La cultura musical del Renacimiento. Cultura musical abstracta del Renacimiento Periodización y evolución de la música renacentista
En la cultura musical del Renacimiento se pueden distinguir varios rasgos innovadores definitorios.
En primer lugar, el rápido desarrollo del arte secular, expresado en la ubicuidad de muchos géneros de canciones y danzas seculares. estos son italianosfrottolas ("canciones populares, de palabras frottola - multitud), villanelas ("canciones de pueblo"),cacchia , canción metódica (literalmente - canciones) y madrigales, españolvillancico (de villa - pueblo), canciones francesas chanson, alemánMintió , Inglés baladas y otros. Todos estos géneros, glorificando la alegría de ser, interesados en el mundo interior de una persona, luchando por la verdad de la vida, reflejaron directamente una cosmovisión puramente renacentista. Para ellos Medios de expresión típicamente amplio uso de entonaciones y ritmos de la música folclórica.
La culminación de la línea secular en el arte del Renacimiento -madrigal . El nombre del género significa "canción en el idioma materno (es decir, italiano)". Enfatiza la diferencia entre el madrigal y la música sacra interpretada en latín. El desarrollo del género pasó de una canción de pastor de una sola voz sin pretensiones a una pieza vocal-instrumental de 5-6 voces con un texto lírico refinado y refinado. Entre los poetas que recurrieron al género madrigal se encuentran Petrarca, Boccaccio, Tasso. Los compositores A. Willart, J. Arkadelt, Palestrina, O. Lasso, L. Marenzio, C. Gesualdo, C. Monteverdi fueron notables maestros del madrigal. Originario de Italia, el madrigal se extendió rápidamente a otros países de Europa occidental.
La versión francesa de la canción polifónica se llamacanción . Se distingue del madrigal por su mayor proximidad a la realidad, a la vida cotidiana, es decir, al género. Entre los creadores de chanson -clemente jeannequin , uno de los compositores franceses más famosos del Renacimiento.
En segundo lugar, el máximo florecimiento de la polifonía coral, que se convirtió en el principal estilo musical de la época. Majestuoso y armonioso, combinaba perfectamente con la solemnidad del servicio de la iglesia. Al mismo tiempo, la polifonía polifónica era la forma de expresión dominante no solo en los géneros espirituales, sino también en los seculares.
El desarrollo de la polifonía coral se asoció principalmente con el trabajo de compositores de la escuela holandesa (franco-flamenca): Guillaume Dufay, Johannes Okeghem, Jacob Obrecht, Josquin Despres, Orlando Lasso.
orlando lazo (circa 1532-1594) trabajó en muchos países europeos. Su talento, verdaderamente fenomenal, conquistó y deleitó a todos. En la vasta obra de Orlando Lasso están representados todos los géneros musicales del Renacimiento (con predominio de la música profana sobre la espiritual). Entre sus obras más populares se encuentra "Echo", escrita en el género de las canciones caseras italianas. La composición se basa en una colorida yuxtaposición de dos coros, creando un efecto de eco. El texto pertenece al propio compositor.
Junto con Orlando Lasso, el mayor representante del Alto Renacimiento en la música fue el italianoPalestrina (nombre completo Giovanni Pierlui gi da Palestrina, hacia 1525-1594). La mayor parte de la vida de Palestrina transcurrió en Roma, donde estuvo constantemente asociado con el trabajo en la iglesia, en particular, dirigió la capilla de la Catedral de St. Pedro La parte principal de su música son obras sacras, principalmente misas (hay más de un centenar de ellas, entre las que destaca especialmente la famosa “Misa de Papa Marcello”) y motetes. Sin embargo, Palestrina también compuso voluntariamente música secular: madrigales, canzonettes. Composiciones de Palestrina para chorus a sarrellase convirtió en un ejemplo clásico de polifonía renacentista.
El trabajo de los compositores polifónicos desempeñó un papel destacado en el desarrollo del género principal de la música renacentista:masas . Con origen en la Edad Media, el género de la Misa enXIV- XVIDurante siglos, se ha transformado rápidamente, pasando de muestras representadas por partes separadas y dispares a composiciones de una forma cíclica armoniosa.
Dependiendo del calendario de la iglesia, se omitieron algunas partes en la música de la misa y se insertaron otras partes. Hay cinco partes obligatorias que están constantemente presentes en el servicio de la iglesia. Ayo y V - « Kyrieeleison» (“Señor, ten piedad”) y« AgnusDios» (« Cordero de Dios") - se expresó una oración de perdón y misericordia. EnYo y IV - « Gloria"("Gloria") y " Sanctus» (« Santo") - alabanza y gratitud. En la parte central,Credo» (« Yo creo”), expuso los principios fundamentales de la fe cristiana.
En tercer lugar, el creciente protagonismo de la música instrumental (con un claro predominio de los géneros vocales). Si la Edad Media europea casi no conocía el instrumental profesional, en el Renacimiento se crearon muchas obras para el laúd (el instrumento musical más común de esa época), órgano, viola, vihuela, flautas virginales y longitudinales. Todavía siguen patrones vocales, pero ya se ha determinado el interés por tocar instrumentos.
En cuarto lugar, durante el Renacimiento hubo una activa formación de escuelas musicales nacionales (polifonistas holandeses, virginalistas ingleses, vihuelalistas españoles y otros), cuyo trabajo se basó en el folclore de su país.
Finalmente, la teoría de la música ha dado un paso adelante, presentando una serie de teóricos notables. Es francésFelipe de Vitry , autor del tratado Arsestrella nueva» (« Arte Nuevo”, donde se da la fundamentación teórica del nuevo estilo polifónico); italianojosefo carlino , uno de los creadores de la ciencia de la armonía; suizoglareano , el fundador de la doctrina de la melodía.
El Renacimiento, o Renacimiento, es un período en la historia de la cultura de Europa occidental y central, que abarca aproximadamente los siglos XIV-XVI. Este período obtuvo su nombre en relación con el resurgimiento del interés por arte antiguo, que se ha convertido en un ideal para las figuras culturales de los nuevos tiempos. Compositores y teóricos musicales - J. Tinktoris, J. Tsarlino y otros - estudiaron tratados musicales griegos antiguos; en las obras de Josquin Despres, quien fue comparado con Miguel Ángel, según los contemporáneos, "se revivió la perfección perdida de la música de los antiguos griegos": apareció a fines del siglo XVI y principios del XVII. la ópera se guiaba por las leyes del teatro antiguo.
Clases de teoría musical. A partir de un grabado del siglo XVI.
J. P. Palestrina.
El desarrollo de la cultura del Renacimiento está asociado con el surgimiento de todos los aspectos de la sociedad. Nació una nueva cosmovisión: el humanismo (del latín humanus - "humano"). La emancipación de las fuerzas creativas condujo al rápido desarrollo de la ciencia, el comercio, la artesanía y nuevas relaciones capitalistas tomaron forma en la economía. La invención de la imprenta contribuyó a la difusión de la educación. Los grandes descubrimientos geográficos y el sistema heliocéntrico del mundo de N. Copérnico cambiaron las ideas sobre la Tierra y el Universo.
