás personas extremadamente ricas en sentimientos, corazón, con extraordinaria energía de voluntad”. Herzen menciona en "El pasado y los pensamientos" (Parte 2 - 1854) sobre una reunión en "un mohoso exilio de Vyatka" con corazones jóvenes y ardientes que "no fueron derribados por montañas empinadas". El héroe de la historia de V. Krestovsky "La tentación" (1852) no repite el destino del "secretario honesto del tribunal de distrito", del que habló Belinsky en una carta a Kavelin: el hijo de un empleado pobre, el abogado Ozerin, se niega, aunque no sin penosas vacilaciones, a la “vil acción”, no vende “su alma por un pedazo de pan de cada día”. “Afortunadamente”, dice el escritor, “hay gente terca que no renace y no se acostumbra. reconciliarse para ellos está más allá de sus fuerzas, acostumbrarse no está en su naturaleza.

Un cambio de énfasis en la "fórmula" básica del realismo en la década de 1950. conduce a un debilitamiento de las tradiciones de Gogol y a un aumento de la influencia de Pushkin, la segunda etapa en la evolución de su método realista, cuando el poeta vio en la autosuficiencia de una persona una prenda de su grandeza. Turgenev en 1855 le escribió a Druzhinin sobre la necesidad de ruso literatura moderna la influencia tanto de Gogol como de Pushkin, pero desde los años 40. "Pushkin's retrocedió a un segundo plano, que vuelva a aparecer, pero no para reemplazar a Gogol".

Un nuevo énfasis en la relación de personajes y circunstancias afecta en los años 50. y sobre las características de la construcción de la trama, que en la escuela natural estaba sujeta a estrictas "leyes de determinismo": el conflicto, por regla general, tenía una naturaleza social, las condiciones de vida determinaban el destino del héroe. Los realistas de los años 50. los personajes realizan la función de formación de la trama, el conflicto adquiere "contenido moral" (V. Botkin), "el interés en los detalles del sentimiento reemplaza el interés en los eventos mismos" (L. Tolstoy), es decir, la tendencia psicológica se vuelve el líder en literatura, que determina la evolución creativa de los escritores individuales. En las historias de Turgenev de los años 50. las características psicológicas de los personajes se profundizan, su papel formador de la trama aumenta: por ejemplo, el destino de Gerasim ("Mumu" -1854), Akim ("Inn" - 1855) depende de la voluntad del maestro, pero los personajes también influyen en el desarrollo de la trama: Gerasim abandona Moscú sin permiso, Akim se convierte en peregrino.

Si en la organización de la trama de las obras de la escuela natural, las situaciones de amor generalmente agravaron la tragedia de los héroes, entonces en la prosa de los años 50. ellos, por regla general, no rompen sus vidas, no los condenan al sufrimiento eterno. Entonces, el amor no correspondido del héroe de la historia de V. Krestovsky "The Village Teacher" (1850 - 1852) lo priva de paz, alegría, ilusiones románticas, pero después de un año encuentra la paz mental. Y en la novela de Nekrasov y Panaeva "Tres países del mundo", el amor es el punto de partida en la formación de la personalidad: Kayutin, para adquirir fondos para vida familiar comienza a participar en actividades comerciales, desarrolla en sí mismo fuerza de voluntad, coraje, energía durante vagabundeos difíciles por el país desde el Mar Caspio hasta los Urales, desde Siberia hasta Novaya Zemlya.

A diferencia de la escuela naturalista, los realistas de los años 50. ampliar los límites espacio-temporales de la trama narrativa. Escritores de los años 40 por lo general, representaban el mundo moderno provincial y de San Petersburgo, en el que la vida está "calafateada". Para Dostoievski, estos son los rincones de San Petersburgo, en los que la gente pobre se acurruca “aparte de los demás”; para Herzen, esta es a menudo una ciudad lejana, que “no se encuentra en el círculo de luz, sino alejada de él”; para Grigorovich, este es un pueblo en el que las desgracias desafortunadas, petrificadas por la desgracia, viven y mueren. A veces hay una imagen de un camino que no promete felicidad al héroe, no inspira esperanza: la partida de Beltov ("¿Quién tiene la culpa?"), Varenka Dobroselova ("Pobre gente"), Anton el desafortunado ( la historia del mismo nombre de Grigorovich) es sombría. En la prosa de los años 50. geografía rusa mundo moderno(las tramas históricas en este momento son tan raras como en una escuela natural) se expande significativamente debido al movimiento voluntario o forzado de los héroes, por ejemplo, en obras como Pasado y pensamientos de Herzen, la trilogía de Tolstoi (1852 - 1857), patio” , "Rudin" (1856) de Turgenev, "Caminos rurales" (1852), "Colonos" (1855-1856) de Grigorovich, "Tres países del mundo" de Nekrasov y Panaeva. Si en la escuela natural la imagen de un carruaje se usaba a menudo como símbolo de desigualdad social, entonces en la prosa de los años 50. la alegoría poética se extiende a la imagen del camino como idea visible generalizada del camino de vida del héroe, del desarrollo de su carácter.