Alcanzó una prosperidad sin precedentes Arte, arquitectura, literatura. La nueva actitud se reflejó en la música y transformó su apariencia. Se aleja gradualmente de las normas del canon medieval, el estilo se individualiza, aparece por primera vez el concepto mismo de "compositor". La textura de las obras cambia, el número de voces aumenta a cuatro, seis o más (por ejemplo, se conoce el canon de 36 voces, atribuido al mayor representante de la escuela holandesa, J. Okegem). Las consonancias consonantes dominan en armonía, el uso de disonancias está estrictamente limitado por reglas especiales (ver Consonancia y disonancia). Se forman las escalas mayor y menor y el sistema de ritmos del reloj, que son característicos de la música posterior.
Los compositores utilizaron todos estos nuevos medios para transmitir un sistema especial de sentimientos de un hombre del Renacimiento: sublime, armonioso, tranquilo y majestuoso. La conexión entre el texto y la música se vuelve más estrecha, la música comienza a transmitir el estado de ánimo o, como se dijo entonces, los afectos del texto, palabras individuales, como "vida", "muerte", "amor", etc. a menudo se ilustran con medios musicales especiales.
La música renacentista se desarrolló en dos direcciones: eclesiástica y secular. Los principales géneros de la música de la iglesia - misa y motete - son obras polifónicas polifónicas para coro, solas o acompañadas por un conjunto instrumental (ver Música coral, Polifonía). De los instrumentos, se dio preferencia al órgano.
El crecimiento de la creación musical amateur contribuyó al desarrollo de la música secular. La música sonaba en todas partes: en las calles, en las casas de los ciudadanos, en los palacios de los nobles nobles. Los primeros concertistas virtuosos aparecieron en el laúd, el clavicémbalo, el órgano, la viola y varios tipos de flautas longitudinales. En canciones polifónicas (madrigal - en Italia, chanson - en Francia), los compositores hablaban sobre el amor, sobre todo lo que ocurre en la vida. Aquí están los títulos de algunas de las canciones: "Deer Hunt", "Echo", "Battle of Marignano".
En los siglos XV-XVI. la importancia del arte de la danza aumenta, aparecen numerosos tratados y guías prácticas sobre coreografía, colecciones de música de baile, que incluyen bailes populares de la época: bajo, branle, pavane, galliard.
Durante el Renacimiento, se formaron escuelas nacionales de música. La más grande de ellas es la escuela polifónica holandesa (franco-flamenca). Sus representantes son G. Dufay, K. Janequin, J. Okegem, J. Obrecht, Josquin Despres, O. Lasso. Entre otras escuelas nacionales se encuentran la italiana (J. P. Palestrina), la española (T. L. de Victoria), la inglesa (W. Byrd), la alemana (L. Senfl).
El Renacimiento, o Renaissance (fr. Renaissance), es un punto de inflexión en la historia de la cultura de los pueblos europeos. Las figuras del Renacimiento reconocieron a una persona, su bien y el derecho al libre desarrollo de la personalidad, como el valor más alto. Tal cosmovisión se llamó "humanismo". Los humanistas buscaban el ideal de una persona armoniosa en la antigüedad, y el arte griego y romano antiguo sirvió como modelo para su creatividad artística. El deseo de "revivir" la cultura antigua dio nombre a toda una era: el Renacimiento, el período entre la Edad Media y la Nueva Era.- musica del renacimiento
Renacimiento del arte y la ciencia en los siglos XIV-XVI. Fue una era de grandes cambios, que marcó la transición de la forma de vida medieval a la actual. Componer e interpretar música durante este período adquirió un significado especial. Los humanistas que estudiaron las antiguas culturas de Grecia y Roma declararon que escribir música era una ocupación útil y noble. Se creía que todos los niños deberían aprender a cantar y dominar la ejecución de instrumentos musicales. Para ello, familias eminentes aceptaban músicos en sus casas para dar lecciones a sus hijos y entretener a los invitados.
La estética musical del Renacimiento fue desarrollada por compositores y teóricos tan intensamente como en otras formas de arte. Después de todo, así como Giovanni Boccaccio creía que Dante, con su obra, contribuía al regreso de las musas y daba vida a la poesía muerta, así como Giorgio Vasari hablaba del renacimiento de las artes, así escribió Josephfo Zarlino en su tratado El Establecimiento de la Armonía (1588):
“Sin embargo, ya sea que el tiempo insidioso sea el culpable o la negligencia humana, la gente comenzó a apreciar poco no solo la música, sino también otras ciencias. Y se elevó a la mayor altura, ella cayó a lo más bajo; y, después de recibir un honor inaudito, se la consideró miserable, insignificante y tan poco honrada que incluso los científicos apenas la reconocieron y no quisieron darle su merecido.
Ya en el cambio de los siglos XIII-XIV, se publicó en París el tratado "Música" del maestro de la música John de Grohe, en el que revisó críticamente las ideas medievales sobre la música. Él escribió: “Aquellos que se inclinan a contar cuentos de hadas dijeron que la música fue inventada por las Musas que vivían cerca del agua. Otros decían que fue inventado por santos y profetas. Pero Boecio, un hombre significativo y noble, se adhiere a otros puntos de vista... Dice en su libro que Pitágoras descubrió el comienzo de la música. Las personas parecían cantar desde el principio, ya que la música les es innata por naturaleza, según Platón y Boecio, pero los fundamentos del canto y la música se desconocían hasta la época de Pitágoras..."
Sin embargo, con la división de la música en tres tipos de Boecio y sus seguidores: world music, humana, instrumental, John de Groheo no está de acuerdo, porque nadie escuchó la armonía provocada por el movimiento de los cuerpos celestes, ni siquiera el canto de los ángeles; De hecho, "no es asunto de un músico hablar de canto angélico, a menos que sólo se convierta en teólogo o profeta".
Digamos, pues, que la música que está en circulación entre los parisinos puede, aparentemente, reducirse a tres divisiones principales. Una sección es la música simple o civil (civilis), a la que también llamamos folk; la otra es música compleja (compuesta - composita), o correcta (aprendida - regularis), o canónica, que se llama mensural. Y la tercera sección, que se deriva de las dos anteriores y en la que ambas se combinan en algo mejor, es la música de iglesia, destinada a alabar al creador.
John de Grohe se adelantó a su tiempo y no tuvo seguidores. La música, como la poesía y la pintura, adquiere nuevas cualidades solo en el siglo XV y especialmente en el XVI, lo que va acompañado de la aparición de más y más tratados sobre música.
Glarean (1488 - 1563), autor de la obra musical "Las doce cuerdas" (1547), nació en Suiza, estudió en la Universidad de Colonia en el departamento de arte. La Maestría en Artes Liberales se dedica a la enseñanza de poesía, música, matemáticas, griego y latín en Basilea, lo que habla de los intereses vitales de la época. Aquí se hizo amigo de Erasmo de Rotterdam.
Glarean aborda la música, en particular la música sacra, como artistas que continuaron pintando cuadros y frescos en las iglesias, es decir, la música, como la pintura, debe, fuera de la didáctica y de la reflexión religiosa, dar placer ante todo, ser “la madre del placer”. ”.
Glarean fundamenta las ventajas de la música monódica frente a la polifonía, mientras habla de dos tipos de músicos: phonas y sinfonistas: los primeros tienen una tendencia natural a componer una melodía, los segundos a desarrollar una melodía para dos, tres o más voces.
Glarean, además de desarrollar la teoría de la música, también considera la historia de la música, su desarrollo, como resultado, en el marco del Renacimiento, ignorando por completo la música de la Edad Media. Él fundamenta la idea de la unidad de la música y la poesía, la interpretación instrumental y el texto. En el desarrollo de la teoría musical, Glarean legalizó, con el uso de doce tonos, los modos eólico y jónico, fundamentando así teóricamente los conceptos de mayor y menor.
Glarean no se limita al desarrollo de la teoría musical, sino que considera la obra de los compositores contemporáneos Josquin Despres, Obrecht, Pierre de la Rue. Habla de Josquin Depres con amor y entusiasmo, como Vasari de Miguel Ángel.
Josephfo Carlino (1517 - 1590), cuya declaración ya conocemos, ingresó a la orden franciscana en Venecia durante 20 años con sus conciertos musicales y el florecimiento de la pintura, lo que despertó su vocación de músico, compositor y teórico de la música. En 1565 dirigió la capilla de St. Marca. Se cree que en la composición "Establecimiento de la Armonía" Tsarlino expresó en forma clásica los principios básicos de la estética musical del Renacimiento.
Carlino, quien habló del declive de la música, por supuesto, en la Edad Media, se inspira en la estética antigua al desarrollar su doctrina sobre la naturaleza de la armonía musical. “Cuánta música fue glorificada y considerada sagrada, los escritos de los filósofos y especialmente los pitagóricos lo atestiguan claramente, ya que creían que el mundo fue creado de acuerdo con las leyes musicales, que el movimiento de las esferas es la causa de la armonía, y que nuestra alma se construye de acuerdo con las mismas leyes, se despierta a partir de canciones y sonidos, y parecen tener un efecto vivificante en sus propiedades.
Zarlino se inclina a considerar la música como la principal entre las artes liberales, así como Leonardo da Vinci elogió la pintura. Pero esta pasión por ciertos tipos de arte no debe confundirnos, porque estamos hablando de la armonía como una categoría estética integral.
“Y si el alma del mundo (como algunos piensan) es armonía, ¿no puede nuestra alma ser la causa de toda armonía en nosotros y nuestro cuerpo no estar unido con el alma en armonía, especialmente cuando Dios creó al hombre a semejanza de un mundo más grande, llamado por los griegos el cosmos, es decir, decoración o embellecimiento, y ¿cuándo creó una apariencia de un volumen más pequeño, en contraste con el llamado mikrokosmos, es decir, un mundo pequeño? Está claro que tal suposición no carece de fundamento.
En Zarlino, la teología cristiana se transforma en estética antigua. La idea de la unidad del micro y macrocosmos da lugar a otra idea en él: sobre la proporcionalidad de la armonía objetiva del mundo y la armonía subjetiva inherente al alma humana. Destacando la música como principal de las artes libres, Zarlino habla de la unidad de la música y la poesía, de la unidad de la música y el texto, de la melodía y la palabra. A esto se suma la "historia", que anticipa o justifica el nacimiento de la ópera. Y si la danza, como sucede en París, veremos el nacimiento del ballet.
Se cree que fue Tsarlino quien dio la caracterización estética de mayor y menor, definiendo la tríada mayor como alegre y luminosa, y la tríada menor como triste y melancólica. También define el contrapunto como "un todo armónico que contiene varios cambios en los sonidos o voces cantadas en un cierto patrón de correlación y con una cierta medida de tiempo, o que esta es una combinación artificial de varios sonidos, llevados a la consistencia".
Josephfo Carlino, como Tiziano, con quien estaba asociado, ganó gran fama, fue elegido miembro de la Academia de la Gloria de Venecia. La estética aclara el estado de cosas en la música durante el Renacimiento. El fundador de la escuela de música veneciana fue Adrian Willaert (entre 1480/90 - 1568), holandés de nacimiento. Tsarlino estudió música con él. La música veneciana, como la pintura, se distinguió por el esplendor de su paleta sonora, que pronto adquirió rasgos barrocos.
Además de la escuela veneciana, las más grandes e influyentes fueron la romana y la florentina. El director de la escuela romana fue Giovanni Palestrina (1525 - 1594).
La comunidad de poetas, eruditos humanistas, músicos y amantes de la música en Florencia se llama Camerata. Fue dirigido por Vincenzo Galilei (1533 - 1591). Pensando en la unidad de la música y la poesía, y al mismo tiempo con el teatro, con la acción en el escenario, los miembros de la Camerata crearon un nuevo género: la ópera.
Las primeras óperas son "Daphne" de J. Peri (1597) y "Eurydice" con textos de Rinuccini (1600). Aquí se hizo una transición de un estilo polifónico a uno homofónico. Fue aquí donde se interpretaron por primera vez el oratorio y la cantata.
La música de los Países Bajos en los siglos XV y XVI es rica en nombres de grandes compositores, entre ellos Josquin Despres (1440 - 1524), sobre quien escribió Zarlino y que sirvió en la corte francesa, donde se desarrolló la escuela franco-flamenca. Se cree que el mayor logro de los músicos holandeses fue la misa coral a capella, correspondiente a la aspiración ascendente de las catedrales góticas.
En Alemania, el arte del órgano se está desarrollando. En Francia, se crearon capillas en la corte y se celebraron festivales musicales. En 1581, Enrique III aprobó el cargo de "intendente principal de música" en la corte. El primer "director principal de música" fue el violinista italiano Baltazarini de Belgioso, quien puso en escena el "ballet cómico de la reina", espectáculo en el que por primera vez la música y la danza se dan como acción escénica. Así surgió el ballet de corte.
Clement Janequin (c. 1475 - c. 1560), destacado compositor del Renacimiento francés, es uno de los fundadores del género de la canción polifónica. Son obras de 4-5 voces, como canciones de fantasía. La canción polifónica secular - chanson - se ha generalizado fuera de Francia.
Durante el Renacimiento, la música instrumental se desarrolló ampliamente. entre los principales instrumentos musicales llaman al laúd, arpa, flauta, oboe, trompeta, órganos de varios tipos (positivos, portátiles), variedades de clavecín; el violín era un instrumento popular, pero con el desarrollo de nuevos instrumentos de cuerda como la viola, es el violín el que se convierte en uno de los principales instrumentos musicales.