El proceso de formación de la personalidad a través de su superación moral, la oposición a circunstancias hostiles está en el centro de atención de los realistas de los años 50. En los trabajos de la escuela natural, la cuestión de la autoeducación humana fue oscurecida por las tareas de exponer esos

fundamentos de la vida que obstaculizaban el desarrollo de la personalidad. en los años 50 L. Tolstoy, creyendo que en el la naturaleza humana se establece el "deseo apasionado de perfección", muestra en la trilogía cómo este "deseo de perfección" se manifiesta instintivamente en la infancia, cuando un niño quiere ser "amable e inteligente" para alegrar a los adultos, cómo este deseo imperceptiblemente se fortalece bajo la fuerte y benéfica influencia de naturalezas desinteresadas como Natalia Savishna y Karl Ivanych. En la juventud, el deseo de mejora moral se vuelve consciente, sobre lo cual Nikolenka Irteniev habla constante y apasionadamente con el Príncipe Nekhlyudov.

Las cuestiones del "desarrollo interno" de una persona son de gran interés para Herzen, quien, a diferencia de Tolstoi, presta atención no solo a la moral, sino también a la autoeducación política del individuo. En Pasado y pensamientos, Herzen describe en detalle el crecimiento espiritual de una persona bajo la influencia de eventos como la Guerra Patriótica, el levantamiento decembrista, factores como leer libros, estar en la universidad, visitar el frente, la felicidad de mutuo amor y amistad devota. Bajo la influencia de estas circunstancias favorables, que los escritores de la escuela natural a menudo pasaron por alto, se forman las convicciones humanísticas y patrióticas del individuo, ayudándolo a resistir el ambiente vulgar.

Otros escritores de esos años también mostraron atención a la superación moral del individuo. Entonces, Ivan Aksakov escribe: “Una persona se purifica a sí misma. que todos sepan cuán peligroso es el entorno en el que vive, que guarde su alma. La heroína de la novela de V. Krestovsky "Test" (1854), Lizaveta Andreevna Yelnova, cree: "Vivir con el objetivo de mejorar y mantener el carácter me parece más entretenido que vivir simplemente, sin mirar atrás". . La mujer en las obras de los años 50. por lo general, parecen más decididos que los hombres: estos son los mencionados Yelnova, y Natalya Lasunskaya ("Rudin"), y Liina Minskaya ("Tres poros de la vida" Evg. Tur). Este último comenta: “Nuestro destino está en nuestras manos. La providencia nos dio voluntad, mente, razón, y estas tres palancas cambiarán mucho en nuestra vida.

El interés de los realistas de los años 50. a personajes fuertes, oponiéndose a condiciones de vida adversas, contribuye a la aparición no solo de temas nuevos como la autoeducación de una persona, sino también de nuevos aspectos al resaltar viejos problemas, imágenes "tradicionales", que incluyen el problema del ideal, la imagen de un romántico. Y esto es natural, ya que una persona que cree en algo, se esfuerza por algo, puede resistir las circunstancias. Siguiendo a Pushkin, que proclamó el ideal como fin del arte, los realistas de los años 50. creen que "la fe en el ideal como algo posible y alcanzable salva el talento de la apatía" (Nekrasov).

Con todas las diferencias en la interpretación del ideal, los escritores de esos años ven en la devoción a él la fuente de fuerza y ​​originalidad de una persona que, según Chernyshevsky, “no fue reprimida por influencias extrañas. No hizo. una criatura incolora y sin carácter", por lo tanto, buscan eliminar el toque de arrogancia y al mismo tiempo la burla de palabras como "sueño", "ideal", para advertir contra la unilateralidad en su interpretación. Entonces, Dudyshkin reflexiona en las páginas de Otechestvennye Zapiski: “¡Perfecto! En nuestro país, esta palabra ha recibido últimamente un significado completamente equivocado. Decir "ideal" de algo es lo mismo que decir "irrealizable". Esto es culpa de la dirección de la literatura, daguerrotípicamente fiel a los pequeños casos de la vida, sin ningún pensamiento. La poesía, o mejor dicho, la poesía, ha reducido aún más el concepto de ideal. ¿Es la idealidad la culpable de que hayamos perdido su alto significado? .

Realistas de la década de 1950 reconsideran la actitud de la escuela natural no solo hacia el romance, sino también hacia la persona superflua, cuya imagen irónica fue dada por primera vez por Dostoievski en la historia "El pequeño héroe" y Turgenev en "Hamlet del distrito de Shchigrovsky" (1849). ). Cabe destacar el comentario de Dostoievski sobre la tendencia de estas personas a "castigar el romanticismo, es decir, a menudo todo lo bello y verdadero, cada átomo del cual es más precioso que toda su raza de babosas". Inherente a Turgenev en los años 50. mirada crítica a persona extra, la simpatía del escritor por el romance es evidente al comparar las cartas que componen el contenido del cuento "Correspondencia", en el que trabajó desde 1844 hasta 1854. En esos capítulos de cartas de esta historia, el héroe está representado en las tradiciones de la escuela natural como una persona adicional que, bajo la influencia de las difíciles condiciones de la vida rusa, no pudo "conquistar el cielo", realizar sus sueños "por por el bien de toda la humanidad, por el bien de la patria”. En las cartas posteriores de la Correspondencia, el héroe da paso a Marya Alexandrovna, porque en ese momento el autor no está tan interesado en la pregunta de por qué los sueños no se hacen realidad, sino en el pensamiento de la necesidad de ser fiel a el ideal a pesar de las circunstancias adversas. En este momento, Turgenev da la bienvenida a la "sagrada

una llama”, de la que se ríen “sólo aquellos en cuyo corazón se apagó o nunca se encendió”. Marya Alexandrovna no pronuncia inmediatamente la palabra "ideal", que se ha vuelto ridícula y trillada: al principio parece estar buscándola, pronunciándola con incertidumbre, y luego insistentemente, con excitación polémica, repite: "... Me quedaré fiel hasta el final. ¿qué? Ideal, ¿verdad? Si, ideales.