Si la mentalidad nueva era Primero despierta en la poesía, recibe un brillante desarrollo en la arquitectura y la pintura, luego la música, a partir de una canción popular, impregna todas las esferas de la vida. Incluso la música sacra es ahora percibida en mayor medida, como pinturas de artistas sobre temas bíblicos, no como algo sagrado, sino como algo que da alegría y placer, de lo cual se encargaron los propios compositores, músicos y coros.
En una palabra, como en la poesía, en la pintura, en la arquitectura, hubo un punto de inflexión en el desarrollo de la música, con el desarrollo de la estética y la teoría musical, con la creación de nuevos géneros, especialmente formas artísticas sintéticas, como la ópera y El ballet, que debe percibirse como renacentista, transmitió siglos. La música renacentista suena en la arquitectura como una armonía de partes y todo, inscrita en la naturaleza, y en los interiores de los palacios, y en las pinturas en las que siempre vemos una actuación, un episodio detenido, cuando las voces callan, y los personajes todos escucha la melodía que ha resonado, que nosotros como si la escucháramos..
- Instrumentos musicales
Durante mucho tiempo, el sonido de la viola fue considerado un modelo de sofisticación en la música. Hay tres tipos principales en la familia de las violas. Viola da gamba es un instrumento grande que el ejecutante coloca verticalmente y pellizca los lados con los pies (la palabra italiana gamba significa "rodilla"). Otras dos variedades: viola da braccio (de it. braccio - "antebrazo") y viol d "amour (fr. viole d" amour - "viola of love") estaban orientadas horizontalmente, y cuando se tocaban, se presionaban contra el hombro. La viola da gamba está cerca del violonchelo en términos de rango de sonido, la viola da braccio está cerca del violín y la viola d'amour está cerca de la viola.
Entre los instrumentos de cuerda pulsada del Renacimiento, el laúd (polaco lutnia, del árabe "alud" - "árbol") ocupa el lugar principal. Llegó a Europa desde Oriente Medio a finales del siglo XIV, ya principios del siglo XVI había un repertorio enorme para este instrumento; En primer lugar, se cantaban canciones con acompañamiento de laúd. El laúd tiene un cuerpo corto; parte superior plano, y el inferior se asemeja a un hemisferio. Un mástil está unido al mástil ancho, dividido por trastes, y la cabeza del instrumento está doblada hacia atrás casi en ángulo recto. Si lo deseas, puedes ver el parecido con un cuenco en forma de laúd. Doce cuerdas se agrupan en pares, y el sonido se extrae tanto con los dedos como con una placa especial: una púa.
En los siglos XV y XVI surgió diferentes tipos teclados. Los tipos principales de tales instrumentos (clavicémbalo, clavicordio, cembalo, virginal) se utilizaron activamente en la música del Renacimiento, pero su verdadero apogeo llegó más tarde.
- Instrumentos Populares
En ese momento, a muchas personas les gustaba tocar la flauta dulce, las flautas y los cuernos. La música más compleja fue escrita para el clavicémbalo de nueva creación, el virginal (clavicémbalo inglés, caracterizado por su reducido tamaño) y el órgano. Al mismo tiempo, los músicos no se olvidaron de componer música más sencilla, que no requería grandes habilidades interpretativas. Al mismo tiempo, hubo cambios en la escritura musical: los pesados bloques de impresión de madera fueron reemplazados por letras móviles de metal inventadas por el italiano Ottaviano Petrucci. Las obras musicales publicadas se agotaron rápidamente, cada vez más personas comenzaron a unirse a la música.
En el siglo XVI. aparecieron nuevos instrumentos musicales. Los más populares fueron los de ellos, el juego en el que se entregó a los amantes de la música de forma fácil y sencilla, sin necesidad de habilidades especiales.
Las violas y las violas pulsadas relacionadas se convirtieron en las más comunes. La viola fue la precursora del violín y era fácil de tocar gracias a los trastes (tiras de madera a lo largo del diapasón) que te ayudaban a tocar las notas correctas. El sonido de la viola era silencioso, pero sonaba bien en salas pequeñas. Con el acompañamiento de otro instrumento punteado con trastes, el laúd, cantaron, como ahora con una guitarra.
En ese momento, a muchas personas les gustaba tocar la flauta dulce, las flautas y los cuernos. La música más compleja fue escrita para el clavicémbalo de nueva creación, el virginal (clavicémbalo inglés, caracterizado por su reducido tamaño) y el órgano. Al mismo tiempo, los músicos no se olvidaron de componer música más sencilla, que no requería grandes habilidades interpretativas. Al mismo tiempo, hubo cambios en la escritura musical: los pesados bloques de impresión de madera fueron reemplazados por letras móviles de metal inventadas por el italiano Ottaviano Petrucci. Las obras musicales publicadas se agotaron rápidamente, cada vez más personas comenzaron a unirse a la música.
- Breve descripción de la era por país
Los Países Bajos es una región histórica en el noroeste de Europa, que incluye los territorios de la actual Bélgica, Holanda, Luxemburgo y el noreste de Francia. Hacia el siglo XV Holanda alcanzó un alto nivel económico y cultural y se convirtió en un próspero país europeo.
Fue aquí donde se formó la escuela polifónica holandesa, uno de los mayores fenómenos de la música renacentista. Por el desarrollo del arte del siglo XV importancia hubo una comunicación de músicos de diferentes países, la influencia mutua de las escuelas creativas. La escuela holandesa absorbió las tradiciones de Italia, Francia, Inglaterra y los propios Países Bajos.
Sus destacados representantes: Guillaume Dufay (1400-1474) (Dufay) (circa 1400 - 27/11/1474, Cambrai), compositor franco-flamenco, uno de los fundadores de la escuela holandesa. Guillaume Dufay (circa 1400 - 1474) sentó las bases de la tradición polifónica en la música holandesa. Nació en la ciudad de Cambrai en Flandes (provincia al sur de los Países Bajos) y desde temprana edad cantó en el coro de la iglesia. Paralelamente, el futuro músico tomó clases particulares de composición. En su juventud, Dufay fue a Italia, donde escribió sus primeras composiciones: baladas y motetes. En 1428-1437. sirvió como cantor en la capilla papal en Roma; durante estos años viajó a Italia y Francia. En 1437, el compositor tomó las órdenes sagradas. En la corte del duque de Saboya (1437-1439), compuso música para ceremonias solemnes y festividades. Dufay era muy respetado por la gente noble; entre sus admiradores se encontraban, por ejemplo, la pareja Medici (gobernantes de la ciudad italiana de Florencia). [Trabajó en Italia y Francia. En 1428-37 fue cantante de capillas papales en Roma y otras ciudades italianas, en 1437-44 sirvió con el duque de Saboya. Desde 1445 canónigo y responsable de las actividades musicales de la catedral de Cambrai. Maestro de los géneros espirituales (misas de 3, 4 voces, motetes), así como profanos (canciones francesas de 3, 4 voces, canciones italianas, baladas, rondó) asociados con la polifonía popular y la cultura humanística del Renacimiento. El arte de D., que absorbió los logros del arte musical europeo, tuvo una gran influencia en el desarrollo posterior de la música polifónica europea. También fue un reformador de la escritura musical (a D. se le atribuye la introducción de notas con cabezas blancas). Las obras completas de D. publicadas en Roma (6 vols., 1951-66).] Dufay fue el primero entre los compositores en comenzar a componer la Misa como una composición musical integral. Para crear música sacra se requiere un talento extraordinario: la capacidad de expresar conceptos abstractos e intangibles con medios concretos y materiales. La dificultad radica en el hecho de que tal composición, por un lado, no deja indiferente al oyente y, por otro lado, no distrae del culto, ayuda a enfocarse más profundamente en la oración. Muchas de las misas de Dufay están inspiradas, llenas de vida interior; parecen ayudar a levantar el velo de la revelación divina por un momento.
A menudo, al crear una misa, Dufay tomó una melodía conocida, a la que agregó la suya. Tales préstamos son característicos del Renacimiento. Se consideró muy importante que la misa se basara en una melodía familiar que los fieles pudieran reconocer fácilmente incluso en una pieza polifónica. A menudo se usaba un fragmento del canto gregoriano; las obras seculares no estaban excluidas.
Además de música sacra, Dufay compuso motetes sobre textos seculares. En ellos, también utilizó una compleja técnica polifónica.
Josquín Despres (1440-1521). Representante de la escuela polifónica holandesa de la segunda mitad del siglo XV. Fue Josquin Despres (circa 1440-1521 o 1524), quien tuvo una gran influencia en la obra de los compositores de la siguiente generación. En su juventud sirvió como niño de coro en la iglesia de Cambrai; tomó lecciones de música de Okegyom. A la edad de veinte años, el joven músico vino a Italia, cantó en Milán con los duques de Sforza (más tarde sirvió aquí el gran artista italiano Leonardo da Vinci) y en la capilla papal de Roma. En Italia, Despres probablemente comenzó a componer música. A principios del siglo XVI. se mudó a París. En ese momento, Despres ya era conocido, y el rey francés Luis XII lo invitó al puesto de músico de la corte. Desde 1503, Despres se instaló nuevamente en Italia, en la ciudad de Ferrara, en la corte del duque d "Este. Despres compuso mucho, y su música rápidamente ganó reconocimiento en los círculos más amplios: fue amada tanto por la nobleza como por la nobleza. gente común El compositor creó no solo obras de iglesia, sino también seculares. En particular, recurrió al género de la canción popular italiana - frottola (it. frottola, de frotta - "multitud"), que se caracteriza por un ritmo de baile y ritmo rápido En la música de la iglesia, Despres trajo las características de las obras seculares: la entonación fresca y viva violó el desapego estricto y evocó un sentimiento de alegría y plenitud del ser. Sin embargo, el sentido de la proporción nunca traicionó al compositor. Técnica polifónica de Despres no se distingue por la sofisticación, sus obras son elegantemente sencillas, pero en ellas se deja sentir el poderoso intelecto del autor, este es el secreto de la popularidad de sus creaciones.
Johannes Okegem (1430-1495), Jacob Obrecht (1450-1505). Los contemporáneos más jóvenes de Guillaume Dufay fueron Johannes (Jean) Okeghem (circa 1425-1497) y Jacob Obrecht. Al igual que Dufay, Okegem era de Flandes. Toda su vida trabajó duro; además de componer música, actuó como jefe de capilla. El compositor creó quince misas, trece motetes, más de veinte chansons. Las obras de Okegyom se caracterizan por el rigor, la concentración y un largo despliegue de suaves líneas melódicas. Prestó gran atención a la técnica polifónica y se esforzó por que todas las partes de la misa se percibieran como un todo. El estilo creativo del compositor también se puede ver en sus canciones: están casi desprovistas de ligereza secular, su carácter recuerda más a motetes y, a veces, a fragmentos de misas. Johannes Okegem fue respetado tanto en casa como en el extranjero (fue nombrado consejero del rey de Francia). Jakob Obrecht fue corista en las catedrales de varias ciudades de los Países Bajos, dirigió las capillas; durante varios años sirvió en la corte del duque d "Este en Ferrara (Italia). Es autor de veinticinco misas, veinte motetes, treinta chansons. Usando los logros de sus predecesores, Obrecht trajo muchas cosas nuevas a la tradición polifónica Su música está llena de contrastes, audaz, incluso cuando el compositor recurre a los géneros tradicionales de la iglesia.
La versatilidad y profundidad de la creatividad Orlando Lasso. La historia de la música renacentista holandesa se completa con la obra de Orlando Lasso (nombre real y apellido Roland de Lasso, hacia 1532-1594), llamado por sus contemporáneos el "Orfeo belga" y el "Príncipe de la música". Lasso nació en Mons (Flandes). Desde niño cantaba en el coro de la iglesia, sorprendiendo a los feligreses con una voz maravillosa. Gonzaga, duque de la ciudad italiana de Mantua, escuchó accidentalmente a un joven cantante, lo invitó a su propia capilla. Después de Mantua, Lasso trabajó por un corto tiempo en Nápoles y luego se mudó a Roma, donde recibió el puesto de jefe de la capilla de una de las catedrales. A la edad de veinticinco años, Lasso ya era conocido como compositor y sus composiciones tenían demanda entre los editores de música. En 1555 se publicó la primera colección de obras, que contenía motetes, madrigales y chanson. Lasso estudió todo lo mejor que fue creado por sus predecesores (compositores holandeses, franceses, alemanes e italianos) y utilizó su experiencia en su trabajo. Siendo una personalidad extraordinaria, Lasso buscó superar la naturaleza abstracta de la música de iglesia, para darle individualidad. Para este propósito, el compositor a veces utilizó motivos de género y cotidianos (temas de canciones populares, danzas), reuniendo así las tradiciones eclesiásticas y seculares. Lasso combinó la complejidad de la técnica polifónica con una gran emotividad. Tuvo especial éxito en los madrigales, en cuyos textos se revelaba el estado de ánimo de los personajes, por ejemplo, Lágrimas de San Pedro "(1593) a los versos del poeta italiano Luigi Tranzillo. El compositor a menudo escribía para un gran número de voces (de cinco a siete), por lo que sus obras son difíciles de interpretar.
Desde 1556, Orlando Lasso residía en Munich (Alemania), donde dirigía la capilla. Al final de su vida, su autoridad en los círculos musicales y artísticos era muy alta y su fama se extendió por toda Europa. La escuela polifónica holandesa tuvo una gran influencia en el desarrollo de la cultura musical de Europa. Los principios de la polifonía desarrollados por los compositores holandeses se hicieron universales y los compositores del siglo XX utilizaron muchas técnicas artísticas en su trabajo.