Los escritores de aquellos años no hablan de problemas, sino de la culpa de la gente superflua, de su incapacidad para superar las dificultades, para poner en práctica los "buenos impulsos". Evg. Tour, en La sobrina (1851), observa con satisfacción que la moda de la gente decepcionada y desocupada "empieza a pasar poco a poco". Esto se evidencia en la novela de M. Avdeev "Tamarin". A diferencia de Turgenev y Dostoevsky, el novelista ordinario no adivina de inmediato ese aspecto y énfasis en la descripción de la "persona superflua", que está dictada por el tiempo. En su historia "Varenka" (1849), que luego se convirtió en la primera parte de la novela "Tamarin", la reevaluación del héroe anteriormente popular aún no se nota. La actitud del autor hacia el héroe se manifiesta en la misma percepción de Tamarin por parte de las personas que lo rodean. Popov, Varenka, su amiga, la baronesa ven una personalidad extraordinaria en el héroe. La “adoración ingenua” del autor al héroe del tipo Pechorin tiene lugar ya en 1850, cuando el escritor publica el “Cuaderno de notas de Tamarin”. El autor pronuncia el veredicto final sobre Tamarin en la historia "Ivanov" (1851), que concluye la novela. La posición del autor en la última parte de "Tamarin" se encuentra principalmente en la oposición del personaje principal a Ivanov, quien, según Avdeev, pertenece a aquellas personas que "vivieron una vida práctica y no puntos de vista infructuosos".

En las condiciones de los años 50. era sobre " buenas acciones hombre" como criterio de su viabilidad moral. L. Tolstoy en este momento ve la felicidad "en el trabajo constante de la vida, con el objetivo de la felicidad de los demás". "El trabajo serio", explica I. Aksakov, "siempre tiene un efecto beneficioso en el alma humana". Por eso, los escritores de esos años prefieren retratar a un maestro trabajador, cuyas actividades están encaminadas al beneficio de las personas. "El maestro", señala I. Panaev, "se ha convertido en una cara inevitable y querida de la historia rusa de nuestro tiempo". Se le menciona en las obras de Herzen ("Pasado y pensamientos"), Tolstoi (trilogía), Turgenev ("Rudin"), está en el centro de varias historias, incluida V. Krestovsky ("El maestro del pueblo" ), Mikhailov ("Izgoev"), Evg. Tour ("Sobrina", "Tres poros de la vida"), Chernyshevsky ("Teoría y práctica"). En prosa realista de los años 50. el maestro no se parece al Krucifersky tímido y de voluntad débil de la novela de Herzen. Sabe superar las dificultades, soportar la adversidad. Entonces, un maestro de aldea en la historia del mismo nombre de V. Krestovsky declara: "No importa cuánto dolor, engaño, fracaso, vergüenza, necesidad que tenga que soportar en la vida, mantendré el tesoro del pensamiento constante, amor constante para el trabajo."

Y, por supuesto, el principal trabajador de la tierra rusa, el campesino, no fue ignorado por los escritores de esos años. “Ahora tenemos”, afirma Dudyshkin en 1855, “muchos escritores que publican historias de la vida de la gente común”. El interés por los personajes y los destinos de los plebeyos está presente en Pasado y pensamientos de Herzen, en las Notas del cazador, las historias Mumu, La posada de Turgenev, en la trilogía y La mañana del terrateniente de Tolstoi. Fue en este momento que aparecieron las "novelas campesinas" de Grigorovich ("Pescadores", "Colonos"), Potekhin ("Mujer campesina"), "Ensayos sobre la vida campesina" de Pisemsky. La atención cercana al tema común se debe a varias razones, que se basan en la idea antiservidumbre: el campesino es un gran trabajador. “La gente común”, escribe Tolstoi en 1853, “mucho más alto que nosotros es una vida llena de trabajo y privaciones”. Las ideas sobre el futuro del país están conectadas con el campesino. “El hombre del futuro en Rusia”, afirma Herzen, “es un hombre”, y K. Aksakov también cree que el “espíritu de la vida venidera” acecha en el campesino (“N.D. Sverbeev”). En un momento, Belinsky todavía tenía que demostrar que el campesino es un hombre, que “las personas de las clases bajas son, ante todo, personas. nuestros hermanos." Los escritores de la escuela natural enfatizaron en la gente común las posibilidades de una humanidad genuina, pero, por regla general, aplastada por las circunstancias. Realistas de la década de 1950 más a menudo y más que sus predecesores hablan de la naturaleza nacional del carácter campesino. Así, Pisemsky, el autor de Pitershchik (1852), informando sobre la prosperidad de Klementy, un campesino quitrent, se regocija “en su rostro. para una persona rusa.

La atención a los detalles nacionales del carácter ruso se intensifica bajo la influencia de la Guerra de Crimea y la decepción en la sociedad de Europa occidental después de los conocidos eventos de 1848-1849. En este momento, la autoridad de los eslavófilos está creciendo, sus filas se reponen con los "jóvenes moscovitas", que ven las características de una "nacionalidad tribal común" (Ap. Grigoriev) no solo en el campesino, sino también en el comerciante. .