Francia.
Para Francia, los siglos XV-XVI se convirtieron en una era de cambios importantes: terminó la Guerra de los Cien Años (1337-1453) con Inglaterra, a fines del siglo XV. se completó la unificación del estado; en el siglo XVI el país experimentó guerras religiosas entre católicos y protestantes. En un estado fuerte con una monarquía absoluta, aumentó el protagonismo de las celebraciones cortesanas y las fiestas populares. Esto contribuyó al desarrollo del arte, en particular de la música, que acompañó tales acciones. Aumentó el número de conjuntos vocales e instrumentales (capillas y consortes), que constaban de un número significativo de intérpretes. Durante las campañas militares en Italia, los franceses se familiarizaron con los logros de la cultura italiana. Sintieron y aceptaron profundamente las ideas del Renacimiento italiano: el humanismo, el deseo de armonía con el mundo exterior, para el disfrute de la vida.
Si en Italia el Renacimiento musical se asoció principalmente con la misa, los compositores franceses, junto con la música de la iglesia, prestaron especial atención a la canción polifónica secular: chanson. El interés por él en Francia surgió en la primera mitad del siglo XVI, cuando se publicó una colección de obras musicales de Clement Janequin (circa 1485-1558). Es este compositor quien es considerado uno de los creadores del género.
Principales obras del programa coral de Clement Janequin (1475-1560). De niño, Janequin cantaba en el coro de una iglesia en su ciudad natal de Châtellerault (Francia central). En el futuro, como sugieren los historiadores de la música, estudió con el maestro holandés Josquin Despres o con un compositor de su entorno. Habiendo recibido el sacerdocio, Janequin trabajó como regente (director de coro) y organista; luego fue invitado a servir por el duque de Guisa. En 1555, el músico se convirtió en cantante de la Capilla Real, y en 1556-1557. - compositor de la corte real. Clement Janequin creó doscientas ochenta canciones (publicadas entre 1530 y 1572); escribió música de iglesia - misas, motetes, salmos. Sus canciones eran a menudo de naturaleza pictórica. Ante el ojo de la mente del oyente hay imágenes de la batalla ("Batalla de Marignano", "Batalla de Rent", "Batalla de Metz"), escenas de caza ("Caza"), imágenes de la naturaleza ("Birdsong", "Ruiseñor ", "Lark" ), escenas cotidianas ("Charla de mujeres"). Sorprendentemente brillante, el compositor logró transmitir la atmósfera de la vida cotidiana en París en la canción "Cries of Paris": introdujo las exclamaciones de los vendedores en el texto ("¡Leche!" - "¡Pasteles!" - "¡Alcachofas!" - " ¡Pescado!" - "¡Fósforos!" - "¡Palomas!" - "¡Zapatos viejos!" - "¡Vino!"). Janequin casi no usó temas largos y suaves para voces individuales y dispositivos polifónicos complejos, prefiriendo pasar lista, repeticiones y onomatopeyas.
Otra dirección de la música francesa está asociada con el movimiento paneuropeo de la Reforma.
En los servicios de la iglesia, los protestantes franceses (huguenotes) abandonaron el latín y la polifonía. La música sacra adquirió un carácter más abierto y democrático. Uno de los representantes más brillantes de esta tradición musical fue Claude Goudimel (entre 1514 y 1520-1572), autor de salmos basados en textos bíblicos y cantos protestantes.
Canción. Uno de los principales géneros musicales del Renacimiento francés es la chanson (fr. chanson - "canción"). Sus orígenes están en el arte popular (se musicalizaban los versos rimados de los cuentos épicos), en el arte de los trovadores y trovadores medievales. En términos de contenido y estado de ánimo, la chanson podía ser muy diversa: había canciones de amor, cotidianas, lúdicas, satíricas, etc. Los compositores tomaron poemas populares y poesía moderna como textos.
Italia.
Con el inicio del Renacimiento en Italia, se extendió la reproducción de música cotidiana en varios instrumentos; surgieron círculos de amantes de la música. En el campo profesional se formaron dos de las escuelas más sólidas: la romana y la veneciana.
Madrigal. Durante el Renacimiento, el papel de los géneros seculares aumentó. En el siglo XIV. el madrigal apareció en la música italiana (del latín tardío matricale - "una canción en el idioma nativo"). Se formó sobre la base de canciones populares (de pastores). Los madrigales eran canciones para dos o tres voces, a menudo sin acompañamiento instrumental. Fueron escritos a los versos de los poetas italianos modernos, que hablaban sobre el amor; había canciones sobre temas cotidianos y mitológicos.
Durante el siglo XV, los compositores casi no recurrieron a este género; el interés en él se revivió solo en el siglo XVI. Un rasgo característico del madrigal del siglo XVI es la estrecha conexión entre música y poesía. La música siguió con flexibilidad el texto, reflejando los eventos descritos en la fuente poética. Con el tiempo, se desarrollaron símbolos melódicos peculiares, que denotaban tiernos suspiros, lágrimas, etc. En las obras de algunos compositores, el simbolismo era filosófico, por ejemplo, en el madrigal de Gesualdo di Venosa "Me muero, desgraciado" (1611).
El apogeo del género cae en el cambio de los siglos XVI-XVII. A veces, simultáneamente con la interpretación de la canción, se desarrollaba su trama. El madrigal se convirtió en la base de la comedia madrigal (una composición coral basada en el texto de una obra de teatro cómica), que preparó la aparición de la ópera.
Escuela polifónica romana. Juan de Palestrina (1525-1594). El jefe de la escuela romana fue Giovanni Pierluigi da Palestrina, uno de los más grandes compositores del Renacimiento. Nació en la ciudad italiana de Palestrina, después de lo cual recibió su apellido. Desde la infancia, Palestrina cantó en el coro de la iglesia y, al llegar a la edad adulta, fue invitado al puesto de director de orquesta (director del coro) en la Basílica de San Pedro en Roma; más tarde sirvió en la Capilla Sixtina (la capilla de la corte del Papa).
Roma, el centro del catolicismo, atrajo a muchos músicos destacados. A diferente tiempo Aquí trabajaron los maestros polifónicos holandeses Guillaume Dufay y Josquin Despres. Su desarrollada técnica compositiva interfería a veces en la percepción del texto del oficio: se perdía tras el exquisito plexo de voces y las palabras, de hecho, no eran audibles. Por ello, las autoridades eclesiásticas desconfiaban de este tipo de obras y abogaron por la vuelta de la monofonía basada en los cantos gregorianos. La cuestión de la admisibilidad de la polifonía en la música sacra se discutió incluso en el Concilio de Trento de la Iglesia Católica (1545-1563). Cercana al Papa, Palestrina convenció a los líderes de la Iglesia de la posibilidad de crear obras donde la técnica del compositor no interfiriera en la comprensión del texto. Como prueba, compuso la "Misa de Papa Marcello" (1555), que combina polifonía compleja con un sonido claro y expresivo de cada palabra. Así, el músico "salvó" a la música polifónica profesional de la persecución de las autoridades eclesiásticas. En 1577, el compositor fue invitado a discutir la reforma del gradual - una colección de himnos sagrados de la Iglesia Católica. En los 80s. Palestrina tomó las órdenes sagradas y en 1584 se convirtió en miembro de la Sociedad de Maestros Musicales, una asociación de músicos que estaba directamente subordinada al Papa.
El trabajo de Palestrina está imbuido de una cosmovisión brillante. Las obras que creó impresionaron a sus contemporáneos tanto con la mayor habilidad como con la cantidad (más de cien misas, trescientos motetes, cien madrigales). La complejidad de la música nunca ha servido como barrera para su percepción. El compositor supo encontrar el término medio entre la sofisticación de las composiciones y su accesibilidad para el oyente. Palestrina vio la principal tarea creativa en el desarrollo de una integral buen trabajo. Cada voz en sus cantos se desarrolla de forma independiente, pero al mismo tiempo forma un todo único con el resto, ya menudo las voces forman combinaciones de acordes que sorprenden por su belleza. A menudo, la melodía de la voz superior parece elevarse por encima del resto, delineando la "cúpula" de la polifonía; todas las voces son suaves y desarrolladas.
El arte de Giovanni da Palestrina fue considerado ejemplar y clásico por los músicos de la siguiente generación. Muchos compositores destacados de los siglos XVIII y XVIII estudiaron sus composiciones.
Otra dirección de la música renacentista está asociada con el trabajo de los compositores de la escuela veneciana, cuyo fundador fue Adrian Villaart (circa 1485-1562). Sus alumnos fueron el organista y compositor Andrea Gabrieli (entre 1500 y 1520 - después de 1586), el compositor Cyprian de Pope (1515 o 1516-1565) y otros músicos. Si las obras de Palestrina se caracterizan por la claridad y la estricta moderación, Willart y sus seguidores desarrollaron un magnífico estilo coral. Para lograr un sonido envolvente, juego de timbres, utilizaron varios coros en las composiciones, ubicados en diferentes lugares del templo. El uso de pases de lista entre los coros permitió llenar el espacio de la iglesia con efectos sin precedentes. Este enfoque reflejó los ideales humanísticos de la época en su conjunto, con su alegría, libertad y la propia tradición artística veneciana, con su deseo de todo lo brillante e inusual. En el trabajo de los maestros venecianos, el lenguaje musical también se volvió más complejo: estaba lleno de audaces combinaciones de acordes, armonías inesperadas.
Una figura destacada del Renacimiento fue Carlo Gesualdo di Venosa (circa 1560-1613), el príncipe de la ciudad de Venosa, uno de los más grandes maestros del madrigal secular. Ganó fama como filántropo, laudista y compositor. El príncipe Gesualdo era amigo del poeta italiano Torquato Tasso; Quedaron las cartas más interesantes en las que ambos artistas tratan temas de literatura, música y bellas artes. Gesualdo di Venosa puso música a muchos de los poemas de Tasso; así es como aparecieron una serie de madrigales muy artísticos. Como representante del Renacimiento tardío, el compositor desarrolló un nuevo tipo de madrigal, donde los sentimientos estaban en primer lugar: tormentosos e impredecibles. Por lo tanto, sus obras se caracterizan por fluctuaciones de volumen, entonaciones similares a suspiros e incluso sollozos, acordes agudos y cambios de tempo contrastantes. Estas técnicas dieron a la música de Gesualdo un carácter expresivo, un tanto bizarro, que impactó y al mismo tiempo atrajo a los contemporáneos. El patrimonio de Gesualdo di Venosa consta de siete colecciones de madrigales polifónicos; entre composiciones espirituales - "Himnos sagrados". Aún hoy su música no deja indiferente al oyente.
Desarrollo de géneros y formas de música instrumental. La música instrumental también está marcada por la aparición de nuevos géneros, entre los que destaca el concierto instrumental. El violín, el clavicordio, el órgano se convirtieron gradualmente en instrumentos solistas. La música escrita para ellos permitió mostrar el talento no solo del compositor, sino también del intérprete. En primer lugar, se valoraba el virtuosismo (la capacidad de hacer frente a las dificultades técnicas), que poco a poco se convirtió en un fin en sí mismo y en un valor artístico para muchos músicos. Los compositores de los siglos XVII-XVIII generalmente no solo componían música, sino que también tocaban los instrumentos con virtuosismo y participaban en actividades pedagógicas. El bienestar del artista dependía en gran medida del cliente específico. Por regla general, todo músico serio buscaba un lugar en la corte de un monarca o de un aristócrata rico (muchos miembros de la nobleza tenían sus propias orquestas o teatros de ópera), o en un templo. Además, la mayoría de los compositores combinaron fácilmente la creación de música eclesiástica con el servicio de un mecenas secular.
Inglaterra.
La vida cultural de Inglaterra durante el Renacimiento estuvo estrechamente relacionada con la Reforma. En el siglo XVI, el protestantismo se extendió por todo el país. La Iglesia Católica perdió su posición dominante, la Iglesia Anglicana pasó a ser el Estado, que se negó a reconocer algunos dogmas (disposiciones básicas) del Catolicismo; la mayoría de los monasterios dejaron de existir. Estos eventos tuvieron un impacto en la cultura inglesa, incluida la música. Se abrieron departamentos de música en las universidades de Oxford y Cambridge. En los salones de la nobleza, sonaban instrumentos de teclado: virginal (un tipo de clavicémbalo), un órgano portátil (pequeño), etc. Las pequeñas composiciones destinadas a tocar música en casa eran populares. El representante más destacado de la cultura musical de esa época fue William Byrd (1543 o 1544-1623), editor de música, organista y compositor. Bird se convirtió en el antepasado del madrigal inglés. Sus obras destacan por su sencillez (evitó complejos recursos polifónicos), la originalidad de la forma que sigue al texto y la libertad armónica. Todos los medios musicales están llamados a afirmar la belleza y la alegría de vivir, frente al rigor y la moderación medievales. En el género madrigal, el compositor tuvo muchos seguidores.
Bird también creó obras espirituales (misas, salmos) y música instrumental. En las composiciones para el virginal, utilizó los motivos de las canciones y danzas populares.
El compositor realmente quería que la música que escribió "llevara felizmente al menos un poco de ternura, relajación y entretenimiento", escribió William Byrd en el prefacio de una de sus colecciones de música.