Varios escritores, incluidos Turgenev y Saltykov, se acercan a los eslavófilos al retratar a los plebeyos. Saltykov, en una de sus cartas de 1857, admite que durante el período de creación de los "Ensayos provinciales" se inclinó fuertemente hacia los eslavófilos, incluso inicialmente dedicó la sección "Peregrinos, vagabundos y viajeros" a S.T. Aksakov. Nekrasov en "Tres países del mundo" crea una imagen colorida del campesino Antip Khrebtov, que tiene "sus propias convicciones, sus propias creencias". Kayutin, el héroe de la novela nombrada, basado en observaciones personales de la gente común durante sus duelos con la naturaleza dura, exclama: "En nadie, excepto en el campesino ruso, he encontrado tal audacia e ingenio, tal coraje".

Las Notas de un cazador de Turgenev, publicadas por primera vez en una colección separada en 1852, también experimentan el impacto del contexto histórico y literario de dos épocas adyacentes. en los años 50 está interesado en el mundo interior de un plebeyo, sus sentimientos, pensamientos ("Cita", "Cantantes", "Kasyan con una hermosa espada"). El escritor extiende su "psicología secreta" a las historias populares. Por ejemplo, en "La posada" representa el drama espiritual de un plebeyo robado y engañado, transmite su estado interior con la ayuda de un retrato psicológico y un comentario tacaño del autor, que no se refiere al "proceso mental" en sí mismo, sino que representa sólo su "principio y fin".

El dominio del análisis psicológico, por supuesto, no es inherente a todos los escritores de los años 50. Annenkov, por ejemplo, habló de la falta de "procesamiento psicológico de los personajes" de Potekhin. Pero Otechestvennye Zapiski escribió con razón en 1855 sobre la creciente atención en la literatura a las diferencias en los personajes, la forma de pensar de las personas vestidas no solo "con frac y abrigo", sino también con "un sombrío caftán o un abrigo siberiano". Al mismo tiempo, los realistas de los años 50. Prefiero decir una palabra amable sobre el campesino. “No es bueno”, argumentó Tolstoi, “buscar y describir lo malo en la gente: existe, pero sería mejor hablar de eso, solo bueno”.

Esta palabra amable debería ser, según las figuras literarias de aquellos años, una palabra alegre, desprovista de patetismo sentimental. Por lo tanto, los escritores que eran aficionados en los años 40. escenas y digresiones sentimentales, escribir con la vista puesta en los gustos cambiantes de los lectores, tener en cuenta las recomendaciones de los críticos. En particular, Grigorovich advierte al público en la novela "Pescadores": "No molestaré a los lectores con una descripción de esta escena. Y sin eso ya, verás, hay mucha gente que me acusará de sentimentalismo excesivo.

El sentimentalismo está siendo reemplazado por el discurso lírico, una de las manifestaciones del estilo subjetivo-expresivo. " escritor de letras, - señala M. Brandes, - prefiere la forma "Ich". Contribuye a la psicologización de la prosa, penetración en el alma humana. También crea una atmósfera de autenticidad, soltura, reúne los métodos de creatividad verbal y artística con formas reales de ser. Fue en esta función que se utilizó la forma personal de narración en la escuela natural y en la prosa de los años 50. “Ahora”, señala Nekrasov en 1855, “solo escriben notas, confesiones, memorias, autobiografías”.

En la prosa de la década de 1950, como en la de 1940, son más comunes dos variedades de la imagen del autor: el héroe-narrador y el narrador personal, a menudo adyacente al narrador.

El narrador-moralista personal se ha acercado en las nuevas condiciones históricas al objeto de la imagen de la gente común. Entonces, en las "Notas de un cazador" de Turgenev, creadas en los años 50, el narrador empatiza con los héroes: junto con Akulina en "Date", experimenta el dolor del amor rechazado, una expectativa incumplida de felicidad, junto con los visitantes del taberna del pueblo, con lágrimas en los ojos, escucha el canto turco de Yakov ("Cantantes"); comprende la expectativa impaciente de Kasyan de un encuentro con la verdad campesina ("Kasyan con una hermosa espada"). Sin embargo, la gente común en estas historias no confía en el narrador o no lo nota, porque no está con ellos, sino cerca de ellos.

El narrador tiene el mayor grado de intimidad con los plebeyos en las Notas de Nekrasov de Kayutin y en la novela Tres países del mundo de Panaeva. En sus difíciles andanzas, se comunica con gente valiente y sencilla; junto con ellos se congela, muere de hambre, se expone al peligro mortal. Al recordar los contactos con los plebeyos en tierras duras y deshabitadas, Kayutin escribe: “Nos calentábamos con la lucha cuerpo a cuerpo y, a veces, con la respiración. hambrientos y fríos, nos acurrucamos juntos, sesenta días sin ver el sol de Dios. Antes de sus andanzas, Kayutin no conocía al campesino ruso, la necesidad lo unió, la parte común lo acercó. El narrador anota con satisfacción:

"Me emparenté con un campesino ruso". La convergencia del narrador con el medio popular común le permite ver en él "variaciones" de personajes, y no sólo una variedad de tipos.