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La siguiente etapa en el desarrollo de la tradición musical europea es el Renacimiento, o Renacimiento, que duró de 14 a 16 siglos. Este es un período significativo para el desarrollo de la cultura europea en su conjunto. La música durante el Renacimiento se convirtió en una forma de arte en toda regla, con sus propias tendencias, leyes de desarrollo y características nacionales.
El renacimiento comenzó en Italia, por lo que el período del siglo XIV vio el apogeo del desarrollo de la música italiana. En el siglo XV, el Renacimiento conquistó Holanda y luego toda Europa: Francia y, a continuación, Inglaterra y Alemania.
órgano y viola
De la Edad Media, la cultura del Renacimiento heredó su principal instrumento musical: el órgano. Poco a poco se le van añadiendo muchos otros instrumentos de cuerda y de viento.
Organo
Fue en el Renacimiento que apareció: un representante de la familia de arcos de cuerda con el mismo número de cuerdas principales y resonantes. Da un sonido aterciopelado y la mayoría de las veces solos. La viola prácticamente no se utilizó en la orquesta debido a las dificultades de afinación. Es la viola, aparentemente, la precursora del violín, la viola, el violonchelo y otros instrumentos de violín.
Viola
Laúd
El segundo tipo de instrumento musical común durante el Renacimiento es el instrumento de cuerda pulsada. Entre ellos destaca el laúd, cuyo nombre proviene o bien de la palabra polaca lutnia, bien del árabe alud, que significa árbol. El laúd se caracteriza por sus pequeñas dimensiones, una forma semiesférica de la parte inferior y una parte superior plana. El cuello es bastante ancho, con la cabeza inclinada en ángulo recto. Ella tiene diez pares de cuerdas y dos formas de extraer el sonido: con la ayuda de los dedos o un plato especial, púa.
Laúd
El laúd tiene raíces orientales y apareció en Europa recién en el siglo XV, convirtiéndose rápidamente en uno de los instrumentos más populares. Se creó un repertorio separado especialmente para él, que incluía no solo melodías instrumentales, sino también canciones.
Clavecín y otros instrumentos de teclado del Renacimiento
Clave
La tercera familia de instrumentos musicales, que se originó en el Renacimiento, su prototipo fue un órgano, en el que las teclas fueron reemplazadas por palancas anchas e incómodas. Tras el órgano, aparecieron otros instrumentos, cuyo sonido se extrae mediante las teclas. Esto es un clavicémbalo, un clavicémbalo, un virginal, un clavicordio, una espineta, un muselar… El Renacimiento les dio un comienzo en la vida, pero el período de su mayor prosperidad será ya en la época del Barroco.
renacimiento(Francés Renacimiento) - una era en la vida cultural e histórica de Europa Occidental en los siglos XV-XVI. (en Italia - siglos XIV-XVI). Este es el período del surgimiento y desarrollo de las relaciones capitalistas, la formación de naciones, lenguas y culturas nacionales. El Renacimiento es la época de los grandes descubrimientos geográficos, la invención de la imprenta, el desarrollo de la ciencia.
La era lleva el nombre de renacimiento interés en antiguo arte, que se convirtió en un ideal para las figuras culturales de la época. Compositores y teóricos musicales - J. Tinktoris, J. Tsarlino y otros - estudiaron tratados musicales griegos antiguos; en las obras musicales de Josquin Despres, a quien se compara con Miguel Ángel, "ha aumentado la perfección perdida de los antiguos griegos"; Apareció a finales del siglo XVI y principios del XVII. la ópera está orientada a los patrones del drama antiguo.
El arte renacentista se basó en humanismo(del latín "humanus" - humano, filantrópico) - una visión que proclama a una persona valor más alto, defiende el derecho de una persona a su propia valoración de los fenómenos de la realidad, plantea la exigencia el conocimiento científico y adecuada reflexión en el arte de los fenómenos de la realidad. Los ideólogos del Renacimiento opusieron a la teología de la Edad Media un nuevo ideal de hombre imbuido de sentimientos e intereses terrenales. Al mismo tiempo, se conservan los rasgos de la época anterior en el arte del Renacimiento (siendo esencialmente secular, utiliza imágenes del arte medieval).
El Renacimiento fue también una época de amplios movimientos religiosos antifeudales y anticatólicos (husitismo en la República Checa, luteranismo en Alemania, calvinismo en Francia). Todos estos movimientos religiosos están unidos por el concepto común " protestantismo" (o " reforma»).
Durante el Renacimiento, el arte (incluida la música) gozó de un gran prestigio público y se generalizó enormemente. Las bellas artes (L. da Vinci, Rafael, Miguel Ángel, Jan van Eyck, P. Bruegel y otros), la arquitectura (F. Brunelleschi, A. Palladio), la literatura (Dante, F. Petrarca, F. Rabelais, M. Cervantes , W. Shakespeare), música.
Rasgos característicos de la cultura musical del Renacimiento:
desarrollo rápido secular la música (amplia difusión de géneros seculares: madrigales, frottols, villanelles, "chansons" francesas, canciones polifónicas inglesas y alemanas), su embestida sobre la antigua cultura musical eclesiástica que coexistía con la secular;
realista tendencias en la música: nuevas tramas, imágenes correspondientes a visiones humanistas y, como resultado, nuevos medios de expresión musical;
gente melódico como el principio principal de una pieza musical. Canciones folk se utilizan como cantus firmus (la melodía de tenor principal e inmutable en las obras polifónicas) y en la música polifónica (incluida la música sacra). La melodía se vuelve más suave, más flexible, melodiosa, porque es una expresión directa de las experiencias humanas;
poderoso desarrollo polifónico música, incluido y " estilo estricto" (de lo contrario - " polifonía vocal clásica", porque centrado en la interpretación vocal y coral). El estilo estricto implica el cumplimiento obligatorio de las reglas establecidas (las normas de estilo estricto fueron formuladas por el italiano J. Carlino). Los maestros del estilo estricto dominaron la técnica del contrapunto, la imitación y el canon. La escritura estricta se basaba en un sistema de modos eclesiásticos diatónicos. Las consonancias dominan en armonía, el uso de disonancias estaba estrictamente limitado por reglas especiales. Se añaden los modos mayor y menor y el sistema de reloj. La base temática fue el canto gregoriano, pero también se utilizaron melodías seculares. El concepto de estilo estricto no cubre toda la música polifónica del Renacimiento. Se centra principalmente en la polifonía de Palestrina y O. Lasso;
la formación de un nuevo tipo de músico - profesional, quien recibió una educación musical especial integral. Aparece por primera vez el concepto de "compositor";
la formación de escuelas nacionales de música (inglesa, holandesa, italiana, alemana, etc.);
aparición de los primeros intérpretes laúd, viola, violín, clavecín, órgano; florecimiento de la creación musical amateur;
la aparición de la tipografía.
Principales géneros musicales del Renacimiento
Principales teóricos musicales del Renacimiento:
Juan Tinctoris (1446 - 1511),
Glareano (1488 - 1563),
Josephfo Carlino (1517 - 1590).