El creciente interés por el aspecto individual de lo típico contribuye al desplazamiento de la corriente realista de los años 50 del sistema de géneros. un ensayo fisiológico que dio cuenta en la escuela naturalista de la idea de determinismo, la condicionalidad de una persona por el entorno. AG Zeitlin escribió con razón: "Muchos tipos de ensayos fisiológicos no tenían movimientos psicológicos elevados, fueron reemplazados por instintos y deseos bastante primitivos". Los conserjes, los organilleros, los feuilletonistas, los habitantes de los rincones de San Petersburgo, sobre los que escribieron Dal, Grigorovich, Panaev, Nekrasov, respectivamente, no tenían realmente un mundo interior complejo. Los escritores de la década de 1940, por regla general, los miraban desde afuera, y tenían otra tarea por delante. Se debió a las especificidades del desarrollo del método realista en esta etapa histórica, la atención a la tipología social, al estudio analítico de la esencia y génesis del tipo. V. Vinogradov escribió en "La evolución del naturalismo ruso" sobre la "sed epidémica de tipos" inherente a la escuela natural. En las condiciones del aumento en los años 50. interés por la psicología de la personalidad, el ensayo fisiológico "ha dejado de ser una variedad estructuralmente formada del género" (A. Zeitlin). No es casualidad que la "Biblioteca para la lectura" en 1855 hable de la popularidad del ensayo fisiológico como una característica del tiempo pasado: "Hace varios años, los ensayos fisiológicos, correctamente tomados de la naturaleza y distinguidos por la tipicidad, merecían la aprobación universal. "

Los cambios en el sistema género-genérico de la corriente realista de aquellos años no se limitaron al desplazamiento del ensayo fisiológico: en esta época se recuperó la poesía y la dramaturgia, que jugaban un papel modesto en la escuela natural. Pero ya en 1851, en las páginas de la "Biblioteca para la lectura" hay una afirmación de que "... todos nuestros talentos beletristas están obsesionados con el drama". La autoridad de la prosa llevó a Turgenev en 1855, al publicar la comedia Un mes en el campo, a casi justificarse, notificando a los lectores: “Esta comedia fue escrita hace cuatro años y nunca fue asignada al escenario. Esto, de hecho, no es una comedia, sino una historia en forma dramática. El patetismo lírico de muchas obras de prosa psicológica de esos años contribuyó a la "explosión de la poesía", según Druzhinin. “Solo el período de tiempo de 1840 a 1850”, afirma Dudyshkin, “fue desfavorable para la poesía. en nuestro tiempo hay muchos talentos poéticos.

I. Yampolsky vinculó correctamente el desarrollo de las letras psicológicas a mediados del siglo XIX. con "característico de esta época, el interés general por la vida interior, la psicología individual del hombre". Pero, según K. Aksakov, el autor de Review of Modern Literature (1857), la prosa todavía se leía "más que los poemas" debido a su descripción inherente de la "vida cotidiana". El crítico expresó su satisfacción por el colapso de la escuela natural, aprobó los cambios que habían tenido lugar en la descripción del campesino, el romántico, la persona superflua, especialmente en las historias de Turgenev, y la atención de los escritores al "mundo interior de el alma", especialmente en las obras de Tolstoi. En realidad, K. Aksakov no negó, en contraste con muchos investigadores posteriores, en particular Solovyov-Andreevich, la presencia de una "fisonomía" especial de la literatura de los años 50, no la atribuyó al epílogo de la escuela natural. Completó su artículo de revisión con la expectativa de un "día futuro literario", cuyos requisitos previos el crítico vio en la literatura moderna. Y este "día" llegó, pero no del todo en la forma en que le pareció al eslavófilo K. Aksakov.

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Recibido el 15/10/13

Yu.M. Proskurina

Las peculiaridades del realismo ruso de mediados del siglo XIX.

La literatura rusa de la década de 1850 se considera una nueva fase en el desarrollo del realismo. Los escritores utilizan los principios de la escuela natural pero prestan más atención a los problemas psicológicos y éticos. Ahora los personajes fuertes son capaces de soportar las circunstancias sociales. Entonces, los cambios en el concepto de personalidad provocan la transformación en los sistemas de género y estilo del realismo.

Palabras clave: desarrollo del realismo, personajes y circunstancias, tradiciones, género, lirismo, carácter nacional.

Proskurina Yulia Mikhailovna, Doctora en Filología, Profesora

FSBEI HPE "Universidad Pedagógica Estatal de los Urales"

620017, Rusia, Ekaterimburgo, calle Kosmonavtov, 26 Correo electrónico: [correo electrónico protegido]

Proskurina Yu.M., doctora en filología, profesora

Universidad Pedagógica Estatal de los Urales

620017, Rusia, Ekaterimburgo, Kosmonavtov av., 26

El realismo como dirección fue la respuesta no sólo a la Ilustración (), con sus esperanzas de mente humana pero también la indignación romántica contra el individuo y la sociedad. El mundo resultó no ser la forma en que los clasicistas lo retrataron y.

Era necesario no solo iluminar el mundo, no solo mostrar sus elevados ideales, sino también comprender la realidad.

La respuesta a esta petición fue la corriente realista que surgió en Europa y en Rusia en los años 30 del siglo XIX.

El realismo se entiende como una actitud veraz ante la realidad en una obra de arte de un período histórico determinado. En este sentido, sus rasgos se pueden encontrar en los textos artísticos del Renacimiento o la Ilustración. Pero como corriente literaria, el realismo ruso se convirtió en la principal precisamente en el segundo tercio del siglo XIX.

Las principales características del realismo.

Sus características principales incluyen:

• objetivismo en la representación de la vida

(esto no significa que el texto sea una "astilla" de la realidad. Esta es la visión del autor de la realidad que describe)

• ideal moral del autor

• personajes típicos con la indudable individualidad de los héroes

(Tales, por ejemplo, son los héroes de "Onegin" de Pushkin o los terratenientes de Gogol)

• situaciones típicas y conflictos

(los más comunes son el conflicto persona extra y sociedad, persona pequeña y sociedad, etc.)

(por ejemplo, circunstancias de crianza, etc.)

• atención a la credibilidad psicológica de los personajes

(características psicológicas de los héroes o)

• la vida cotidiana de los personajes

(el héroe no es una personalidad destacada, como en el romanticismo, sino uno que es reconocible por los lectores como, por ejemplo, su contemporáneo)

• atención a la precisión y fiabilidad de los detalles

(para más detalles en "Eugene Onegin" puedes estudiar la era)

• ambigüedad de la actitud del autor hacia los personajes

(no hay división en caracteres positivos y negativos, por ejemplo, actitud hacia Pechorin)

• la importancia de los problemas sociales: la sociedad y el individuo, el papel del individuo en la historia”, hombre pequeño» y la sociedad, etc.

(por ejemplo, en la novela "Resurrección" de León Tolstoi)

• aproximación del lenguaje obra de arte vivir el habla

• la posibilidad de utilizar un símbolo, mito, grotesco, etc. como un medio para revelar el carácter

(al crear la imagen de Napoleón de Tolstoi o las imágenes de terratenientes y funcionarios de Gogol).
Nuestra breve presentación en video sobre el tema.

Los principales géneros del realismo.

• historia,
• historia,
• novela.

Sin embargo, los límites entre ellos se desdibujan gradualmente.

Según los científicos, la primera novela realista en Rusia se convirtió en "Eugene Onegin" de Pushkin.

El apogeo de esta corriente literaria en Rusia es toda la segunda mitad del siglo XIX. Las obras de los escritores de esta época entraron en el tesoro de la cultura artística mundial.

Desde el punto de vista de I. Brodsky, esto se hizo posible debido a la altura de los logros de la poesía rusa del período anterior.

¿Te gustó? No escondas tu alegría del mundo - comparte

...para mí, la imaginación siempre ha sidomás alto que la existencia, y el amor más fuerteexperimenté en un sueño.
LN Andreev

El realismo, como se sabe, apareció en la literatura rusa en la primera mitad del siglo XIX y durante todo el siglo existió en el marco de su corriente crítica. Sin embargo, el simbolismo, que se dio a conocer en la década de 1890, la primera tendencia modernista en la literatura rusa, se opuso agudamente al realismo. Siguiendo el simbolismo, surgieron otros movimientos no realistas. Esto condujo inevitablemente a transformación cualitativa del realismo como método de representación de la realidad.

Los simbolistas expresaron la opinión de que el realismo solo se desliza sobre la superficie de la vida y no puede penetrar la esencia de las cosas. Su posición no era infalible, pero desde entonces se inició en el arte ruso. confrontación e influencia mutua del modernismo y el realismo.

Es de notar que modernistas y realistas, esforzándose exteriormente por la delimitación, tenían internamente una aspiración común por un conocimiento profundo y esencial del mundo. No es de extrañar, por tanto, que los escritores de principios de siglo, que se consideraban realistas, comprendieran lo estrecho que era el marco del realismo coherente y comenzaran a dominar formas sincréticas de narración que permitieran combinar la objetividad realista con la romántica. , principios impresionistas y simbolistas.

Si los realistas del siglo XIX prestaron mucha atención a la naturaleza social del hombre entonces los realistas del siglo XX correlacionaron esta naturaleza social con procesos psicológicos, subconscientes expresada en el choque de la razón y el instinto, el intelecto y los sentimientos. En pocas palabras, el realismo de principios del siglo XX apuntaba a la complejidad de la naturaleza humana, que de ningún modo es reducible únicamente a su ser social. No es casualidad que Kuprin, Bunin y Gorky tengan un plan de eventos, apenas se indica el ambiente, pero se da un refinado análisis de la vida espiritual del personaje. La mirada del autor se dirige siempre más allá de los límites de la existencia espacial y temporal de los personajes. Por lo tanto, la aparición de motivos e imágenes folclóricas, bíblicas y culturales, que permitieron expandir los límites de la narrativa, para atraer al lector a la co-creación.

A principios del siglo XX, en el marco del realismo, cuatro corrientes:

1) realismo crítico continúa las tradiciones del siglo XIX e implica un énfasis en la naturaleza social de los fenómenos (a principios del siglo XX, estos fueron los trabajos de A.P. Chekhov y L.N. Tolstoy),

2) realismo socialista - el término de Ivan Gronsky, que denota la imagen de la realidad en su desarrollo histórico y revolucionario, el análisis de los conflictos en el contexto de la lucha de clases y las acciones de los héroes - en el contexto del beneficio para la humanidad ("Madre" por M Gorki, y más tarde, la mayoría de las obras de escritores soviéticos),

3) realismo mitologico formado en la literatura antigua, pero en el siglo XX bajo M.R. comenzó a comprender la imagen y comprensión de la realidad a través del prisma de conocidas tramas mitológicas (en literatura extranjera un ejemplo vívido es la novela de J. Joyce "Ulysses", y en la literatura rusa de principios del siglo XX, la historia "Judas Iscariot" de L.N. andreeva)

4) naturalismo implica representar la realidad con la mayor plausibilidad y detalle, a menudo antiestético ("Pit" de A.I. Kuprin, "Sanin" de M.P. Artsybashev, "Notes of a Doctor" de V.V. Veresaev)

Las características enumeradas del realismo ruso provocaron numerosas disputas sobre el método creativo de los escritores que se mantuvieron fieles a las tradiciones realistas.

Amargo comienza con una prosa neorromántica y continúa creando juegos sociales y novelas, se convierte en el antepasado del realismo socialista.

Creación andreeva estuvo siempre en un estado límite: los modernistas lo consideraban un "realista despreciable", y para los realistas, a su vez, era un "simbolista sospechoso". Al mismo tiempo, se acepta generalmente que su prosa es realista y su dramaturgia gravita hacia el modernismo.

Zaitsev, mostrando interés en los microestados del alma, creó una prosa impresionista.

Los intentos de la crítica por definir el método artístico Bunín llevó al hecho de que el propio escritor se comparó con una maleta pegada con una gran cantidad de etiquetas.

La compleja visión del mundo de los escritores realistas, la poética multidireccional de sus obras atestiguaron la transformación cualitativa del realismo como método artístico. Gracias a propósito común- la búsqueda de la verdad más alta - a principios del siglo XX hubo una convergencia de literatura y filosofía, que se describió en las obras de Dostoievski y L. Tolstoi.

siglo XX

Libro del profesor ∕ apuntes de clase

Yaroslavl, 2014

Tema 1.

La literatura rusa en el cambio de siglo: una lección general

Límites temporales

Maestro:

Literatura Rusa finales del siglo XIX- el comienzo del siglo XX, o la literatura de la "Edad de Plata", es una de las etapas más brillantes de la historia centenaria de la literatura rusa. Esta etapa estuvo precedida por varias épocas literarias: la literatura rusa antigua, que suman 7 siglos; literatura XVIII siglo; literatura XIX siglos.

En comparación con estos períodos, la etapa de la literatura rusa de principios de siglo es mucho más pequeña en cuanto a su duración en el tiempo. Comienza en la década de 1890 y termina a fines de la década de 1910. – principios de la década de 1920 El final de esta etapa se asocia a 1921.

Pregunta:

¿Por qué este año?

Responder:

este año murió Alexander Blok (uno de los más grandes poetas simbolistas) y en el que le dispararon a Nikolai Gumilyov (uno de los más grandes poetas acmeístas).

[La maestra muestra sus retratos.]

Pero por supuesto, " edad de plata”, la cosmovisión artística que nació a principios de siglo continuó existiendo más tarde: por un lado, otros escritores y poetas, contemporáneos de A. Blok y N. Gumilyov, estaban vivos; por otro lado, la cultura del cambio de siglo se reflejó en la obra de jóvenes escritores pertenecientes a otra época. Entre ellos, por ejemplo, podemos nombrar a Daniil Andreev y Arseny Tarkovsky.

El significado del nombre

El maestro invita a la audiencia a sostener un objeto hecho de plata en sus manos y hace la pregunta: ¿por qué la etapa del cambio de siglo en la literatura rusa se llama la "Edad de Plata"?

Respuesta ejemplo:

1. "plata" en oposición a la "edad de oro" de la literatura rusa (A. Pushkin) [la idea de 4 siglos: de oro a hierro];

2. plata como un análogo de la Luna: un símbolo del subconsciente, un símbolo de dualidad (lado claro y lado oscuro).

personas

Maestro:

A pesar de que el período del cambio de siglo en la literatura rusa duró solo unos 30 años, contenía una gran cantidad de nombres famosos. Entonces, en las décadas de 1890 y 1900, continuó el trabajo de los grandes escritores rusos Leo Tolstoy y Anton Chekhov (completaron el siglo XIX "clásico" de la literatura rusa), y al mismo tiempo aparecieron nuevos escritores y poetas que determinaron un nuevo, cultura emergente.

Estos son los escritores en prosa M. Gorky, A. Kuprin, I. Bunin, A.N. Tolstoy, I. Shmelev, M. Prishvin, E. Zamyatin.

Poetas A. Blok, V. Bryusov, I. Annensky, D. Merezhkovsky, Z. Gippius, F. Sologub, K. Balmont, Andrey Bely, Vyach. Ivanov, Velimir Khlebnikov, N. Gumilyov, M. Voloshin, M. Kuzmin.

En la década de 1910, A. Akhmatova, S. Yesenin, V. Mayakovsky, O. Mandelstam, M. Tsvetaeva, N. Klyuev, V. Khodasevich, I. Severyanin, B. Pasternak ingresaron a la literatura rusa.

[La maestra muestra sus retratos y lee una estrofa de sus poemas.]

Pero la literatura durante este período no existía en un espacio sin aire, era parte de la cultura espiritual general, que también estaba en auge en ese momento. Entonces, entre los nombres de filósofos famosos de principios de siglo, se pueden nombrar a V. Solovyov, S. Bulgakov, N. Berdyaev, P. Florensky, V. Rozanov; entre artistas - M. Vrubel, K. Korovin, V. Serov, A. Benois, L. Bakst y otros, entre compositores - S. Rachmaninov, A. Scriabin, I. Stravinsky; entre figuras teatrales - K. Stanislavsky, V. Komissarzhevskaya, V. Meyerhold.

[El profesor muestra las obras de estos artistas y pone música de S. Rachmaninov y A. Scriabin.]

Las principales tendencias en el desarrollo del arte ruso a principios de siglo.

1. Una fuerte democratización del arte: el rápido crecimiento de la composición cuantitativa de la audiencia: muchos lectores → muchos poetas (la aparición del cine - "demanda ( Gran audiencia) da lugar a una oración (el cine es un arte de masas)”).

2. La literatura se dividió drásticamente en masa y élite (los títulos de las colecciones de V. Bryusov son "Me eum esse", "Tertia Vigilia").

3. Un fuerte aumento en los contactos con la literatura mundial (cualquier hecho del arte europeo se convierte en propiedad de una persona rusa y viceversa; los libros de escritores rusos se traducen rápidamente al idiomas extranjeros; rusos y extranjeros empiezan a parecerse).

4. Interacción activa diferentes tipos artes: el desarrollo de una forma sintética de arte - teatro; los poetas usan términos musicales para los títulos de sus obras (poema de K. Balmont "Moonlight Sonata"); Scriabin concibe música en color para "Prometeo", se suponía que su "Misterio" incluiría música, ruidos, arquitectura móvil, danza, poesía, olores).

5. Universalismo creativo: M. Kuzmin - poeta y músico, Mayakovsky - poeta y artista [el maestro muestra los dibujos de V. Mayakovsky].

6. Atracción por la miniaturización en cuanto al género.

7. Profesionalización en el arte: combinar práctica y teórico en una sola persona (S. Taneev - teórico y compositor; lo mismo - A. Bely, V. Bryusov, Vyach. Ivanov).

8. Inclinación hacia una forma pura, emancipación, liberación del texto de estructuras rígidas (el proceso de aflojamiento del silabo-tónico (dolnik, tactician, verso libre)); discrepancia entre sonido y significado → silencio, una hoja de papel en blanco (V. Gnedov, "El poema del fin").

9. Atracción por la polifonía (I. Stravinsky, "Petrushka"; A. Blok, "12").

Tareas para el hogar:

Lea las historias de A.P. Chekhov: "Camaleón", "Muerte de un oficial", "Ionych", "Hombre en un caso", "Sobre el amor", "Grosella", "Dama con un perro", "Grueso y delgado" , “Intruso”, “Profesor de literatura”, “Saltador”, “Estudiante”.

Tema 2

La literatura rusa a principios de siglo (continuación). Vida y carrera de AP Chekhov

Literatura "clásica" del siglo XIX y literatura de principios de siglo

Con el cambio de siglo, la cultura y la literatura están experimentando cambios en la forma en que comienza a percibirse la realidad circundante. Estos cambios se manifestaron en varios aspectos:

1. siglo XIX se caracterizó por el optimismo, la fe y la esperanza en el progreso social ("Guerra y Paz"), en altos ideales; en el cambio de siglo, la fe en la reconstrucción social se derrumba, prevalece el pesimismo, las ideas de la relatividad de la fe y la incredulidad, el bien y el mal, el amor elevado y los placeres físicos, un sentido de fin de siecle, decadencia (obra de F. Sologub ).

2. En el siglo XIX, el héroe es una persona pequeña, la literatura es literatura de compasión y humanismo. [el profesor lee extractos de "El abrigo" de N. Gogol y "Pobre gente" de F. Dostoievski], - en el cambio de siglo, el escritor y el héroe se centran en su propio sufrimiento, la literatura es la literatura del masoquismo psicológico, el individualismo extremo, el egocentrismo, se caracteriza por la estetización de la muerte.

3. La cultura del siglo XIX es monocéntrica (Pushkin y los poetas de la galaxia Pushkin), tendencias literarias se sucedieron en él (el romanticismo siguió al sentimentalismo, el realismo siguió al romanticismo) - la cultura del cambio de siglo es policéntrica (no hay escritores principales y secundarios), las tendencias literarias existen en paralelo (realismo, simbolismo, acmeism, futurismo).

4. El siglo XIX floreció realismo(lat.realis - "esencial", "real", de res - "cosa"), que se caracteriza por la plausibilidad, la profundidad de la inmersión en la realidad; - florece a principios de siglo modernismo(Modernismo italiano - "tendencia moderna"; del lat. modernus - "moderno, reciente": incluye impresionismo, expresionismo, simbolismo, acmeísmo, futurismo), que se caracteriza por una orientación hacia la cultura urbana, métodos científicos de cognición, así como como sobre subconsciencia e irracionalidad, deformación de proporciones reales, construcción, modelado de nuevas formas.

La originalidad del realismo ruso a principios de siglo.

Maestro:

Sin embargo, el realismo en la literatura del siglo XX también sigue presente. Pero al mismo tiempo, difiere significativamente del realismo “clásico” del siglo XIX. El realismo del cambio de siglo se basa en los descubrimientos artísticos de la prosa de A.P. Chéjov, que registran los cambios que han ocurrido en la mente de una persona rusa:

1. En el realismo del siglo XIX, el héroe llega a una conclusión (Raskolnikov reconsidera su vida en trabajos forzados), en el realismo del cambio de siglo, al héroe siempre le falta algo, y ninguno de los medios anteriores puede ayudarlo, mientras que la vida en un mundo fijo se ve como una vulgaridad ("Dama con un perro").

2. En el realismo del siglo XIX, hay héroes antagonistas (Pechorin y Grushnitsky), en el realismo del cambio de siglo, nadie tiene la razón incondicionalmente, todos los contrastes pierden su carácter intenso (Lopakhin es quien corta el jardín de los cerezos, y al mismo tiempo intenta con todas sus fuerzas ayudar al dueño de este jardín: Ranevskaya).

3 en obras realistas Con el cambio de siglo, el espectro temático se expande considerablemente y temas antes prohibidos invaden la literatura (Kuprin, "El Pozo").

4. En las obras realistas del cambio de siglo se va actualizando la tipología de personajes (la diversidad de héroes en la prosa de A. Kuprin).

5. Se producen cambios en la personalidad del escritor a principios de siglo: los escritores se vuelven ligeros (M. Gorky, "Across Russia"; A. Kuprin, cambiando de profesión).